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El Arte Neoclásico es una corriente artística que surge a mediados del siglo XVIII, se caracteriza por:

La  pureza de las líneas, la simetría y en las proporciones que responden a leyes matemáticas.

Los artistas de esta corriente prefieren reflejar temas de su realidad y responde a una sencillez decorativa y un gusto por la razón y temas de conocimiento.

Se opone a los movimientos artísticos del barroco y del rococó y tenía como objetivo desenmascarar o desocultar aquello que estas corrientes mantenían oculto.

Sensación de movimiento.

Detallismo.

Antigüedad clásica.

Composición equilibrada.

Sencillez.

Colores primarios.

(Características del Arte Neoclásico, s.f)

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Título de la obra: Venus Victrix

Año: 1805 - 1808

Autor: Antonio Canova

Técnica: Mármol blanco

Dimensiones: 92 cm x 192 cm

Ubicación actual: Galería Borghese, Roma

Breve descripción de la obra:
Se utilizó un único bloque de mármol de Carrara. La escultura muestra a Paolina Bonaparte representada como diosa Venus. Se encuentra recostada en un diván, casi desnuda, apoyada sobre la cadera y con el torso levantado. La obra crea una sensación de movimiento, y muestra como muchos la describen un rostro sereno y claro, al mismo tiempo muestra un gran detallismo, características que remiten a la Antigüedad Clásica, elemento claro las vestimentas que porta.

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Este estilo nace de en Francia a principios del siglo XVIII y a diferencia del Barroco se caracteriza por:

La opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.

Revela el gusto por la elegancia, lo refinado, lo íntimo y lo delicado.

Expone la armonía de una vida despreocupada y se desentiende de las cuestiones religiosas.

Es un arte mundano, que trata temas de la vida diaria de los privilegiados, a veces simboliza algo espiritual, sólo superficialidad.

Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.

Asociado a la monarquía.

Amor galante

Innovación de técnicas, pastel.

(Arte Rococó, 2021)

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Movimiento en respuesta a la Reforma Protestante. Supuso una renovación religiosa impulsada por la misma iglesia católica. Se le considera el estilo doctrinal más estricto del arte cristiano. Su propósito era establecer las diferencias teológicas entre el catolicismo y el protestantismo. Resalta los misterios de la fe y el papel de la Virgen y Santos.

Para impulsar el movimiento, la iglesia se arma con apoyo de individuos ricos y comienza a comisionar proyectos arquitectónicos, obras de retablos, pinturas de óleo y al fresco; y esculturas eclesiásticas.

Espiritualidad

Aspectos distintivos del dogma católico

Directa

Emociones

Complejidad

Retórica de  poder católico

Majestuosidad en experiencias extrasensoriales

Fluido visualmente

Claroscuro

Personajes bíblicos con figuras comunes.

Emotivo

Sobresaturación

(Fernández, J. 2017)

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Título de la obra: La masacre de los inocentes
Año: 1611-1612
Autor: Pedro Pablo Rubens
Técnica: Pintura al óleo sobre tabla
Dimensiones: 142 cm × 182 cm
Ubicación actual: Museo Real de Bellas Artes, Bruselas.
Breve descripción de la obra:
La escena nos muestra un episodio bíblico que relata la ejecución de dos menores nacidos en Belén tras el escape de Jesús. Rubens retrata un estilo sangriento barroco. La obra presenta movimiento y un tumulto de sentimientos y emociones. Se plasma de manera muy directa  el dinamismo, el uso primerizo una gama cromática y  claroscuro.

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Es la época del arte después del Renacimiento entre los años 1600-1750. El periodo barroco se divide en distintas sectas religiosas, católicos y protestantes. El barroco protestante se ubicó en los Países Bajos y Alemania. Se caracteriza por:

Los sentidos y la extravagancia.

Se puede identificar el protestante porque no tiene elementos sagrados.

Extravagante

Movimiento

Complicación

Desorden

Complejidad de las poses

Sobresaturación de los elementos

Manejo de la luz

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Título de la obra: La muerte de Marat

Año: 1793

Autor: Jacques-Louis David

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 165 cm × 128 cm

Ubicación actual: Museos Reales de Bellas Artes de  Bélgica, Bruselas, Flag of Belgium Bélgica
Breve descripción de la obra:
La pieza muestra a Marat momentos después de su asesinato, y aparece desplomado sobre su bañera con sangre y la pluma todavía en la mano, asociándolo a la intelectualidad y el conocimiento. Como otras pinturas neoclásicas, La muerte de Marat tiene una composición equilibrada; Marat y su bañera forman un plano horizontal al frente de la escena que compensa su fondo sencillo, la mayoría de los detalles de la configuración de la bañera están basados en la vida real. De igual manera la gama cromática es sencilla y basada en colores primarios.

