De son côté, Albert Camus, dans Le Mythe de Sisyphe, explore la notion d'absurde : l'absence de sens face à un univers indifférent. Sisyphe, condamné à pousser éternellement un rocher, incarne la condition humaine. Mais en acceptant cette absurdité sans chercher à la fuir, il trouve une forme de liberté intérieure. Camus en tire une leçon universelle : vivre pleinement malgré l'absurde, agir avec lucidité, et construire son propre sens dans un monde où les idéologies traditionnelles perdent de leur poids.

Ces deux visions se rejoignent dans leur approche du quotidien comme terrain d'exploration de l’absurde. Inspiré par cette idée, j’ai réalisé un montage stop-motion qui illustre cette absurdité en exploitant des bruits du quotidien, notamment un enregistrement du métro montréalais (STM). La répétition des mouvements évoque directement le mythe de Sisyphe, dont le geste éternel est une métaphore de nos routines. Ainsi, ce projet célèbre la lucidité et la liberté que l’on peut trouver en acceptant l'absurde avec créativité et réflexion.

Son meurtre n’était pas l’œuvre d’un seul homme : huit personnes ont été arrêtées pour leur rôle dans sa mort. Certains pensent que Michael ne croyait pas vraiment aux fées, mais utilisait cette croyance comme prétexte pour punir publiquement une femme perçue comme défiant les normes patriarcales.

À travers ce diptyque, j'ai voulu explorer le lien entre le folklore et la réalité, en mettant en lumière la force des croyances et leurs impacts dévastateurs.

J’ai donc voulu représenter cette expérience malaisante grâce à cette série de 3 images. Au départ, je souhaitais remplacer les bâtiments par des corps. Cependant, j’ai rencontré quelques difficultés techniques, alors j’ai pris la décision de seulement venir placer des mains dans les paysages. Cela suggère la présence humaine sans la dévoiler en entier. De plus, j’ai donné un rendu en noir et blanc pour que les deux images soient mieux liées et plus réalistes ensemble.

Mea Maxima Culpa est un cheminement de pensée sur le jeu de rôles qu'est la vie en société.

Acte I, Rentrer dans le Cadre

Répondre aux injonctions au conformisme.

Même dans les milieux prônant l'autonomie de pensée, l'être humain semble voué à l'uniformisation de sa personne pour ne pas rester en marge, et ce, même s'il en souffre ou se lasse de jouer un rôle.

Acte II, Mea Maxima Culpa

Décupler la faute.

Avouer ses manquements, son incapacité à rentrer dans le cadre tel qu'attendu de son entourage.

Les fleurs ont manqué d'eau, séché dans le vase sensé les maintenir artificiellement en vie après leur coupe. Comment rester vivant si l'on se coupe de notre essence?

Acte III, Ménage tes blessures

La façon dont on prend soin de soi est souvent le reflet de notre manière de prendre soin de ceux que l'on aime.

Une résolution au mal-être et à l'auto-flagellation? Apprendre à ne pas se négliger afin de survivre aux intempéries. Ne pas laisser la tempête déborder.

Cette dernière image pose une réflexion sur la filiation, la transmission intergénérationnelle: distinguer ce qui nous appartient de ce qui nous a été transmis ; choisir ce que nous souhaitons conserver et transmettre à notre tour.

Journal de Recherche

Inspirations: Gilbert Garcin, Being John Malkovich

Lectures: Éloge du Peu, Koike Ryûnosuke, Simulacres et Simulation, Jean Baudrillard

Pour ce faire, j'ai utilisé une source lumineuse placée derrière la tête des sujets afin de créer un effet de halo, symbolisant une aura ou une lumière intérieure. Une autre lumière a été dirigée vers l'avant, légèrement au-dessus des yeux, pour créer un reflet lumineux dans leur regard, accentuant leur profondeur et leur connexion intuitive. Pendant la prise de vue, une playlist de fréquences apaisantes a été diffusée pour installer un état de sérénité et d'ouverture chez les participants.

