# data[].attributes.attachment_link.description
La Certification Complémentaire permet à des enseignants des premier et second degrés de l’enseignement public, relevant du ministre chargé de l’éducation, et aux maîtres contractuels et agréés des établissements d’enseignement privés sous contrat de valider des compétences particulières qui ne relè…

# data[].attributes.headline
Arrêté du 31 décembre 2015 relatif aux modalités d'attribution du diplôme national du brevet 

# data[].attributes.subject
Arrêté du 31 décembre 2015 relatif aux modalités d'attribution du diplôme national du brevet 

# data[].attributes.attachment_link.title
Arrêté du 31 décembre 2015 relatif aux modalités d'attribution du diplôme national du brevet | Legifrance

# data[].attributes.attachment_link.description
Vous êtes dans : Accueil> Les autres textes législatifs et réglementaires> Arrêté du 31 décembre 2015 relatif aux modalités d'attribution du diplôme national du brevet

# data[].attributes.body
Modalités d'attribution du diplôme du D.N.B.

# data[].attributes.attachment_link.title
Arrêté du 27 novembre 2017 modifiant l'arrêté du 31 décembre 2015 relatif aux modalités d'attribution du diplôme national du brevet | Legifrance

# data[].attributes.attachment_link.description
Vous êtes dans : Accueil> Les autres textes législatifs et réglementaires> Arrêté du 27 novembre 2017 modifiant l'arrêté du 31 décembre 2015 relatif aux modalités d'attribution du diplôme national du brevet

# data[].attributes.headline
Ouverture des inscriptions à certains concours et examens professionnels session 2019

# data[].attributes.subject
Ouverture des inscriptions à certains concours et examens professionnels session 2019

# data[].attributes.attachment_link.title
Ouverture des inscriptions à certains concours et examens professionnels session 2019

# data[].attributes.headline
Contacts interlocuteurs éducation musicale et chant choral 2018-2019

# data[].attributes.subject
Contacts interlocuteurs éducation musicale et chant choral 2018-2019

# data[].attributes.headline
Dossier de presse national rentrée scolaire 2018-2019 

# data[].attributes.subject
Dossier de presse national rentrée scolaire 2018-2019 

# data[].attributes.body
Ensemble pour l'École de la confiance

# data[].attributes.body
Interdiction de l'utilisation du portable à l'école et au collège

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
éduscol | Ministère de l'Éducation nationale, de la Jeunesse et des Sports - Direction générale de l'enseignement scolaire

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
La loi relative à l'encadrement de l'utilisation du téléphone portable dans les établissements d'enseignement scolaire pose le principe de l' interdiction de l'utilisation des téléphones portables et de tout autre équipement terminal de communications électroniques par les élèves.

Afin d'accompagner les personnels des écoles et des collèges dans l'application du texte de loi, le vademecum " Interdiction de l'utilisation du téléphone portable à l'école et au collège " a été conçu à leur intention. Il explicite le nouveau cadre légal et vise à en faciliter la mise en œuvre.

Des réponses à des questions courantes sont proposées au sein d'une partie FAQ dédiée.

Enfin, des conseils à l'attention de la communauté éducative sont prodigués afin d'impliquer l'ensemble des acteurs dans le respect du principe édicté.

# data[].attributes.attachment_link.title
Interdiction de l'utilisation du téléphone portable à l'école et au collège

# data[].attributes.attachment_link.description
La loi relative à l'encadrement de l'utilisation du téléphone portable dans les établissements d'enseignement scolaire pose le principe de l' interdiction de l'utilisation des téléphones portables et de tout autre équipement terminal de communications électroniques par les élèves.

# data[].attributes.headline
Livret d'accueil dans l'académie d'Aix-Marseille

# data[].attributes.subject
Livret d'accueil dans l'académie d'Aix-Marseille

# data[].attributes.headline
Organisation du certificat d'aptitude aux fonctions de formateurs C.A.F.F.A. session 2019 

# data[].attributes.subject
Organisation du certificat d'aptitude aux fonctions de formateurs C.A.F.F.A. session 2019 

# data[].attributes.body
Bulletin académique pages 26 à 28

# data[].attributes.headline
Sujets et rapports de jury des concours de recrutement d'enseignants du second degré

# data[].attributes.subject
Sujets et rapports de jury des concours de recrutement d'enseignants du second degré

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour vous aider à préparer les concours de recrutement des professeurs de collège ou de lycée, vous pouvez consulter les sujets des épreuves écrites ainsi que les rapports des jurys qui commentent ces épreuves et donnent des indications sur les attentes des jurys. Les sujets et rapports de jurys des Capes, Capeps, Capet, CAPLP, de l'agrégation et des concours réservés sont accessibles pour les cinq années des sessions antérieures.

# data[].attributes.attachment_link.title
Se préparer pour les concours du second degré : sujets et rapports de jurys

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour vous aider à préparer les concours de recrutement des professeurs de collège pu de lycée, vous pouvez consulter les sujets des épreuves écrites ainsi que les rapports des jurys qui commentent ces épreuves et donnent des indications sur les attentes des jurys.

# data[].attributes.headline
Calendrier des concours de recrutement d'enseignants du second degré session 2019

# data[].attributes.subject
Calendrier des concours de recrutement d'enseignants du second degré session 2019

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Inscriptions

Les inscriptions aux concours de recrutement d'enseignants du second degré se sont déroulées du 10 septembre au 10 octobre 2019. Quelle que soit la raison, vous ne pouvez plus vous inscrire ou modifier votre inscription.

Calendrier des épreuves

Épreuves écrites

La crise sanitaire exceptionnelle que traverse le pays a nécessité d'interrompre l'organisation des concours de recrutement d'enseignants. Ces concours vont être reprogrammés à partir du 16 juin prochain et jusqu'à la mi-juillet.
Coronavirus Covid-19 : nouveau calendrier des épreuves écrites des concours de recrutement d'enseignants
Épreuves orales

Le calendrier des épreuves orales des concours externes et 3èmes concours pour lesquels les écrits ont déjà eu lieu sera diffusé prochainement. Elles seront également organisées à partir du 16 juin.

Résultats des concours

La publication des résultats des concours sur Publinet reprend progressivement, en priorité pour les concours externes.

# data[].attributes.attachment_link.title
Le calendrier des concours de recrutement d'enseignants du second degré de la session 2020

# data[].attributes.attachment_link.description
Vous souhaitez passer un concours pour devenir enseignant en collège et lycée ? Retrouvez toutes les dates clefs des concours de recrutement de professeurs (Agrégation, Capes,Capet et Caplp) : période d'inscription, dates des épreuves écrites d'admissibilité et des épreuves orales d'admission, dates de publication des résultats.

# data[].attributes.headline
La chorale, un enseignement complémentaire de l'éducation musicale 

# data[].attributes.subject
La chorale, un enseignement complémentaire de l'éducation musicale 

# data[].attributes.body
Ressource d'accompagnement Cycle 4

# data[].attributes.body
http://www.education.gouv.fr/cid118572/rendez-vous-carriere-mode-emploi.html

# data[].attributes.body
Pour apprendre à chanter, ensemble, Radio France lancera le 20 septembre 2018 un outil numérique gratuit et inédit pour les enseignants et les élèves de 3 à 18 ans.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un outil unique pour développer la pratique chorale

Développé avec ses partenaires Arte et la Sacem, en collaboration avec les ministères de la Culture et de l' Education nationale et de la Jeunesse, et avec le soutien de la Fondation Bettencourt Schueller et d' Eduthèque, Vo!x, ma chorale interactive, propose des contenus pédagogiques adaptés à chaque niveau scolaire, de la maternelle à la terminale, pour apprendre à chanter seul ou en groupe, à l'école ou en famille. Il bénéficie du soutien d'une marraine exceptionnelle, l'artiste auteure et compositrice Camille. Cette initiative s'inscrit dans le cadre du " Plan Chorale " porté par les ministères de la Culture, et de l'Éducation nationale et de la Jeunesse qui vise à former et soutenir les enseignants dans l'apprentissage du chant choral sur tout le territoire.

