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définition de techniques graphiques sur le thème du LEZARD ... mosaïque,

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L'exposition "Méta-photographie" de Thomas RUFF au MAMC+ Saint Étienne Métropole

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L'exposition "Méta-photographie" de Thomas RUFF au MAMC+ Saint Étienne Métropole

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Jean-Michel Othoniel réenchantera bientôt le Palais idéal du facteur Cheval | Connaissance des Arts

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Du 15 mai au 6 novembre, Jean-Michel Othoniel installe ses œuvres de verre et de lumière dans les jardins et le Palais idéal du facteur Cheval. Une première dans l'histoire du monument historique.

Pour ses 110 ans, le Palais idéal du facteur Cheval s'offre un cadeau inédit. Du 15 mai au 6 novembre, Jean-Michel Othoniel réenchante le monument avec ses créations féeriques faites de verre et de lumière. Intitulée " Le rêve de l'eau ", l'exposition se tiendra dans le jardin, sur les façades, dans la galerie du Palais idéal mais aussi dans l'espace muséographique dédié aux événements temporaires. Une première dans l'histoire du lieu, classé Monument historique en 1969 par André Malraux, au titre de l'art naïf.

Convoquer le merveilleux

" J'ai hâte de surprendre Ferdinand Cheval, de me perdre à nouveau dans les mystères de l'enfance, dans le monde à part de la jeunesse et dans la joie de savoir vivre et finir ma vie ", explique Jean-Michel Othoniel dans un communiqué. Après le succès de son intervention au Petit Palais avec " Le Théorème de Narcisse " et sur invitation du directeur du monument Frédéric Legros, l'artiste a imaginé une exposition autour de deux éléments principaux du Palais : l'eau et la lumière. En s'inspirant des dessins préparatoires du facteur Cheval et des formes qu'il a conçues, Jean-Michel Othoniel convoque le merveilleux pour que le rêve du facteur Cheval devienne réalité, c'est-à-dire que le Palais soit animé de jeux d'eaux, de fontaines et de cascades.

Le choix de l'artiste n'est pas le fruit du hasard. Enfant, Jean-Michel Othoniel visitait déjà le Palais idéal : " Nous partions en vacances dans la Drôme avec ma mère, nomades pour une longue période sans mon père qui restait à l'usine, confie l'artiste. Hauterives était une destination culturelle pour cette jeune institutrice curieuse et son fils. Nous sommes à la fin des années 1960, j'ai six ans. Le château des géants, du sable, des coquillages, de la poussière, du soleil, de la fraîcheur, des grottes, des rires, du silence et se perdre dans le mystérieux de l'enfance. Le bruit des pas sur les graviers, le vertige des belvédères, la peur du labyrinthe, jouer, courir, chercher et se chercher pour comprendre où l'on est et d'où l'on vient, accepter la magie populaire, l'exotisme des livres d'histoires comme seule rêverie. "

Dialogue entre la création contemporaine et l'œuvre singulière du facteur Cheval

Dans ce premier dialogue direct entre la création contemporaine et l'œuvre singulière du facteur Cheval, grottes, alcôves, niches et détours escarpés deviennent le lieu de rencontre entre deux univers fantaisistes où l'imaginaire occupe une place primordiale. Le parcours enchanteur de Jean-Michel Othoniel à l'intérieur et autour du Palais présentera de joyaux précieux, des briques incandescentes, des perles géantes et d'autres trésors imaginés par l'artiste. Dans le " musée antédiluvien " (où le facteur Cheval plaçait les pierres qui ne trouvaient pas de place dans son palais), l'artiste installera Oracle, une sculpture faite de briques dorées réalisées en Inde, qui " évoque autant la construction que le Sacré et le désir d'ailleurs ".

À l'intérieur du Palais, deux sculptures lumineuses reprendront la forme de la Pierre d'achoppement (qui a donné naissance à l'édifice). Faites de verre dans la tradition des maîtres verriers de Murano (avec lesquels collabore Jean-Michel Othoniel), celles-ci seront suspendues pour éclairer les plafonds et parois sculptés du monument. De même, six vitraux viendront colorer la galerie du Palais idéal sous la phrase du facteur " Où le songe devient réalité ". Leurs motifs reprendront des formes inspirées de la nature, muse commune aux deux artistes.

Dans l'espace muséographique, les aquarelles préparatoires du projet seront accrochées pour plonger les visiteurs dans le processus créatif de l'auteur du Kiosque des noctambules au métro Palais Royal à Paris. L'occasion de poser un nouveau regard sur les fées, géants et autres personnages et créatures mythologiques du répertoire du facteur Cheval.

L'exposition " Le rêve de l'eau " se déroulera du 15 mai au 6 novembre au Palais idéal du facteur Cheval.

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Jean-Michel Othoniel réenchantera bientôt le Palais idéal du facteur Cheval | Connaissance des Arts

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Du 15 mai au 6 novembre, Jean-Michel Othoniel installe ses œuvres de verre et de lumière dans les jardins et le Palais idéal du facteur Cheval. Une première dans l'histoire du monument historique. Pour ses 110 ans, le Palais idéal du facteur Cheval s'offre un cadeau inédit.

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StoryDice - story idea generator by Dave Birss

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Générateur d’idées : inventer une histoire à partir de d’éléments donnés au hasard (respecter l’ordre dans lequel ils apparaissent)

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Générateur d’idées : inventer une histoire à partir de d’éléments donnés au hasard (respecter l’ordre dans lequel ils apparaissent)

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Experiments in Creativity with Dave Birss - Author, Educator, Public Speaker, Experimenter

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How to use story dice

As you can see above, you get five story dice (or nine dice, if you prefer), each with a random image on it. Your job is quite simply to turn these prompts into a story.

I recommend you try to work with the order they appear on the screen but if you're finding it tough, you can do some swapsies.

You also don't need to take the image literally. You can use the dice metaphorically or as representations of other concepts. For example, a slice of pizza could represent food in general, cutting a slice out of something, Italy, gooiness, a chef and a heap of other more obscure things. The job of the dice is not necessarily to provide you with literal objects to work with but concepts to nudge your thinking in fresh directions.

You may just want to dive in as soon as you see them, working from left to right as you try to incorporate each image into your yarn. Or you may want to be more strategic and work out the ending first, using the dice to work out how you're going to get to your big climax. Try different strategies to see what works best for you.

But let me give you an example. Imagine I was dealt these dice (I don't need to imagine because I just have been):

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Story Dice - a story ideas generator by Dave Birss

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Instant story ideas for writers, parents and storytellers. With this tool, you've always got a free set of story dice in your pocket or desktop.

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Comment réécrire l'histoire de l'art de manière plus paritaire ?

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Tewfik Hakem s'entretient avec Camille Morineau, conservatrice du patrimoine, directrice d' AWARE - Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, et commissaire de l'exposition "Pionnières. Artistes dans le Paris des années folles" au musée du Luxembourg, Alix Paré, historienne de l'art, spécialiste de la peinture européenne du XVIIe au XXe siècle, pour la sortie de son livre Héroïne. De Cléopâtre à Wonder Woman ( ed. Chêne), Hélène Marquié, professeur en arts et études de genre à l'université de Paris 8 et Oriane Jeancourt, rédactrice en chef du magazine Transfuge et partenaire de l'émission.

Pour son dernier ouvrage, Alix Paré s'est intéressée aux représentations des héroïnes historiques, mythologiques ou issues de la fiction, l'héroïne étant définie comme " une femme mortelle qui a un destin hors du commun et qui va s'ancrer dans la mémoire collective" :

" Il faut distinguer le féminisme de l'héroïsme : une héroïne dans l'Histoire n'est pas forcément une femme que nous considérons aujourd'hui comme un symbole du féminisme. L'héroïne romantique est la femme chaste et pure qui va se suicider par amour plutôt que de commettre le pêché donc elle n'a rien de féministe. Pourtant elle est considérée comme une héroïne à son époque, au début du XIXe siècle. A partir de mon regard, j'explore de manière diachronique, de l'Antiquité à nos jours, ces différents aspects de l'héroïsme féminin."

Au Musée du Luxembourg, l'exposition "Pionnières. Artistes dans le Paris des années folles", disponible jusqu'au 10 juillet, permet de saisir à quel point la période des années folles a été décisive pour les artistes femmes, qui avaient une " grande visibilité, à peu près égale à celle des hommes" comme l'explique la commissaire de l'exposition Camille Morineau :

" L'histoire des femmes, et en particulier celle des artistes, est une histoire sinusoïdale. (...) Dans les années 1920, il y a ce moment assez extraordinaire où elles sont visibles, elles voyagent, elles sont plus mobiles que les hommes parce qu'elles vont chercher là où est la culture et elles sont accueillies à Paris par le fait qu'il y a beaucoup d'académies privées qui sont très accueillantes pour les femmes, certaines tenues par des hommes comme Henri Matisse ou Antoine Bourdelle qui leur donnent une très bonne formation. Et ces artistes vont entrer dans tous les mouvement d'avant-garde parisiens, que ce soit le cubisme, le fauvisme, les débuts du surréalisme ou l'invention de l'abstraction."

Pour Hélène Marquié, " à partir des années 2010, il y a réellement une entrée dans le grand public de la présence des artistes femmes mais cela reste assez fragile, ça n'est pas nécessairement féministe. Il ne suffit pas de montrer des artistes femmes, il faut vraiment questionner les oublis de l'Histoire, l'esthétique, et l'idée c'est de faire une histoire de l'art la plus complète possible pour refléter un paysage, à un moment donné, des productions artistiques. Notre travail consiste à ne pas faire un panthéon mais à présenter ce qui se fait à une époque et de dire que les canons ne sont pas dénués d'idéologie. En art, chaque période a ses valeurs qui sélectionnent telle ou tel artiste (...) l'histoire de l'art a été écrite par des hommes jusqu'à très récemment."

La chronique d'Oriane Jeancourt

Pour le numéro du mois de juin de Transfuge, Oriane Jeancourt a interviewé le metteur en scène et cinéaste russe Kirill Serebrennikov qui fait l'ouverture du Festival d'Avignon avec "Moine noir", une pièce " inspirée d'une nouvelle très méconnue d'Anton Tchekhov qu'il a totalement réécrite pour en faire une pièce extraordinaire sur les liens entre la folie et l'art. C'est une pièce construite comme le Boléro de Ravel : c'est la même histoire mais racontée inlassablement d'un point de vue différent, c'est du théâtre avec de la musique et de la danse, il y a quelque chose d'assez hypnotique dans cette pièce, comme dans toute l'œuvre de Kirill Serebrennikov."

Bibliographie

Alix Paré, "Héroïne. De Cléopâtre à Wonder Woman" ( ed. Chêne )

Programmation musicale

Mistinguett, "C'est vrai", 1933

Marilyn Monroe, "A Fine Romance", 1954

Billie Eilish, "Your Power", 2021

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Comment réécrire l'histoire de l'art de manière plus paritaire ?

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Tewfik Hakem s'entretient avec Camille Morineau, conservatrice du patrimoine, directrice d' AWARE - Archives of Women Artists, Research and Exhibitions, et commissaire de l'exposition "Pionnières. Artistes dans le Paris des années folles" au musée du Luxembourg, Alix Paré, historienne de l'art, spécialiste de la peinture européenne du XVIIe au XXe siècle, pour la sortie de son livre Héroïne.

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Une minute au musée 100 œuvres à découvrir 

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Une minute au musée 100 œuvres à découvrir 

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Trois enfants cartoon, Mona, Rafaël et Nabi, visitent des musées pour observer des œuvres appartenant au patrimoine artistique, en vues réelles celles-ci. En une minute, chacun d'entre eux livre un commentaire, apporte une explication et exprime une émotion.

Trois créatures de dessins animés font découvrir aux plus jeunes une œuvre d'art en une minute.

Les vidéos sont organisées en deux rubriques :

Les chefs-d'œuvre des grands musées (40 vidéos)

L'art moderne et contemporain (60 vidéos)

Un exemple : La Joconde

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Trois enfants cartoon, Mona, Rafaël et Nabi, visitent des musées pour observer des œuvres appartenant au patrimoine artistique, en vues réelles celles-ci. En une minute, chacun d'entre eux livre un commentaire, apporte une explication et exprime une émotion. Trois créatures de dessins animés font découvrir aux plus jeunes une œuvre d'art en une minute.

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Jouer avec Google Arts et Culture - Les Outils Tice

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Jeux Google art et culture: puzzle, couleur, pixel art, selfie art, reproduction…

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Jeux Google art et culture: puzzle, couleur, pixel art, selfie art, reproduction…

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Google Arts et Culture est le portail du géant californien consacré à toutes les formes artistiques. Un service d'une richesse époustouflante qui met des centaines de musées à travers le monde et les millions d'œuvres d'art qu'ils contiennent dans le creux de votre main grâce notamment à des applications pour smartphone ou tablette.

Je ne suis pas un fan de Google mais certains de ses services sont simplement incroyables. C'est le cas de Google Arts et Culture dont j'ai déjà dit tout le bien que je pensais dans un précédent article consacré à sa version mobile.

Je n'ai pas changé d'avis, d'autant que cette immense base de données artistiques mise à la disposition de tous sur le net continue de s'enrichir régulièrement. Google en a fait aussi une vitrine de son savoir-faire technologique. On en trouve quelques exemples dans une nouvelle rubrique où le portail propose des jeux pour s'amuser avec l'art.

Vous trouverez dans cette partie du site de Google Arts plus d'une trentaine de jeux. Tous sont gratuits et particulièrement bien réalisés. Seul petit regret plusieurs ne sont proposés qu'en anglais.

Difficile de tous les citer ou les détailler ici. J'en ai retenu cinq. Cinq activités pour jouer avec Google Arts et Culture qui risquent de vous étonner. Je vous laisse découvrir toutes les autres.

Art Selfie. Parcourez des milliers d'œuvres d'art pour savoir si l'un des personnages vous ressemble

Art Selfie est une autre façon de découvrir les œuvres d'art exposées aux quatre coins du monde. Et si vous aviez un sosie quelque part sur une tableau de maître. Un sosie pictural parmi des milliers de tableaux répertoriés par Google. Une fois l'application Google Arts et Culture installée sur votre smartphone ou tablette, allez dans la rubrique jeux symbolisée par une manette de jeux. Ensuite cherchez Art selfie. Vous allez pouvoir ensuite vous faire un selfie ou choisir un portrait de votre photothèque. Google va analyser les traits de votre visage pour ensuite vous proposer les portraits les plus ressemblants. C'est parfois spectaculaire !

Si vous n'osez affronter l'épreuve, Google Arts et Culture propose exactement le même jeu mais avec la tête de votre chat cette fois.

3D Pottery. Jouer avec Google Arts et Culture à reproduire une poterie antique

Il s'agit ici de mettre les mains à la pâte ou plutôt les mains dans la terre. Cet autre jeu virtuel vous propose un tour de potier virtuel dans lequel vous allez de la pointe de votre souris reproduire une jarre antique. Ne vous inquiétez pas, Gogle vous guide progressivement et vous aide pour réaliser cette copie virtuelle. Vous allez la modeler, puis la peindre et enfin la mettre au four. Expérience étonante. Pour réaliser votre poterie virtuelle, c'est par ici.

Paint in Music. Vos pinceaux deviennent des instruments de musique

Paint in music va faire le lien entre peinture et musique. Très joliment réalisé, vous avez accès à une toile blanche virtuelle sur laquelle vous allez pouvoir vous exprimer avec une palette de pinceaux et de couleurs. Mais attention, les pinceaux peuvent aussi être associés à des instruments de musique. Vous allez peindre et composer un morceau. Le tout pourra ensuite être sauvegardé pour être réécouté. Très joli. Peindre en musique.

Puzzle Party. Faites des puzzles à résoudre en ligne avec de grands tableaux de peinture

Puzzle Party se passe de mode d'emploi. Google Art et Culture vous invite à résoudre un puzzle composé à partir d'un des grands tableaux de la peinture. À vous de remettre les pièces dans l'ordre à l'écran. Ce jeu adapté à tous les publics se joue seul ou à plusieurs.

Art Coloring Book - Réalisez des coloriages avec des reproductions d'œuvres de renom

Voilà pour ces cinq activités qui permettent de jouer avec Google Arts et culture. Vous y avez accès aussi bien sur votre portable ou tablette que sur votre ordinateur de bureau. Je vous les laisse tester. Ainsi que toutes les autres. Vous me direz celles que vous aurez préférées.

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Jouer avec Google Arts et Culture - Les Outils Tice

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Google Arts et Culture est le portail du géant californien consacré à toutes les formes artistiques. Un service d'une richesse époustouflante qui met des centaines de musées à travers le monde et les millions d'œuvres d'art qu'ils contiennent dans le creux de votre main grâce notamment à des applications pour smartphone ou tablette.

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Actualité du centre Pompidou

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Le Centre Pompidou chez vous

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La 1ère collection d'art moderne et contemporain d'Europe, des expositions, spectacles, débats, activités pour enfants... dans une architecture mythique, dotée de la plus belle vue de Paris du quartier Marais-Beaubourg

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École du Louvre

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Les arts en Europe au XVIIe siècle
de Nicolas Milovanovic.

" Grand siècle " en France, " Siècle d'or " aux pays-Bas et en Espagne, le XVIIe siècle est en Europe un moment d'extraordinaire floraison artistique.
Dans un contexte de controverse religieuse, alors que la guerre est quasi incessante dans un continent qui se reconfigure, l'époque est marquée par un épanouissement des arts sans pareil et des réalisations majeures en architecture, peinture, sculpture et arts décoratifs.

