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La caída del Antiguo Régimen francés en la Revolución de 1789 era la consecuencia de la oposición de clases medias y populares a un sistema político-social que estaba dominado por la aristocracia. La burguesía ilustrada trata de tomar posiciones realizando una crítica del mundo corrupto. Desde el poder real se intentó una regeneración. Por eso, se empezó a atacar duramente el arte voluptuoso del Rococó y la frivolidad que éste traía consigo. Diderot propone un arte que vuelva a la serenidad del arte antiguo.

Es comprensible la necesidad de un estilo severo en una Francia en la que el conflicto social y político era ya insostenible. El objetivo del arte era exaltar el bien cívico, la moral, la armonía familiar, en definitiva, el bien común. De ahí que la Roma republicana fuera un ejemplo a tener en cuenta. Los revolucionarios empeñados en suprimir cualquier vestigio del Antiguo Régimen ven en el Neoclásico la derrota de la aristocracia y sus salones. El Neoclasicismo se prolonga hasta el periodo napoleónico y el estilo imperio, el nuevo emperador necesitaba un arte de césares para expresar el universo al que aspiraba.

El redescubrimiento de la Antigüedad Clásica vino potenciado por los importantes hallazgos arqueológicos. Herculano y Pompeya sepultadas por las cenizas del Vesubio salen a la luz en 1719 y 1748, respectivamente. A partir de aquí, se genera una ingente bibliografía arqueológica. Destaca Winckelmann y su obra Historia del Arte de la Antigüedad, Stuard escribe Antigüedades de Atenas y Lessing publica su Laocoonte.

Van surgiendo las Academias, éstas subrayan el valor normativo de lo clásico, desprecian el Barroco y defienden el "Buen gusto". El agotamiento de las formas del Rococó genera una crisis estética que potencia la imitación de la Antigüedad Clásica que los arqueólogos están redescubriendo. El centro del Neoclasicismo es Francia, pero su influencia se extiende a toda Europa y afecta a todas las formas artísticas.

Autor: Dominique Ingres.
Título: "La fuente"
Año: 1856.
Técnica: óleo sobre tela.
Tema: Mitología, nacimiento de los ríos.
Localización: Museo D'orsay, Paris.

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Breve historia:

Hasta la segunda mitad del siglo XVIII el estilo que primó en Europa, y en Francia en particular, fue el Neoclasicismo. A partir de este momento se dará un giro radical en la Historia de la Pintura. Lo habitual era el que los artistas expusieran en el Salón Oficial de París. Los nuevos artistas (conocidos como "Los Rechazados") por el contrario, tenían que buscar otros lugares alternativos que les permitieran exhibir sus obras. Así, la primera exposición impresionista tuvo lugar el 15 de abril de 1874, en el Salón del fotógrafo Nadar. Se presentaron bajo el nombre de "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores". Intervinieron entre otros artistas de la talla de Monet, Pissarro, Renoir, Sisley, o Cézanne.

A partir de este momento las exposiciones se irán sucediendo progresivamente en el tiempo y con sedes diferentes. Al esplendor del estilo le sucederá el declive, ya que se verá desbordado por la aparición de otras preocupaciones y presupuestos diferentes. Así surgirán varios estilos diferentes que se engloban bajo el nombre genérico de "Pos Impresionismo".

Origen del término "Impresionismo":

Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo este apelativo. El término les fue impuesto de modo peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver la obra de Monet Impresión atardecer o Impresión sol naciente pintada en 1872 y expuesta en la exposición del 74. Al día siguiente de ésta, parafraseando el título del cuadro para burlarse de él, Leroy bautizó el nuevo movimiento:

“Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina”

Así fue como el término "Impresionismo" pasó a ser el nombre del movimiento. Provocaron un gran escándalo. El público del momento no estaba preparado para aceptar una revolución como la que ellos proponían.

El máximo reconocimiento llegará ya entrado el siglo XX.

Cambios y características:

El objetivo principal es sustituir el ideal dominante de "Belleza" por el nuevo de "Libertad". Para entender este paso hay que indagar en el contexto histórico-social.

Impacto del ferrocarril:
Por vez primera se experimentó el concepto de "velocidad". La retina captaba así una "realidad distorsionada".