Accessible à tous sur tous les supports

Un outil pédagogique complet et innovant qui s'adresse :
- Aux jeunes
- Aux enseignants et chefs de choeur amateurs
- Aux adultes et parents
Bref ! à toutes celles et ceux qui sont désireux de chanter, chanter en famille, comprendre la voix, créer un groupe vocal et de faire

Des contenus et ressources de qualité, une expérience pédagogique d'excellence

Avec le Chœur et la Maîtrise, Radio France dispose d'une excellente connaissance du répertoire vocal et d'une grande expérience pédagogique. Sofi Jeannin, directrice musicale de la Maîtrise et les référents pédagogiques des deux formations vocales et avec la participation d'enseignants des 1er et 2nd degrés, ont conçu ensemble des modules pour progresser dans sa pratique, quel que soit son niveau de départ.

→ Des tutoriaux vidéos produits par Arte, notamment avec la Maîtrise de Radio France, une animation vidéo et des fiches pédagogiques, qui constituent un socle théorique sur lequel peuvent s'appuyer les enseignants.
→ Des partitions de pièces du répertoire classique sont accessibles en ligne et d'autres à venir
→ Un corpus complémentaire autour de l'univers de la voix et de la pratique chorale : des émissions de radio
→ Des interviews de personnalités du milieu du chant classique et des musiques actuelles, des extraits sonores de la Maîtrise et du Chœur et un film d'animation sur la physiologie de la voix.
→ Des podcasts associés au répertoire par niveau scolaire sont en cours de conception

Des parcours pédagogiques types en fonction de l'utilisateur

Concrètement, chaque élève et chaque enseignant, en fonction du niveau scolaire de sa classe et de son niveau de formation musicale, dispose de modules de découverte et d'apprentissage produits spécialement par Radio France et ses partenaires pour développer sa pratique vocale et sa direction de chorale.

Six parcours types correspondant aux profils possibles des enseignants et des élèves permettront à chacun de progresser à son rythme. Selon ses besoins, l'enseignant pourra découvrir la direction de chorale s'il est débutant ou perfectionner sa direction de chorale s'il est déjà engagé dans cette pratique ou s'il enseigne la musique dans le second degré. Le même principe s'applique aux élèves, du collège jusqu'au lycée.

Un parcours supplémentaire est proposé aux parents pour le cadre familial, car la pratique du chant ne saurait s'arrêter aux portes des écoles !
Une approche exploratoire libre de tout parcours est aussi possible dès la page d'accueil ou en passant par le menu.

Un portail évolutif qui s'enrichit chaque mois de VoxBox thématiques

C'est le nouveau rendez-vous de VO!X, chaque premier mercredi du mois : un mini-programme de 4 morceaux de musique ou plus, sur un thème choisi et pour un public adapté, avec des fichiers simples à utiliser pour faciliter l'apprentissage et la pratique du chant choral.

L'application Metronaut

Radio France met à disposition dans l'application Metronaut des partitions d'oeuvres chorales afin que chacun puisse s'entraîner avec ou sans accompagnement, avec ou sans métronome, en revenant sur des mesures de la partition, chacun à son rythme et selon sa vitesse de progression !
Pour télécharger gratuitement l'appli Metronaut sur votre mobile ou votre tablette, utilisez le lien mis à disposition sur Vo!x, ma chorale interactive et accédez ainsi aux oeuvres chorales mises à disposition par Radio France pour accompagner votre pratique et votre progression.

Rejoignez la communauté VO!X !

Les utilisateurs ont la possibilité de s'abonner à une Newsletter destinée à les informer en temps réel de toutes les nouveautés ou nouvelles fonctionnalités.

En partenariat avec Arte, les Ministères de l'Education nationale et de la Culture, Eduhèque, La Fondation Bettencourt-Schueller et la Sacem.

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour accompagner le développement de la pratique chorale dans les écoles et dans le cercle amateur ou familial, Radio France, forte de l'expertise de ses deux formations vocales, le Chœur et la Maîtrise, a lancé un outil numérique en ligne à destination des enseignants, de leurs élèves et de tout amateur de chant choral.

# data[].attributes.headline
Concert Max Richter 16 mai 2019 Philharmonie de Paris

# data[].attributes.subject
Concert Max Richter 16 mai 2019 Philharmonie de Paris

# data[].attributes.attachment_link.title
Recomposed by Max Richter | Philharmonie de Paris

# data[].attributes.attachment_link.description
Marqué pendant son enfance par Les Quatre Saisons de Vivaldi, le compositeur post-minimaliste Max Richter revisite cet incontournable de la période baroque. Avec des procédés de la musique électronique, il réorchestre les mouvements de l'oeuvre. Ce concert est donné dans le cadre d'une préparation au baccalauréat option musique facultative.

# data[].attributes.attachment_link.keywords[]
éducation nationale  éducation musicale et chant choral

# data[].attributes.attachment_link.title
La brochure du Festival choral académique 2018

# data[].attributes.attachment_link.description
Bienvenue sur le site disciplinaire de l'académie d'Aix-Marseille Éducation Musicale et Chant Choral

# data[].attributes.headline
Vademecum, la chorale à l'école, au collège et au lycée 

# data[].attributes.subject
Vademecum, la chorale à l'école, au collège et au lycée 

# data[].attributes.headline
Programme Enseignement de chant choral au collège

# data[].attributes.subject
Programme Enseignement de chant choral au collège

# data[].attributes.body
B.O. N°30 du 26 juillet 2018

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Ministère de l'Education Nationale et de la Jeunesse

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Annexe - Programme d'enseignement facultatif de chant choral pour les classes de collège (cycles 3 et 4)

L'enseignement facultatif de chant choral s'adresse aux élèves de collège qui souhaitent chanter et s'engager dans un projet choral. Celui-ci leur permet d'enrichir et d'approfondir les compétences travaillées dans le cadre de l'enseignement d'éducation musicale :

- le travail mené aboutit à une ou plusieurs productions publiques (concerts, spectacles, festivals, rencontres entre chorales, cérémonies officielles, commémorations) ;

- il vise un projet artistique approfondi tout au long de l'année scolaire, développant des techniques vocales et musicales spécifiques ;

- il propose une expérience originale qui contribue à acquérir les compétences du socle commun de connaissances, de compétences et de culture.

Il contribue aussi à la mise en œuvre de l'enseignement moral et civique, et particulièrement des trois finalités qu'il poursuit : respecter autrui, acquérir et partager les valeurs de la République, construire une culture civique.

Constituée par l'apport de chaque voix singulière, s'enrichissant de l'altérité, la pratique chorale suppose l'écoute des autres et le dépassement des différences pour construire la musique. Elle apprend à approfondir la connaissance de sa voix et à la situer dans un ensemble où le nombre et la force ne font pas l'unité, celle-ci dépendant d'un équilibre toujours entretenu. Développant l'estime de soi, l'altruisme, la concentration, la mémorisation et la rigueur, la chorale est un facteur de réussite scolaire.

Cet enseignement, interniveaux et intercycles, réunit des élèves de troisième année du cycle 3 (6e) et de chaque niveau du cycle 4 (5e, 4e et 3e). Il peut être suivi sur une ou plusieurs années et associe des élèves expérimentés à d'autres qui le découvrent. Il est organisé en projets annuels aboutissant à des concerts que peuvent enrichir des partenaires artistiques. Il mobilise des répertoires diversifiés, exigeants et adaptés aux projets comme aux voix des enfants et adolescents. Il ne suppose aucun prérequis autre que la motivation de l'élève et son envie de chanter dans un cadre collectif. Dans la perspective de concerts communs, la chorale du collège peut s'associer à d'autres chorales d'écoles, de collèges ou de lycées.