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Título de la obra: La lechera
Año: 1657 - 1658
Autor: Johannes Vermeer
Técnica: Pintura al óleo
Dimensiones: 46 cm x 41 cm
Ubicación actual: Rijksmuseum, Ámsterdam
Breve descripción de la obra:
La lechera es un cuadrado del famoso pintor Johannes Vermeer, en el cual se puede ver a una empleada del hogar  vaciando la leche en un recipiente y preparando la merienda. En este cuadrado se puede apreciar el movimiento de la leche que es vaciada en el recipiente, al igual que  se puede ver un manejo impresionante y complejo para la época de la luz entrando por la ventana. La obra no presenta elementos bíblicos y nos muestra una escena de la cotidianidad. Sin duda este cuadro es un ejemplo claro del movimiento y la complejidad que tenía el arte Barroco.

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Título de la obra: Las hilanderas
Año: 1657
Autor: Diego Velázquez
Técnica: Pintura al óleo
Dimensiones: 1.67 m x 2.52 m
Ubicación actual: Museo Nacional del Prado, Madrid, España
Breve descripción de la obra:
Las hilanderas es un cuadro del famoso pintor español Diego Velázquez, en donde representó la fábula de Aracne desde su propia perspectiva. Una fábula en donde hay una joven que teje muy bien y que presumía de ello y una diosa celosa de nombre Atenea que la reta a un concurso para decidir quien tejía mejor. En este cuadro se puede apreciar claramente la complejidad de las poses de las personas, el desorden y la sobresaturación de elementos en el cuadro, además del movimiento de los cuerpos de las personas como si estuvieran hablando. Lo caótico de la obra apela a los sentidos. A pesar de que Velázquez era español, en diversas de sus obras se pueden observar características del Barroco protestante en donde no hay presencia de personajes bíblicos.

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Título de la obra: Adoración de los pastores
Año: 1612-1614
Autor: El Greco
Técnica: Pintura al óleo
Dimensiones: 319 cm x 180 cm
Ubicación actual: Museo del Prado, España.
Breve descripción de la obra: La escena nos presenta una gruta angosta e irregular. En el regazo de María reposa su hijo recién nacido. En torno al niño, tres pastores muestran devoción. Sobrevolando la escena tenemos al grupo de ángeles.

La composición de la obra es completa en cuestión de espacio, total inmersión. Nos muestra la dualidad entre una escena bíblica y un ambiente mundano/ terrenal.
El vacío en medio de la obra nos proporciona la noción de perspectiva sobre la cueva. Los cuerpos presentan volumen claro a través del contraste de colores de la paleta del pintor. Nuevamente se presenta el claroscuro entre la cueva y las ropas de los pastores. Las pinceladas son sueltas y fluidas. Claramente la obra presenta distintivos del dogma católico haciendo uso de estos personajes bíblicos, representando un emotivo pasaje de la Biblia. Finalmente, el uso de la luz sobre el cuerpo del niño nos habla acerca del fervor de la devoción, total retórica católica.

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Título de la obra: El beso robado
Año: 1788
Autor: Jean-Honoré Fragonard
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones:  45 × 55 cm
Ubicación actual: Museo del Hermitage, San Petersburgo
Breve descripción de la obra:
Esta obra representa a una joven dama que es sorprendida por su admirador, o pretendiente en su gabinete, que es un espacio privado dentro de una casa. Y así sin más le arrebata un beso, mostrando esta parte íntima y de complicidad.

Con esta obra, el artista finaliza una serie de cuadros relativos a la sensualidad en pareja y con relación a los besos.
La obra nos muestra un momento efímero en la vida de estos dos aristócratas, el contexto es tal que parece juguetón y nada serio, totalmente superficial y frívolo. Apela a lo mundano y un ambiente sumamente despreocupado.

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Título de la obra: El columpio
Año: 1767
Autor: Jean-Honoré Fragonard
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 81 x 65 cm
Ubicación actual: Colección Wallace, Londres, Reino Unido
Breve descripción de la obra:

Esta se realizó a petición de un barón que pidió al artista que pudiera retratar a su amante en un columpio, siendo empujada por un obispo, y con él (el barón) viendo debajo de su falda. Por la insinuación erótica que implicaba, muchos artistas se negaron a hacer este trabajo, sin embargo Jean-Honoré Fragonard aceptó, pero cambió al obispo con la representación de un marido “cornudo” y para expresar la intimidad entre los amantes, el amor galante. Coloca al cupido con un dedo en los labios en señal de silencio. Rebosa elegancia y colores vivos. Esta obra presenta dentro de su composición diversos simbolismos que van en contra de la espiritualidad y corriente religiosa del estilo Barroco.  El escenario nos presenta un espacio de vacío idealizado, un bosque bello no tan saturado o rebosando de maleza.