Impacto de la fotografía:
La fotografía demostró que lo que determina la visión es el color y no el dibujo, con ello se rompen planteamientos clasicistas anteriores. La fotografía trajo consigo el concepto de la instantánea, que será tan utilizado por Degas para sus composiciones de bailarinas.

Impacto del óleo en tubo:
Se generaliza a mitad del XIX. Trae consigo una consecuencia muy revolucionaria, ya que el artista no tiene porque elaborar cuidadosamente los pigmentos, de ahí que el pintor salga del taller para pintar al aire libre.

Impacto de la Naturaleza y de la Luz:
El estar al aire libre revela una nueva realidad, una realidad llena de luz, y múltiples colores.

Impacto del Tiempo:
Es la era de los relojes, el tiempo es un tema que obsesiona al hombre y en particular al pintor. La técnica de los nuevos pintores necesita de una pincelada rápida y hábil, para captar el instante.

Estos cambios hacen que el Impresionismo tenga unas características concretas:

El paisaje como tema principal:

Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los intereses de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es Degas, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.

Técnica:

Los impresionistas se caracterizan por su técnica rápida, de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Esto fue duramente criticado por los más anclados a la tradición, llegando a decir que "los nuevos" estrujaban directamente sus tubos sobre los lienzos. De la última etapa de Monet se dice que sus obras no son pinturas, sino más bien escultura sobre el lienzo. Muchas veces se apunta a Goya como un precedente para este tipo de pincelada.

Color:

Es significativo el que los impresionistas eliminen de su paleta el color negro, lo hacen porque observan que las sombras nunca son negras, sino coloreadas. Al igual, el blanco puro no existe, sino que la luz lo carga de matices innumerables. Apuestan por el color puro, aunque pueden permitirse el mezclarlos directamente sobre la superficie del lienzo.

Ausencia de perspectiva:

Los impresionistas abolen el concepto de la perspectiva que había regido a la pintura hasta entonces, es por ello que desaparece el punto de fuga. Apuestan por una pintura plana y bidimensional porque en realidad es como percibe nuestra retina.

Autor: Claude Monet.
Título: "Impresión, sol naciente".
Año: 1872.
Medidas: 47 cm X 67 cm.
Técnica: óleo sobre tela.
Tema: paisaje.
Localización: Museo Marmottan-Monet, París.

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Vincent Van Gogh (1853- 1890

Van Gogh entendía la pintura como vehículo para modificar la sociedad y modo de salvación personal. Fue un personaje difícil en su relación con los demás.  Emocionalmente inestable, no tuvo reconocimiento ni aceptación de su obra por parte del mercado del arte. Le hubiera sido difícil sobrevivir de no ser por la ayuda de su hermano Théo.

Fue en el 1879 cuando comenzó a pintar de modo vehemente. En esta etapa pone de manifiesto con claro realismo la vida cotidiana de los menos protegidos.

Sus gamas ahora son oscuras, los entornos pobremente iluminados y con tensiones de luces y sombras.

Su punto de partida se encuentra en pintores realistas franceses: Courbet, Daumier, Millet.

En 1885 se trasladó a Amberes por lo que se familiariza con la pintura de Rubens y Frank Hals.

En 1886 se traslada a París atraído por Impresionismo del que tanto le había hablado su hermano Théo.

El conocimiento del Impresionismo lo condujo a encontrar los rasgos más característicos de su pintura:

Se decide a pintar solamente paisajes y retratos.

Aclara su paleta, usando una gama luminosa. Por lo general usa colores puros en pinceladas de pequeños toques.

Se inscribe en el Taller de Cormont, allí conoce a E.Bernard, y a T.Lautrec, Gauguin...

En 1888 se traslada a Arlés. Marchó allí animado por Lautrec, buscando lo apacible. En Arlés encontró una primavera plácida y de equilibrio, que cambió en la navidad del mismo año al contactar con Gauguin.

Vivía en una pequeña pensión, conocida como La Casa Amarilla. En estos años pinta obras que son muy conocidas.

