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1.작가
2.작품제목
3.작품크기
4.제작연도
5.재료
6.작품의 외적인 특징(색상, 구도, 조형요소와 원리, 재료의 쓰임 등)
7.작품관련내용
8.작가설명
9.작품에 대한 느낀점.

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1.요하네스 베르메르
2.진주귀걸이를 한 소녀
3.44.5x39
4.1665
5.

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1.고흐
2.별이 빛나는 밤에
3. 73.7 X 92.1 cm
4.1889년
5.유화
6.형태와 색채를 변화시킨으로써 대상에 대해 느끼는 감정을 표현하는 것에 중점을두고,형식은 단순화하고,색채는 점점 강화

상징적인 표현이다.

7.생레미 정신병원에 입원하여 그린 작품으로 자신이 보았던 아름다운 밤하늘을 자신의 마음을 담아 신비롭게 그렸다.

8.네덜란드의 후기 인상주의 화가이다.짧은 생애였지만 가장 유명한 미술가로 남아있다. 초기 작품은 어두운 색조의 작품이었고, 후기 작품은 표현주의의 경향을 보였다. 고흐의 작품은 20세기 미술운동인 야수주의와 독일 표현주의가 발전할 수 있는 토대를 제공했다.

9.도시의 어둠과 별의 빛이 섞여 몽환적인 느낌을 주어서 뭔가 편안해 지는거 같다.

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1. 얀 판 에이크
2. 아르놀피니 부부의 초상
3. 82cm * 60cm
4. 1434년
5. 유화
6. 사실적이고 정밀한 세부 표현과 화려한 색채, 수학적 원근법이 아닌 경험에 의한 공간적 깊이감을 표현했습니다. 유화의 특징을 살려 인물을 생생하게 묘사했습니다.
7. 두 인물의 의상을 정교하게 그렸고, 남자가 왼손으로 여자의 오른손을 잡고 있기 때문에 완전하지 않은 결혼식을 의미합니다. 계절, 부의 상징, 의상을 정교하게 표현해냈고,  거울에 비친 화가의 모습도 담겨있습니다.
8. 얀 판 에이크는 15세기 북유럽에서 가장 중요한 화가 중 한 사람으로 간주되고 있습니다. 유화 기법을

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1. 미켈란젤로
2. 아담의 창조
3. 길이=40.93m/폭=13.41m
4. 1511~1512
5. 프레스코화
6. 천장에다가 그림을 그렸다
7. 교황이 손상된 낡은 런장에 식스투스 45세의 흔적을 제거할 수 있는 방법으로 미켈란젤로에게 천장화를 의뢰한 것이다
8. 미켈란젤로가 "예술가의 능력은 손이 아니라 머리에서 나온다"고 하며, 상상력을 중요시하게 여겼다
9. 그림이 생각보다 커서 놀랐고 해부학적인 부분과 신앙적이고 종교적인 부분이 꽤나 자세하게 들어가있어서 놀라웠다 언젠가 이탈리아에 가본다면 바티칸 성당을 꼭 가보고 싶다

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1.폴 시냑
2.레장들리,둑
3.65x81 cm
4.1886년경
5.유화
6.정말 많은 색으로 이루어져 있다.

7.폴시냑은 여름마다 바다에서 머물렀는데,1886년 독립예술가 협회 살롱존 개최 위원회에 소속되어서 백여키로미터 떨어진 아름다운 이 레장들리 마을을 선택했다 1886년 6월 부터 8월 사이에네 점의 레장들리 풍경화를 전시회에 선보였다.
현재 이 그림은 파리 오르세 미술관에 있다.
8.1863년11월11일-1935년8월15일 처음에 모네의 영향을 받아 인상파 화가로 출발하였다 그후 쇠라와 함께 신인상 주의의 지도적 존재가 되었다.점으로 그리는 점묘법을 사용하여 그림을 그린것으로 유명하다.
9.전체 그림을 봤을때 포근한거같아서 좋았다 점묘법이 신선해서 좋았다