En postproduction, j'ai intégré des effets de flou pour évoquer une ambiance de rêve éveillé, mettant en avant les yeux comme point focal, tout en ajoutant une lueur au niveau du front pour incarner visuellement le troisième œil. Ce traitement visuel soutient mon intention de rendre perceptible cette énergie invisible et d’inviter à une réflexion sur notre perception élargie de la réalité.

L'événement photographié, un moment partagé entre amis et famille, devient le point de départ d'une réflexion sur la fragilité et la subjectivité du souvenir. La photographie, en tant que médium, capte un instant figé dans le temps, mais il n'est qu'une version de la réalité. Les souvenirs, eux, sont des constructions personnelles qui évoluent avec le temps, influencées par les émotions et les perceptions.

Pour ce projet, j'ai demandé à l'intelligence artificielle d’augmenter la réalité au-delà du cadre de la photographie, pour invité ceux et celles qui n'était pas là de voir ce qui pourrait exister hors-champ.

Ensuite, en animant les personnages dans l'image, je rend l'expérience plus dynamique tout en suggérant que les souvenirs, tout comme la réalité, sont malléables à l'infini.

Le lien entre photographie et souvenir est fondamentalement lié à la manière dont les images agissent comme des ancrages dans le passé. La photographie permet de cristalliser un moment, mais les souvenirs qu’elle évoque ne sont jamais des reproductions exactes. Ils sont souvent influencés par nos émotions, nos perceptions et la manière dont nous choisissons de nous en souvenir. En intégrant la réalité augmentée, je questionne cette relation, en offrant une nouvelle manière de revisiter ce qui n’est pas visible mais qui fait partie de l’expérience vécue.

Ce phénomène observé dans les sociétés occidentales s’explique par plusieurs facteurs. Tout d’abord, la standardisation de masse dans la production des biens de consommation vise à plaire au plus grand nombre, ce qui favorise des choix neutres. Pour les voitures, par exemple, les couleurs sobres facilitent leur revente.

En architecture, l’évolution des matériaux modernes comme le béton, le métal et le verre a conduit à une esthétique minimaliste, où l'on privilégié les tons neutres. Dans l’art et le design, la couleur a souvent été perçue comme superficielle ou décorative. Le mouvement Bauhaus, par exemple, privilégiait les matériaux bruts et fonctionnels et ne donnait qu'une importance secondaire à la couleur. David Batchelor note également que la couleur a été associée à des stéréotypes péjoratifs : féminine, orientale, primitive, enfantine, vulgaire et queer.

À travers la broderie de perles rouges, je matérialise ces lésions actives sur des parties du corps où elles peuvent se développer, muscles, articulations, organes etc. Ces broderies traduisent visuellement l’inflammation et les saignements que les lésions provoquent. De plus, le travail de broderie est un processus long et détaillé qui fait écho à la lenteur et la complexité du diagnostic de l'endométriose.

Pour la direction artistique j’ai voulu ramener le côté humain, qui était absent dans le premier projet. Des photos plus douces et décontractées avec des gros plans mettant en valeur la broderie et les détails du corps.

Ce projet me permet de continuer mon travail de sensibilisation et de compréhension de cette maladie encore trop peu connue.

Bien qu’il existe un cliché selon lequel les familles immigrantes exercent une grande pression sur leurs enfants pour qu’ils réussissent, je pense que, dans mon cas, cette pression vient avant tout de moi-même.

À travers ce projet, j’ai voulu représenter visuellement ce sentiment complexe, difficile à exprimer. J’ai créé un univers visuel abstrait qui met en lumière mon identité, la pression sociale de la réussite, et ce combat intérieur entre motivation intrinsèque et motivation extrinsèque qui affecte toutes les facettes de mon identité.

Ce projet reflète la manière dont les attentes sociales liées au succès peuvent façonner, fragmenter, et parfois étouffer notre identité. Il invite à une réflexion sur la difficulté de trouver un équilibre entre la conformité aux normes sociales et l’affirmation de soi. Ma réponse à toutes ces paroles est : je ne sais pas.

Vivre avec quelqu’un ayant des TOC c’est les observer en étant inutile, et parfois les subir aussi.