Champs de compétences travaillés

L'enseignement facultatif de chant choral mobilise et développe quatre champs de compétences principaux. Les deux premiers, référés au concert et à l'espace scénique, sont spécifiques à l'enseignement facultatif de chant choral ; les deux suivants approfondissent les compétences développées par l'enseignement d'éducation musicale à l'école et au collège au service de projets artistiques qui se déploient sur l'ensemble de l'année scolaire.

Élaborer, chanter, interpréter un projet musical collectif en concert

En étant acteur de toute la chaîne de création artistique, des tâtonnements initiaux à la restitution en concert, l'élève développe une identité artistique personnelle et apprend à la mettre au service d'un groupe.

- L'élève découvre progressivement un projet visant un objectif stimulant : le concert, présentation publique d'un travail abouti et artistiquement revendiqué ;

- la réalisation envisagée s'enrichit et se précise au fil des répétitions à la lumière des découvertes, apprentissages et propositions des choristes ;

- les sensibilités singulières s'agrègent progressivement en un ensemble artistiquement cohérent dont dépend la qualité du concert ;

- l'interprétation s'enrichit peu à peu d'un travail régulier sur le timbre, la polyphonie, le rythme, la mise en espace auquel s'ajoutent parfois des éléments instrumentaux assurés par certains élèves ;

- la mémorisation du répertoire travaillé rend chaque choriste plus disponible à ce qu'il produit et perçoit.

Investir l'espace scénique

La chorale n'est pas qu'une voix homogène, elle est aussi un corps dont la présence doit " sauter aux yeux " quels que soient les choix scénographiques. Cette préoccupation constitue l'un des ressorts du travail en chorale auquel les élèves doivent sans cesse porter attention. Le concert étant une des clés de l'implication dans un projet choral, chacun développe sa présence à la scène au sein de celle du groupe et se prépare au mieux à cette finalité. Les élèves mobilisent le meilleur d'eux-mêmes pour être à la hauteur des attentes du public venu les écouter. Cette perspective conditionne le travail tout au long de l'année.

À ce titre, plusieurs compétences sont systématiquement mobilisées :

- se maintenir dans le spectacle : contrôler sa posture corporelle, sa concentration et la décontraction qui doit l'accompagner, gérer ses émotions (trac, gestion des erreurs, etc.) ;

- combiner et préserver un geste vocal maîtrisé avec d'autres actions : jeu de scène, déplacements, gestes synchronisés, etc. ;

- mémoriser tous les éléments constitutifs d'un concert et la façon dont ils s'articulent (mélodies, textes, déplacements, gestes, etc.).

Écouter pour chanter

L'interaction entre production et perception est un principe majeur de toute pratique musicale. L'élève développe une conscience de la globalité musicale et en tient compte pour ajuster sa production. Dans cet objectif, le travail mené engage l'élève à :

- rester attentif à sa propre production en veillant à celle du chœur dans son ensemble et ainsi contribuer à son unité ;

- contribuer à un unisson de qualité et tenir sa partie dans un contexte polyphonique ;

- écouter d'autres chœurs pour améliorer sa production ;

- utiliser l'enregistrement pour distinguer ses deux perceptions (auditeur et interprète) et progresser.

Maîtriser le geste vocal

L'élève développe des capacités d'expression adossées à des connaissances et des techniques, capacités qu'il peut réinvestir dans divers répertoires avec la même recherche permanente de qualité musicale et artistique :

- connaissance de l'appareil vocal : posture, respiration, tonicité du diaphragme, articulation, résonateurs, etc. ;

- développement de techniques et de méthodes vocales : prises d'air, gestion des registres et des intervalles, attention portée aux repères mélodiques, harmoniques et rythmiques, ressenti de la pulsation, diction, etc.

Évaluation

S'agissant d'un enseignement facultatif, interniveaux, son évaluation doit être envisagée selon des modalités spécifiques. En outre, c'est bien dans le collectif des élèves constitué par la chorale dans son ensemble - et sa capacité à faire de la musique " d'une même voix " en dépassant les différences individuelles - que réside le fondement du travail mené. La capacité de chaque élève à y contribuer est un indicateur important pour l'évaluation de ses progrès. Ainsi, les compétences qu'il mobilise, son respect des exigences nécessaires à la réussite d'un concert, son engagement assidu tout au long de l'année sont autant de qualités à prendre en compte pour l'évaluation.

Répertoires

Le choix des répertoires est guidé par le projet artistique et par les possibilités des voix d'enfants et d'adolescents. Il prend en compte en particulier la mue des garçons. Il permet de chanter progressivement en polyphonie en privilégiant des œuvres de qualité. Au fil des années scolaires successives, il s'attache à mobiliser la musique de toutes périodes et esthétiques, a cappella ou avec accompagnement.

La variété des répertoires contribue à étoffer la culture des élèves. Ils concernent la chanson actuelle, la chanson du patrimoine récent ou ancien, français et étranger, les airs d'opéra, de comédie musicale, des airs sacrés ou des mélodies et lieds.

Chaque année, en complément du projet annuel qui repose sur la cohérence thématique et stylistique des pièces travaillées, la chorale inscrit à son répertoire des œuvres témoignant des valeurs et principes fondant la citoyenneté républicaine et européenne (par exemple : La Marseillaise, l' Hymne à la joie, Le Chant des partisans, etc.), ou encore évoquant des moments fondateurs de notre Histoire. Fortes de ce répertoire, les chorales sont engagées à contribuer aux cérémonies commémoratives et aux événements qui jalonnent l'année scolaire comme la Rentrée en musique et la Fête de la musique.

Si les œuvres travaillées chaque année doivent former un ensemble cohérent satisfaisant les exigences d'un concert public, cela n'empêche pas d'étudier d'autres pièces qui ne s'inscriront pas pour autant dans le programme du spectacle concluant le travail annuel.

Parmi les œuvres travaillées, certaines d'entre elles peuvent constituer progressivement un fonds de répertoire réinvesti d'une année sur l'autre, les nouveaux choristes l'apprenant par imitation de leurs camarades et par immersion dans une musique déjà apprise par le plus grand nombre. Cette permanence concourt à l'identité de la chorale voire à celle du collège.

Partenariats

Divers projets pédagogiques permettent d'enrichir la chorale. Ils peuvent être internes à l'établissement et impliquer d'autres professeurs. Dans le cadre de la politique éducative de l'établissement, des partenariats peuvent également associer des professionnels de la culture, qu'il s'agisse d'instrumentistes ou de chanteurs, de metteurs en scène, de comédiens, de chorégraphes, d'ensembles instrumentaux constitués, etc. En outre, le ou les concerts de la chorale prennent une dimension supplémentaire si ceux-ci profitent d'un partenariat local mettant à disposition un lieu adapté aux représentations.

# data[].attributes.attachment_link.description
L'enseignement facultatif de chant choral s'adresse aux élèves de collège qui souhaitent chanter et s'engager dans un projet choral.

# data[].attributes.headline
Accéder à sa messagerie professionnelle académique

# data[].attributes.subject
Accéder à sa messagerie professionnelle académique

# data[].attributes.headline
Ressources et outils académiques      Journées pédagogiques Avril 2018 (lien pour accéder au padlet)

# data[].attributes.subject
Ressources et outils académiques      Journées pédagogiques Avril 2018 (lien pour accéder au padlet)

# data[].attributes.headline
Professeurs stagiaires et tuteurs 2018-2019

# data[].attributes.subject
Professeurs stagiaires et tuteurs 2018-2019

# data[].attributes.headline
Le plan académique de formation 2018-2019

# data[].attributes.subject
Le plan académique de formation 2018-2019

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Je souhaite une formation

Je souhaite être accompagné

Nous sommes une équipe
(formations d'établissements)

Dates d'inscription
(concours, formations individuelles, formations collectives, certifications, certifications complémentaires)

Différentes modalités de formation

# data[].attributes.attachment_link.description
Je souhaite une formation Je souhaite être accompagné Nous sommes une équipe (formations d'établissements) Dates d'inscription (concours, formations individuelles, formations collectives, certifications, certifications complémentaires) Différentes modalités de formation

# data[].attributes.headline
Lycée : oeuvres et thèmes de référence pour les épreuves de l'enseignement artistique baccalauréat session 2019

# data[].attributes.subject
Lycée : oeuvres et thèmes de référence pour les épreuves de l'enseignement artistique baccalauréat session 2019

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Ministère de l'Education Nationale de la Jeunesse et des Sports

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
NB. : seuls les œuvres et thèmes renouvelés apparaissent en gras.