Héritier de la Renaissance, passionné par l'Antiquité et ses vestiges, le XVIIe siècle européen fait alors de la tradition classique sa langue commune. Il façonne de nouveaux vocabulaires stylistiques, explore de nouveaux sujets, il développe le goût pour les œuvres et les collections et dynamise la commande, le marché de l'art et ses nouveaux amateurs.
Ainsi, des grandes métropoles aux petites villes, des cours royales aux intérieurs modestes, des grandes créations aux simples almanachs, l'art est omniprésent et fascine une Europe aux temps troublés, faisant avant tout du " Grand Siècle ", le siècle des arts, le siècle des images.

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Expositions virtuelles | Ecole du Louvre

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L'Ecole du Louvre est un établissement d'enseignement supérieur qui dispense des cours d'histoire de l'art, d'archéologie, d'épigraphie, d'histoire des civilisations, d'anthropologie et de muséologie.

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Biennale de Nice 2022

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Biennale
des Arts
de Nice

From 9 june 2022

11 exhibitions

in the museums of the City of Nice

Exhibitions of the Nice Biennial of Arts "Flowers!"

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Events of the Nice Biennial of Arts "Flowers!"

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News of the Nice Biennial of Arts "Flowers!"

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Onze expositions et des centaines d'événements sur le thème des Fleurs dans les musées de la Ville de Nice.

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Marie Laurencin - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Fanny Michaëlis, Marie Laurencin, 2022
© Fanny Michaëlis

Le podcast " Les grandes dames de l'art " donne la parole aux artistes femmes du XXe siècle. Elles parlent de leur œuvre, de leur vie, du monde qui les entoure et de leurs conquêtes. Partons à la recherche de leur présence, de leurs secrets. Retrouvons l'histoire cachée des artistes femmes, à partir de leurs voix.

Pour cette deuxième saison, nous ouvrons un nouveau chapitre qui nous plonge dans le Paris de l'entre-deux-guerres, ces années 20 devenues célèbres grâce à l'expression des années folles. En quoi réside la folie de cette décennie ? Elle est due pour beaucoup à des femmes qui s'épanouissent dans cette capitale accueillante, vivent leur vie comme elles l'entendent, deviennent des artistes célèbres au même titre que les hommes. Elles jouent un rôle primordial dans la construction de la modernité, et nous les redécouvrons aujourd'hui.

Parmi les femmes artistes présentes à Paris dans les années 20, beaucoup plus qu'on ne croit sont célèbres et vivent de leur travail. La modeste Marie Laurencin, qui répète dans ses interviews n'avoir aucune facilité pour la peinture, née en 1883, fait partie de ces personnalités à redécouvrir.

L'artiste française s'est d'abord formée à la Manufacture de Sèvres, où elle apprend la peinture sur porcelaine, puis suit des cours de peinture de l'académie Humbert. Début 1900, elle rencontre l'avant-garde parisienne : Picabia, Braque qui l'introduit à Picasso par exemple, ainsi qu'Apollinaire le critique d'art de son temps et poète, avec lequel entretient elle une relation amoureuse de 1907 à 1912. Celui-ci la met à l'égal des hommes artistes dans ses chroniques d'art. De fait, Marie Laurencin est célèbre. Avant et après guerre, elle expose très régulièrement, multiplie les commandes de portraits des personnalités de l'époque dont, pour n'en citer qu'une, Coco Chanel.

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Marie Laurencin - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Le podcast " Les grandes dames de l'art " donne la parole aux artistes femmes du XXe siècle. Elles parlent de leur œuvre, de leur vie, du monde qui les entoure et de leurs conquêtes. Partons à la recherche de leur présence, de leurs secrets. Retrouvons l'histoire cachée...

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AQUARELLE : les 7 techniques indispensables pour débuter l'aquarelle ! Tuto aquarelle débutant

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Arts visuels à la manière de Chuck Close - Thème Harry Potter

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Dans cet article, je vais vous présenter un projet en arts visuels collectif et sympa à réaliser. Il s'agit d'un travail sur le portrait géant à la manière de l'artiste américain Chuck Close.

J'ai déniché cette chouette idée sur le compte Instagram de Maîtresse HP (@maitresse_hp). Merci à elle pour la découverte ! 👍

Chuck Close travaille principalement les portraits qu'il agrandit en les quadrillant. De loin, ces portrait sont très réalistes et d'une fidélité photographique. De près, on ne voit qu'une multitude de taches colorées.

J'ai réalisé ce travail avec ma classe à partir d'un fichier réalisé par Artyfactory que vous trouverez en cliquant sur le lien :

I l s'agit d'un portrait d'Harry Potter en lien avec mon thème de classe mais d'autres portraits sont disponibles sur leur site.

La technique utilisée peut être multiple. Ici, ils ont simplement colorié les parties grises des cases avec une couleur. On peut également faire réaliser des graphismes ou choisir des couleurs sombres pour les parties grises et claires pour les parties blanche s.

Comme le projet était sympa, j'ai réalisé à partir d'une autre image un second fichier de 20 pages permettant de réaliser un portrait d'Harry, Ron et Hermione. La taille finale est d'environ 75cm par 78 cm. Vous le trouverez en cliquant sur l'image ci-contre.

J'ai réalisé également un autre fichier de 30 pages permettant de réaliser le blason de Poudlard. Vous y accéderez en cliquant sur l'image ci-contre.

Enfin, j'ai réalisé une courte trace écrite sur l'artiste Chuck Close pour le cahier de parcours culturel des élèves.
La trace écrite

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Arts visuels à la manière de Chuck Close - Thème Harry Potter

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Dans cet article, je vais vous présenter un projet en arts visuels collectif et sympa à réaliser. Il s'agit d'un travail sur le portrait géant à la manière de l'artiste américain Chuck Close. J'ai déniché cette chouette idée sur le compte Instagram de Maîtresse HP (@maitresse_hp). Merci à elle pour la découverte !

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Focus sur... - Magazine - Centre Pompidou

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Focus sur... - Magazine - Centre Pompidou

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Agenda Expositions / Musée Expositions virtuelles Spectacles / Concerts Cinéma / Vidéo Conférences / Débats De 0 à 18 ans Scolaires Ateliers fab-lab Festivals / Soirées Saison France-Portugal 2022

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Comment la scénographie des expositions influence l'expérience des visiteurs

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Comment la scénographie influence l’expérience des visiteurs

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Comment la scénographie influence l’expérience des visiteurs

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Exposition immersive dans l'œuvre de Olivier Ratsi: "Heureux soient les fêlés car ils laisseront passer la lumière", la Gaîté Lyrique, Paris, 2021. Olivier Ratsi, Author provided

Après de longs mois de fermeture et un monde de la culture mis entre parenthèses, les musées vont enfin pouvoir accueillir leurs publics à partir du 19 mai prochain et proposer un riche éventail d'expositions originales tant attendues par les aficionados de l'art. Fortement marquée par la présence de la scénographie - cet art transversal issu du monde du théâtre, littéralement " l'art de dessiner la scène "- l'exposition contemporaine fait appel aux sens, se rêvant immersive et interactive, capable de transporter le visiteur dans les dimensions insoupçonnées des œuvres.

Si l'art d'exposer, ou de mettre en espace les objets d'art à travers les techniques muséales n'est pas nouveau, l'exposition se construit selon un programme élaboré méticuleusement par le musée ou la galerie d'art. Le terme d'expographie, aussi employé dans ces pratiques, est parfois utilisé comme synonyme de scénographie d'exposition ou encore de décor ; bien qu'il existe quelques différences, des points communs demeurent entre ces disciplines. Directeur, conservateur, curateur, scénographe, metteur en scène, architecte sont autant de professionnels qui participent à réinventer l'exposition.

Déranger le visiteur

Selon le conservateur Jacques Hainard, " exposer c'est déranger le visiteur ; c'est mettre des objets au service d'un propos théorique, d'un discours, d'une histoire ; c'est vivre intensément une expérience collective ". À travers l'usage de la scénographie, l'exposition propose une relecture des objets dans un cadre artificiel, construit. Une sculpture olmèque qui, originellement, appartient à un complexe architectural religieux, exposée de manière isolée dans une salle, perd son rôle cultuel : les sociétés préhispaniques ne concevaient pas les productions artistiques comme autre que sacrées. Que raconte alors le musée en décontextualisant les objets ? Le processus de l'exposition peut-il le contrefaire, ou produire des contresens ?

Un tableau de Monet peut illustrer le courant impressionniste, insister sur la technique picturale, ou bien évoquer la beauté des reflets lumineux sur l'eau pour défendre un discours écologique sur les océans. Exposer Picasso renvoie un autre message qu'exposer Velázquez : si l'on confrontait les deux dans un même espace, le message peut devenir politique ; Picasso reste associé aux idées engagées contre le franquisme exprimées dans la violence de Guernica, alors que Veláquez, peintre royal des plus grands chefs-d'œuvre du Siècle d'or espagnol, fut au service de la Couronne comme en témoignent Les Ménines.

Textures, éclairage, couleurs ou un mobilier transfigurent les œuvres : c'est le pouvoir de la théâtralité. En observant les détails de la scénographie, on peut décoder le propos non exprimé de l'exposition. La scénographie, même la plus abstraite, influence le regard : un espace vide, un mur lisse, une lumière blanche suffisent à jouer sur notre perception de l'œuvre lui attribuant une valeur détournée.

Une forme de théâtralité

La scénographie trouve son origine dans le théâtre grec antique et se définit comme " l'art de dessiner " ou " d'écrire " la scène, pratique artistique qui s'adapte à l'évolution des théories théâtrales de son temps. À la fin du XIX e siècle, la définition donnée par le Dictionnaire de l'Académie s'intéresse davantage à des notions de peinture et précise qu'il s'agit de " l'art de représenter des objets en perspective ". Après les expériences scéniques révolutionnaires d'Adolphe Appia et E. Gordon Craig au début du XX e siècle, la scénographie correspond à la conception et à l'organisation de l'espace de la représentation.

Aujourd'hui, le terme de scénographie touche aussi bien à l'aménagement de l'espace dans les musées qu'aux expositions ainsi que les espaces urbains ou les paysages ; c'est " l'acte de produire l'exposition ", selon les termes de Jean Davallon.

Il existe plusieurs types d'expositions, permanentes ou temporaires, ayant différents objectifs et visant différents publics. Toutefois, il s'agit toujours de montrer quelque chose. L'exposition d'aujourd'hui se construit comme un récit structuré par une introduction, un développement et une fin où les œuvres se font les interprètes du discours muséal.

Véritable enjeu, la scénographie d'exposition, pour l'artiste du Bauhaus Herbert Bayer, constitue un outil d'influence majeur voire de transformation du visiteur ; c'est à ce dessein qu'il l'expérimente sous ce qu'il appellera le Traffic control dès les années 1930 : rythme de la visite manipulé, cimaises colorées, signalétiques sur les murs et au sol et champ de vision modélisé.

À travers la scénographie, c'est une forme puissante de la théâtralité qui s'exprime, dans un contact vivant et évolutif avec l'œuvre d'art. Depuis une trentaine d'années, il ne s'agit plus de contempler les œuvres passivement ou d'apprendre de manière traditionnelle, mais bien d'établir une rencontre entre l'art et le visiteur.

Le plaisir, l'émotion et l'affect sont essentiels à l'expérience esthétique mais aussi à la transmission du savoir, comme les sciences cognitives l'ont démontré pour les processus d'apprentissage.

Le MET à New-York, le Louvre, le château de Versailles et bien d'autres musées ont eu recours à ces procédés théâtraux suscitant une forte implication du public. Usant de faux, de restitutions, de reconstitutions ou encore de copies, l'exposition devient ce " théâtre sans le texte " où les décors influencent la perception des œuvres.

Un art en soi

L'art d'exposer est assimilé à une véritable pratique artistique protégée par le droit d'auteur. Le scénographe René Allio avait déjà contribué à cette démarche en 1988 avec la mise en scène de la Grande Galerie de l'Évolution au Muséum national d'histoire naturelle.

En 2012, le metteur en scène de théâtre et d'opéra Robert Carsen réalise, entre autres, la scénographie des expositions " L'Impressionnisme et la mode " au musée d'Orsay ou encore " Bohèmes " au Grand Palais, dévoilant une mise en scène forte qui lui valut pourtant des critiques.

Le visiteur/spectateur se retrouve immergé dans la mise en scène : pelouse verte et cimaises célestes pour évoquer la peinture de plein air typique du mouvement impressionniste, velours rouge pour l'opéra et le théâtre ou encore mansardes et murs vieillis romantiques, et ambiances de cafés illustrant le rôle central de l'amitié dans la créativité.

La récente exposition " Faire son temps " de Christian Boltanski au centre Pompidou se passait même des traditionnels cartels, favorisant une mise en scène théâtrale. Les œuvres étaient montrées tantôt dans la pénombre tantôt dans des lumières qui les nimbaient de mystère ; la déambulation du visiteur l'invitait à plonger dans l'univers ésotérique de l'artiste et à découvrir ses fascinantes constructions. En créant des contextes au lieu de produire des installations neutres, l'exposition propose un récit participatif et interactif.

Immersive, la visite se transforme en expérience sensible à la rencontre de nos émotions avec l'exposition Pompéi au Grand Palais en 2020, plongeant les visiteurs dans une promenade au temps de ses trésors et de sa fin tragique reconstituée dans le parcours.

Exposer autrement

Depuis les cabinets de curiosité de la Renaissance à l'esthétique baroque en passant par le rationnel musée des Lumières jusqu'au musée-temple du XIX e et nos musées contemporains, l'art d'exposer a toujours alterné esthétique minimaliste et contextes scénographiques. En réalité, dès la création du Pavillon du Réalisme par Gustave Courbet en 1855 ou au Salon des Refusés en 1863 en marge du salon officiel de l'Académie royale de peinture et de sculpture de Paris, l'élan d'exposer autrement existe. D'abord en réaction contre l'académisme et la hiérarchie des genres, puis contre la méthode même d'exposition. Les nombreuses expériences des avant-gardes ont, dès le début du XX e siècle, opposé à la muséographie officielle qui privilégiait depuis la conférence de Madrid de 1934 des espaces neutres - murs blancs, toiles à hauteur d'homme, éclairage naturel et parcours simplifié - des mises en scène théâtrales à l'encontre de toutes les conventions rythmées par un désir de subversion.

À notre époque, l'exposition est multiforme ; sortie du musée, elle envahit de nouveaux espaces libres et métaphoriques : bibliothèques, galeries, jardins, églises, lieux insolites, paysages et natures aménagées, architectures, fondations, et autres lieux représentant les contenants modernes de l'art par la théâtralisation.

La théâtralité permet également de redonner du sens aux objets décontextualisés en fournissant des scénographies - historique, archéologique ou culturelle - fondées sur la précision de la recherche scientifique afin de mieux transmettre les connaissances auprès des publics de non-initiés. Les récents travaux sur les processus cognitifs soulignent l'importance des émotions dans les mécanismes de l'attention, de la mémoire et l'encodage de l'information.

Il reste encore à imaginer des formats novateurs et expérimenter ces contextes notamment via la réalité augmentée et l'intelligence artificielle qui permettront de produire, dans un avenir proche, l'exposition chez soi en utilisant un simple casque, voire de pénétrer des univers numériques reconstitués et de découvrir l'objet autrement, de le sentir ou de le toucher.

Le Centre Pompidou a déjà proposé une exposition virtuelle autour de Miró, dont la scénographie a demandé autant d'expertise que pour sa réalisation in situ ; événement incontournable, une grande exposition sur Notre-Dame de Paris en réalité augmentée sera présentée au Collège des Bernardins en 2022, parcourant 850 ans d'histoire de la cathédrale dont une première version sera dévoilée au cours de l'Exposition universelle de Dubaï en octobre 2021.
Bibliographie :
" Comment la scénographie des expositions influence l'expérience des visiteurs ".

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Comment la scénographie des expositions influence l'expérience des visiteurs

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Fortement marquée par la présence de la scénographie, l'exposition contemporaine transporte le visiteur dans les dimensions insoupçonnées des œuvres.

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TWO-COLORS SQUARES LIST by PILLAUDIN-ERRARD on Genially

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Ressources documentaires pour aborder les grandes crises qui ont bouleversé le monde 

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Ressources documentaires pour aborder les grandes crises qui ont bouleversé le monde 

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TWO-COLORS SQUARES LIST by PILLAUDIN-ERRARD on Genially

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Discover more about TWO-COLORS SQUARES LIST ✌️ - Horizontal infographics

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Fabriquer ses propres carnets uniques grâce au cyanotype !

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TUTO : Découverte du cyanotype « trop facile !!! »

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Silence, ça pousse ! - France Télévisions

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Atelier créatif : le cyanotype - Silence, ça pousse !

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7 films d'animation pour expliquer le cerveau aux enfants - Animation Land

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Les films d'animation suivants vont permettre aux enfants de mieux comprendre le fonctionnement de leur cerveau. Ces informations sont essentielles car elles vont leur permettre de renforcer leur confiance en eux, mieux réguler leurs émotions et faciliter leur apprentissage (mémoire, concentration).

De plus, cela constitue une excellente introduction aux neurosciences !
À quoi sert le cerveau ?
Source : 1 jour, 1 question
Le fonctionnement du cerveau
source : Neo Digital
PAHO formation La mémoire
Source : Réseau Canopé
La compréhension
Source : Réseau Canopé
Les émotions Source : 27RUEJACOB Les troubles de l'attention
Source : FUTUREMAG - ARTE

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7 films d'animation pour expliquer le cerveau aux enfants

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Les films d'animation suivants vont permettre aux enfants de mieux comprendre le fonctionnement de leur cerveau. Ces informations sont essentielles car elles vont leur permettre de renforcer ...

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Que sont les NFT, ces œuvres numériques qui bouleversent le monde de l'art ?