Le trouble obsessionnel compulsif est une combinaison de pensées incontrôlées et répétitives. La personne qui a ces pensées est incapable d'arrêter d'avoir ces pensées, même si elle sait qu’elles n’ont pas de sens. C’est ce qu'on appelle des obsessions.

Les compulsions, qui sont des répétitions d'actions ou de séries d'actions qui permettent de chasser les obsessions ou l'anxiété liées (ou pas) à l’obsession.

Ce sont des pensées et/ou des actions incontrôlables.

On a souvent une image un peu clichée des TOC dans les films, ces images montreront quelqu’un qui a peur d’avoir oublié de fermer sa porte à clé, ou encore quelqu’un qui sera obsédé par la propreté ou qui aura peur de tomber malade. Ce sont des cas possibles, mais en discutant avec la personne avec qui je vis au quotidien, je me suis rendue compte que les TOC pouvaient prendre différentes formes et différentes tournures dans ses pensées. Parfois la personne peut aller jusqu’à penser que si elle n’exécute pas les actions liées à son obsession il lui arrivera quelque chose de mal.

Mon défi était de représenter visuellement ce trouble sans tomber dans le cliché, je voulais trouver une manière originale d’en parler. 

J’ai donc représenté un TOC d’un de mes proches, j’ai augmenté le réel à partir d’une photo dont le robinet grossit et devient menaçant pour se multiplier et devenir de nombreux robinets. J’ai tenté par l’éclairage de la première photo de rendre l’ambiance visuellement angoissante. J’ai ajouté du son pour que cette image devienne plus puissante et plus perturbante, même si on ne la regarde pas elle nous perturbe quand même comme une obsession. La multiplication des robinets dans la deuxième partie de la vidéo montre les actions répétitives ou compulsions liées à la pensée obsessionnelle.

Dans la vidéo, une femme à une fête se regarde dans un miroir. Ici, j'amplifie la réalité, car le reflet ne correspond pas à l’image de la personne. Son reflet flou symbolise la difficulté à s’accepter. Le décor minimaliste, tout en blanc, focalise l'attention sur cette image déformée.

La vidéo aborde ensuite la reconstruction de l’estime de soi à travers un liquide qui passe de l’eau pure à un rouge écarlate. Ce processus est chaotique, difficile et lent. C’est un lâcher-prise, une lutte, une acceptation de soi, un pardon. C’est apprendre à ne pas s'accrocher au négatif. Ce rouge symbolise l’amour de soi, qui s’est peu à peu dilué par la bouteille représentant les jugements externes. La vidéo est projetée à l’envers pour illustrer ce retour à l’essence.

Le but de ce court-métrage est d’inciter les spectateurs à arrêter de se comparer aux autres et à tenter de se détacher du regard des autres.

Le titre Transcendance signifie un dépassement de la réalité et de soi.

En décembre 2022, ma famille, des amis et moi avons visité La Boca, Caminito, à Buenos Aires. Nous avons plongé dans un monde magique, un lieu vibrant où la culture argentine se révélait à chaque pas que l'on prenait. Les artisans locaux exposaient leurs œuvres uniques, des danseurs de tango faisaient virevolter leurs pas, la musique emplissait l'air, et les parfums alléchants de la cuisine éveillaient nos sens.

Aujourd'hui, quand je tente de revivre cette expérience, il m'est presque impossible de la reconstruire visuellement dans mon esprit. Pourtant, je la revis intensément à travers les émotions qu'elle m'a fait vivre. Les couleurs vibrantes des bâtiments semblent danser encore devant mes yeux, chaque œuvre artisanale prend vie dans mon souvenir, et les saveurs des mets délicieux me reviennent comme un écho lointain.

Cette journée hypnotisante reste gravée à l'esprit, non pas par des images, mais par les émotions qu'elle m'a offertes. Quand les souvenirs visuels s'estompent, ce sont ces émotions qui perdurent, et c'est ce précieux trésor que je voulais partager avec vous.