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1. 존 에버렛 밀레이
2. 오필리아
3. 76cm x 1.12m
4. 1851년–1852년
5. 유화
6. 자연 모사를 섬세하게 하여 신비로운 느낌이 더해졌다. 또한 주변에 그려진 꽃들은 각각의 의미를 가지고 있다 또한 햄릿 작품에는 없는 양귀비를 그려너어 죽음을 표현하였다
7. 오필리아는 셰익스피어의 햄릿이라는 작품에 나오는 순수한 영혼의 여자로 햄릿의 연인인데 햄릿이 자신의 아버지를 죽이는 모습을 보고 결국 미쳐버렸으며 실성한 상태로 들판을 헤매다 물에 빠지고 소리도 지르지 않고 손에 꽃을 쥔 상태로 노래를 부르며 강물에 점점 가라앉아 죽는다 이 그림은 그 물에 빠진 오필리아를 그린 것이다
8. 밀레이는 라파엘 전파 양식의 가장 유명한 대가로 오필리아는 라파엘전파의 전형적인 그림양식을 보여준다
9. 햄릿이라는 책을 읽었었는데 읽고 보니 오필리어에 대한 감정이 가슴에 와닿으면서 오필리어가 너무 불쌍하기도 했고 작가가 꽃을 통해서 오필리어에 대해 표현한 것이 너무 멋있고 진짜 대단하다고 생각했다

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1.프라고나르2.그네 (그네 

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1.프라고나르
2.그네 (그네 타는 여인의 행복한 우연)
3. 81x64 cm
4. 1767년
5.유화
6.물감의 기법과 빛, 그림의 생생한 생동감이 특별한 감흥을 불러일으킨다.
7.여인은 덤불속에 숨어서 자신을 지켜보고 있던 한 남자와 시선이 마주치게된다. 남자는 몰래 여인을 따라다니다가 갑작스런 순간에 여인에게 발각 됨. 그네를 계속해서 오르락 내리락을 반복하고 그러는 동안 두 사람은 주교 모르게 사랑의 게임을 즐기게 된다.
8.화가 장 오노레 프라고나르 (1732~1806)는 점잖고 고지식한 사람이었지만 그림에 있어서만은 과감한 열정을 드러냈다.
9.밝은 느낌에 따뜻한 색감이 좋다고 느낀다.

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1.카라바조(Le Caravage)

2.홀로페르네스의 목을 치는 유디트

3.   145 x 195 cm

4. 1598년 ~ 1599년

5.캔버스에 유채

6.빛과 어둠의 강렬한 대조를 이용한 명암법이 사용되었다.
측면에서 비추는 강한 빛은 인물들이 어둠 속에서 두드러져 보이게 한다.
홀로페르네스는 고통에 몸을 뒤틀며 울부짖고 있으며, 피를 내뿜는 끔찍한 상처는 그대로 드러난다.
자루에 머리를 담을 준비를 하고 있는 늙은 하녀의 표정은 이 순간 그녀가 경험하고 있는 모든 공포를 전달하고 있다.
하지만 유디트는 냉혹한 모습으로 단지 얼굴을 약간 찡그리고 있을 뿐이다.

7.유디트는 성경에 등장하는 인물로, 전쟁에서 패배할 위기에 놓인 유대인들을 구하기 위해 적군의 대장 홀로페르네스를 유혹하고 그의 목을 벤 여성이다.
유디트는 16세기 상당한 인기를 끌던 주제로, 다수의 화가들이 이와 관련된 작품을 제작했다.
그러나 다른 화가들이 주로 홀로페르네스의 목이 잘린 이후 유디트가 그의 머리를 들고 있는 모습을 묘사한 것에 비해, 카라바조는 가장 극적인 순간인 참수 장면 자체를 그리고 있다.