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NFT. Trois lettres qui signifient non-fungible tokens, littéralement "jetons non fongibles". Les NFT se négocient dans cet univers parallèle qu'est la blockchain où s'échangent les cryptomonnaies... Des jetons virtuels qui permettent de mettre aux enchères des œuvres musicales, des oeuvres d'art ou même parfois de simples tweets. De quoi s'agit-il ? Pourquoi ces NFT valent-ils des millions ? Sont-ils en train de révolutionner le monde de l'art, de la musique, des collectionneurs et des affaires ? Ou tout cela est-il un leurre ?

Guillaume Erner reçoit Paul Ardenne, écrivain et historien de l'art, auteur notamment de Heureux, les créateurs ? aux éditions La Muette.

Qu'est-ce que le NFT ?

Ce jeton numérique non fongible est une sorte de titre de propriété numérique, il a la caractéristique d'être infalsifiable. De quelle façon ? Au lieu d'avoir simplement une œuvre que vous allez mettre sur un réseau pour la présenter dans le cadre d'un marché de l'art virtuel comme Instagram - l'une des plus grandes galeries d'art au monde puisque tous les artistes directement y placent leurs créations - vous avez la possibilité de la protéger.

On protège l'œuvre en la cryptant sur ce qu'on appelle la blockchain, c'est une technologie de stockage et de transmission d'informations, donc totalement sécurisée et qui fonctionne sans organe de contrôle mais de façon autonome, sur la base de très longues lignes de code qui sont associées à une création.

La question de la propriété des œuvres d'art numériques

Longtemps, les artistes travaillent conventionnellement, au pinceau, au burin, etc... Puis, avec l'apparition de l'ordinateur, les techniques changent. On utilise dorénavant l'ordinateur pour faire des images, produire des objets numériques, virtuels. Tout ça va évoluer très rapidement avec l'arrivée d'internet dans les années 1990 et, sans rentrer dans les détails, l'irruption des réseaux sociaux. Qu'est-ce qui se produit ? La question qui se pose pour les artistes qui produisent avec les ordinateurs, c'est celle du piratage, de la duplication : n'importe quelle œuvre peut être dupliquée, n'importe qui peut s'emparer d'une création que vous avez faite et mise en circulation. C'est quelque chose qui pose une question de droit à une époque où l'esprit "open-source" commence à être discuté.

Protéger les œuvres numériques du piratage

Vous faites un dessin numérique, vous le mettez sur Internet, on vous le vole. Vous faites le même dessin numérique et vous le convertissez en ce qu'on appelle un jeton non fongible, c'est-à-dire personnalisé. Cette œuvre, vous ne pouvez y accéder en tant que propriétaire que si vous avez le code sur la blockchain. Donc, ça veut dire que l'œuvre peut continuer à circuler, être dupliquée, mais du point de vue de la propriété, elle vous appartient et elle appartient à celui qui vous l'achètera, puisque vous lui donnerez le code de la blockchain.

Vous pouvez écouter l'interview en intégralité en cliquant sur le player en haut à gauche de cette page.

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Que sont les NFT, ces œuvres numériques qui bouleversent le monde de l'art ?

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NFT. Trois lettres qui signifient non-fungible tokens, littéralement "jetons non fongibles". Les NFT se négocient dans cet univers parallèle qu'est la blockchain où s'échangent les cryptomonnaies... Des jetons virtuels qui permettent de mettre aux enchères des œuvres musicales, des oeuvres d'art ou même parfois de simples tweets. De quoi s'agit-il ?

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Découvrir le domaine de Peyrassol et ses œuvres 

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Découvrir le domaine de Peyrassol et ses œuvres 

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Pascale Marthine Tayou

Colonne Coloniale, 2021

Réalisation in situ

Première réalisation in situ de l'artiste camerounais, la Colonne Coloniale s'inscrit dans la lignée de ses précédentes " Colonnes ", totems constitués de marmites en émail, qui évoquaient aussi les traditions culinaires que les soulèvements populaires. Telle une mosaïque culturelle, la Colonne Coloniale, dans laquelle s'érigent des vases marocains, en appelle à la figure du colon et des histoires croisées.

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Colonne Coloniale, 2021 Réalisation in situ Première réalisation in situ de l'artiste camerounais, la Colonne Coloniale s'inscrit dans la lignée de ses précédentes " Colonnes ", totems constitués de marmites en émail, qui évoquaient aussi les traditions culinaires que les soulèvements populaires.

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La bonne résolution de l'année 2022 : prendre des cours d'histoire de l'art !

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Le cycle "Brève histoire de l'art" : 5 séances d'1h30 chrono pour nourrir sa curiosité ou renouveler ses connaissances, une bonne occasion de découvrir ou redécouvrir les fondamentaux de la culture occidentale.

Les grands thèmes de l'art : le jeudi en ligne et le samedi en auditorium au Musée de l'Armée : découvrez le programme et réservez !

Etre artiste, un métier comme un autre ? Dans l'imaginaire, le créateur est l'électron libre de la société, qui échappe à toutes les règles d'apprentissage. Cette perception est contredite dans le passé par tout un système d'éducation artistique : l'Académie, l'École des Beaux-Arts ont pendant longtemps validé une carrière.

Le portrait, représentation dessinée, peinte, sculptée... d'une personne, constitue un genre ancré dans la culture occidentale. Garant d'une mémoire collective ou intime, le portrait agit aussi comme un miroir de la société. Chaque artiste, face à son ou ses modèles, orchestre la mise en scène d'êtres singuliers. Lorsque le modèle est l'artiste lui-même, celui-ci opère alors un fascinant dédoublement. L'autoportrait lui permet de donner à voir ce qu'il veut bien dévoiler de lui-même ainsi que son rôle dans le monde.

L'art a bien des pouvoirs et notamment celui de servir le pouvoir. Il le signifie, le magnifie, mais il peut aussi le contester ou le combattre. Art et pouvoir, deux univers profondément liés.

Idéalisé ou occulté, le corps occupe dans la représentation artistique de l'Occident une place dominante. Il est au centre des enjeux religieux, esthétiques, éthiques et scientifiques. Depuis l'Antiquité, il incarne dans l'art occidental une perfection, c'est une représentation fantasmée et idéalisée, largement remise en cause par les temps modernes. Le fil rouge de la conférence se fera à partir de tous ces questionnements autour du corps.

L'homme fait partie intégrante de la nature et l'artiste nous en livre une représentation qui, suivant les époques, se fait l'écho de compréhensions nouvelles de l'univers (animal, végétal...). Les visions du monde, du paradis à la notion d'anthropocène, questionnent la place des êtres humains et les conséquences de leurs actions sur leur environnement.

Le cycle Thématique "Et si nous parlions de ..." : un moment privilégié pour évoquer des chapitres originaux et rarement abordés de l'histoire de l'art avec "L'art royal de Bénin", "Le vin dans l'art" et "À table ! Petite histoire de la cuisine dans l'art".

De quoi se remettre des fêtes sans crise de foie !

L'art royal de Bénin : en ligne le 21 janvier / en auditorium le 22 janvier

L'ancien royaume de Bénin (au sud-ouest de l'actuel Nigéria) a développé sur plusieurs siècles un art de prestige au service de son roi : l'Oba. Réalisées par les plus habiles maîtres des guildes du peuple Edo, les œuvres de Bénin incarnent l'histoire du royaume et l'aura de ses souverains.

Le vin, l'une des plus originales créations de l'homme, accompagne l'histoire de l'art, de la préhistoire à nos jours. La riche palette des collections nationales françaises illustre savoureusement ce rapport. À consommer avec modération !

Grands banquets ou modestes repas, cuisines et dépendances, restaurants et gastronomie ont toujours inspiré les artistes. En analysant peintures et ornements de table, nous dévorerons - des yeux ! - différentes préparations culinaires, du Moyen Age à nos jours.

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Tout le magazine

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La bonne résolution de l'année 2022 : prendre des cours d'histoire de l'art !

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Le cycle "Brève histoire de l'art" : 5 séances d'1h30 chrono pour nourrir sa curiosité ou renouveler ses connaissances, une bonne occasion de découvrir ou redécouvrir les fondamentaux de la culture occidentale. Les grands thèmes de l'art : le jeudi en ligne et le samedi en auditorium au Musée de l'Armée : découvrez le programme et réservez !

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Découvrir des films sur l’art avec le musée du Louvre

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Découvrir des films sur l’art avec le musée du Louvre

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En direct et en streaming
Samedi 23 janvier à partir de 15h

Présentations par Alain Jaubert et Dominique Le Brun, écrivain de marine, de deux films d'Alain Jaubert

Projection de :
Géricault " Le Radeau de la Méduse " - La Beauté du désastre
Hokusai " La Vague " - La Menace suspendue
Projections suivies d'un échange
Lecture de textes par Serpentine Teyssier (Homère, Voltaire, Bernardin de Saint Pierre, Jules Verne, Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud, Levet, Garcia Marquez, ...).
Dans le cadre des " Nuits de la lecture "

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Journées internationales du Film sur l'art, 14e édition JIFA 202 | Musée du Louvre | Paris

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En direct et en streaming Samedi 23 janvier à partir de 15h Présentations par Alain Jaubert et Dominique Le Brun, écrivain de marine, de deux films d'Alain Jaubert Projection de : Géricault " Le Radeau de la Méduse " - La Beauté du désastre Hokusai " La Vague " - La Menace suspendue Projections suivies d'un échange Lecture de textes par Serpentine Teyssier (Homère, Voltaire, Bernardin de Saint Pierre, Jules Verne, Baudelaire, Mallarmé, Rimbaud, Levet, Garcia Marquez, ...).

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Faire du dessin d’animation avec l’appli FlipaClip

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Faire du dessin d’animation avec l’appli FlipaClip

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Arts in the City - Trouvez l'expo qu'il vous faut !

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Vous avez un faible pour le dessin d'animation ? FlipaClip est l'application parfaite pour stimuler votre imagination débordante. Ouvrez votre esprit et créez image par image, votre propre récit d'animation à l'aide d'instruments performants et amusants.
Télécharger FlipaClip
L'intérêt de cet outil numérique consiste à vous donner la possibilité de dessiner et d'écrire un scénario pour ensuite l'animer. Pour ce faire, FlipaClip met à disposition des manipulations simples et intuitives de façon à ce vous puissiez donner libre cours à votre imagination et réaliser ce que vous avez à l'esprit sans trop vous prendre la tête. Ses fonctions performantes vous permettent de dessiner librement à l'aide de divers outils, vous pouvez utiliser des calques, ajouter du son à vos productions, il est même possible d'insérer des images et des vidéos à vos récits animés. Tout est réuni pour que vous puissiez créer en toute tranquillité !

Et si vous êtes satisfait de votre film partagez-le, choisissez un format Mp4 ou GIF pour votre animation finale et publiez-la ou vous voulez You Tube, Instagram, Facebook, Tik Tok. N'hésitez pas à aller sur la page Instagram du FlipaClip pour vous inspirer !

Le prix ? Aucun, c'est gratuit !

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Devenez un pro du dessin d'animation avec l'application FlipaClip - Arts in the City

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Vous avez un faible pour le dessin d'animation ? FlipaClip est l'application parfaite pour stimuler votre imagination débordante. Ouvrez votre esprit et créez image par image, votre propre récit d'animation à l'aide d'instruments performants et amusants. Télécharger FlipaClip L'intérêt de cet outil numérique consiste à vous donner la possibilité de dessiner et d'écrire un scénario pour ensuite l'animer.

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Série à découvrir !!!

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Exposer les enfants à l'art, faire venir les œuvres des plus grands musées jusqu'à eux pour développer leur curiosité, leur ... créativité et leur sensibilité. Former leur regard critique et contribuer à leur éducation à l'image, c'est toute l'ambition de ce programme court qui parle aux enfants mais aussi à leurs parents.

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Baam ! De l'art dans les épinards A toute vapeur !

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Exposer les enfants à l'art, faire venir les œuvres des plus grands musées jusqu'à eux pour développer leur curiosité, leur créativité et leur sensibilité. Former leur regard critique et contribuer à leur éducation à l'image, c'est toute l'ambition de ce programme court qui parle aux enfants mais aussi à leurs parents.

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A défaut de pouvoir y aller l’art vient à nous

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A défaut de pouvoir y aller l’art vient à nous

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Visite virtuelle de l’exposition Picasso Baigneuses Baigneurs musée des beaux arts de Lyon

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Conçue en grande partie à partir du fonds exceptionnel du Musée national Picasso-Paris, l'exposition Picasso. Baigneuses et baigneurs a rassemblé près de 150 œuvres issues d'importantes collections publiques en Europe et au Canada ainsi que de collections particulières.

À l'origine de l'exposition, Femme assise sur la plage (10 février 1937) léguée au musée en 1997 par l'actrice collectionneuse Jacqueline Delubac et qui est devenue une des icônes de la collection d'art moderne du musée.

L'exposition était organisée en partenariat avec le musée national Picasso-Paris et avec le concours de la Fondation Guggenheim de Venise. Les trois institutions possèdent chacune une œuvre quasiment jumelle, exécutée en février 1937, quelques semaines avant que l'artiste ne travaille à Guernica.

Les trois Baigneuses de 1937 ont été réunies en 2018 pour la première fois depuis leur création à la Fondation Peggy Guggenheim dans l'exposition " Picasso on the Beach ", puis au Musée national Picasso - Paris en 2018 dans l'exposition " Picasso. Chefs-d'œuvre ! ".

C'est grâce à l'extrême générosité des prêteurs que le musée a pu présenter cet événement majeur pour une durée exceptionnelle, jusqu'au 3 janvier 2021.

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Conçue en grande partie à partir du fonds exceptionnel du Musée national Picasso-Paris, l'exposition Picasso. Baigneuses et baigneurs a rassemblé près de 150 œuvres issues d'importantes collections publiques en Europe et au Canada ainsi que de collections particulières.

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Un MOOC pour découvrir les disciplines et les filières dans le supérieur 

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Un MOOC pour découvrir les disciplines et les filières dans le supérieur 

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La collection ProjetSUP : découvrir et s'inscrire

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Les MOOC de la collection ProjetSUP ont pour but de vous faire découvrir les disciplines et les filières dans le supérieur et d’identifier les compétences nécessaires pour y réussir. Ces MOOC peuvent également vous aider à candidater dans une filière sélective : licences, IUT, classes prépa et dans…

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Des MOOC sur l’art pour découvrir ou redécouvrir des artistes et des œuvres à travers des thématiques transversales

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Des MOOC sur l’art pour découvrir ou redécouvrir des artistes et des œuvres à travers des thématiques transversales

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Musées en ligne, expositions virtuelles, idées d'activités pour s'occuper seul ou en famille... Pendant ce reconfinement, les solutions ne manquent pas pour tromper l'ennui et profiter du modeste cadeau d'un maudit virus : le temps. Aujourd'hui, continuez votre exploration artistique avec notre sélection de MOOC.

Pour les initiés en devenir, les MOOC (Massive Open Online Courses) sont des formats ludiques et adaptés à tous pour vous instruire sur des sujets divers et variés. Nous vous en avons sélectionné 6, vous permettant de devenir un as (ou presque) de l'art tout en restant bien (re)confinés dans votre canapé.

1. Le MOOC qui va droit au but : Une brève histoire de l'art

Pour quels confinés ? : Ceux qui ne disposent que de peu de temps et souhaitent avoir un aperçu synthétique sur l'histoire de l'art.

Au programme : De la Renaissance au XXe siècle, découvrez les grandes tendances et mouvements de l'histoire de l'art en 19 vidéos. Des formats courts de 4 min, mis à disposition par la RMN - Grand Palais.

Pour en savoir plus sur le MOOC " Une brève histoire de l'art ", consultez notre article dédié ici.

2. Le MOOC où on ne bulle pas : Connaissez-vous le 9e Art ?

Pour quels confinés ? : les bédéistes de la première heure, les fans de mangas ou de romans graphiques, qui souhaitent explorer toutes les facettes du genre.

Au programme : Proposé par la Cité internationale de la bande dessinée et de l'image d'Angoulême, avec le soutien de la Fondation Orange, ce MOOC permet de découvrir l'histoire de la bande-dessinée, ses différents genres, ces pionniers et ses stars. Vous pourrez également suivre les étapes de création d'un album et comprendre les liens étroits qui unissent la BD aux autres arts. Pour une application pratique, rendez-vous au Musée national Picasso à Paris (dès sa réouverture) pour visiter l'exposition " Picasso et la bande-dessinée ".

3. Le MOOC le plus royal : Louis XIV à Versailles

Pour quels confinés ? : Les férus d'Histoire souhaitant approfondir un sujet précis.

Au programme : Fonctionnement du pouvoir, aménagement des jardins, organisation des divertissements et des plaisirs, goût pour l'art... Plongez dans tous les secrets et toute l'organisation de Versailles sous le règne de Louis XIV. 22 vidéos très complètes, offertes par le château de Versailles.

4. Le MOOC le plus coloré : Couleurs, bleu, jaune, rouge dans l'art

Pour quels confinés ? : Ceux voulant entrer dans l'art par une thématique originale. Et ceux voulant impressionner leurs amis lors du prochain Skype de groupe avec quelques petites anecdotes artistiques.

Au programme : la COULEUR - qu'est-elle ? Comme la définir ? Et comment les 3 couleurs primaires : le bleu, le jaune et le rouge se sont imposées parmi les peintres ? Quelle est la fonction de chacune dans la représentation picturale ? la RMN - Grand Palais répond à ces questions avec une série de 5 petites vidéos aussi ludiques que passionnantes !

Pour en savoir plus sur le " MOOC Couleurs ", consultez notre article dédié ici.

5. Le MOOC le plus photogénique : Une brève histoire de la photographie

Pour quels confinés ? : Ceux qui souhaitent apprendre à capturer en une image, l'essence de l'immeuble d'en face, de leur appartement ou de leurs compagnons de confinement. Et pour tous les amateurs ou passionnés de photographie.