La liste des œuvres et des thèmes inscrits au programme de terminale (enseignements de spécialité en série littéraire, options facultatives toutes séries) pour l'année scolaire 2018-2019 et pour la session 2019 du baccalauréat est la suivante :

Arts plastiques - Enseignement de spécialité, série L

Collaboration et co-création entre artistes : duos, groupes, collectifs en arts plastiques du début des années 60 à nos jours

L'étude des pratiques artistiques en collaboration et en co-création, des années 1960 à nos jours, à partir de démarches d'artistes significatifs, a pour objectif de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur le " chemin de l'œuvre " (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O.E.N. spécial n° 9 du 30 septembre 2010), dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est " faire œuvre ".

Une certaine vision de l'artiste en génie solitaire s'est progressivement imposée au XIXe siècle avec la montée en puissance du sujet créateur tendant à laisser en retrait d'autres conceptions de l'artiste, de l'œuvre et de l'art. Pourtant, les pratiques artistiques dites " à plusieurs mains " ne sont pas nouvelles. Historiquement, elles croisent la notion d'atelier et ses évolutions ; elles interrogent la répartition des savoirs et des tâches au service de l'œuvre d'un artiste. Certaines, plus récentes, naissent au sein de regroupements d'artistes désireux de penser et produire ensemble autour de modes de vie et de création choisis, d'engagements esthétiques, sociaux ou politiques, etc. À l'instar de la participation ou de l'interaction avec le spectateur, avec lesquelles elles ne se confondent pas, mais qu'elles peuvent inclure, les collaborations, co-créations et co-conceptions entre artistes conduisent à repenser le processus de création et statut de l'œuvre comme celui de l'auteur.

Une sélection d'œuvres, de démarches, de mouvements et de pratiques significatifs pourra être opérée par chaque enseignant, afin de travailler les points suivants :

- les évolutions à partir des années 1960 des notions d'œuvre et d'auteur dans le cadre des pratiques en collaboration, en co-création et en co-conception, au sein de duos, de groupes et de collectifs d'artistes : désir de non-hiérarchisation entre les créateurs et parfois entre les arts, gestes et manifestations de " singularité collective " - par exemple au sein de Fluxus -, apparition dans les années 1970 et 1980 de la catégorie du couple d'artistes - duos artistiques et dans certains cas dans la vie, etc. ;

- les diverses modalités de partage d'objectifs et de ressources entre artistes : centrées sur la conception et la production ponctuelle d'une œuvre présentée à un public, visant à favoriser des associations et des coopérations dans le contexte d'un projet collectif de plus ou moins longue durée, relevant de collaborations qui peuvent articuler les langages et les pratiques des arts plastiques avec ceux du théâtre, de la danse, du cinéma, de la vidéo, etc. ;

- l'émergence de nouvelles pratiques " à plusieurs " liées au numérique (technologies, processus, concepts), à la constitution de collectifs de création numérique (plus ou moins pérennes, pouvant varier au gré des projets) ;

- les contextes particuliers de certaines œuvres collaboratives, tel celui de l'espace public ou, plus largement, celui suscité par les réflexions actuelles sur la mondialisation ;

- plus généralement, les pratiques singulières développées dans le cadre d'œuvres collaboratives ou coopératives : pratiques de la conversation, de la conférence-performance, etc.

Auguste Rodin (1840-1917)

En s'appuyant sur des œuvres, des démarches et des processus significatifs de l'œuvre d'Auguste Rodin, l'objectif est de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur " l'espace du sensible " (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O. spécial n° 9 du 30 septembre 2010). Il s'agit d'articuler cette approche précise à l'apport d'autres références dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est " faire œuvre ".

Imprégné des références esthétiques qui lui sont contemporaines, Auguste Rodin en dépasse régulièrement les normes, questionnant nombre de conventions et de canons de la statuaire. Les grandes commandes dont il bénéficie dans le domaine de la sculpture publique témoignent des liens que l'artiste entretient avec la société dans laquelle il vit : les monuments qui en sont issus, en prenant leurs distances avec une rhétorique propre à l'époque, suscitent controverses et polémiques, mais ils apportent à Rodin le soutien et l'intérêt d'un cercle artistique convaincu.

Par une perpétuelle interrogation de l'univers des signes, Auguste Rodin sert l'idée d'une création toujours en mouvement, jamais interrompue, jamais achevée. Fidèle à la " Nature ", le sculpteur perçoit les " vérités intérieures sous les apparences ". Entretenant une relation singulière aux processus artistiques, tirant parti des langages plastiques et des matériaux, il élargit les répertoires formels de la sculpture et renouvelle le travail de l'atelier. Les ruptures plastiques et les gestes artistiques qu'il affirme élaborent un nouvel espace sensible. Ce faisant, il invente une autre économie de l'œuvre sculptée, d'une saisissante modernité.

Une sélection d'œuvres emblématiques d'Auguste Rodin sera opérée par chaque enseignant, afin de les mettre en relation en tenant compte de leurs dimensions formelles, techniques, symboliques et sémantiques, à partir des repères ci-après indiqués, sans pour autant devoir s'y limiter :

- les fondements et transformations du rapport de Rodin à la sculpture : références à l'antique, aux cathédrales, à Michel-Ange ; question du mouvement ; problématique du socle ; statut du matériau et matérialité de l'œuvre ; traitement de la lumière ; possibilité du non fini ;

- l'expérimentation au cœur du processus de création : prise en compte du hasard et de l'accident, fragmentation, assemblage, réutilisation, recombinaison, changement d'échelle, répertoire de formes ;

- les temps et lieux de la fabrique de l'œuvre : techniques de la sculpture, organisation matérielle des ateliers, liens avec les assistants, relations avec les modèles, usages du dessin et de la photographie ;

- les grands ensembles sculptés : commande publique, langages et dispositifs plastiques de l'échelle monumentale, conditions de réception, dialogue avec l'environnement et le spectateur.

Machines à dessiner, protocoles ou programmes informatiques pour générer des dessins, trois études de cas avant l'ère du numérique : les Méta-matics de Jean Tinguely, les wall drawings de Sol LeWitt, les dessins assistés par ordinateurs de Véra Molnar

À partir de l'étude d'une sélection d'œuvres de ces artistes, opérée par le professeur et s'inscrivant dans le cadre de cette problématique, il s'agira de soutenir l'investigation de l'entrée du programme portant sur " Œuvre, filiation et ruptures ". Cette approche, en tant qu'études de cas, s'articule à d'autres références mobilisées dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est " faire œuvre " et nourrit la pratique plastique des élèves.

L'utilisation de machines, de protocoles de travail ou de programmes informatiques pour dessiner - avant même l'ère du numérique - a connu et poursuit des développements contribuant à l'évolution globale des pratiques, des démarches et des attitudes artistiques. Elle ouvre sur une variété de modalités de création et de finalités exprimant également des positions critiques dans l'art et sur la société.

Les Méta-matics de Jean Tinguely (1925-1991), les wall drawings de Sol LeWitt (1928-2007), les dessins assistés par ordinateur de Véra Molnar (née en 1924) reconfigurent, élargissent ou déplacent les manières de convoquer ou de générer le dessin. Héritières de lointaines traditions et témoignant de divers usages du dessin en art, elles sont porteuses de nombreuses caractéristiques de la modernité en art.