La crisis:

Gauguin es invitado por Van Gogh a pasar las navidades del 88 en su casa. Pronto surgen desacuerdos y fricciones entre ellos. Gauguin se burlaba de la candidez de Van Gogh y arremetía contra su modo de pintar, asegurando que los verdaderos temas eran aquellos que se terminaban en taller y no al aire libre. El 23 de diciembre estalla la gran crisis. Van Gogh, agotado por las impertinencias de Gauguin intenta agredirle con una navaja de afeitar, sin embargo, su acumulado resentimiento le lleva a mutilarse la oreja. Había nacido el primer síntoma de su desequilibrio.

En mayo de 1889 es internado en un manicomio de Saint Rémy.. Allí, permaneció un año alternando la alucinación con momentos de tranquilidad. En ningún momento dejó de pintar, las obras de este periodo evidencian sus tensiones y desequilibrios. Trigales y cipreses se hacen frecuentes en la producción de este tiempo. Las llamaradas oscuras y la pincelada crispada y nerviosa permite descargar su tensión interior. La naturaleza que le atrae es trémula, con escabrosos accidentes de terreno. Predominan las visiones tétricas y lúgubres que distorsionan la realidad. También realiza copias de los grandes maestros a partir de grabados en blanco y negro. Su recluimiento no le impide el realizar algunas de sus obras más importantes.

Van Gogh sale del manicomio y se establece en Auvers, continuando su tratamiento en la casa del conocido Doctor Gadchet, amigo de su hermano Théo.

En Auvers pasó sus últimos meses. Abrumado por la soledad, se dio un tiro el 27 de julio de 1890 del que muere dos días después.

Autor: Vincent Van Gogh.
Título: Autorretrato.
Año: 1889.
Técnica: óleo sobre tela.
Tema: autorretrato.
Localización: Museo D'orsay, París.

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Link oficial del film

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Loving Vincent is the world's first fully painted feature film produced by Oscar-winning studios Breakthru Films and Trademark Films.

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Loving Van Gogh (película de animación) 

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Loving Van Gogh (película de animación) 

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Making Of del film, realizado por 150 artistas plásticos y 65000 cuadros pintados al óleo.

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Estreno mundial "Loving Vincent" | Euromaxx

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Película completa, en español

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Paul Gauguin (1848- 1903)

Gauguin es el ejemplo que representa el mito del bohemio y del primitivismo. Él encarna la necesidad de unir arte y vida. Esta es una utopía presente en la vanguardia. Gauguin rechaza la cultura de Occidente y abandona la civilización ponderando a los pueblos originarios.

Rechaza lo académico, valora la máscara africana, el arte románico y todas aquellas tendencias que estaban fuera de lo habitual. Él valora este tipo de arte no por lo que tiene de curioso y diferente, sino por su autenticidad.

En su primera etapa profesional, era agente de bolsa. Desde 1874 comienza su trabajo en el arte.

En 1883 abandona definitivamente su carrera para dedicarse por completo al arte, abandonó a su familia y se refugió en la pintura. Primero se movió en el Impresionismo, pero pronto evidenció un marcado antinaturalismo más sensible al poder evocador de los objetos y su carga emocional. Su pintura intenta desentrañar el sentido verdadero de la realidad.

Se conoce su estilo como "Primitivista".

Pinta con colores planos, sin matices y le da importancia a los contornos marcándolos.

Lo que hay que pintar es la idea que elabora el pintor después de su experiencia concreta. El filtro de la memoria que quita lo superfluo y retiene la esencia, así se consigue la síntesis de forma y color. Prima la imagen basada en el recuerdo.

Autor: Paul Gauguin,
Título: Mujeres de Tahití
Año: 1891.
Técnica: Óleo sobre tela.
Tema: Retrato.
Tamaño: 69 cm × 91,5 cm.
Localización: Museo D'orsay, París.

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Paul Cézanne (1839- 1906)

Cézanne es una figura fundamental para la vanguardia del siglo XX, Picasso y Matisse lo admiraron profundamente.

Es autónomo y solitario, realizando su labor de forma aislada. En su aislamiento concibe su pintura como investigación y búsqueda de la verdad. Él impuso una visión subjetiva.

Nace en 1839 en Aix-en-Provence en el seno de una familia de gran holgura económica. La primera formación fue en Aix-en-Provence siguiendo cursos de dibujo que tenían como punto de partida a David e Ingres. Sus primeras obras son las típicas copias. Su padre se empeñó en que estudiara derecho, con el apoyo materno consigue su traslado a París para empezar su carrera como pintor.