Au programme : Histoire de la photographie, ses techniques, ses grandes figures... Devenez un expert du sujet grâce à 6 séances organisées par la Fondation Orange en partenariat avec la RMN - Grand Palais. Ou bien sur la chaîne Youtube du Grand Palais à travers une série de vidéos pédagogiques.

Pour en savoir plus sur le MOOC " Une brève histoire de la photographie ", consultez notre article dédié ici.

6. Le MOOC le plus contemporain : Le Pop Art

Pour quels confinés ? : Les aficionados d'Andy Warhol et autre Roy Lichtenstein qui veulent connaître de A à Z le Pop Art.

Au programme : Pour son 3e MOOC, l'École du Centre Pompidou propose des vidéos d'experts, des activités, des quiz et des invités surprises pour tout savoir sur cet incontournable courant artistique, né à la fin des années 1950 en Angleterre.

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Reconfinés mais cultivés : 6 MOOC sur l'art pour s'occuper | Connaissance des Arts

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Musées en ligne, expositions virtuelles, idées d'activités pour s'occuper seul ou en famille... Pendant ce reconfinement, les solutions ne manquent pas pour tromper l'ennui et profiter du modeste cadeau d'un maudit virus : le temps. Aujourd'hui, continuez votre exploration artistique avec notre sélection de MOOC.

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Découvrez chaque semaine, les nouveautés éducatives pour apprendre autrement : vidéos explicatives, méthodologie et quiz en ligne

Lumni utilise votre adresse email afin de vous adresser des newsletters. Pour exercer vos droits, contactez-nous. Pour en savoir plus, cliquez ici.

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Découvrez chaque semaine, les nouveautés éducatives pour apprendre autrement : vidéos explicatives, méthodologie et quiz en ligne Lumni utilise votre adresse email afin de vous adresser des newsletters. Pour exercer vos droits, contactez-nous. Pour en savoir plus, cliquez ici.

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Des livres pour faire découvrir l’art aux jeunes

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Des livres pour faire découvrir l’art aux jeunes

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1. Pour rêver et s'éveiller (dès 9 mois)

Un quart d'heure de lecture à voix haute garantirait une bonne nuit. Et avec une telle édition entre les mains, c'est l'assurance de faire de beaux rêves ! Ce livre joliment illustré est le second titre d'une collection lancée par les éditions Phaidon pour initier aux beaux arts les plus jeunes (à partir de 2 ans d'après l'éditeur, mais ça marche aussi dès 9 mois). À travers le thème du sommeil, de la sieste à la nuit noire, vous bercerez votre enfant en lui parlant des étoiles de Yayoi Kusama ou des tunnels arc-en-ciel de Peter Doig. M.B.

2. Pour apprendre à compter et s'émerveiller (dès 3 ans)

Note d'originalité : 10/10. Ce court album de 24 pages additionne les découvertes en proposant d'apprendre à compter en parcourant l'histoire de l'art. De 1 à 10, votre bambin de 3 ans suit un personnage incarné par un caméléon, parfait guide au beau milieu des couleurs. Énigme après énigme, on tient le compte des détails des plus belles œuvres d'art, réinterprétées par le crayon de Carole Crouzet, jeune illustratrice. Et de deux pour Miró ! Et de six pour Cézanne ! Des chiffres et de l'art : pas mieux ! M.B.

3. Pour découvrir les bases (dès 5 ans)

Cet abécédaire, c'est le b.a.-ba pour initier à l'histoire de l'art dès 5 ans. Le concept est enfantin mais marche à tous les coups avec les plus jeunes : 26 lettres en capitales, 26 mots en minuscules et 26 œuvres d'art associées. Des tableaux, des sculptures, des installations... On croise au fil des pages la Vénus de Milo, l'oreille coupée de Vincent van Gogh, ou encore les fleurs acidulées du Japonais Takashi Murakami. Grâce à son auteur, Yann Walcker, lauréat de plusieurs prix Jeunesse, on balaye l'histoire de l'art avec humour. M.B.

4. Pour voyager au musée (dès 6 ans)

Qu'on ait 6 ans ou plutôt dans les 40, on adore suivre Oscar ! Ce garçonnet aux longues jambes, accompagné de ses amis Georges, Gertrude, Ben et Lili, est le héros d'un album original qui entraîne le lecteur à la découverte d'un musée imaginaire et de ses coulisses. Dans cette aventure bien rythmée, notre jeune guide croise des œuvres aussi diverses qu'une Vierge de la Renaissance par Bellini ou la boîte de Merde d'artiste de Piero Manzoni (ce dernier fait pouffer de rire à tout âge). Oscar et ses comparses plongent dans un bleu d'Yves Klein ou s'invitent à une fête métallique et mythique du Bauhaus. Avec ça, votre enfant saura même qui est Rachel Whiteread : chic ! M.B.

5. Pour tout savoir sur l'art (dès 7 ans)

Qui a inventé l'art ? C'est quoi la différence entre artisan et artiste ? Pourquoi y a-t-il autant de nus au musée ? Ici, pas de question bête. Au contraire. Chacune des trente interrogations abordées est l'occasion d'aller à l'essentiel et de comprendre des notions parfois complexes, comme le ready-made ou la valeur d'une œuvre d'art. Conçu en partenariat avec le musée d'Orsay, ce livre est un véritable petit manuel qui permet de décomplexer les enfants face à l'art. On y pioche des astuces pour libérer le regard, de drôles d'anecdotes, des infos sur les métiers du monde des musées mais aussi les petites histoires des grands artistes. Un livre malin et plein d'humour, à mettre entre toutes les mains ! F.G.

6. Pour reconnaître la patte de l'artiste (dès 7 ans)

Chez nous, ce tour d'histoire de l'art a fait un effet... bœuf ! C'est pourtant autour du chat, symbole de raffinement chéri des peintres et de nombreuses civilisations, qu'il nous entraîne en voyage. De l'Égypte ancienne aux personnalités des Young British Artists dans les années 1990, les pages convoquent 21 matous dévoilant la palette des grands mouvements artistiques. Mention spéciale, donc, pour la patte de l'auteure, la Britannique Nia Gould, qui délivre des clés pour reconnaître du premier coup d'œil une toile impressionniste d'un tableau fauve ou le style Art déco... et offre même des éléments pour le copier au lecteur, dès 7 ans. Idéal pour ronronner les dimanches pluvieux ! M.B.

7. Pour repérer les grandes huiles (dès 8 ans)

De La Joconde de Léonard de Vinci aux Ménines de Diego Vélasquez en passant par la grotte de Lascaux, la Danse d'Henri Matisse ou les crânes de Jean-Michel Basquiat... l'essentiel est là ! La plume fluide de Béatrice Fontanel fait revivre 40 pointures de l'art occidental. Dans ce petit format à la maquette claire et élégante, le jeune lecteur de 8 ans découvre, à chaque double page, un artiste et les dessous d'une œuvre emblématique : la technique, les gestes des personnages, les costumes, les outils et secrets d'atelier... Les curieux trouveront vraiment de quoi picorer ! M.B.

8. Pour s'aérer (dès 8 ans)

Quoi de mieux qu'un musée à ciel ouvert pour éveiller sa curiosité ? Édité par Dada, incontournable revue d'art dédiée aux enfants férus de culture, ce livre fait voir l'histoire de l'art en une vingtaine de maîtres, sous l'angle inédit du street art. Ainsi, Mona Lisa s'affiche sur une façade de HLM et Le Penseur de Rodin prend la pose à deux pas d'une aire de jeux. Sous des rabats, l'auteur propose aux jeunes amateurs, dès 8 ans, d'atomisants face-à-face - mixant le mystérieux Banksy aux hommes de Lascaux, ou encore Jérôme Mesnager avec Henri Matisse. Vos prochaines balades urbaines en famille promettent d'être très bavardes ! M.B.

9. Pour s'inviter chez les artistes (dès 8 ans)

Il y travaille et, bien souvent, il y mange, il y dort. L'atelier, c'est l'antre d'un artiste : là où il conserve son matériel, où il reçoit ses amis, ses modèles, parfois ses élèves et ses commanditaires. L'album de Camille Gautier (accompagnée d'une belle palette d'illustrateurs) nous entraîne dans l'univers de dix grands noms de l'histoire de l'art, de Léonard de Vinci, installé au Clos Lucé, à Andy Warhol et sa Factory new-yorkaise. Les techniques sont passées au crible, les courants artistiques aussi. Très réussi ! M.B.

10. Pour tout démasquer (dès 9 ans)

Si son coffre à jouets croule (et il y a des chances !) sous les costumes de pompier, les robes à paillettes, les combis de super-héros taille mini... et que votre salon ressemble plutôt aux loges d'un théâtre qu'au cocon instagramable dont vous rêviez : pas d'hésitation, ce livre mêlant histoire de l'art et déguisement est fait pour vous ! Au fil de pages riches et ludiques, on découvre des portraits d'hommes et de femmes dans la peau d'un autre : Henri IV en Hercule ou en Mars, la Pompadour en Diane, Paul Gauguin en Christ ou encore Egon Schiele en Saint Sébastien... Ce grand bal costumé aiguise le regard (dès 9 ans) en attirant l'attention sur les détails et en décryptant des symboles. M.B.

À lire aussi : 10 livres d'artistes que vos enfants vont adorer

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Nos meilleurs livres pour raconter l'histoire de l'art aux enfants

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Un quart d'heure de lecture à voix haute garantirait une bonne nuit. Et avec une telle édition entre les mains, c'est l'assurance de faire de beaux rêves ! Ce livre joliment illustré est le second titre d'une collection lancée par les éditions Phaidon pour initier aux beaux arts les plus jeunes (à partir de 2 ans d'après l'éditeur, mais ça marche aussi dès 9 mois).

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▶︎ Les Odyssées du Louvre, une coproduction France Inter et.

▶︎ Plongez dans les trésors de l'histoire du Louvre

Voici l'Odyssée de Michel Ange, l'artiste qui sans cesse voulait repousser les limites :

Nous sommes en Italie, au moment de l'explosion des arts de la Renaissance, il naît dans la région de Toscane. Il est élevé par une nourrice, dont le mari est tailleur de pierre. Enfant, Michel-Ange le regarde faire. Il observe le marbre, une pierre blanche, un peu grise, dure, transparente, scintillante, elle est fascinante !

Reconnu très jeune comme exceptionnellement talentueux, il va maîtriser tous les arts à la perfection : il devient sculpteur, peintre, architecte, poète. C'est l'un des plus grands artistes de tous les temps. Il est dévoré par une fureur créatrice ! Est-ce un homme, est-ce un génie, est-ce un fou ?

À seulement 26 ans, il réalise à Florence la statue de David, l'un des plus grands chefs-d'œuvre de la sculpture de tous les temps, un colosse haut de 4 m, tout en marbre !

Immédiatement, l'artiste se met au travail. Seul, dans son atelier, il contemple le bloc de marbre. C'est vrai qu'il est énorme. À vue de nez, il mesure quoi ? Oui, au moins 6 ou 7 fois sa taille.

Le maître a décidé de sculpter un personnage de la bible : David, le vaillant berger qui, armé de son seul lance-pierre, défie le géant Goliath. Michel-Ange s'approche, il lève le bras, le combat commence.

Il sait qu'il n'a pas le droit à l'erreur. Chaque fois qu'il frappe la pierre, un morceau se détache. Avec force et une infinie précision, il taille, il découpe, il enlève. C'est incroyable, on dirait que le marbre lui obéit. Petit à petit, une épaule géante, puis un cou énorme, une tête, des fesses rebondies, des cuisses, des mollets vigoureux apparaissent. Michel-Ange ne sculpte pas, il donne vie. La lutte dure trois ans

Il est aussi l'auteur de chefs d'œuvres, comme la Pieta, la peinture des fresques de la chapelle Sixtine à Rome, et les Esclaves, deux sculptures. Parmi les 7 statues du tombeau de Jules II, ils représentent deux hommes. L'un semble dormir d'un sommeil paisible et éternel, on l'a surnommé l' " Esclave mourant ". L'autre, au contraire, se débat, il tord son buste, c'est l' " Esclave rebelle ". Elles sont exposées au musée du Louvre, au département des sculptures, dans la Galerie Michel Ange.

L'Equipe

Texte et narration : Laure Grandbesançon

Réalisation : Anne-Sophie Ladonne

Documentation : Irène Menahem et Maud Ventura

Mixage : Basile Beaucaire

Illustration : Julien Mougnon

Distribution :

Michel-Ange : Antoine de Caunes

Ludovico : Laurent Delmas

L'évêque : Fabrice Drouelle

Le Pape : Jean Lebrun

Ecoutez les Odyssées du Louvre

► Pour écouter tous les épisodes de cette série, mettez ce podcast en favori sur l'application Radio France, disponible sur iOS et Android, ou via

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Les Odyssées du Louvre : Michel-Ange, l'artiste qui voulait repousser les limites : épisode 9 du podcast Les Odyssées du Louvre

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▶︎ Les Odyssées du Louvre, une coproduction France Inter et . ▶︎ Plongez dans les trésors de l'histoire du Louvre Voici l'Odyssée de Michel Ange, l'artiste qui sans cesse voulait repousser les limites : Nous sommes en Italie, au moment de l'explosion des arts de la Renaissance, il naît dans la région de Toscane.

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Qu'ils étudient les sciences, la mode, la gestion, les lettres, ou encore d'autres disciplines, ces étudiants ont tous un point commun : ils débutent leur parcours dans l'enseignement supérieur. Ils nous racontent leur quotidien en BTS, DCG, DUT (remplacé par le BUT à la rentrée 2021), prépa, DN MADE, licence ou école d'ingénieur.

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Qu'ils étudient les sciences, la mode, la gestion, les lettres, ou encore d'autres disciplines, ces étudiants ont tous un point commun : ils débutent leur parcours dans l'enseignement supérieur. Ils nous racontent leur quotidien en BTS, DCG, DUT (remplacé par le BUT à la rentrée 2021), prépa, DN MADE, licence ou école d'ingénieur.

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Réalisé par l’académie d’Amiens

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Visite virtuelle de la maison de Monet à Giverny

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Visite virtuelle de la maison de Monet à Giverny

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Un concours sur l'histoire accessible à tous

Depuis 2011, le concours Bulles de mémoire invite les jeunes (qu'ils soient scolarisés ou non, qu'ils travaillent dans le cadre de la classe, chez eux ou au sein d'une structure associative) à réfléchir sur l'héritage des grands conflits contemporains dans la société d'aujourd'hui. Le ou les auteur(s) doivent pour cela créer de A à Z (scénario, dessin, dialogues, etc.) une bande dessinée dont le thème se rapporte aux souvenirs de combattants et victimes ordinaires et anonymes.

Entre histoire, art et mémoire, ce concours inédit dans a lieu partout en France et encourage de jeunes auteurs à " travailler la mémoire " avec créativité, spontanéité et émotion tout en se documentant sur un thème qui évolue au gré des éditions.

Par le biais du support original et populaire qu'est la bande dessinée, ce concours incite les jeunes à questionner l'histoire et ses conséquences sur les hommes et les femmes qui l'ont vécue. Le sens du concours n'est pas tant de représenter la guerre mais plutôt de valoriser l'histoire racontée, celle d'une réflexion de combattant, victime ou témoin de la guerre.

Comment participer ?

Il y a plusieurs possibilités d'inscription : dans un groupe encadré par un professeur/encadrant associatif, ou seul (sans accompagnement pédagogique).

La catégorie "candidat libre" s'adresse aux participants souhaitant élaborer une bande dessinée sur leur temps personnel, sans encadrement pédagogique. L'inscription se réalise en ligne. Le dossier d'inscription à renvoyer doit comporter nom, prénom, et coordonnées,la photocopie de la carte d'identité, le certificat de scolarité du candidat si celui-ci est scolarisé et une notice manuscrite d'une page maximum, dans laquelle seront précisés les choix qui ont conduit à la réalisation de cette bande dessinée. Le candidat devra adresser son dossier au référent mémoire de l'ONaCVG de sa région.

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L'ONaCVG propose aux collégiens, lycéens et aux jeunes de niveau équivalent, ou souhaitant s'inscrire individuellement, de participer à un concours de bande dessinée autour de la mémoire des grands conflits du XXe siècle.

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Inscription avant le 16 déc- rendu du dessins fin janvier😉

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à partir du 1 septembre 2020

envoi des identifiants permettant l'accès à l'espace
personnel : liste des titres sélectionnés, résumés,
fiche de lecture et affiche

inscription au Prix Mangawa sur le site et lancement des concours de dessin et vidéos

A partir du 21 septembre 2020
Mise à disposition du dossier pédagogique sur
l'espace personnel du site internet

31 mars 2021
date limite de dépôt des vidéos sur l'espace
personnel du site internet www.prixmangawa.com

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à partir du 1 septembre 2020 envoi des identifiants permettant l'accès à l'espace personnel : liste des titres sélectionnés, résumés, fiche de lecture et affiche inscription au Prix Mangawa sur le site et lancement des concours de dessin et vidéos A partir du 21 septembre 2020 Mise à disposition du dossier pédagogique sur l'espace personnel du site internet 31 mars 2021 date limite de dépôt des vidéos sur l'espace personnel du site internet www.prixmangawa.com

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1. Le miracle de la technologie au Vatican

Nul besoin de rester le nez en l'air ou de se faufiler parmi la foule des visiteurs (7 millions chaque année) ! Les plus belles salles des musées du Vatican se visitent virtuellement au travers de quatorze expériences (dont certaines en VR) simplissimes d'utilisation, de la Chambre de Raphaël au musée Pio-Clementino en passant par l'incontournable Chapelle Sixtine. D'une qualité exceptionnelle, les images que l'on explore à 360° restituent à merveille le vertige provoqué par ce tsunami de couleurs et de corps (391 personnages), du sol au plafond et sur une surface de 1000 m ². Et, magie de la technologie, il est même possible de zoomer et se hisser ainsi à 20 mètres de hauteur afin de mieux apprécier quelques-uns des plus grands chefs-d'œuvre de Michel-Ange, dont la célébrissime Création d'Adam. Divin !