Axes de travail :

On sera attentif, à partir d'exemples précis et de problématiques dégagées des démarches et productions de ces trois artistes, à :

- explorer les potentialités de l'usage à visée artistique de machines, de technologies, de protocoles de travail dans le champ du dessin ;

- analyser la nature et le statut du geste artistique dès lors que l'artiste n'est pas l'unique inventeur ou producteur du dessin ou qu'il l'intègre dans un processus plus large ;

- mettre en perspective les pratiques de ces trois artistes avec les différentes conceptions et usages du dessin en arts plastiques.

On veillera à ne pas confondre cette étude avec une histoire générale du dessin ou avec des monographies de Jean Tinguely, de Sol LeWitt et Véra Molnar, comme avec une investigation exhaustive de toute leur œuvre.

Arts plastiques - Option facultative toutes séries

Sophie Taeuber-Arp (1889-1943)

En appui sur trois œuvres significatives de Sophie Taeuber-Arp, le professeur soutiendra l'investigation de l'entrée de programme portant sur " la tradition, rupture et renouvellements de la présentation : la tradition du cadre et du socle, ses ruptures et renouvellements contemporains " (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O. spécial n° 9 du 30 septembre 2010).

Artiste particulièrement inventive, Sophie Taeuber-Arp est pleinement inscrite dans les avant-gardes du début de XXe siècle. Elle devait pourtant rester longtemps dans l'ombre des grandes figures masculines de la modernité en arts plastiques. Membre de Dada, pratiquant l'art concret bien avant que les principes en soient énoncés par Théo Van Doesburg, elle s'est rapidement associée à des groupes d'artistes de tendance abstraite : Cercle et Carré, Abstraction-Création ou Allianz. Son œuvre très diverse s'exerce dans de nombreux domaines entre lesquels elle entretient de nombreux liens, les nourrissant réciproquement de leurs langages, de leurs esthétiques, de leurs avancées : peinture, sculpture, danse, architecture, architecture d'intérieur, arts décoratifs, etc. Elle devait également fonder et éditer la revue Plastique/PLASTIC.

- Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), Tapisserie Dada, Composition à triangles, rectangles et parties d'anneaux, 1916, tapisserie au petit point, laine, 41 x 41 cm. Musée national d'art moderne, Centre Georges-Pompidou, Paris. Legs Mme Ruth Tillard-Arp, 2007 ;

- Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), Jean ou Hans Arp (1886-1966), Théo van Doesburg (1883-1931), L'Aubette, 1926-1928, aménagement et décors d'un complexe de loisirs (café, restaurant, brasserie, salon de thé, ciné-bal, caveau-dancing, salle des fêtes, etc.) sur quatre niveaux (caveau, rez-de-chaussée, entresol et étage), Strasbourg. Premier étage restitué de 1985 à 2006. Classée au titre des Monuments Historiques ;

- Sophie Taeuber-Arp (1889-1943), Relief rectangulaire, rectangles découpés, rectangles appliqués et cylindres surgissants, 1936, relief en bois peint, 50 x 68,5 cm, signé et daté sur le dos : SH Taeuber-Arp 1936. Kunstmuseum, Basel. Don de Marguerite Arp-Hagenbach, 1968.

Les transparents de Carmontelle : d'une mise en scène de l'image aux prémices de l'histoire de l'installation

Ces œuvres et cette problématique visent à soutenir l'investigation de l'entrée du programme portant sur " l'aspect matériel de la présentation : le support, la nature, les matériaux et le format des œuvres ". Si l'étude des transparents réalisés par Louis Carrogis dit Carmontelle (1717-1806) en constitue l'objet, elle est aussi le point d'entrée - y compris dans le cadre de la pratique des élèves - vers des éléments de comparaison avec des stratégies et des modalités de présentation développées ultérieurement.

La part faite en arts plastiques à la sollicitation des sens du spectateur (perceptions tactiles, synesthésiques, auditives, etc.), son immersion ou son implication dans l'œuvre sont des caractéristiques de la modernité, sans en être les uniques marqueurs. En matière de présentation, la cimaise - " présentoir " frontal - s'est avérée particulièrement propice à soutenir un système de retrait contemplatif du regardeur. De nouvelles expériences sensibles et définitions de l'œuvre ont été proposées par l'installation et ses prémices. Celles-ci jouent fréquemment avec les mises en scène de l'image, le développement de son mouvement ou de la relation du spectateur avec l'image. Quelques précédents avant le XXe siècle, dont les transparents de Carmontelle et leur dispositif, ont jalonné progressivement les possibilités de cet élargissement de la conception et de la réception de l'œuvre plastique.

Axes de travail :

On étudiera les enjeux et problématiques que proposent les transparents de Carmontelle du point de vue de la présentation :

- l'émergence d'un mouvement imprimé à l'image et d'une mise en scène de l'œuvre plastique dans les transparents de Carmontelle ;

- les caractères nomades et éphémères de la monstration des transparents et multi sensoriels de leur réception ;

- les modalités techniques du dispositif et d'organisation de l'espace de présentation chez Carmontelle.

En prenant appui sur des exemples précis, librement choisis, le professeur enrichira cette étude des transparents de Carmontelle de leur écho dans les pratiques contemporaines.

En appui sur des œuvres de Bill Viola, le professeur soutiendra l'investigation de l'entrée de programme portant sur " le statut de l'œuvre et présentation " (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O. spécial n° 9 du 30 septembre 2010).

Mondialement reconnu, Bill Viola est aujourd'hui un des artistes majeurs de l'image électronique. Né en 1951, il a grandi à l'ère des premiers développements de l'art vidéo. Dès ses études et ses premiers travaux d'artiste, il privilégiait ce nouveau médium pour en explorer les multiples possibilités artistiques : captations de performances, mises en espace des images et des moniteurs vidéo, exploitation du potentiel plastique, sémantique, symbolique des projections sur de grandes surfaces, etc. Au moyen d'installations intimistes ou monumentales, ses créations interrogent le rapport au temps de l'œuvre et au réalisme des sensations, des émotions et des expériences. Sculptant le temps, bouleversant les perceptions, immergeant le spectateur, Bill Viola propose une relation différente aux images animées. Il en pousse notamment les conventions narratives pour rejoindre parfois l'idée de " tableaux animés ". Il associe le visuel, le sonore et l'espace. Il tire parti des appareils et des technologies (caméras, optiques scientifiques, systèmes numériques, etc.), des formats et des qualités des écrans (miroirs, moniteurs multiples, rétroprojecteurs, etc.). Il joue de divers effets (ralentissements, grossissements, pétrifications, etc.). Nombre de ses créations ouvrent des dialogues entre la modernité du médium digital et un univers d'images s'inscrivant dans l'histoire de l'art.

Le professeur pourra sélectionner des œuvres parmi celles indiquées ci-après, à titre de repères, sans pour autant devoir s'y limiter :

- des bandes vidéo aux écrans plasma : The Reflecting Pool, 1977-79 ; Chott El-Djerid, 1979 ; Reverse Television - Portraits of Viewers, 1983-1984 ; Deserts, 1994 ; Walking on the Edge et The Encounter, 2012 ; The Dreamers, 2013 ;

- sculptures vidéo et installations : Heaven and Earth, 1992 ; The Sleepers, 1992 ; The Veiling, 1995 ; The Crossing, 1996 ; Going Forth By Day, 2002 ; The Tristan Project (Fire Woman et Tristan's Ascension), 2005 ;

- références aux grands maîtres : The Sleep of Reason, 1988 ; The Greeting, 1995 ; The Quintet of the Astonished, 2000.

Cinéma et audiovisuel - Enseignement de spécialité, série L

La Tortue rouge de Michael Dudok de Wit, animation, 2016

La Tortue rouge, premier long-métrage d'animation du Néerlandais Michael Dudok de Wit, qui reçut en 1996 le césar du meilleur court-métrage pour Le Moine et le poisson et, en 2001, l'oscar pour Père et fille, est une co-production franco-japonaise. Le réalisateur du Tombeau des Lucioles, Isao Takahata, cofondateur du prestigieux studio japonais Ghibli, séduit par le travail du cinéaste néerlandais, dont l'œuvre cinématographique s'inspire grandement des arts asiatiques, l'encourage à travailler sur ce long-métrage. Et c'est en France que le film a été entièrement conçu.