Llega a París en 1861. Comenzó a copiar en el Louvre, copia a Caravaggio, Rubens, el Greco, Zurbarán, Velázquez. También descubre la pintura del Romanticismo y del Realismo. Una referencia es Delacroix, en él encontró una pintura apasionada, vehemente, de contenido literario, muy importante para su primera etapa. Conoce la pintura de Courbet, Daumier y Millet que después le acercan a la realidad y le llevan a abandonar los contenidos literarios.

No consiguió el ingreso en la Academia de Bellas Arte de París, este fue su primer fracaso. Así, cada vez se va aislando más por la incomprensión del entorno.

Etapas:

Etapa romántica (1861-1870):

En esta etapa se ve influenciado por los presupuestos de Delacroix. Practica una pintura densa, empastada, abundante de materia.

Ver la obra “Una Olympia Moderna”

Etapa impresionista (1871-1878):

En 1874 participa en la primera exposición del grupo impresionista; presentó su Olimpia Moderna. El rechazo hizo que no estuviera presente en la segunda exposición; pero lo volvió a intentar en la tercera de 1878, las críticas se repitieron y no se aceptó su estilo de pintura. Es por ello que abandona París y se traslada a Aix-en-Provence para pintar libremente.

Aparece en Cézanne un rasgo que se acentuará: la exaltación de los volúmenes. Cézanne evidencia un talento propio hacia el paisaje que lo diferencia de los demás impresionistas. Él practica una pincelada plana, yuxtapuesta, de orientación inclinada que revaloriza el plano pictórico y da entidad a los objetos representados. Hay una tendencia a remarcar los planos bordeando los volúmenes. Así la estructura de la forma no desaparece bajo la incidencia de luz-color.

Ver la obra El mar en L´Estanque

Etapa Constructiva, su método (1878-1887):

En esta atapa Cézanne abandona y supera los planteamientos del Impresionismo. Para Cézanne el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad.

Empieza a plantearse un modo de pintar que responda a la esencia de la realidad. Cada vez es más exigente con la esencia propia de los objetos. Lleva a cabo un análisis constructivo de los objetos. Intenta volver a descomponer el fundamento de la realidad pero a través de su propia experiencia.

Cézanne dice:

"Hay que volver a ser clásico a través de la naturaleza, es decir, a través de la sensación. Pintar al natural no supone copiar el objetivo, sino materializar las sensaciones propias".

Esta labor era muy complicada; porque la experiencia de la naturaleza no deviene en formas, sino que hay que buscar equivalencias a la sensación. Intentó eliminar de la pintura cualquier componente que no fuera visual. Su objetivo: prescindir de la emotividad y sentimiento para reflexionar sobre el lenguaje pictórico.

Hizo suyo un género que hasta entonces había estado desprestigiado; El bodegón, le obliga a grandes sesiones porque tiene la necesidad de aprender el objeto en su entidad. No quiso aplicar el sistema de claroscuro tradicional, tampoco recurrir al modelado ni al dibujo. El color incorpora la luz y reconstruye la forma.

Cézanne elimina la perspectiva, porque la considera un convencionalismo. Al basarse en el color reivindica el componente bidimensional, de la pintura. La imagen se articula a través del plano coloreado. Así logra la autonomía del cuadro.

Autor: Paul Cézanne.
Título: "La Montaña Sainte-Victoire vista desde Lauves"
Año: 1904- 1906..
Técnica: Óleo sobre tela.
Tema: Paisaje.
Tamaño: 69,8 cm × 89,5 cm.
Localización: Philadelphia Museum of Art, Filadelfia.

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Paul Cezanne, Santa Victoire,1904 06..jpg

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- Conjunto de movimientos artísticos, o “ismos”, que surgen a principios del SXX como reacción a un orden previo, una realidad establecida.

Algunas Vanguardias nacen en una fecha determinada y terminan por agotarse, mientras otras tienen tal trascendencia que aún en nuestros días cuentan con seguidores. Algunas son verdaderamente efímeras y están localizadas en un ámbito geográfico muy restringido.