La réalité de cette journée est constituée de mille fragments, chacun unique dans la mémoire de ceux qui l’ont vécue. Ensemble, ces fragments racontent une histoire. Ce projet compile des photos et vidéos prises durant ce voyage — les miennes et celles de ma famille — et les fragmente pour offrir une vue d’ensemble de ces souvenirs et des émotions qu’ils évoquent. La musique qui accompagne cette expérience la rend encore plus immersive, tandis que certains des bruits captés ce jour-là viennent enrichir le récit sensoriel de notre visite.

¹Place language: the significance of memory, space, and home by Ryan Hooper

J’ai utilisé le phénakisticope pour créer plusieurs boucle et j’utilise les escaliers roulants, les ascenseurs et la marche parce que pour beaucoup de travailleurs, ce sont des éléments de transport associés à la routine. J’ai répéter plusieurs fois le même élément pour donner l’impression que notre quotidien ne nous laisse aucun répis et montrer l’absurdité de la situation. Pourquoi ce surmener autant, toujours faire la même chose jour après jour et ce soumettre à un stress important, pour mener à quoi? En réalité, il est rare que les personnes se soumettent volontairement à un tel rythme, il suivent un rythme qui leur est imposés par quelqu’un d’autre.

Si l’anxiété et le stress est ressentie quotidiennement sur une longue période, il est possible de développer des symptômes s’apparentant au troubles de dépersonnalisation/dissociation. Les personnes disent parfois qu'elles se sentent irréelles ou comme un automate, sans aucun contrôle sur ce qu'elles font ou disent. Elles peuvent se sentir engourdies émotionnellement et physiquement. De telles personnes se décrivent parfois comme étant un observateur extérieur de leur propre vie ou un « zombie ». Avec ma dernière loop, je voulais représenter ce sentiment et comment la routine peut mener à la perte de soi.

De plus, L’anamorphose fonctionne uniquement depuis un certain angle. Dès qu'on change de perspective, on réalise que tout était une question de point de vue. Cela illustre également comment la réalité change en fonction de notre position, de nos croyances ou du contexte.

Ainsi, mon projet explore 2 aspects complémentaires de la flexibilité du réel : la facilité avec laquelle les technologies altèrent notre perception et la manière dont un simple changement de perspective peut déconstruire une réalité en apparence solide.

Ce projet est une introspection personnelle qui explore le thème de la dissociation, un phénomène difficile à verbaliser, mais rendu tangible ici par un geste artistique: l’effacement numérique de moi-même de scènes vécues. Ce geste d’effacement est une métaphore de la dissociation, un état dans lequel on assiste à sa propre vie comme spectateur. Ces images interrogent le paradoxe de la présence-absence, le poids du non-dit dans les relations sociales, et la manière dont nos perceptions intérieures façonnent la réalité extérieure. Au premier regard, les photos sont normales, toutefois vide créée par le cadrage bancal suscite un sentiment étrange. Plus on défile à travers les photos, plus  la qualité “uncanny” devient évidente.

Ces images provoquent une tension entre l’intensité des interactions visibles et le vide laissé par son absence, tout en questionnant la manière dont la photographie peut transcender la documentation pour révéler des vérités émotionnelles invisibles.

Le logiciel n'a pas suivi les directions données

prompt donné: use the faces in the image to make them grow into another face. The pictures are moving and morphing into one another.

Pour 'augmenter' le réel, j'ai appliqué un effet de symétrie sur ces images, une modification technique qui les rend non reconnaissables. Cette intervention fait disparaître la représentation fidèle du lieu pour la remplacer par une nouvelle forme d'image. En jouant sur la symétrie, les photographies, pourtant issues d'un environnement naturel, se métamorphosent en compositions abstraites. Elles échappent à la logique de la reproduction fidèle et introduisent une dimension irréelle, preque onirique. Ce processus crée un contraste entre l'image originale, ancrée dans la réalité géographique, et l'image modifiée, qui semble échapper aux règles de la nature.

En offrant une interprétation alternative de la réalité, je questionne la manière dont nous percevons le monde à travers les images et comment la photographie, loin de seulement documenter le réel, peut devenir un outil de transformation. La symétrie ici, agit comme un filtre visuel.