Présenté en 2016 à Cannes aux côtés d'autres films d'animation, il obtient le Prix spécial dans la sélection Un certain regard, puis l'oscar du meilleur film d'animation en 2017.

Conte philosophique sans paroles, La Tortue rouge raconte l'histoire émouvante d'un Robinson Crusoé, rejeté sur une île déserte à la suite d'un naufrage, et met en scène ses rapports à la nature qui l'environne. Une tortue rouge, animal puissant et inquiétant qui détruit toutes les embarcations de fortune que le personnage tente de se construire pour échapper à son sort, dans une métamorphose qui nous renvoie aux mythes étiologiques ovidiens, se transforme en une jeune femme gracieuse qu'il aimera et qui lui donnera un enfant.

À travers l'étude du film, de son esthétique, de sa genèse et de sa production, on interrogera plus particulièrement les points suivants :

- le jeu subtil des motifs culturels universels (les quatre éléments, la tortue cosmophore, le " défilé " d'une renaissance, etc.) et des références, celles notamment qui renvoient le spectateur aux textes et mythes fondateurs, constitue l'œuvre en une fable des origines du monde et du regard : l'homme n'y apparait pas " face à la nature, mais l'homme dans la nature : (...) ils sont toujours ensemble. Ils s'appartiennent ", comme l'explique le cinéaste ;

- le langage visuel et graphique (les éléments naturels simples, les dessins graciles des corps, le choix du trait et du layout par rapport à la couleur, etc.), auquel s'ajoutent l'absence de paroles et la composition sonore, travaille dans la sobriété, l'épure et la transparence, et fait de ce film une œuvre poétique et sensorielle ;

- la singularité de la place d'un cinéaste indépendant européen au sein d'un studio d'animation japonais, la nature des liens et des enjeux esthétiques nés de cette hybridation interrogent profondément l'histoire du cinéma d'animation en se donnant comme un retour aux sources.

La poésie mystérieuse de cette œuvre renforce la nécessité de passer par un travail sur la réception des élèves : " J'ai choisi la tortue car elle est paisible et solitaire et c'est pour cela que je l'aime. Mais j'ai voulu qu'elle garde une part de mystère. Je veux permettre aux spectateurs de percevoir ce qu'ils veulent, sans leur imposer un point de vue. Il faut qu'ils ressentent les choses de façon intuitive, sans forcément tout analyser ", précise le cinéaste qui ouvre la voie à un nouveau régime du signe et de perception du sens au cinéma : la force première d'une évidence dont la complexité symbolique décante et s'enrichit lentement chez le spectateur.

Les Lumières de la ville de Charles Chaplin, 1931.

Entrepris à la charnière de la période du muet et du parlant, mais présenté seulement en 1931, en plein règne des " talkies ", Les Lumières de la ville marque la première étape de Charles Chaplin dans sa réflexion sur la manière d'aborder un cinéma sonore et parlant. N'utilisant la piste sonore que pour porter un accompagnement musical synchronisé, avec un minimum d'effets de bruitage et aucun dialogue audible, le film pourrait apparaître comme un manifeste anachronique pour les images muettes et marquer les réticences de son auteur vis-à-vis des innovations sonores au goût du jour.

Pourtant, prenant une dimension fortement allégorique et méta-poétique, la diégèse redonne toute son importance (cinématographique, cognitive, morale) à l'ouïe et au toucher, contre la vue, toujours susceptible de faire écran. Une jeune fleuriste aveugle se prend d'amitié et d'affection pour un vagabond qu'elle s'imagine être un millionnaire. Rendue à l'univers des voyants grâce à lui, elle le reconnaît pour ce qu'il est dans un final sublime qui consacre la voix et le contact sensible comme les fils conducteurs subtils d'une relation profonde entre les êtres, par-delà le fracas des apparences fallacieuses. Avec cette fable des temps modernes révélatrice de son ambition, Chaplin s'impose immédiatement comme un immense cinéaste de la sensibilité et de la mise en scène de la Parole, visant bien plus qu'une simple reproduction technique des corps et des sons.

Son comique s'en trouve approfondi et redynamisé. Plus que jamais, le rire côtoie le pathétique dans une alliance qui n'est pas une alternance de registres mais un alliage authentique. À partir de l'analyse de la scène emblématique du dévidage du gilet du vagabond, rembobiné par la jeune femme, Gilles Deleuze décrit exemplairement ce nouveau circuit chaplinien " rire-émotion ", " où l'un renvoie à la petite différence, l'autre à la grande distance, sans que l'un efface ou atténue l'autre, mais tous deux se relayant, se relançant. " Avant de conclure : " Le génie de Chaplin, c'est de faire les deux ensemble, de faire qu'on rie d'autant plus qu'on est ému " (Gilles Deleuze, L'image-mouvement, Paris, Les Éditions de minuit, p. 234).

Suggestions bibliographiques :

- André Bazin, Charles Chaplin, Paris, Les Cahiers du cinéma, 2000.

- Gilles Deleuze, L'image-mouvement, Paris, Les Éditions de minuit, 1983, p. 231-236.

- Michel Chion, " Chaplin : trois pas dans la parole ", Un art sonore, le cinéma, Paris, Les Cahiers du cinéma, 2003, p. 27-32.

- Olivier Mongin, Éclats de rire : variations sur le corps comique, Paris, Le Seuil, 2002.

Réalisateur, écrivain et compositeur indien bengali, Satyajit Ray est une figure évidente de la polyphonie culturelle aux résonnances multiples : mélange historique, mélange référentiel, mélange des cultures où sa formation ancrée dans l'indianité se combine avec son ouverture à l'Occident.

Charulata, réalisé en 1964, obtient en 1965 l'Ours d'argent à Berlin ; le réalisateur lui-même le tient pour son plus beau film. Cette œuvre cinématographique, adaptée de la nouvelle Nastanirh de Rabindranath Tagore publiée en 1901, plonge le spectateur dans l'Inde de la deuxième partie du XIXe siècle. Il conviendra, par conséquent, de travailler avec les élèves la contextualisation historique au fur et à mesure de l'étude du film pour lever les difficultés de compréhension au moment où elles se poseront et aider à l'interprétation. Tout au long de l'étude du film, et en particulier lors du travail sur les scènes consacrées à l'engagement de Bhupati, il s'agira d'aborder avec eux la naissance de la presse et son développement spécifique en Inde, d'évoquer le mouvement pour l'indépendance de l'Inde, d'aucuns ayant vu à travers le personnage de Bhupati un hommage que le réalisateur rendrait à Ram Mohan Roy, grand acteur de cette révolution, le Raj britannique, les élections en Grande-Bretagne de 1880 avec l'accession au pouvoir du Parti Libéral, les premiers mouvements politiques indiens issus de l'émergence d'une classe indienne éduquée, les prémices de l'Inde moderne, la place de la femme dans cette Inde à venir.

Le film, à la structure extrêmement organisée, repose sur une série de tensions qui lui donnent toute sa force dramaturgique et qui s'articulent autour de la relation entre les trois acteurs principaux, avec au centre le personnage féminin de Charulata.

Les éléments qui vont par paire et/ou qui s'opposent sont nombreux. On en retiendra ici quelques-uns : l'ordre et le désordre ; montrer/cacher ; extérieur-intérieur.

On ne saurait, enfin, oublier la dominante esthétique du film : d'abord, la beauté des visages filmés, notamment la plasticité et l'expressivité de celui de l'actrice Madhabi Mukherjee, qu'accompagne l'intensité de ses regards aussi sombres qu'éclatants ; le lien avec la littérature, d'une part, avec la musique et la chanson indienne, d'autre part - on rappellera que S. Ray est le compositeur de la musique du film -  ; le dialogue avec d'autres films : l'hommage que le réalisateur rend à Renoir.