8. 17세기 이탈리아 화가. 초기 바로크 미술을 대표하는 화가로 빛과 어둠의 강한 대비를 이용하는 기법으로 그림을 그렸다.
카라바조는 과거 한 여성이 참수형을 당하는 장면을 직접 보았다. 이러한 경험은 <홀로페르네스의 목을 치는 유디트>를 구성하는데 큰 영향을 끼쳤다.
카라바조는 전반적으로 밝았던 초기작에 비해 <홀로페르네스의 목을 치는 유디트>에서는 명암의 대조가 강해지면서 보다 성숙한 양식으로 접어들게 된다.

9.나는 이 그림의 전체적인 느낌이 마음에 들었고, 유디트의 찡그린 얼굴과 뒤로 뺀 몸에서 느껴지는 혐오감과, 두려움, 그리고 약간의 슬픔이 느껴지는 눈이 인상깊었다. 그리고 나는 처음봤을 때 유디트 뒤의 하녀가 유디트를 부추기는 느낌을 받았는데, 공포감을 표현한 것이라는 것을 알고, 확실히 미술은 보는 사람마다 다르게 느낀다고 생각했다. 또한 홀로페르네스의 우스꽝 스러운 얼굴과 포즈, 그리고 약간 현실성이 떨어지는 피 묘사가 재미있게 느껴졌다.

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1.키스 해링
2.무제
3.15.5×15.5cm
4.1987년도
5.실크 스크린
6.빨강색과 흰색 검정색으로만 이루어져 있다
7.빨강색 하트는 두 사람의 우정과 믿음을 나타낸다 하트에서 뿜어져 나오는 에너지를 강조하고 있다
8.키스 해링은 1958년에 태어나 1990년에 사망한 미국의 미술가이다 그는 동성애와 관련되어 사회와 싸운 사회 운동가이기도 하다
9.중앙의 있는 커다란 하트가 인상이 깊어서 좋고 또한 간단한 그림체로 표현을 잘 해서 좋다

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1.모네
2.수련이 핀 연못
3.83.3×93.1
4.1899년
5.캔버스에 유리채
6.실제 지형이 있는 것 처럼 색상의 조화가 잘 이루어저 있다
7.그는 늘 자연을 그릴 때에는 “마치 소경이 처음으로 눈을 떴을 때처럼” 그리라고 주문하곤 했다. 이는 그가 실제로 초록색인 이파리도 자연 속에서 직접 보면 빛의 변화에 따라 무수히 많은 다른 색으로 보인다는 점을 파악했기 때문이다.
8.클로드 모네는 인상파 양식의 창시자 중 한 사람으로, ‘인상파’라는 명칭은 그의 작품 〈인상, 해돋이〉에서 생겼다. 일생 변화하는 빛의 효과를 포착하기 위해 노력했으며, 한 가지 주제를 연작으로 그리곤 했다. 가장 대표적인 수련 연작의 영향으로 ‘수련의 화가’라고 불리기도 한다.
9.그림 재료를 가지고 실제 지형이 있는것처럼 그려서 놀라웠고 어떻게 자세하게 그렸는지 궁금하다.

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1. 에드바르트 뭉크
2. 절규
3. 91×73.5㎝
4. 1893
5. 마분지에 유채물감, 템페라, 파스텔
6. 붉은 빛에 구름 등 자연주의 색채를 통해 신비성을 강조했다.
7. 뭉크는 인간 내면의 강렬한 감정이 표현돼야 생각한다 해서 정물화나 풍경화를 거부했다.
8. 5살 때 어머니를 잃고 자신을 돌봤던 누나까지 15살에 잃은 데다 20대에는 아버지도 잃었다. 이 그림은 특히  극심한 불안감을 표현한 그림이다. 손으로 귀를 막은 것도 「아무것도 들리지 않는다.」라는 걸 표현하고 있다.
9. 날이 저물 무렵에 스산한 붉은 노을과 일렁이는 듯한 표현법이 절규와 잘 어우러지며 절규라는 표현이 잘이루어진게 느껴졌다.