2. La vie de château à Versailles

Se prendre pour le Roi-Soleil dans son salon et en pyjama ? Et pourquoi pas ? L'expérience de réalité virtuelle " Versailles chez vous " permet d'arpenter les grands appartements du roi et de la reine, la chapelle royale ou encore la galerie des Glaces. Seule contrainte ? Être muni de l'équipement requis, c'est-à-dire d'un casque Oculus Rift ou HTC Vive, rendant possible une immersion à 360° à la cour de Louis XIV. Une autre expérience, intitulée " Vivez Versailles ", vous permet aussi de revivre les grands événements qui se sont déroulés au château, à l'image des ambassadeurs siamois venus rencontrer Louis XIV et du Bal des ifs donné par Louis XV. Si toutefois vous n'êtes pas encore au point avec cette technologie de pointe, vous pouvez profiter d'une " simple " visite virtuelle grâce à Google Street View, sur le site Google Arts & Culture.

3. Chauvet sans sortir de sa grotte

Bienvenue dans la première galerie d'art au monde ! Tel un Sapiens du paléolithique, vous explorez la grotte Chauvet armé d'une torche quand soudain s'anime toute une faune sauvage : ours, lions, chevaux, mammouths, rhinocéros laineux... Ces splendides peintures rupestres découvertes en Ardèche en 1994, sont désormais accessibles partout sur la planète grâce à un partenariat entre Google Arts & Culture et le Syndicat mixte de la grotte Chauvet. Fragiles, ces images vieilles de 36 000 ans - visibles uniquement à travers une réplique grandeur nature - sont restituées dans une expérience de réalité virtuelle (VR) stupéfiante. La visite, libre ou commentée, se double d'un très beau film de 10 minutes : porté par la voix de Cécile de France (pour la version française), il offre une évocation poétique du lien presque magique qu'entretenaient les aurignaciens avec les animaux de leur temps... Pour ceux qui ne disposent pas de casque adapté, une simple vidéo à 360° est disponible. En prime, une riche exposition en ligne aborde tous les aspects de ce chef-d'œuvre, pour une plongée totale dans l'art pariétal.

4. Un pied dans la tombe des Pharaons

4 300 ans d'histoire à explorer... depuis chez soi ! Le ministère des antiquités et du tourisme égyptien a mis en ligne des visites en réalité virtuelle de plusieurs de ses trésors archéologiques, dont quelques tombeaux remarquables. Vous pourrez ainsi, tel un Indiana Jones du XXI e siècle, découvrir les merveilles du tombeau de Mehu à Saqqarah, celui de Menna dans la vallée des Rois (près de Louxor) ou encore celui de la reine Mérésânkh III, non loin de Gizeh, tous richement décorés. Le plus spectaculaire reste encore celui de Ramsès VI, pharaon de la XX e dynastie (environ 1100 av. J.-C.), dont le long couloir orné de hiéroglyphes mène à un impressionnant sarcophage de granit, qui repose sous un somptueux plafond dont le bleu profond rappelle celui des lapis-lazuli.

Visite virtuelle du tombeau de Ramsès VI, pharaon de la XXe dynastie (environ 1100 av. J.-C.), réalisée par le ministère des antiquités et du tourisme égyptien

5. Le récit du monde au Louvre Abu Dhabi

S'il faudra encore attendre avant d'explorer son édifice aux allures de vaisseau posé sur l'eau signé Jean Nouvel, le Louvre Abu Dhabi s'offre à travers un film immersif de 40 minutes, sorti le 11 novembre. Porté par la voix de la comédienne Irène Jacob, Pulse of time nous embarque dans un voyage mystique et métaphysique à travers l'histoire de l'humanité. Des premières sculptures, il y a 8 000 ans, jusqu'aux Anthropométries d'Yves Klein, la caméra s'attarde avec grâce sur les trésors hétéroclites, " vestiges des rêves de nos ancêtres ", que recèle ce musée universel. Bercé par la musique éthérée du compositeur Jonathan Morali (du groupe Syd Matters), on se laisse envoûter par ce récit mythique que nous content les œuvres, lorsqu'on prend le temps de les observer.

6. Le British Museum pour remonter le temps

Un voyage virtuel dans le temps (sur plus de deux millions d'années) et à travers les cinq continents, voilà ce que promet le " museum of the world ", initié par le British Museum et le Google Cultural Institute. Le site, conçu comme une longue frise chronologique, offre une plongée fascinante dans l'histoire de l'humanité et les collections de l'institution britannique (qui renferme quelque sept millions d'objets !). Sur la frise, chaque point, dont la couleur varie selon la localisation géographique, renvoie à une fiche détaillée de l'œuvre. Le petit plus ? Si on peut facilement se perdre dans cette galaxie de points, il est toutefois possible de ne faire ressortir, sur la frise, qu'un seul continent ou un seul thème (parmi art et design, vie et mort, pouvoir et identité, religion et croyances, commerce et conflit). Il n'existe pour l'instant pas de version française du site. Pour apprécier pleinement l'expérience, maîtriser la langue de Shakespeare s'avère indispensable !

7. Plongeon dans La Piscine

Autrefois, on pouvait y barboter et faire des longueurs. Aujourd'hui reconvertie en musée, La Piscine de Roubaix n'a pas perdu de sa superbe Art déco, comme en témoigne son imposant vitrail en forme de soleil qui semble se coucher sur le bassin le long duquel s'alignent les sculptures. Muni de son ordinateur, de son téléphone ou même de lunettes VR, il est désormais possible de visiter presque tous les espaces du musée, de ses salles lumineuses où abondent les chefs-d'œuvre (Camille Claudel, Pierre Bonnard, Jean-Auguste-Dominique Ingres...), à ce qui fut autrefois les petites cabines où se changeaient les nageurs et nageuses. Sans oublier la reconstitution de l'atelier du sculpteur Henri Bouchard. Une immersion réussie dans le grand bain de l'histoire de l'art !

8. Le Met virtuel réellement sensationnel

Salué dans le monde entier et visionné des millions de fois, The Met 360° Project propose de visiter le célèbre musée new-yorkais à travers six courtes vidéos tournées dans ses espaces les plus spectaculaires. On parcourt ainsi, à 360 °, armé d'un casque de VR ou non, sur smartphone ou sur ordinateur, le Temple d'Isis de Dendour construit en 15 avant J.-C. et dont les murs de plus de 8 mètres de haut s'élèvent sous une verrière de l'institution, l'architecture comme le jardin médiéval du Met Cloisters situé au nord de Manhattan ou encore les volumes brutalistes du Met Breur qui abrite les collections d'art moderne et contemporain. Le tout en musique. Un must !

9. Le génie de Dalí entre les murs

Là où se tenait autrefois le théâtre de Figueras, en Espagne, détruit par les soldats de Franco, Salvador Dalí a construit un musée " fouuu ", à son image. Cette architecture délirante (surplombée d'œufs !) renferme une surprenante collection hétéroclite, qui mêle Dada, pop art ou même des hologrammes, à explorer sans modération depuis chez soi. Du vestibule jusqu'à la coupole sous laquelle est enterré l'artiste, suivant ses dernières volontés, cette visite virtuelle est nourrie de nombreux commentaires aussi concis qu'instructifs.

À lire aussi : Figueres, Cadaqués, Portlligat... Au pays " fouuu " de Dalí

10. Confiné chez Frida

Bienvenue... chez Frida Kahlo ! La célèbre maison bleue de l'artiste - elle y est née en 1907 et morte en 1954 -, située à Coyoacán (un quartier en périphérie du centre de Mexico) se visite également en ligne, de la chambre à coucher de l'artiste (qui passa une grande partie de son existence alitée) au jardin exotique, sa végétation luxuriante et ses statues pré-colombiennes. La demeure, devenue aujourd'hui musée, abrite quelques chefs-d'œuvre de l'artiste et de son mari, le peintre mexicain Diego Rivera, mais aussi des vestiges émouvants de la vie de Frida, comme sa célèbre jambe de bois, son fauteuil roulant, son chevalet...

À lire aussi : 12 pèlerinages artistiques à faire au moins une fois dans sa vie

11. Monet, Monet, Monet

Restons dans le thème des maisons d'artistes, cette fois-ci, direction Giverny et son merveilleux jardin, qui a inspiré à Claude Monet quelques-uns de ses plus beaux chefs-d'œuvre, et notamment ses emblématiques Nymphéas. Sur le site de la fondation Monet, la demeure du chef de file des impressionnistes vous ouvre ainsi ses portes, pour une immersion dans le quotidien de l'artiste. L'occasion de (re)découvrir son atelier, mais aussi sa fabuleuse collection d'estampes japonaises.

À lire aussi : Les plus belles maisons d'artistes à visiter en France

12. Van Gogh en 4K

Étape incontournable lors d'une escapade à Amsterdam, le musée Van Gogh renferme les plus beaux chefs-d'œuvre du maître hollandais. En attendant la réouverture de ses portes au public, annoncée le 1 er juin, l'institution invite à un " tour privé " sur sa chaîne YouTube. Ce format, idéal pour préparer une future visite, s'avère toutefois un peu frustrant pour les amateurs avertis de Vincent Van Gogh qui auront surtout l'impression de survoler le génie du peintre. Ces courtes capsules vidéo offrent en effet, salle après salle, seulement un aperçu de ses collections en à peine deux minutes. On se console avec la qualité des images qui sont filmées en 4K, autrement dit en " ultra haute définition " !

13. Les musées parisiens... en famille !

Aller au musée en famille sans pouvoir sortir le nez de chez soi ? L'idée vous semble farfelue ? C'est pourtant ce que propose museosphère, un site qui regroupe tous les musées de la ville de Paris et permet aux petits curieux, comme à leurs parents, de se familiariser avec leur histoire et leur collection. Du musée d'Art moderne à la maison de Victor Hugo, en passant par les catacombes, les enfants sont invités à se déplacer dans les salles en compagnie de drôles de compagnons : des yeux volants, qui les guideront tout au long de la visite virtuelle. Le principe est simple : là où il y a un œil, il y a une œuvre, une anecdote à découvrir, il suffit de cliquer ! Pour chaque institution, des livrets éducatifs à imprimer sont également disponibles. Pédagogique, et surtout très ludique !

14. La crème de la crème à Chantilly

Et si vous profitiez du confinement pour vivre la vie de château ? Confiné chez lui, Mathieu Deldicque, conservateur du musée de Condé, vous emmène à la découverte des appartements privés du duc et de la duchesse d'Aumale, derniers occupants de ce château dont les fondations datent du Moyen Âge. À ne pas manquer également : la visite en vidéo, sur la chaîne YouTube du bloggeur le Scribe Accroupi, de l'exposition " Raphaël et ses maîtres " (qui venait d'ouvrir ses portes avant le confinement) ainsi que celle, pour les plus nostalgiques, de " La Joconde nue ", présentée l'été dernier au château.

15. Les Offices : chefs-d'œuvre à gogo !

Pour y accéder, il faut d'habitude s'armer de patience... et surtout, bien penser à réserver son billet, parfois plusieurs jours à l'avance. Une visite des Offices à Florence ne s'improvise pas ! Cimabue, Botticelli, Michel-Ange, mais aussi Albrecht Dürer... Le bâtiment conçu par Giorgio Vasari à la demande de Cosme I er de Médicis en 1560, abrite une collection de peintures de la Renaissance la plus réputée au monde. Grâce à Google Street View, il est désormais possible d'arpenter le musée salle par salle, ainsi que ses longues galeries aux plafonds recouverts de grotesques. Si cet aperçu laisse un goût de trop peu, il est possible de poursuivre l'expérience sur le site de Google Arts & Culture, qui propose un focus sur quelques-uns des chefs-d'œuvre les plus emblématiques de l'institution florentine, parmi lesquels Le Printemps de Botticelli, La Vierge au chardonneret de Raphaël, La Vénus d'Urbin de Titien... Gare au syndrome de Stendhal 2.0 !

À lire aussi : Les meilleurs films et séries sur l'art à voir en streaming et VOD

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Tour du monde des visites virtuelles les plus bluffantes

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Nul besoin de rester le nez en l'air ou de se faufiler parmi la foule des visiteurs (7 millions chaque année) ! Les plus belles salles des musées du Vatican se visitent virtuellement au travers de quatorze expériences (dont certaines en VR) simplissimes d'utilisation, de la Chambre de Raphaël au musée Pio-Clementino en passant par l'incontournable Chapelle Sixtine.

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Pour éveiller votre curiosité c’est ludique et rapide 😉

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Pour découvrir la vie des artistes en 3min

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Salon virtuel des formations artistiques

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Salon virtuel des formations artistiques

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Votre enfant souhaite s'orienter vers des études artistiques ou de communication ? Formations et conférences, trouvez toutes les réponses à vos questions 💡

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Des formations en arts recensées sur le territoire français 

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Des formations en arts recensées sur le territoire français 

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Carte des établissements d'enseignement supérieur de la création artistique

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Carte des établissements d'enseignement supérieur de la création artistique

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9 photo composition tips (feat. Steve McCurry)

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En bref

Claude Monet (1840-1926) est-il le dernier grand maître du XIX e siècle ou le premier grand peintre du XX e siècle ? Son art novateur, comme celui de son contemporain Rodin, incarne le passage de la tradition vers la modernité. Peintre de la couleur et du plein air, Monet est surtout connu pour avoir été le chef de file de l'école impressionniste. Artiste en marge de l'enseignement académique, il voit son nom triompher au début du XX e siècle dans l'histoire de l'art moderne et est considéré par les expressionnistes abstraits américains comme l'un des précurseurs de l'abstraction.

Il a dit

" La couleur est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment. "

Sa vie

Né à Paris en 1840 mais élevé en terre normande, le jeune Claude Monet préfère l'école buissonnière à l'étude. Dessinant des portrait-charges, il est découvert par le peintre paysagiste Eugène Boudin, qui l'encourage à peindre sur les plages. Monet fait la découverte du plein air : cette passion ne le quittera plus.

Arrivé à Paris en 1859, Monet se forme dans l'atelier de Charles Gleyre, où il fait la connaissance d'Auguste Renoir. Les leçons sur l'antique ne portent guère ; Monet et ses amis préfèrent aller peindre dans la forêt de Fontainebleau, sur les terres des peintres de l'école de Barbizon. Il expose néanmoins au Salon et se fait remarquer par Zola. En 1870, il fuit la guerre franco-prussienne en se réfugiant à Londres, où il découvre la magie de Turner.

En 1874, Monet s'associe à une exposition de groupe dans les locaux du photographe Nadar, à Paris. Il présente Impression, soleil levant, tableau considéré comme le manifeste d'un style nouveau : l'impressionnisme. Les expositions du groupe se perpétuent jusqu'en 1886, mais Monet a déjà pris le large. Bien qu'il soit soutenu par le marchand d'art Paul Durand-Ruel, il peine à vivre de sa peinture et connaît des années très difficiles avant de s'installer à Giverny en 1883. Sa vie privée est également compliquée : il perd sa première femme (et la mère de ses deux fils) en 1879. Il se remarie avec Alice Hoschedé, elle-même mère de six enfants. Le voici à la tête d'une immense fratrie, et autant de bouches à nourrir.

Heureusement, le succès vient à l'artiste dans les années 1890 grâce à Durand-Ruel, qui exporte la peinture impressionniste aux États-Unis. L'œuvre de Monet s'étoffe, et il s'attèle à des séries de paysages qui marqueront l'histoire de l'impressionnisme, notamment celle des Cathédrales de Rouen en 1894.

Installé à Giverny, dans l'Eure, dans une maison qu'il a acquise, Monet y passe la dernière partie de sa longue vie. Son magnifique jardin, qu'il modèle suivant son goût, devient sa principale source d'inspiration. Le motif du bassin aux nymphéas est à l'origine de sa dernière grande œuvre : le cycle des Nymphéas, dont un ensemble de toiles est offert à l'État (musée de l'Orangerie) par le peintre sur la demande de son ami Georges Clemenceau. L'ensemble est inauguré en 1927, un an après la disparition du peintre.

À lire aussi : " Impression, soleil levant " : enquête sur un chef-d'œuvre

Ses œuvres clés
Impression, soleil levant, 1872
Manifeste de la technique impressionniste, cette œuvre a donné son nom au mouvement. Elle se caractérise par une grande liberté d'exécution, et magnifie l'esthétique du flou déjà expérimentée par Turner. Rien ne permet de reconnaître une vue du Havre car Monet a évacué tous les détails topographiques. La ligne d'horizon a disparu au profit d'un travail sur la brume et le reflet.
Le Pont du chemin de fer à Argenteuil (Val d'Oise), vers 1873-1874
Dans les années 1870, Monet ne peint pas que des impressions mais également des paysages de plein air plus achevés. Cette vue est typique des sujets qui le préoccupent à cette époque : les jeux de reflets entre le ciel et l'eau, la conjugaison entre les nuages et la vapeur, l'apparition du train dans un paysage de campagne. Monet consacrera une importante série au thème de la gare Saint Lazare en 1877.
Meules de foin (effet de neige), 1891
Cette importante série de tableaux consacrée au thème des meules nous plonge dans l'univers de la campagne normande. Monet a saisi le motif des gerbiers de blé sous différentes lumières, en différentes saisons. Le sujet de Monet est avant tout la captation du temps, et les effets de l'atmosphère sur une nature vierge de toute présence humaine.
La Cathédrale de Rouen. Le portail et la tour Saint-Romain, plein soleil, 1893
Entre 1892 et 1894, Monet se rend à plusieurs reprises à Rouen pour y peindre sa célèbre cathédrale. C'est moins l'architecture sacrée qui le fascine que les jeux de lumière sur le monument. Naîtra de ces campagnes de peinture une série de trente toiles que Monet présente chez Durand-Ruel en 1895. Cette exposition fit date.
Les Nymphéas : reflets verts, 1914-1918
Pendant la Grande Guerre, Monet est reclus à Giverny. Il réalise l'un de ses rêves : composer une grande œuvre décorative. Ce seront les Nymphéas, des toiles immersives, inspirées par son bassin aux nymphéas. Tout repère a disparu, le paysage est devenu aquatique. Une partie de cet ensemble fut donnée par Monet à l'Etat pour commémorer la victoire française.