No todas se desarrollaron en todas las disciplinas del arte; algunas sólo lo hicieron en la arquitectura, la pintura o la escultura. Pero sí suele haber redes de influencia entre unas y otras.

- Todo movimiento de vanguardia surge como un intento de lucha, de respuesta ante un paradigma o conjunto de paradigmas previamente establecidos de los que el artista rehuye.

- La vanguardia nace gracias a un grupo minoritario, selecto y exclusivo, reaccionario, normalmente con uno o varios líderes o precursores.

- Las vanguardias artísticas reaccionan ante una cultura artística mayoritariamente aceptada y promovida por una mayoría social más numerosa y poderosa. Es lo que se ha llamado el conflicto entre la tradición y la modernidad, es decir, la lucha por superar el pasado (lo establecido) y abrir un nuevo futuro.

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El Fauvismo puede considerarse como uno de los primeros movimientos de vanguardia del siglo, aunque la cohesión y el propósito común del grupo de pintores que la forma es efímera: 1905-1910.
Los características comunes del grupo son las siguientes:
• Libertad en el color hasta llegar a la exaltación o la violencia, sin mezclas o matices. El color se independiza del objeto, haciendo un uso arbitrario de este respecto de la naturaleza, cuyos resultados son rostros verdes, árboles azules, mares rojos,...
• Extrema simplificación de formas y elementos: los objetos y contornos se perfilan con pinceladas gruesas, anchas, bastas y se rellenan con manchas de color planas.
• Interpretación lírica y emocional de la realidad con temas agradables paisajes o retratos.
• La profundidad desaparece y los volúmenes se perfilan con pinceladas fuertes y no con el claroscuro. La ruptura con la perspectiva tradicional es un hecho consumado.
• Es figurativo pero bastante antinatural.
Los pintores más importantes son: Matisse (Mujer con sombrero)y Derain.

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Fauvismo (1905- 1910)
Andre Derain

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Andre Derain, Barcas en el puerto de Collioure, 1905.jpg

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Con este término se denomina una pintura en la que prima la expresión subjetiva sobre la representación de la objetividad. Se plantean las angustias vitales del hombre y por esto tiene una carga dramática, pesimista y crítica. Este término engloba obras y autores de un amplio período, aunque el país donde esta vanguardia alcanza mayor intensidad es en Alemania. Sus rasgos generales se acentúan en períodos de crisis.

El valor fundamental es la libertad individual de expresión, pero con unos nexos comunes: el artista expresa emociones, queriendo reproducir en el espectador sus sentimientos. Los momentos de tensión, frustración y desgarramiento político provocan en la paleta de estos pintores la expresión de un grito de protesta.

En Alemania, las ciudades de Dresde, Munich y Berlín son los centros culturales y de contactos artísticos

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Expresionismo (1905- 1914)
Emil Nolde

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El nombre cubismo proviene del vocablo francés “Cubisme” propuesto por el crítico Louis Vauxcelles, el cual hace referencia a las pinturas de artistas como: Pablo Picasso, Juan Gris y George Braque. Derivándose de esta otras vanguardias europeas que revolucionaron el panorama artístico del siglo XX.

Esta vanguardia se considera una pionera, porque rompe con la perspectiva, lo último que quedaba del principio renacentista. Ellos representan las formas utilizando figuras geométricas fragmentando superficies y líneas, esto hace que tengan perspectivas múltiples ya que en algunas pinturas se puede tener un rostro de frente como de perfil. También utiliza colores apagados como verde y gris, pero a medida que avanza el movimiento incorporo colores más vivos.

Etapas del cubismo

El cubismo tuvo diversas etapas entre las cuales están:

El cubismo analítico: es el cubismo más puro en donde se descompone la forma de la figura en muchas partes geométricas, para que se analice por separado.

Obra: “La Guitarra” por George Braque.

El cubismo sintético: en este se tiene la libre reconstrucción del objeto disuelto, siendo el collage algo fundamental. Se interesa más en la imagen global que en el análisis minucioso.

Obra: “El arlequín” por Pablo Picasso

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Cubismo (1907- 1914)
Pablo Picasso

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Picasso, Las Señoritas de Avignon. 1907.jpg

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El término futurismo se encuentra por primera vez aplicado al arte en un manifiesto del poeta italiano Marinetti, que pretendía iniciar un humanismo dinámico:

“Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil rugiente que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia”.