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1. 라파엘로 산치호
2. 아테네 학당
3. 5m X 7.7m
4. 1510 ~ 1511
5. 도료,플라스터/프레스코
6.
7. 바티칸 사도 궁전 내부의 방들 가운데 교황의 개인 서재인 서명의 방에 교황 율리오 2세를 위해 만들어졌다.
8. 1483년 4월 6일 ~ 1520년 4월 6일)는 르네상스 시대 이탈리아의 예술가·화가이며, 흔히 라파엘로라고 불린다. 《아테네 학당》이 특히 유명하다.
9.

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1.빈센트 반 고흐
2.밤의 카페 테라스
3. 81cmX65cm
4.1888년 9월
5.유화
6.고흐의 트레이드 마크인 노란색을 작품에서 천국을 나타내는 색상으로 연결 지었다. 붓으로 몇번 툭툭 그린듯 한 그림이다.

7.여러 사람들이 각자 다른 일을 하고 있다.서로 신경을 안 쓰고 하는게 좋다.
8.빈센트 빌럼 반 고흐는 네덜란드 화가로 일반적으로 서양 미술사상 가장 위대한 화가 중 한 사람으로 여겨진다.
9.대체로 테라스 쪽엔 밝은 색상을 사용했고 밤을 표현하기 위해 칙칙한 색으로 칠하였다. 주관적 관점으로 색을 바라보고 칠하였다.

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1.클로드 모네
2.화가의 지베르니 정원
3.81x92cm
4.1900년
5.유화
6.서로 다른 색채들을 병합시켜서 정원에 핀 꽃과 나무를 표현했다.
7.이 그림은 꽃으로 가득 덮인 모네의 정원에 담긴 의미를 보여주고자 했다.그것은 모네가 이 그림에서도 빛의 떨림을 정확하게 묘사하고 있는 것으로 보아 알 수 있다.
8.국적 프랑스, 출생-사망 1840년~1926년
모네는 인상주의 화가이다.
9.정확히 형태를 잡고 그리는 것이 아니라 답답하면서 자유로운 느낌이 들었다

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-클로드 모네
-꽃이 핀 초원(LA PRAIRIE FLEURIE)
-65 x 80.5cm
-1885년
-유화
- 따뜻하고 밝은 느낌이며,  바람의 흔들리는 모습을 생생하게 연출하였고 정면에서 바라보고 그린 그림이다.
-프랑스 인상파 화가로 ‘빛은 곧 색채’라는 인상주의 원칙을 끝까지 고수했으며, 연작을 통해 동일한 사물이 빛에 따라 어떻게 변하는지 탐색했다.
-바람의 흔들리는 꽃과 나무의 모습을 생생하게 표현한 것이 멋있었고 밝고 따뜻하고 포근한 느낌이 들었다. 꽃들 사이에 보이는 아이와 여인의 모습이 그 느낌을 더 극대화 시킨 것 같았고
붓의 터치가 너무 마음에 들었다.

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1. 황금 바오밥 나무
2. 효선작가
3. 길이= 15.8cm/22.7cm
4. 2018 5 24
5. 캔버스에 아크릴
6. 나무가 금색나무다
7. 나무가 전하는 금빛 풍요로움
8. 김효선이라는 한국 작가이다.
9. 고요한느낌이 아주 잘그리셨고 이쁘다.