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Claude Monet (1840-1926) est-il le dernier grand maître du XIX e siècle ou le premier grand peintre du XX e siècle ? Son art novateur, comme celui de son contemporain Rodin, incarne le passage de la tradition vers la modernité.

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Visite flash de l’expo actuelle « Nouvelle donnes »

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Visite flash de l’expo actuelle « Nouvelle donnes »

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Espace de l’Art Concret de Mouans Sartoux...à défaut de pouvoir s’y rendre 😉

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Espace de l'Art Concret centre d'art contemporain

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Visite flash : l'exposition vu par Basile Guillaume, médiateur à l'eac.

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Restauration d’Oeuvres

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Espace de l'Art Concret centre d'art contemporain

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La Minute Concrète : la restauration d'œuvres

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THE PULSE OF TIME (Français) - Un film original produit par le Louvre Abu Dhabi

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De Giverny à l'Orangerie : 3 minutes pour découvrir la grande histoire des Nymphéas de Monet. #RegardsNumériques #CultureChezNous

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De Giverny à l'Orangerie : 3 minutes pour découvrir la grande histoire des Nymphéas de Monet. #RegardsNumériques #CultureChezNous https://t.co/E8FADvjJkt

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De Giverny à l'Orangerie : 3 minutes pour découvrir la grande histoire des Nymphéas de Monet. #RegardsNumériques #CultureChezNous pic.twitter.com/E8FADvjJkt
— Musée de l'Orangerie (@MuseeOrangerie) November 10, 2020

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De Giverny à l'Orangerie : 3 minutes pour découvrir la grande histoire des Nymphéas de Monet. #RegardsNumériques #CultureChezNous

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Trois sites gratuits pour dessiner ou peindre en ligne

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Trois sites gratuits pour dessiner ou peindre en ligne

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Dernière mise à jour le 29 novembre 2022

Comment faire de l'écran de son ordinateur ou de sa tablette un carnet de dessin ou mieux encore une toile à peindre ? Il existe de nombreuses ressources en ligne qui permettent aux élèves de s'adonner à des activités créatives telles que le dessin ou la peinture. En voici trois que vous ne connaissez peut-être pas. Trois sites pour dessiner ou peindre en ligne. Tous les trois sont gratuits. Tous les trois proposent une version en ligne et des extensions pour Chrome.

primalDraw. Application gratuite de dessin vectoriel en ligne

primalDraw vous permet de créer des graphiques vectoriels tels que des illustrations, des diagrammes, des organigrammes, des logos, des bannières et des dessins au trait. Conçue pour fonctionner sur n'importe quel bureau ou navigateur mobile, il s'agit d'une solution légère qui peut répondre à de nombreux besoins pour vous-même ou pour vos étudiants. primalDraw propose des menus en anglais mais elle est gratuite et sans aucune publicité. On commence par une application de dessin en ligne qui permet de réaliser toute sorte d'illustrations.
Lien:primalDraw

SketchPad. Créer, dessiner et peindre en ligne

Voici un studio de création artistique très complet. Dessin, peinture et retouche au programme dans un environnement graphique coloré et joyeux. SketchPad propose de nombreux tutoriels en vidéo pour vous permettre de maîtriser les nombreuses fonctions disponibles. L'outil met en avant la possibilité de retoucher de manière créative des photos ou illustrations que vous pouvez importer dans votre espace de travail. Pinceaux, formes, tampons, texte... SketchPad offre de nombreux outils pour vous permettre de créer sans contraintes. L'outil propose entre autres fonctions intéressantes, un enregistrement automatique de vos créations et ainsi la possibilité de revenir en arrière sur une version antérieure. L'interface est en Français. La version en ligne permet de faire du dessin en ligne gratuit. Pour environ 5€ vous pourrez télécharger une version du logiciel à installer sur votre ordinateur.
Lien:Sketchpad

Sumo Paint. Éditeur d'images en ligne

Sumo Paint est sans doute l'outil le plus connu de cette petite liste. Les chiffres parlent d'eux-mêmes. Plus de 30 millions d'utilisateurs et 500 millions d'images enregistrées. Ce n'est pas un hasard, Sumo Paint offre une application complète de peinture et d'édition d'image en ligne. Difficile même de faire plus complet avec une liste vraiment impressionnante de fonctions et d'outils à votre disposition à partir d'un simple navigateur. L'outil est fluide et si l'interface gagnerait à être mise à jour, l'ensemble est sérieux et n'a pas à rougir de la comparaison avec des applications professionnelles. Pour avoir les menus en Français, il faut cliquer sur le petit drapeau en haut à gauche de l'écran quand vous êtes dans l'éditeur.

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3 sites gratuits pour dessiner ou peindre en ligne

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Comment faire de l'écran de son ordinateur ou de sa tablette un carnet de dessin ou mieux encore une toile à peindre ? Il existe de nombreuses ressources

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Fondation Louis Vuitton Paris jusqu’au 3janvier

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Réservez votre billet pour la Fondation Louis Vuitton : expositions, programmation musicale, événements en famille...

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Jusqu’au 28 mars

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Kiki Kogelnik, Miss Universe, 1963
Huile et acrylique sur toile, 152.15 × 121.92 cm
Courtesy Galerie Natalie Seroussi, © 1963 Kogelnik Foundation. Droits réservés

Retrouvez les évènements associés à l'exposition ici !
Une exposition-événement pour les 30 ans du MAMAC, Nice
Au début des années 1960, des héroïnes de papier sortent des cases pour explorer un monde interdit. Elles ont pour noms Barbarella, Jodelle, Pravda la Survireuse... Elles sont libres, puissantes et sensuelles telles des amazones. Nées d'une culture adolescente, elles incarnent un nouvel idéal qui impulsera une révolution des mœurs sans précédent.

À côté de ces représentations de papier, d'autres héroïnes, bien réelles, participent à l'invention d'un langage artistique nouveau - sans doute le plus populaire de la seconde moitié du XXème siècle : le POP. Leurs œuvres, à l'image des bandes dessinées, regorgent de couleurs arc-en-ciel et vibrantes. Par des voies plurielles, elles envisagent un monde autre, aux formes rêvées et parient sur la construction d'un monde meilleur plutôt que sur une amnésie artificielle des heures sombres du passé. Jusqu'à 1973, le futur progressiste semble réalisable (émancipation sexuelle, droits sociaux, pacifisme, imaginaires extra-terrestres, etc.), et leurs œuvres le clament : Love is all we need ! Pour autant, les artistes sont lucides quant aux obstacles qui jonchent cette bulle temporelle de 1961 à 1973, notamment avec les guerres impérialistes, les polarités géopolitiques, la course effrénée à la consommation, etc. Dans ce sens, le Pop des amazones devient complexe, grinçant...et teinté d'un humour rageur.

She-Bam Pow POP Wizz !, retrace pour la première fois à cette échelle, l'histoire ouverte d'une génération de femmes européennes et nord-américaines qui ont contribué avec audace et flamboyance, à une autre facette, plus méconnue, du Pop international. Pour les 30 ans du MAMAC, l'exposition met en valeur un axe majeur de sa collection - le face à face entre le Nouveau-réalisme et le pop art - et une de ses figures charismatiques : la franco-américaine Niki de Saint Phalle. Dans son sillage, c'est la contribution essentielle des femmes à l'histoire du pop qui est ici déployé.

Artistes et Amazones : Evelyne AXELL, BARBARELLA, Brigitte BARDOT, Marion BARUCH, Pauline BOTY, Martine CANNEEL, Lourdes CASTRO, Judy CHICAGO, CHRYSSA, France CRISTINI, Christa DICHGANS, Rosalyn DREXLER, Giosetta FIORONI, Jane FONDA, Ruth FRANCKEN, Ángela GARCÍA, Jann HAWORTH, Dorothy IANNONE, JODELLE, Jacqueline DE JONG, Sister Corita KENT, Kiki KOGELNIK, Kay KURT, Nicola L., Ketty LA ROCCA, Natalia LL., Milvia MAGLIONE, Lucia MARCUCCI, Marie MENKEN, Marilyn MONROE, Louise NEVELSON, Isabel OLIVER CUEVAS, Yoko ONO, Ulrike OTTINGER, Emma PEEL, PRAVDA la survireuse, Martha ROSLER, Niki de SAINT PHALLE, Carolee SCHNEEMANN, Marjorie STRIDER, STURTEVANT, Hannah WILKE, May WILSON.

Cette exposition est reconnue d'intérêt national par le Ministère de la Culture. Elle bénéficie à ce titre d'un soutien financier exceptionnel de l'Éta t.

Retrouvez sur awarewomenartists.com des focus sur les artistes de l'exposition She-Bam Pow POP Wizz ! Les Amazones du Pop, grâce au partenariat avec AWARE (Archives of Women Artists, Research and Exhibitions).

Catalogue de l'exposition
Commissariat de l'exposition :
Hélène Guenin, directrice du MAMAC & Géraldine Gourbe, philosophe et critique d'art

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She-Bam Pow POP Wizz ! Les Amazones du POP | MAMAC de Nice

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Retrouvez les évènements associés à l'exposition ici ! Une exposition-événement pour les 30 ans du MAMAC, Nice Au début des années 1960, des héroïnes de papier sortent des cases pour explorer un monde interdit. Elles ont pour noms Barbarella, Jodelle, Pravda la Survireuse... Elles sont libres, puissantes et sensuelles telles des amazones.

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Concours BD scolaire Angoulême 2020-2021

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Concours BD scolaire Angoulême 2020-2021

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La prépa arts à VALBONNE (lycée Simone Veil)

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La prépa arts à VALBONNE (lycée Simone Veil)

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La CPES-CAAP du Lycée Simone Veil de Valbonne propose une formation spécifique destinée à former les étudiants aux concours d'entrée des écoles d'art supérieures en France et à l'étranger. Ces écoles concernent les domaines de l'architecture, des design de communication, de produit et d'espace, mais également de l'illustration, de l'animation 2 et 3D, de la vidéo et de la photographie... Ainsi, aux techniques traditionnelles de représentation et de production, dessin, gravure, peinture, mise en page, traitement du volume et du relief, s'ajoutent photographie, vidéo, montage, DAO ...

Se démarquant des offres de type MANAA* (Mise à Niveau Arts Appliqués), ou CPGE à dominante arts plastiques, cette formation s'énonce ouvertement comme une alternative à ces deux formations. La CPES-CAAP (Classe Préparatoire à l'Enseignement Supérieur / Classe d'Approfondissement en Arts Plastiques) est une réponse aux nécessités liées à la préparation aux écoles d'art, axant la formation sur une double préoccupation pratique et culturelle. Il s'agit de former de manière intensive de jeunes étudiants désireux de s'orienter vers les formations artistiques exigeantes en France comme à l'étranger.

Les élèves venant de toutes séries du lycée et ayant obtenu le baccalauréat. Les inscriptions se feront via le site APB à partir de l'année suivant l'ouverture de la classe. Pour la session 2016-2017, année d'ouverture de la CPESA, les inscriptions se feront par courrier postal. Les étudiants seront retenus sur la base de leur dossier scolaire d'une part et d'un entretien d'autre part. Les modalités concernant ce point sont accessibles sur la page INFOS du site. Un fichier pdf téléchargeable explique les modalités d'inscription.

Les cours répondent à plusieurs nécessités d'ordres pratique, technique et théorique :

maîtriser les techniques et outils de communication visuelle traditionnels et numériques

développer un projet en deux et en trois dimensions à l'aide de moyens traditionnels et numériques

situer son travail dans une culture artistique élargie

maîtriser des outils de communication et d'analyse en anglais

disposer de repères historiques, sociologiques et scientifiques liés à la création artistique

Un cursus à la fois diversifié et approfondi est proposé afin de développer et valider, après deux semestres, des acquis correspondant à des attentes clairement exprimées en début d'année. Ces attentes sont en phase avec les exigences des écoles supérieures artistiques. Le but étant de permettre à chaque étudiant de maitriser les outils utiles et efficaces à la constitution de dossiers de travaux personnels destinées à présenter les concours d'écoles exigeantes, tant en France qu'à l'étranger.

Le suivi pédagogique est assuré par Madame Josyane Rouch, IA IPR arts plastiques, Académies de Nice & Corse.

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La CPES-CAAP du Lycée Simone Veil de Valbonne propose une formation spécifique destinée à former les étudiants aux concours d'entrée des écoles d'art supérieures en France et à l'étranger. Ces écoles concernent les domaines de l'architecture, des design de communication, de produit et d'espace, mais également de l'illustration, de l'animation 2 et 3D, de la vidéo et de la photographie...

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TUTO | La peinture au premier coup d'oeil

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Les podcasts du Centre Pompidou pour découvrir une oeuvre

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Les podcasts du Centre Pompidou pour découvrir une oeuvre

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Art et écologie avec G. Penone

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L'art moderne ne s'est pas fait uniquement dans les ateliers, parisiens pour la plupart. Depuis les impressionnistes, les artistes quittent leur antre pour d'autres horizons. Comment s'est passé la rencontre entre un lieu et un artiste et à quoi a-t-elle abouti ?

Dans chacun des 10 épisodes, la journaliste Christine Siméone nous emmène sur les pas d'un.e artiste de la collection quelque part en France, dans une ville, un village, en pleine nature, au bord de la mer ou d'une rivière.
Joan Mitchell à Vetheuil
Sur les traces de Monet, l'artiste expressionniste abstraite Joan Mitchell est attirée par ce lieu isolé qui lui procure espace, lumière et temps, et qui résonne avec les souvenirs de son lac Michigan natal.
Avec la participation de Jean-Pierre Criqui, conservateur au Musée national d'art moderne.
Annette Messager à Berck
On ne raconte pas assez l'enfance d'Annette Messager dans cette ville consacrée aux soins, où l'art est à la portée de tous.
Avec la participation de Bernard Blistène, directeur du Musée national d'art moderne.
Geneviève Asse à l'Île-aux-Moines
Geneviève Asse dans sa résidence d'été à l'Île-aux-Moines, où elle a peint des tableaux abstraits et minimalistes aux milles nuances de bleus.
Avec la participation de Christian Briend, conservateur au Musée national d'art moderne.
Nicolas de Staël à Ménerbes
Nicolas de Staël s'installe dans le Lubéron, où il peint entre 1952 et 1953 des paysages aux couleurs stridentes, parmi les plus marquants de son œuvre.
Avec la participation de Anne Lemonnier, attachée de conservation au Musée national d'art moderne.
Cyclop de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely à Milly
Cyclop, également connu sous le titre Le Monstre ou La Tête, est une sculpture monumentale construite dans la forêt de Milly entre 1969 et 1994 par le couple d'artistes.
Avec la participation de Bernard Blistène, directeur du Musée national d'art moderne.
Raoul Dufy à Perpignan
Le peintre de la Fée Electricité a occupé deux ateliers à Perpignan entre 1940 et 1950. Il y peint des œuvres qui portent la trace des moments importants de sa vie.
Avec la participation de Christian Briend, conservateur au Musée national d'art moderne.
Dora Maar à Mougins
Au moment où Dora Maar partage un été sur la Côte d'Azur avec Picasso, elle est déjà une artiste accomplie. S'ouvre une période d'intense collaboration entre les deux artistes.
Avec la participation de Damarice Damao, attachée de conservation au Musée national d'art moderne.
André Breton à Saint-Cirq Lapopie
Le pape du surréalisme a été ébloui par Saint-Cirq Lapopie, village médiéval du Lot. Dans l'ancienne maison des mariniers il a réuni chaque été ses amis artistes et poètes.
Avec la participation de Bernard Blistène, directeur du Musée national d'art moderne.

Eileen Gray à Vézelay
Architecte et designeuse, Eileen Gray a participé à la conception et à la rénovation de quatre maisons bourguignonnes près de Vézelay avec l'architecte Badovici.
Avec la participation de Anne-Marie Zucchelli, attachée de conservation.

Sophie Tauber et Jean Arp à Strasbourg
Après avoir participé au mouvement dada au Cabaret Voltaire en 1916, le couple d'artistes concrétise sa vision de la modernité par le projet de décoration du restaurant-ciné-dancing L'Aubette.
Avec la participation de Angela Lampe, conservatrice au Musée national d'art moderne.

Design musical : Sixième Son

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L'art moderne ne s'est pas fait uniquement dans les ateliers, parisiens pour la plupart. Depuis les impressionnistes, les artistes quittent leur antre pour d'autres horizons. Comment s'est passé la rencontre entre un lieu et un artiste et à quoi a-t-elle abouti ?

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Concours « Apprenons le risque » BD, affiches, vidéo, production multimédia....

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Concours « Apprenons le risque » BD, affiches, vidéo, production multimédia....

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Concours photo du CAUE ville de Nice « architecture et confinement- Espace public sans public »

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Concours photo du CAUE ville de Nice « architecture et confinement- Espace public sans public »

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Vue en plein écran

Première rétrospective du célèbre l'artiste sudafricain au LaM de Villeneuve d'Ascq, à deux pas de Lille. Un voyage sensoriel, spectaculaire et émouvant, burlesque et magique malgré la gravité de ses thèmes - Apartheid, guerre et colonisation.