Más adelante, pintores que representan esta tendencia como Boccioni o Severini apoyan otro manifiesto de los pintores futuristas en el que insisten en el tema de la velocidad como expresión de la vorágine de la vida moderna

Característico de este estilo será otorgar a los objetos posiciones sobre el plano con la intención de representar movimiento

Fue un movimiento con muchos autores comprometidos con el fascismo que no encontró demasiados seguidores, dejándonos como herencia la sensibilidad por los objetos típicos de nuestro tiempo -máquinas- y una dimensión de la vida moderna, la velocidad.

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Futurismo (1909- 1919)
Giacomo Balla

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Dinamismo de un perro con correa, Balla. 1912.jpg

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La palabra "Dadá" es encontrada en el diccionario al azar y no pretende significar nada. Algunos intereses comunes identifican a todo este gran grupo Dadá: expresar el estado de ánimo negativo a través de la destrucción, frente a la hecatombe bélica. El manifiesto de 1918 dice: el arte es una idiotez... todo lo que se ve es falso. Además se sienten desencantados, personalmente, ante lo absurdo de la política y adoptan un aire anárquico, tomando el lema de Bakunin como bandera en el campo artístico: la destrucción también es creación.

La forma que adoptan es la provocación, el escándalo, la destrucción como manifiesto de ruptura y negación del arte. El Dadaísmo critica al arte y a la cultura burguesa, niega la racionalidad habitual y extiende la crítica al capitalismo y al fascismo. Partiendo de estos pensamientos, Dadá es una de las vanguardias más radicales que imponen una auténtica mutación en el arte contemporáneo. Se abandonan las preocupaciones estéticas tradicionales, y el espíritu de ruptura a través del escándalo, provocando una gran libertad creadora que da sus frutos en collages, fotomontajes y pinto-esculturas, técnicas que se mantendrán de moda en la década de 1960-1970.

Los artistas más importantes de esta vanguardia son Duchamp, Arp y Picabia.

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Dadaismo (1916- 1923)
Marcel Duchamp

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6 Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (intervención sobre tarjeta postal de Mona Lisa), 1919..jpg

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El término de constructivismo ruso hace referencia a un movimiento artístico, especialmente pictórico y arquitectónico, que surgió en Rusia en torno a 1914 y que realmente adquirió importancia algunos años después tras la Revolución bolchevique de 1917.

Quizás sea el constructivismo ruso la vanguardia artística desarrollada en el siglo XX que más paralelamente se ha vinculado a las corrientes políticas de un país; por aquellos años Rusia quedó devastada tras su paso por la Primera Guerra Mundial, la situación interna del país cada vez se tornaba más revolucionaria y paulatinamente se va fraguando un movimiento proletario que acabará tomando el poder.
Pese a que en su origen el término constructivista fue una connotación despectiva usada por el artista Kasimir Malévich para hacer referencia a la pintura de Rodchenko, pronto se creó en torno al mismo vocablo un conjunto de movimientos artísticos muy distantes geográficamente entre sí, por ejemplo el referido como constructivismo holandés o neoplasticismo.

Por su parte en la antigua URSS el propio gobierno bolchevique impulsó el nuevo estilo a través del Narkompros, se estableció como centro del movimiento constructivista la Escuela de Arte y Diseño de Vjutemas en detrimento de la tradicional escuela de Bellas Artes establecida en Moscú.

La plástica es sencilla con formas simples y bien definidas, ciertos ecos estilísticos parecen remitir a la vanguardia futurista con una plástica tan simplicista que la abstracción se hace patente en cada una de las obras.

Las formas constructivistas están fuertemente vinculadas con la corriente de pensamiento materialista, la supremacía de la clase obrera –la influencia de filósofos como Karl Marx es indiscutible en esta vanguardia- y la apuesta de un artista como constructor y vinculador de arte y materia.

Dentro de los artistas constructivistas destaca sobre todo la figura de Vladimír Tatlin (1885 – 1953), éste se convirtió en muy poco tiempo en la figura más señalada de toda la vanguardia; en su concepción del arte renegaba de las obras confinadas a los museos o grandes centros de arte, para Tatlin la obra debía participar de la sociedad.