Charulata, film de patrimoine, est l'une des œuvres les plus complexes de Satyajit Ray. Son étude demande à être préparée en amont par le visionnement d'autres films, en particulier ceux ancrés dans l'époque contemporaine du réalisateur, comme La grande ville, Le héros ou Le lâche, etc., et ce, dès la classe de première. L'on n'hésitera pas, par ailleurs, à proposer des pistes d'ouverture vers les cinématographies indiennes actuelles, notamment " Bollywood " qui peut apparaître aussi comme un carrefour esthétique entre tradition et modernité, mélange des arts, nouvelle industrie.

Suggestions bibliographiques :

- Henri Micciollo, Satyajit Ray, 1981, Éditions l'Âge d'Homme.

- Charles Tesson, " Ray Satyajit - (1921-1992) ", Encyclopædia Universalis.

- Tesson, Satyajit Ray, Cahiers du cinéma, collection auteurs, 1992.

- Satyajit Ray, Écrits sur le cinéma, Ramsay, 1999.

- Youssef Ishaghpour, SR, L'Orient et l'Occident, Coll. Les Essais, Édition de La Différence 2002.

- Max Robin, " La voyante. Charulata ", in critikat.com, 8 avril 2014.

Danse - Enseignement de spécialité, série L

Introduction du Boléro de Maurice Ravel chorégraphié par Odile Duboc : spectacle les Trois Boléros filmé à Angers en 2007

Odile Duboc (1941-2010) est une des représentantes de ce que l'on nomme la Nouvelle danse française qui cherche à se démarquer de la danse moderne américaine et de l'Opéra de Paris pour développer un langage chorégraphique spécifique.

Œuvre majeure du répertoire, le Boléro est un ballet en un acte, créé en 1928. Son origine espagnole est présente dans la musique, mais est réinterprétée voire effacée dans de nombreuses créations chorégraphiques. Le Boléro de Ravel chorégraphié par Odile Duboc offre de nombreuses pistes de réflexion sur les rapports entre danse et musique, et sur la distance que les chorégraphes prennent avec l'argument d'une œuvre. Ce ballet permet aussi d'aborder les thématiques de l'espace et de la virtuosité.

- La captation intégrale de ces trois versions est disponible en DVD, édité par le Sceren-CRDP de l'académie de Besançon en 2012. Le livret-DVD réalisé par le CRDP de Besançon propose en outre des extraits de huit chorégraphies de boléros, dont une version hip hop.

- La vidéothèque de la Maison de la Danse de Lyon propose un court extrait de Boléro Variations de Raimund Hoghe (2007)

- La vidéothèque de danse http://www.numeridanse.tv/fr propose différents thémas qui peuvent nourrir l'étude de cette œuvre : Le ballet poussé à bout ; La danse virtuose ; Une matière de la danse : les états de corps ; Hip-hop/influences ; La nouvelle danse française des années 80.

- Le Boléro de Thierry Malandain et celui chorégraphié par Maurice Béjart sont en libre accès sur Internet.

- Les mots de la matière - Écrits de la chorégraphe Odile Duboc, ouvrage établi par Françoise Michel et Julie Perrin et accompagné d'un DVD, éditions Les Solitaires Intempestifs, 2013.

May B., pièce chorégraphique de Maguy Marin créée en 1981 au Théâtre Municipal d'Angers. Musiques originales Franz Schubert, Gilles de Binche, Gauin Bryars.

Danseuse et chorégraphe célèbre pour son style singulier, intégrant de nombreux éléments théâtraux et non dansés, empreint d'une musicalité évidente, Maguy Marin (née en 1951 à Toulouse) est une pionnière et l'une des figures les plus importantes de la Nouvelle danse française qui a bouleversé les scènes depuis la fin des années 1970.

S'appuyant sur Samuel Beckett et son écriture, particulièrement sa pièce de théâtre En attendant Godot, Maguy Marin invente sa propre danse de l'absurde. Les personnages semblent directement issus des tableaux de Pieter Brueghel l'Ancien : des corps entravés, empêtrés, malhabiles.

Danse et technologies : Biped, de Merce Cunningham. Création au Cal Performances, Zellerbach Hall, Berkeley, California, le 23 avril 1999.

" Avec Cunningham, la danse conquiert enfin une totale indépendance en n'étant plus chargée une signification autre que celle que suggère le mouvement en lui-même ". Merce Cunningham (1919-2009) est aussi l'un des premiers à avoir vraiment entamé des recherches sur la danse et l'image avec la vidéo. L'utilisation de plusieurs caméras permet de multiplier les points de vue, contrairement à ce qu'il est possible de voir dans une salle. " Cunningham se saisit des techniques de l'image pour multiplier les angles de vue et démultiplier l'espace de la danse ".

" À partir de 1990, Merce Cunningham s'empare de l'ordinateur. Il invente un logiciel de chorégraphie assistée par ordinateur "la motion capture" qui permet la saisie du mouvement par des capteurs installés sur le corps des danseurs afin de les renvoyer dans un univers virtuel où les mouvements de ces personnages seront modifiés par ordinateur ". La création de Biped, en 1999, mêle danseurs réels et virtuels sur la scène.

Le décor de Biped est une exploration des nouvelles possibilités technologiques de capture du mouvement. Le mouvement des danseurs est transposé en images digitales.

Pour cette œuvre, il a collaboré avec deux plasticiens numériques, Shelley Eshkar et Paul Kaiser.

Histoire des arts - Enseignement de spécialité, série L

Question et enjeux esthétiques : l'art et le sacré

Partant du principe que la " notion de sacré [est] une notion sociale, c'est-à-dire un produit de l'activité collective " (Marcel Mauss), l'étude des rapports entre l'art et le sacré, dans le cadre de l'enseignement de l'histoire des arts, englobe non seulement les genres artistico-religieux communément regroupés sous le qualificatif générique d'" art sacré ", mais encore tout ce par quoi l'art exprime " le sacré [...] comme une catégorie de la sensibilité " (Roger Caillois), " un élément dans la structure de la conscience " (Mircea Eliade).

À l'aide d'exemples choisis dans une diversité aussi grande que possible d'époques, de domaines artistiques et de civilisations, d'objets et d'édifices cultuels ainsi que d'œuvres d'art, il s'agira : tout d'abord, d'étudier la relation complexe qu'entretient l'art avec le fait religieux, notamment dans une fonction véhiculaire ou illustrative des textes sacrés ; puis, de considérer son apport à des rituels relevant d'une acception soit strictement religieuse, soit plus largement anthropologique, voire laïque, de la notion de sacré ; enfin, de s'interroger sur la manière dont l'art devient lui-même objet de sacralisation à l'époque contemporaine.

La question s'organisera donc autour des trois axes ainsi dégagés :

- représentations artistiques du sacré ;

- l'art, partie prenante du rite ;

- la sacralisation de l'art.

Arts, ville, politique et société : les années cinquante

Tout arbitraire soit-il, le découpage en décennies ne laisse pas de façonner notre pensée du XXe siècle : l'étude de l'une d'entre elles ne pourra donc s'affranchir d'une réflexion sur la périodisation et les chronologies en histoire des arts.

Les dix années qui voient progressivement s'éteindre une génération d'artistes des avant-gardes (Schönberg, Derain, Matisse, Nolde, Rodtchenko, Vlaminck, etc.) et éclore le Pop Art pour se clore avec l'entrée en scène des Nouveaux réalistes en 1960 sont marquées, dans les arts plastiques, par une rivalité transatlantique que cristallise la question de l'abstraction. Expressionnisme abstrait à New York, abstraction lyrique avec l'école de Paris : ces courants non seulement promeuvent des peintres majeurs de l'époque, mais confirment le rôle de la critique dans la construction des mouvements artistiques.