Jusqu'au 5 juillet 2020 "William Kentridge. Un poème qui n'est pas le nôtre" vient investir une très grande partie du LaM. Ce créateur prolifique explore avec aisance et intelligence tous les médiums qu'il dose savamment. À travers le prisme de l'histoire, Kentridge invite le visiteur à porter un regard critique sur le monde. Kentridge est né à Johannesburgh en 1955. Son père, Sidney, est célèbre pour avoir défendu Nelson Mandela lors du Treason Trial, procès historique qui vit 156 personnes membres du Congrès national africain être accusées de haute trahison par le gouvernenement sud-africain. Toute son enfance est baignée dans l'injustice de l'Apartheid et dans la violence de la répression.

Il suivra d'abord des études de sciences politiques avant de se tourner vers l'enseignement artistique. En 1981, peu convaincu par ses talents de plasticien, il s'inscrit aux cours de théâtre et de mime de Jacques Lecoq à Paris. Même s'il n'y restera qu'un an, la dramaturgie sera décisive dans son travail. "Au départ, je me voyais peintre, mais, très vite, je ne me suis pas senti à la hauteur; alors, j'ai voulu être acteur, mais là aussi, j'ai compris que je n'atteindrais jamais l'excellence", explique-t-il, rencontré sur les lieux de l'exposition

Très vite, il se recentre sur le dessin, qu'il utilise comme élément majeur de ses films d'animation. De la Biennale de Venise à la Documenta de Kassel, en passant par le Kunstmuseum de Bâle, la Tate Modern de Londres ou encore le MoMa de New York, son œuvre est désormais reconnue et multi primée internationalement.

Le dessin en mouvement

L'œuvre de Kentridge est essentiellement monochrome: noir sur papier blanc. Sa maitrise du dessin au fusain, son médium de prédilection, est époustouflante. Ses films d'animation, dans lesquelles il se met régulièrement en scène le présentent en train de dessiner: commencer, recommencer, modifier, répéter.... l'effacement est au cœur de son processus de création. Ce procédé, qui nécessite peu de moyens, il le nomme "l'animation du pauvre". "J'aime utiliser le fusain, car il permet de changer très vite le dessin, avec un coup de torchon ou un coup de gomme.

Il n'est pas figé et laisse place à l'imprévu", indique l'artiste.Intelligemment conçue par les commissaires Sébastien Delot, directeur du LaM, et Marie-Laure Bernadac, mise en scène par la Belge Sabine Theunissen, scénographe attitrée de l'artiste, cette promenade rétrospective nous fait entrer d'emblée dans un foisonnement de métamorphoses mélangeant dessins, gravures, sculptures, films d'animation, installations vidéo, tapisseries et décors de scène. L'exposition s'articule autour de la partie centrale: l'atelier de l'artiste, là où tout naît.

"L'atelier est un espace clos physiquement mais aussi psychiquement, comme comme un cerveau en plus grand; la déambulation dans l'atelier est l'équivalent des idées qui tournent dans la tête", analyse Kentridge.

C'est là que le visiteur est plongé dans l'installation "7 fragments pour Georges Méliès, voyage dans la lune" (voir cette interview de Kentridge, en anglais). Composée de neuf projections simultanées, cet hommage au cinéaste est une mise en lumière du processus de création de William Kentridge et de ses trucages artisanaux.

"J'ai fait toute ma scolarité en sachant que je vivais dans une société anormale où il se passait des choses monstrueuses."

Il y a comme de la magie dans l'air! Maîtrisant toutes les formes d'expression, l'œuvre de Kentridge est une œuvre d'art totale, voire même parfois spectaculaire: "the Refusal of Time", par exemple, est née d'une rencontre de l'artiste avec le compositeur Philip Miller et l'historien des sciences de l'université d'Harvard, Peter Galison.

Il s'interroge ici sur la notion de temps. Présentée pour la première fois à la Documenta 13 de Kassel, elle occupe ici une salle entière du LaM. Complètement immersive, tous nos sens sont sollicités comme hypnotisés par l'installation d'une étrange machine métronome où se mêlent musique, videos, danse et dessin.Chaque salle de cette exposition crée une nouvelle émotion, selon un rythme où alternent lumière et obscurité. Moments d'immersion et temps de pause visuelle.

Vue en plein écran

Un art engagé

L'œuvre de Kentridge est remplie de références à l'histoire de l'art. L'expressionnisme d'Otto Dix, le constructivisme Russe et surtout le dadaïsme et sa technique du collage. Elle fait appel à nos sens, mais elle est surtout un travail de mémoire sur l'histoire de la condition humaine et sur les dérives du pouvoir. "J'ai fait toute ma scolarité en sachant que je vivais dans une société anormale où il se passait des choses monstrueuses", se remémore l'artiste.

Par le prisme de l'histoire, William Kentridge crée un art engagé et accessible à tous en vue de faire passer avec talent un message fort. Face à "The Head & Load", l'émotion est forte devant cet hommage au 2 millions de soldats et porteurs africains morts pendant la Première Guerre mondiale. Un véritable opéra visuel et sonore dont toutes les étapes de travail sont présentées ici. "J'essaye de regarder un terrain moral sur lequel il n'y a guère de héros mais beaucoup de victimes. Un monde dans lequel la compassion ne suffit pas."

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Au LaM de Villeneuve d'Ascq, le foisonnant et engagé Kentridge

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Vue en plein écran Première rétrospective du célèbre l'artiste sudafricain au LaM de Villeneuve d'Ascq, à deux pas de Lille. Un voyage sensoriel, spectaculaire et émouvant, burlesque et magique malgré la gravité de ses thèmes - Apartheid, guerre et colonisation. Jusqu'au 5 juillet 2020 "William Kentridge.

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L'abstraction, une affaire d'hommes ?

Les grandes questions de l'histoire de l'art

Bridget Riley, For Genji, 1995/1996, huile sur toile de lin, 165 x 228,6 cm, © Droits Réservés, © Cnap, © Photo : Ville de Grenoble / Musée de Grenoble-J.L. Lacroix

L'abstraction est la révolution artistique du XX e siècle. Influencée par le développement de la physique quantique et héritière de l'impressionnisme, du fauvisme et du cubisme, elle s'impose comme l'inspiration principale de la période. Ce courant renouvelle les codes traditionnels de la peinture et de la sculpture, en décomposant l'image pour sacraliser la forme pure et la couleur. En histoire de l'art, la genèse de l'abstraction coïncide à la réalisation en 1910 de Sans titre de Wassily Kandinsky (1866-1944), puis par le travail de jeunes artistes comme František Kupka (1871-1957), Kazimir Malevitch (1879-1935) ou Piet Mondrian (1872-1944) qui abandonnent progressivement la représentation du réel pour n'en garder que l'essence et l'émotion. Selon les récits de l'histoire de l'art, les artistes femmes ne se seraient donc pas saisies des codes de ce mouvement. Pourtant, Hilma af Klint (1862-1944), peintre suédoise, délaisse les compositions figuratives dès 1905. Son travail n'est redécouvert qu'en 1986 à l'occasion de l'exposition The Spiritual in Art : Abstract Painting 1890-1985 au LACMA à Los Angeles, où elle est présentée comme pionnière de l'abstraction. Sa peinture médiumnique, mais aussi la pratique méditative d'Agnes Martin (1912-2004) témoignent des recherches acharnées sur l'essentialisation du geste artistique.

Comme leurs pairs masculins, certaines artistes femmes utilisent les couleurs pour explorer les représentations de la forme. La peintre et sculptrice Marlow Mosse (1890-1958) joue avec les lignes orthogonales et diagonales qu'elle dédouble en 1930 et dont finalement elle se détache pour expérimenter la clarté et les reliefs du blanc. Aurélie Nemours (1910-2005), s'adonne aussi à la monochromie et préfère le blanc aux couleurs vives. Les recherches picturales de l'artiste italienne Carla Accardi (1924-2014), partisane de la figuration réaliste, transcende la couleur, en approfondissant d'abord l'étude du noir et blanc pour en venir à l'utilisation des fluos au cours des années 1970.

L'artiste libanaise, Saloua Raouda Choucair (1916-2017) lie sa quête artistique avec la tradition islamique soufie, l'absence de la figuration est pour elle ce qui ramène l'œuvre à l'essentiel de la pensée. La quête de la forme constitue un mouvement à part dans cette révolution picturale : l'abstraction géométrique, à laquelle les artistes femmes prennent pleinement part. D'origine roumaine, Natalia Dumistresco (1915-1997) joue avec la géométrique, ronds, carrés et autres stries se chamaillent pour offrir une vision kaléidoscopique. Bĕla Kolářová (1923-2010) questionne par la photographie, mais aussi l'assemblage et le dessin, les structures des objets qu'elle détourne de leur fonction primaire. Elle innove et invente ses propres moyens de création, comme le négatif artificiel où l'image née par la seule utilisation d'une chambre noire. Vera Molnár (née en 1924), artiste cinétique hongroise, réalise, quant à elle, des expérimentations artistiques à l'aide de l'informatique.

On redécouvre tardivement cette " moitié suicidée du génie créateur " comme aimait l'écrire Lea Vergine. De récentes expositions rendent hommages à ces femmes abstraites telles que : Empathy and Abstraction. Modernist Women in Germany au Kunsthalle Bielefeld à Bielideld en 2015 et 2016, Making space : Women Artists ad Post-war Abstraction en 2017 au MoMa de New York, ou encore plus récemment, en 2020, Femmes années 50. Au fil de l'abstraction, peinture et sculpture au Musée Soulage de Rodez.

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L'abstraction, une affaire d'hommes ? - AWARE Women artists / Femmes artistes

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L'abstraction est la révolution artistique du XXe siècle. Influencée par le développement de la physique quantique et héritière de l'impressionnisme, du fauvisme et du cubisme, elle s'impose comme l'inspiration principale de la période. Ce courant renouvelle les codes traditionnels de la peinture et de la...

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Que faire après l’option ou la spé arts plastiques après le bac?

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Que faire après l’option ou la spé arts plastiques après le bac?

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espace pédagogique > disciplines du second degré > arts plastiques > informations > baccalauréat

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Une autre manière de découvrir les œuvres....

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Focus sur l’artiste impressionniste Claude Monet

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Elisabeth Couturier consacre cette émission à Claude Monet, à l'occasion de différentes expositions. Pour en parler, elle reçoit Marianne Alphant, pour "Monet. Une vie dans le paysage", Jeanne-Marie David, commissaire de l'exposition "Normandie impressionniste", Sylvie Patin, commissaire de l'exposition Monet au Grand Palais, et Laurent Salomé, directeur du Musée des Beaux Arts de Rouen.

On peut considérer que Monet, c'est le plus grand paysagiste et d'une certaine façon, c'est peut-être le dernier de ce genre car il a peut-être poussé le genre le plus loin possible, jusqu'à sortir - on peut le dire - du paysage. [...] Monet était une personnalité un peu opaque c'est quelqu'un qui a peu parlé et je n'ai commencé à comprendre sa vie que quand je suis allée aux endroits où il peignait, en se mettant dans les paysages. C'est absolument étonnant [...] c'était une vie dehors, une vie dans le paysage même si c'est - à la fin- pour sortir du paysage. Marianne Alphant

Je pense que tous les peintres modernes ont regardé les séries de Monet. J'ai toujours remarqué que c'est un des premiers peintres que les artistes nomment. Le terme d'influence c'est une autre histoire, mais les peintres ont un regard et souvent jugent très bien. [...] Il n'y a pas forcément une influence mais il y a une reconnaissance des artistes pour Monet. Sylvie Patent

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Émission consacrée à Claude Monet. Les invités explorent la relation du peintre avec le paysage naturel et urbain. Ils mettent en avant l'invention même de la série en peinture et ils expliquent ses méthodes de travail pour percevoir au mieux la lumière.

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Pour la rentrée...comment Customiser un sac avec des Poscas

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Pour les lycéens: un exemple de contenu d’études supérieures en histoire des arts

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Pour les lycéens: un exemple de contenu d’études supérieures en histoire des arts

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Mon master en Histoire de l'art en 180 secondes

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Observer une sculpture

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TUTO | La sculpture au premier coup d'oeil

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Le musée du Louvre nous fait découvrir des techniques et des métiers 

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Le musée du Louvre nous fait découvrir des techniques et des métiers 

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Couples mythiques d’artistes: des parcours artistiques et des œuvres nées d’une rencontre; une série Arte à découvrir.

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Couples mythiques d’artistes: des parcours artistiques et des œuvres nées d’une rencontre; une série Arte à découvrir.

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L'amour à l'oeuvre - Culture et pop | ARTE

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"L'amour à l'oeuvre" raconte les histoires intimes tumultueuses à la lumière du sentiment amoureux et de l'histoire de l'art. L'histoire d'amour est ici un détour passionnant qui nous invite à découvrir ou redécouvrir les parcours artistiques et les œuvres nées d'une rencontre.

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Repères périodes artistiques

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FLTM une série du Centre Pompidou

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Le pochoir | Fais le toi-même ! | Centre Pompidou

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Être spectateur
Comment regarder et comprendre une peinture ?

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Ateliers, rencontres, initiations à l'histoire de l'art, expositions, conférences... Saviez-vous que nos équipes travaillent aussi à la diffusion de l'art partout en France et auprès de personnes en situation de handicap, de maladie ou d'exclusion sociale ?

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Comment regarder et comprendre une peinture ?

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Ateliers, rencontres, initiations à l'histoire de l'art, expositions, conférences... Saviez-vous que nos équipes travaillent aussi à la diffusion de l'art partout en France et auprès de personnes en situation de handicap, de maladie ou d'exclusion sociale ?

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Découvrir une œuvre de Louis de Carrogis « Les quatres saisons »

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Tableau récapitulatif des applis

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Kentridge au Lam de Lille jusqu'au 13 déc

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Kentridge au Lam de Lille jusqu'au 13 déc

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William Kentridge, la fabrique de l’histoire

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Le LaM à Villeneuve-d’Ascq propose une plongée dans la production foisonnante et spectaculaire de l’artiste sud-africain William Kentridge. « Un poème qui n’est pas le nôtre » revient sur trente anné…

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Rencontre avec un dessinateur comics Olivier Coipel

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Rencontre avec un dessinateur comics Olivier Coipel

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Il a bossé pour Marvel, DC... et Stan Lee himself ! Voici le Français Olivier Coipel | Konbini

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Erstein. L'idéal serait de voir les deux expositions qui proposent l'œuvre de Christo et Jeanne-Claude, celle du Centre Pompidou et celle du Musée Würth à Erstein, tant elles se complètent. Ce chevauchement de dates n'a rien d'une coïncidence. D'une part, elles sont liées à l'actualité : l'empaquetage prévu de l'Arc de Triomphe, maintenu malgré le décès de l'artiste et repoussé à 2021 ; d'autre part, la présentation du Musée Würth - fondé par l'entrepreneur et collectionneur allemand Reinhold Würth - doit beaucoup à son imposante collection qui inclut un ensemble important de travaux de Christo.

Ainsi, à Paris, ce sont les premières années de l'artiste qui sont mises à l'honneur et surtout la période parisienne avec comme point d'orgue, le Pont Neuf. En Alsace, c'est une rétrospective qui couvre toute la carrière de ce couple d'artistes, y compris les projets abandonnés, refusés, ou en suspens, comme le mastaba prévu à Abou Dhabi.

Mais, la taille monumentale des travaux in situ rend impossible leur présence au musée. Le parcours chronologique est composé essentiellement des formidables clichés de grand format, faits par le photographe attitré de l'artiste, Wolfgang Volz. Une exception, toutefois, la maquette du projet qui a probablement attiré le plus l'intérêt du grand public : l'empaquetage du Reichstag en 1995.

On aurait aimé voir davantage d'objets et de matériaux qui entrent dans la composition de ces différents travaux. Mais, cette absence est compensée par l'attention accordée, encore plus qu'au Centre Pompidou, à la qualité des dessins préparatoires de Christo. Un exemple particulièrement frappant est celui où l'on suit de près le processus de la création qui aboutit à Valley Curtain (voir ill.), un rideau monumental en nylon orange de 12 783 m2 tendu entre deux massifs dans le Colorado (1972). Sur une feuille, Christo fait un croquis schématique du lieu, accompagné de toutes les données techniques nécessaires pour réaliser le projet. Sur une autre, c'est une véritable carte topographique qui donne au spectateur une vision en relief du lieu. D'autres dessins, effectués après l'exécution de différents projets, introduisent parfois des accents poétiques, sans renoncer à une description précise.

Le spectateur peut embrasser les nombreuses interventions de l'artiste bulgare, récemment décédé. Quand ce dernier ne " sculpte " pas l'espace urbain, ses travaux se situent dans un cadre mitoyen, celui d'une nature habitée, " civilisée ". À l'encontre des artistes du land art, comme Robert Smithson ou Walter De Maria, qui cherchent l'éloignement et l'isolement, Christo s'intéresse à l'introduction du singulier dans un cadre plus familier, permettant une rencontre avec un grand public ( The Gates, Central Park, New York, 2005). Pour Jeanne-Claude, son épouse et sa fidèle collaboratrice, Christo " ne savait pas que sa vie entière serait marquée par le tissu ". Le parcours au musée fait défiler leurs spectaculaires installations, ces rencontres insolites entre nature et culture qui n'ont duré qu'un court moment, mais dont le souvenir marque notre mémoire.

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L'autre exposition Christo - 3 septembre 2020 - Le Journal des Arts - n° 550

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Erstein. L'idéal serait de voir les deux expositions qui proposent l'œuvre de Christo et Jeanne-Claude, celle du Centre Pompidou et celle du Musée Würth à Erstein, tant elles se complètent. Ce chevauchement de dates n'a rien d'une coïncidence.