Dentro de su floreciente producción destaca la obra arquitectónica que debía servir como monumento y sede de la Tercera Internacional. El espacio estaba conformado por distintos volúmenes superpuestos en una potente inclinación: un cubo, una pirámide, una espiral y media esfera formaban el monumento. Cada uno de los elementos geométricos rotaría a un ritmo y velocidad distinta y se dispondrían pantallas exteriores que permitirían conocer las noticias a nivel mundial.

El ambicioso proyecto nunca llegó a realizarse; el estallido de la guerra civil y la posterior caída de Lenin y el régimen bolchevique hizo que semejante proyecto se hiciera impensable para un país sumido en un conflicto bélico. Los materiales resultaban demasiado caros y la estética constructivista quedó marginada con la llegada de Stalin al poder.

Otros artistas constructivistas rusos fueron Anton Pevsner (1884-1962) o Gabo Diem(1890 – 1977) quien a comienzos de la década de los veinte escribió el manifiesto que ponía por escrito los principios estilísticos del constructivismo.

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Constructivismo (1915- 1925)
Kazimir Malevich

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7 Kazimir Malevich, Suprematismo, 1916..jpg

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El surrealismo es un movimiento amplio, que inspira una nueva sensibilidad. Sus fines son provocar la expresión libre de aquello que considera lo más interno en el hombre; su inconsciente y su imaginación. Breton firma el primer manifiesto surrealista en 1924 y a través de su lectura se encuentran las bases de este movimiento: Creo en el encuentro futuro de estos dos estados, en apariencia contradictorios, como son el sueño y la realidad en una especie de realidad absoluta, de surrealidad. El surrealismo expresa el funcionamiento real del pensamiento, sin control de la razón, libremente frente a preocupaciones estéticas o morales. Existe un punto en el espíritu a partir del cual la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, lo pasado y lo futura, dejan de percibirse contradictoriamente.

Recursos comunes para plasmar estos contenidos teóricos en las artes figurativas son introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos, la animación de lo inanimado, las metamorfosis, las perspectivas vacías, las creaciones evocadoras del caos, la confrontación de objetos incongruentes, las temáticas eróticas como referencia a la importancia que el psicoanálisis otorga al sexo, aunque cada artista imprime su propio sello.

Uno de los artistas más importantes es Salvador Dalí (1904-1989)

Su obra se pude resumir en surrealismo y provocación, se marchará de la escuela de Bellas Artes de Madrid por juzgar de incompetentes a sus profesores y ya en París se alista a la tendencia Surrealista (1929).

Su obra siempre inquietante, cercana al lenguaje oral poético, a veces cinematográfica, tiende a romper los valores espaciales característicos de la pintura y adentrarse en los de la literatura.

-Es excepcional en sus calidades plásticas, de asombroso dibujo, se deja influir intencionadamente por el Renacimiento y el Barroco, con una luz limpia y trasparente.

-Ya en los trabajos de muchacha en la ventana, donde la corrección del dibujo, de la composición y del color hace pensar en una obra clásica, sorprende por su intento de ruptura con los convencionalismos usuales, al situar a la muchacha (su hermana) de espaldas al espectador.

-Su primera etapa surrealista es furiosa y ácida, las formas se alargan, se descomponen o resultan de apariencia equívoca, como la Persistencia de la Memoria, en el Angelus Arquitectónico, o en la Premonición de la Guerra Civil (1936). Más adelante se tornará grandiosamente barroco y sus obras, Leda Atómica o el Cristo de San Juan de la Cruz estarán imbuidas de un sentido del espacio y de la composición más clásica pero siempre inquietante. Dalí abandona prácticamente la pintura en 1982, al morir su musa y compañera. Gala Eluard.

-Algunos temas llegan a ser obsesivos, como las imágenes dobladas o las simbólicas asociadas al sexo. Su colorido es brillante; los objetos, los paisajes, las personas son asociaciones simbólicas envueltas en una atmósfera onírica.

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Surrealismo (1924- 1945)
Salvador Dali

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9 Salvador Dali, La persistencia de la memoria, 1931..jpg