En architecture, le brutalisme, en musique, le sérialisme intégral, l'œuvre ouverte et l'essor des grands studios électroacoustiques semblent étayer la lecture de cette période comme d'un nouvel âge des avant-gardes : New-Look, Nouvelle vague, bientôt Nouveau roman, etc. Pour autant, la place conquise par la photographie, le cinéma, le design et les arts décoratifs s'accompagne-t-elle toujours de la même audace formelle ? Abstraction photographique en Allemagne, triomphe du photoreportage " humaniste " en France et aux États-Unis ; nouveaux matériaux synthétiques, mais au service d'une élégance néoclassique : une dialectique présente aussi dans le théâtre ou la danse, et emblématisée par le jazz, qui vit en ces années une véritable querelle des Anciens et des Modernes.

Un Adorno ou un Barthes nous invitent aussi à une lecture plus politique et sociologique de cette période. Sur fond de décolonisation et tandis que la guerre fait rage en Indochine et en Corée, cette décennie est à la fois celle des caves de Saint-Germain-des-Prés, de la Beat Generation et celle des grands festivals - Aix, Avignon, Cannes, Kassel ; celle de l'essor des politiques culturelles qui aboutira, en France, à la création d'un ministère en 1959, et celle d'une vulgarisation par la télévision, le film et le microsillon qui fait soudain accéder à une célébrité planétaire des artistes comme Picasso, Callas ou Karajan, à l'instar des stars du cinéma ou du jeune rock n'roll. Les années cinquante n'ont-elles pas, ainsi, transformé le rapport à l'art d'une génération, voire de toute une société ?

Un artiste en son temps : la photographe Tina Modotti (1896-1942).

Histoire des arts - Option facultative toutes séries

Le patrimoine, des sept merveilles du monde à la liste du patrimoine mondial : patrimoines, représentations et mémoire du travail

Agricole ou maritime, artisanal ou industriel, scientifique ou scolaire, le travail humain a suscité nombre de représentations artistiques de toutes époques, mais aussi de sites, bâtiments, dispositifs et objets fonctionnels aujourd'hui conservés, protégés et valorisés en tant que patrimoine - voire, pour certains, au titre du patrimoine de l'humanité.

Au plus près possible de l'établissement - et jusque dans l'établissement - l'observation de tels sites, bâtiments et outils, ainsi que des modalités de leur conservation et de leur valorisation, doit amener l'élève à prendre conscience de la valeur patrimoniale que recouvre un environnement quotidien, à réfléchir sur le statut d'un tel patrimoine par rapport à celui plus communément identifié comme artistique, mais aussi à comprendre le poids de mémoire que ce patrimoine véhicule : mémoire d'une activité humaine et d'une condition sociale, mais aussi de gestes dont certains se transmettent aujourd'hui encore depuis un passé lointain.

L'élève s'interrogera sur le rapport à l'art qu'entretiennent le patrimoine et la mémoire du travail : que ce soit dans le vocabulaire formel ou ornemental - qui ne cesse de chercher une réponse à l'antique question du lien entre beau et utile - ou comme source d'inspiration pour les artistes.

Les services régionaux de l'inventaire, les conservations régionales des monuments historiques et les services locaux en charge du patrimoine sont des partenaires précieux pour que l'étude ait une dimension concrète. La visite de musées ethnographiques et d'écomusées, la rencontre d'artisans qui perpétuent les gestes et les outils ancestraux, l'expérience d'artistes qui investissent des sujets ou des lieux liés à la question, sont éminemment souhaitables.

Création artistique et pratiques culturelles dans le monde, de 1939 à nos jours : arts et émancipation

" Émancipation : [...] 2. Action d'affranchir, de s'affranchir d'une domination ou d'une servitude, d'une contrainte. L'émancipation des esclaves. L'émancipation politique des colonies. L'émancipation de la femme. 3. Fig. Action de libérer, de se libérer d'une dépendance d'ordre moral ou intellectuel, de préjugés, d'erreurs. L'émancipation des esprits. " (Dictionnaire de l'Académie française, 9e édition, t. 1, Paris, Imprimerie nationale, 1992)

Comment les arts et les artistes ont-ils participé à - voire, pour certaines expressions artistiques, participé de - ces mouvements d'émancipation, tant politiques que sociaux au sens large, qui ont marqué et continuent de marquer l'époque contemporaine, de la Seconde Guerre mondiale à nos jours ?

Musique - Enseignement de spécialité, série L

Les œuvres et thèmes de référence pour l'année scolaire 2018-2019 et la session 2019 du baccalauréat - enseignement de spécialité musique - série L - sont présentés ci-dessous. Leur découverte puis leur connaissance sont éclairées par l'étude des quatre grandes questions précisées par le programme d'enseignement de la classe terminale :
- La musique, le timbre et son ; - La musique, le rythme et le temps ; - La musique, l'interprétation et l'arrangement ; - La musique, diversité et relativité des cultures.
Cet ensemble d'œuvres visant la préparation des candidats à l'épreuve du baccalauréat ne peut cependant " circonscrire le travail mené au titre du programme d'enseignement, le professeur en alimentant l'étude par un choix diversifié de références musicales supplémentaires et complémentaires " (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O. spécial n° 9 du 30 septembre 2010). Ces références supplémentaires permettent également au candidat de nourrir son devoir écrit et d'enrichir sa prestation orale au moment de l'épreuve.

En outre, le travail conduit sur ces œuvres de référence s'inscrit dans le développement des trois champs de compétences qui, en terminale comme aux niveaux précédents, structurent la progression des apprentissages :

- Percevoir la musique : développer l'acuité auditive au service d'une connaissance organisée et problématisée des cultures musicales et artistiques dans le temps et l'espace ;

- Produire la musique : pratiquer les langages de la musique afin de développer une expression artistique maîtrisée, individuelle ou collective ; diversifier les pratiques et les répertoires rencontrés ;

- Penser la musique dans le monde d'aujourd'hui.

Si certaines de ces œuvres de référence seront plus appropriées pour approfondir l'une ou l'autre des " grandes questions " du programme d'enseignement ou alimenter opportunément le développement d'un des champs de compétences, toutes gagneront à être éclairées par la diversité des questionnements qui nourrissent, tout au long de l'année de terminale, la progression des élèves.

Johann Sebastian Bach : Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit, BWV 106, (Actus Tragicus) :

- Sonatina ;

- Chœur : Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit ;

- Aria (tenor) : Ach, Herr, lehre uns bedenken ;

- Aria (basse) : Bestelle dein Haus ;

- Chœur : Es ist der alte Bund.

Felix Mendelssohn : Octuor à cordes, Mib majeur, op20, Allegro moderato ma con fuoco (14'27)

John Adams : Short Ride in A Fast Machine

Musique - Option facultative toutes séries

Les œuvres qui suivent sont des références pour l'évaluation des élèves au baccalauréat, mais ne sauraient constituer l'ensemble des œuvres rencontrées et étudiées durant l'année. " Celles-ci sont bien plus nombreuses, certaines étant abordées par la pratique d'interprétation, d'arrangement ou encore de (re)création/manipulation, d'autres l'étant par l'écoute, la sensibilité, le commentaire et l'analyse auditive. " (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O. spécial n° 9 du 30 septembre 2010)

- In album Heavy weather - Weather Report (1977)

- In album Extensions - The Manhattan Transfer (1979)

- In album Back on the Block - Quincy Jones (1989)

- In album Minimal Movie - Ensemble Hyperion (2000)

Max Richter : Album Recomposed by Max Richter : Vivaldi, the Four Seasons (extraits)

- Spring 1 (2'32)

- Summer 3 (5'01)

- Autumn 2 (3'08)

- Winter 1 (3'01)

- Shadow 3 (3'33)

Théâtre - Enseignement de spécialité, série L

- Les Illusions comiques, Olivier Py

- Britannicus, Racine
- Woyzeck, Büchner, traduction de Philippe Ivernel et Patrice Pavis (Gallimard, Folio Théâtre)

# data[].attributes.attachment_link.description
NB. : seuls les œuvres et thèmes renouvelés apparaissent en gras.