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1. 얀 판 에이크
2. 아르놀피니 부부의 초상
3. 82cm * 60cm
4. 1434년
5. 유화
6. 사실적이고 정밀한 세부 표현과 화려한 색채, 수학적 원근법이 아닌 경험에 의한 공간적 깊이감을 표현했습니다. 유화의 특징을 살려 인물을 생생하게 묘사했습니다.
7. 남자가 왼손으로 여자의 오른손을 잡고 있기 때문에 완전하지 않은 결혼식을 의미합니다. 계절, 부의 상징, 의상을 정교하게 표현해냈고,  거울에 비친 화가의 모습도 담겨있으며, 거울 위에는 “얀 판 에이크가 이곳에 있었다. 1434년” 이라고 쓰여있습니다.
8. 얀 판 에이크는 15세기 북유럽에서 가장 중요한 화가 중 한 사람으로 간주되고 있으며, 유화 기법을 사용한 최초의 미술가입니다.
9. 정교하게 그려진 두 인물과 배경, 빛을 표현하는 색감과 거울에 비친 화가의 모습, 그림 속에 내포되어 있는 의미를 발견하는 것이 흥미롭고, 실제로 그림을 보고 싶다는 생각이 듭니다.

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1.레오나르도 다 빈치
2.모나리자
3.77cmx55cm
4.1503년
5.유화
6.눈썹이 없고 수수께끼 같은 표정을 짓고 있는 것이 특징이고  스푸마토기법을 사용하여 엷은 안개가 덮인 듯한 효과를 주고 있다. 또한 인물을 배경보다 높게 배치하는 방식으로 르네상스 시대에는 드문 방식을 사용하였다.
7.모나리자 그림에는 눈썹이 그려져 있지 않다. 이것에 대해서는 눈썹을 뽑는 것이 당시 미의 기준이라는 주장과 모나리자 작품이 눈썹을 그리지 않은 미완성작이라는 이야기가있다.
8.레오나르도 다빈치 이탈리아 르네상스를 대표하는 석학이다. 화가이자 조각가, 발명가,건축가,해부학자,지리학자,음악가였다. 그는열네 살 때, 가족과 함께 피렌체로 이주해 공방에 들어갔다. 그는 그곳에서 20대 초반까지 미술 및 기술 공작 수업을 받았다.
9.인류 역사상 가장 유명한 그림인 반면에 모나리자에 대해 정확히 알려진 것이 없고 모나리자의 신비로운 표정이랑 분위기가 인정적인 신비한 그림이라는 인상을 준다.

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1. 클로드 모네
2. 수련
3. 150x197cm
4. 1919년
5. 물감
6. 좌측에 어두운 색채의 버드나무 잎이 전면을 차지하고 있으며 밝고 푸른 빛을 띄고있다.
7. 빛과 반사가 만들어내는 자연의 변화를 너무 오랬동안 관찰한 나머지 왼쪽눈시력을 잃게되었고 오른쪽 눈만으로 이 그림을 완성시켜 프랑스 정부에 기증하였다.
8. 프랑스의 인상파 화가이며 인상파 양식의 창시자 중 한 사람이다.
9. 밝고 푸른 빛을 띄어 볼수록 마음이 편해지는 것 같다.

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1.조르주 쇠라
2. 그랑드자트섬의 일요일 오후
3.308*207cm
4.1884년
5.유성페인트
6.세심한 구성과 단순화된 기하학적인 형태가 강조된 그랑드 자트 섬의 일요일 오후를 그리기 위해서 유채물감으로 70점 이상의 예비 스케치와 드로잉을 했다

색채를 원색으로 환원, 무수한 점으로 화면을 구성하는  점묘화법을 도입함으로써 통일성을 유지하고 인상주의의 색채 원리를 과학적으로 체계화하고, 인상주의가 무시한 조형 질서를 다시 구축하려고 노력한 흔적이 엿보인다.
7.다양한 사람들이 자유롭게 일요일 한낮을 보내고 있다.
8.조르주 쇠라 는 프랑스 파리 출신으로 점묘법과 인상주의를 사용하는 대표적인 화가이다
9.점을 이용하여 그림을 그린 것 이므로 조르주 쇠라 라는 사람이 굉장히 꼼꼼한 사람인 거 같다.

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1.라파엘로
2.아테네 학당
3.폭 7.70m
4.1510~1511