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Museum TV vous fait découvrir des métiers d'art, rdv sur instagram

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Museum TV vous fait découvrir des métiers d'art, rdv sur instagram

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1. Insaisissable

Bien entendu, la grande question est de savoir qui est Banksy. Ses proches prennent garde à ne rien laisser filtrer. Lui ne se montre pas et joue même, avec autant de talent que de coquetterie, de son anonymat. Il a déclaré : " Je n'ai aucune envie de révéler qui je suis. Il y a bien assez de trous du cul prétentieux qui essaient de vous mettre leur sale gueule sous le nez. "

2. Prénom

On connaît son prénom. En 2017, un DJ anglais nommé Goldie, ami de Banksy, râlait contre l'art contemporain, et déclarait : " Si on prend une grosse lettre et qu'on la met sur un tee-shirt et qu'on signe Banksy, c'est réglé... On peut le vendre. Sans vouloir manquer de respect à Rob. " Puis Goldie, conscient d'avoir éventé le mystère, avait rougi et changé de sujet.

Certains avaient cru, à l'époque, que " Rob " était le diminutif de Robert Del Naja, chanteur du groupe Massive Attack. Del Naja a démenti : " Ç'aurait été une belle histoire, mais elle est fausse. "Le bateau de Banksy en Méditerranée appelle à l'aide après un sauvetage massif de migrants

3. Saisi

Il est malheureusement impossible de se cacher bien longtemps dans ce monde hostile au mystère, et, selon toute vraisemblance, Banksy a été démasqué. D'après plusieurs enquêtes convaincantes, il se nommerait Robin Gunningham.

Originaire de Bristol, dans le sud de l'Angleterre, Gunningham est le fils d'un manager et d'une secrétaire de direction, qui s'est mis à faire du graffiti au lycée. Banksy, fidèle à sa doctrine, n'a ni confirmé ni infirmé.

4. Photo

C'est la photo d'un graffeur en Jamaïque, au travail, accroupi à côté d'un pochoir reconnu comme étant de Banksy, qui a lancé les journalistes britanniques sur la piste de l'artiste. Banksy avait dit être de Bristol. Les enquêteurs ont donc sillonné la ville, photo en main, jusqu'à identifier Gunningham et à trouver assez d'éléments pour faire le lien.

LIRE AUSSI > PHOTOS. Banksy, légende mystérieuse du street art

5. Mystère

Passons, par souci de concision, sur les différentes preuves avancées par les journalistes dans cet austère dossier. Le fait le plus convaincant, et le plus piquant, est que si on sait parfaitement ce qu'a fait Banksy ces quinze dernières années, il semblerait que Robin Gunningham, lui, n'existe pas. Aucun reporter n'a réussi à le retrouver. Il n'a pas de métier, pas d'adresse, pas d'ami. Le vrai mystère, ce n'est pas Banksy : c'est Robin Gunningham.

6. Camion à benne

Banksy a commencé sa carrière de graffeur à Bristol, graffant comme tout le monde : il peignait à la bombe de grosses lettres en forme de bulle sur les voies ferrées. Une nuit, des policiers ont surgi. Il s'est enfui, et s'est caché sous un camion à benne. " En écoutant les flics qui me cherchaient sur les voies, couché par terre, j'ai compris que je devais réduire le temps d'exécution de mes peintures, ou arrêter. " De là lui est venue l'idée du pochoir.

LIRE AUSSI > Street art : de la rue au musée, histoire d'une consécration

7. Police

La police est logiquement une cible fréquente des œuvres de Banksy, qui en plus d'être graffeur est anarchiste. Mais, ironie de la gloire, depuis qu'il est un artiste coté et quasi patrimonial, son travail est désormais protégé par les forces de l'ordre. Le 2 e DPJ de Paris a travaillé pendant des mois, en Isère et en Italie, pour retrouver " la Jeune Fille triste ", que l'artiste avait peint sur une porte du Bataclan après les attentats de 2015, et que des voleurs avaient découpé à la scie circulaire.

8. Poubelle

Un dessin de Banksy se vend aujourd'hui plusieurs dizaines, voire plusieurs centaines de milliers d'euros. Une certaine Camilla Stacey, galeriste à Bristol, a racheté la maison dans laquelle Gunningham, avant la gloire, avait vécu. Elle connaissait Banksy en tant que graffeur local, et a vite compris que Banksy et Gunningham ne faisaient qu'un. " Quand j'ai emménagé, dit-elle, l'endroit était couvert de graffitis et de dessins. Je les ai jetés à la poubelle. A cette époque, Banksy était juste un type qui taguait à Bristol. Je me réveille encore la nuit en y pensant. "

LIRE AUSSI > " Le graffiti n'est pas fait pour plaire "

9. Courriel

Pia Klemp, célèbre activiste allemande poursuivie par la justice italienne pour avoir sauvé des migrants en Méditerranée, a reçu un courriel de Banksy en septembre 2019, qui disait : " Bonjour Pia, j'ai lu ton histoire dans les journaux. Tu as l'air d'une dure à cuire. [...] Je suis un artiste du Royaume-Uni et j'ai réalisé des œuvres sur la crise des migrants, évidemment je ne peux pas garder l'argent. Pourrais-tu l'utiliser pour acheter un nouveau bateau ou quelque chose comme ça ? "

10. Cœur

Le bateau ainsi affrété, baptisé " Louise Michel " d'après l'héroïque communarde, vogue ces jours-ci en Méditerranée, et a secouru plus de 200 personnes. Il est peint en rose, et décoré d'une œuvre au pochoir de Banksy : une petite fille portant un gilet de sauvetage, et tendant une bouée en forme de cœur.

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Du street art au " Louise Michel ", 10 choses à savoir sur le mystère Banksy

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Bien entendu, la grande question est de savoir qui est Banksy. Ses proches prennent garde à ne rien laisser filtrer. Lui ne se montre pas et joue même, avec autant de talent que de coquetterie, de son anonymat. Il a déclaré : " Je n'ai aucune envie de révéler qui je suis.

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Ernest Pignon Ernest en Avignon jusqu'au 20 septembre!!

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Ernest Pignon Ernest en Avignon jusqu'au 20 septembre!!

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Extases, les Mystiques, une exposition d'Ernest Pignon-Ernest à voir du 20 mai au 20 septembre 2020 en Avignon. L'artiste engagé investit cette fois-ci l'Église des Célestins pour une installation fascinante tant sur le plan artistique que spirituel.

Ernest Pignon-Ernest présente son œuvre " Extases, les Mystiques ", une exposition située dans l'église des Célestins en Avignon, jusqu'au 20 septembre 2020.

À la suite de Ecce Homo, exposition qui a reçu plus de 400 000 visiteurs de juillet 2019 à fin février 2020 au Palais des Papes, Ernest Pignon Ernest investit cette fois-ci, l'église des Célestins du 20 mai au 20 septembre 2020 avec son installation " Extases , Les mystiques " inspirée des textes des grandes Mystiques.

" Extases , Les mystiques ", l'exposition d'Ernest Pignon-Ernest qui fascine et interpelle

Une exposition qui fascine et interpelle, tant sur le plan artistique que spirituel. Une œuvre à la fois profonde et visuellement magnifique, sublimée par un jeu de lumière particulièrement bien réussi. Si l'invitation au départ émane de la Ville d'Avignon, le lieu a été choisi fort judicieusement par l'artiste lui-même.

C'est au cours de l'été 2008 qu'a eu lieu à Avignon, à la Chapelle Saint-Charles, la création de cette installation, à l'initiative du Conseil général du Vaucluse. Depuis, celle-ci a été accueillie à Saint-Denis (Chapelle des Carmélites), à Lille, à Saint Cosme, à Paris (Chapelle de l'hôpital de la Salpêtrière), à Nice, à Naples avec chaque fois recréation et adaptation aux spécificités des lieux.

L'origine de l'œuvre remonte à près de trente ans : à la suite de ses collages dans les rues de Naples, Ernest Pignon-Ernest a ébauché un dialogue très libre avec les grandes mystiques, Marie-Madeleine, Hildegarde de Bingen, Angèle de Foligno, Catherine de Sienne, Thérèse d'Avila, Marie de l'Incarnation, Louise du Néant et Madame Guyon.

Tout est venu d'un questionnement, d'une fascination qui ne peut qu'emporter ceux qui désirent évoquer, penser, figurer un phénomène aussi troublant que celui de l'extase. Pour un artiste qui a toujours fait du corps l'objet et le sujet de ses explorations, la rencontre autour d'une thématique de cette nature relève autant d'une quête que d'un défi. Comment représenter ce qui ne peut se voir? Comment faire images de chairs qui aspirent à se désincarner ?

" Les lieux sont mes matériaux essentiels, j'essaie d'en comprendre, d'en saisir à la fois tout ce qui s'y voit : l'espace, la lumière, les couleurs et simultanément, tout ce qui ne se voit pas ou ne se voit plus : l'histoire, les souvenirs enfouis. À partir de cela j'élabore des images, elles sont ainsi comme nées des lieux dans lesquels je vais les inscrire (...) Cette insertion vise à la fois à faire du lieu un "espace plastique" et à en travailler la mémoire, en révéler, perturber, exacerber la symbolique... " Ernest Pignon-Ernest

Ernest Pignon-Ernest a exposé sa démarche dans de nombreux musées et galeries parmi lesquels : Musée d'Art Moderne de Paris, MAMAC à Nice, Neue Pinakothek de Munich, Palais des Beaux-Arts à Pékin, Galerie Lelong à Paris, Biennale de Venise, Biennale de Sao Paulo, Palais des Beaux-Arts de Lille, Palais des Papes à Avignon, Le Botanique à Bruxelles, etc...

Exposition Extases, les Mystiques d'Ernest Pignon-Ernest à Avignon jusqu'au 20 septembre 2020.
Comissaire d'exposition : Bruno Portet
Église des Célestins à Avignon (Place des corps saints)
Entrée gratuite Ouverture 13 h - 18 h, du lundi au dimanche, sauf mardi
Réservation obligatoire culture@mairie-avignon.com ou 06 66 20 54 60
La jauge maximum est de 10 visiteurs avec un temps de visite de 40 min.

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Extases, les Mystiques : la nouvelle exposition d'Ernest Pignon-Ernest en Avignon

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Extases, les Mystiques, une exposition d'Ernest Pignon-Ernest à voir du 20 mai au 20 septembre 2020 en Avignon. L'artiste engagé investit cette fois-ci l'Église des Célestins pour une installation fascinante tant sur le plan artistique que spirituel. Ernest Pignon-Ernest présente son œuvre " Extases, les Mystiques ", une exposition située dans l'église des Célestins en Avignon, jusqu'au 20 septembre 2020.

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BANKSY "J'ai acheté un yacht..." louisemichel.org

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BANKSY "J'ai acheté un yacht..." louisemichel.org

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Avec plus de 200 naufragés survivants à son bord, le Louise Michel, le navire humanitaire financé par Banksy pour porter secours aux migrants en Méditerranée, ne peut plus avancer. Il a envoyé un message détresse ce matin tandis que le Street Artiste confirmait sa participation à cette mission sur Instagram.

On découvrait hier, suit aux révélations du journal The Guardian, que le Street Artiste Banksy finançait une opération de sauvetage de migrants en Méditerranée en cours depuis le 18 août. C'est à cette date que le Louise-Michel, un ancien navire des douanes françaises d'une trentaine de mètres de long, a en effet quitté l'Espagne, dans le plus grand secret, avec à son bord un équipage d'une dizaine de militants et d'activistes. Sa mission était de venir en aide aux naufragés des traversées clandestines qui ont déjà fait près de 300 morts en Méditerranée depuis le début de l'année.

Un message de détresse lancé sur Twitter

Vendredi, le Louise Michel poursuivait sa mission avec à son bord 89 migrants secourus et dix de membres d'équipage. Mais dans la nuit du vendredi 27 au samedi 28 août, le navire a dû porter secours à un canot pneumatique à la dérive qui transportait 130 personnes. Il accueille donc aujourd'hui près de 230 personnes et s'est amarré à un canot de sauvetage sur lequel 33 personnes sont rassemblées.

The crew managed to keep #LouiseMichel stable for almost 12h now. Our new friends told us they lost 3 friends on their journey already. Including the dead body in our one life raft, that makes 4 lives vanished because of Fortress Europe... And we are still waiting. pic.twitter.com/Te2PKCv2Gn

- LouiseMichel (@MVLouiseMichel) August 29, 2020

Surpeuplé, immobilisé à une centaine de kilomètres de l'île de Lampedusa, le navire a diffusé ce matin un message de détresse sur son compte Twitter, après avoir alerté en vain les autorités italiennes et maltaises. " Nous avons besoin d'une assistance immédiate ", indique l'équipage qui précise également qu'un des naufragés n'a pas survécu et que plusieurs d'entre eux souffrent de brûlures sévères au carburant. En depuis d'après-midi, ce samedi 28 août, le navire n'avait pas encore reçu d'aide.
[Mise à jour : Ce samedi 28 août en fin de journée, les gardes-côtes italiens ont évacué une cinquantaine de réfugiés parmi les plus vulnérables, comme le rapporte l'équipage sur son compte Twitter]

#LouiseMichel is unable to move, she is no longer the master of her manoeuver, due to her overcrowded deck and a liferaft deployed at her side, but above all due to Europe ignoring our emergency calls for immediate assistance. The responsible authorities remain unresponsive.

- LouiseMichel (@MVLouiseMichel) August 29, 2020

Banksy confirme son implication en vidéo

Habitué des effets d'annonce, le Street Artiste Banksy a pourtant attendu ce samedi matin pour confirmer son implication dans l'opération de sauvetage de migrants actuellement menée en Méditerranée par le Louise Michel. Il a publié il y a quelques heures, sur son compte Instagram, une vidéo qui s'ouvre sur cette phrase : " Comme b eaucoup de gens qui ont réussi dans l'art, je me suis acheté un yacht " avant d'expliquer pourquoi l'artiste a choisi de soutenir la reconversion d'un bâtiment français en bateau humanitaire afin de pallier aux manquements des pays européens qui " ignorent délibérément les appels à l'aide des " Non-Européens " " qui tentent de traverser la Méditerranée.

La mission du Louise Michel est évoquée en quelques images, sur lesquelles on peut voir des naufragés montant à bord du navire, puis la vidéo s'achève sur ce slogan " All Black Lives Matters ". Celui-ci associe le nom du mouvement antiraciste Black Lives Matter (né au États-Unis en 2013 et revivifié récemment par l'affaire George Floyd) à l'expression polémique " All lives matter ", un hashtag apparu dans le même sur les réseaux sociaux pour minimiser la lutte contre le racisme. En juin dernier, Banksy rendait hommage à George Floyd tout en dénonçant les discriminations raciales et les violences policières. En commentaire de son post, le Street Artiste indique simplement l'adresse du site web dédié à la mission du Louise Michel.

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Banksy revendique le financement du Louise Michel alors que le navire humanitaire appelle à l'aide | Connaissance des Arts

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Avec plus de 200 naufragés survivants à son bord, le Louise Michel, le navire humanitaire financé par Banksy pour porter secours aux migrants en Méditerranée, ne peut plus avancer. Il a envoyé un message détresse ce matin tandis que le Street Artiste confirmait sa participation à cette mission sur Instagram.

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Peintures rupestres

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Barbara Kruger’s Strange, Alluring Text-Based Artworks: How the Artist Critiqued Advertising and Rose to Fame

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A guide to the artist’s landmark exhibitions and public projects.

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En attendant de vous revoir... le musée vient à vous.

Nous avons souhaité mettre à votre disposition un ensemble de ressources et fiches-activités pour continuer de partager et d'explorer nos collections avec vous, sans sortir de chez vous.

La rubrique sera régulièrement enrichie.

Découvrez également toute l'offre culturelle avec #CulturechezNous.

En avant-première, écoutez et découvrez les premiers coups de cœur autour de l'exposition " Trésors nabis du musée d'Orsay ".

Pierre Bonnard, Danseuses

Félix Vallotton, Femme se coiffant

Visite contée par Muriel Alcaniz

Émile Bernard, La Moisson (détail)

(cliquez sur les images)

(cliquez sur l'image pour accéder au jeu)

(Solutions des jeux en bas de page)

Activités à faire à la maison :
"Ma petite imprimerie".
"Mon petit théâtre d'ombres"
"Mon petit laboratoire photo"
"Autour de ta fenêtre"
"Nature morte en clair-obscur"
"Main dans la main"
"Atelier carte Pop-up"

Rendez-vous sur la page dédiée, en cliquant sur la vignette ci-dessous.

(cliquez sur les images pour les télécharger - Solutions en fin de page)

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7 erreurs

J'explore les Collections

Voyagez dans l'exposition
Bonnard, une saison autour du Nu orange.

On vous donne quelques clés pour mieux décrypter certaines œuvres majeures du parcours.
(cliquez sur les images pour consulter les fiches)

Explorez les œuvres phares de notre collection grâce aux podcasts du musée Bonnard.
(vidéo accessible en cliquant sur l'œuvre de votre choix)

Références des œuvres correspondantes aux coloriages :

1- La Promenade des nourrices. Frise de Fiacres (détail), 1897.
Musée Bonnard, Le Cannet, acquis avec l'aide du Fram, 2010

2- La Salle à manger au Cannet, 1932.
Musée Bonnard, Le Cannet, dépôt du musée d'Orsay, Paris, 2009.

3- La Petite blanchisseuse, 1896
aquarelle sur papier, Galerie Bérès, Paris

4- Portrait de femme au chapeau de paille, 1903,
Musée Bonnard, Le Cannet, dépôt d'une collection privée

5- Scène de famille, 1892,
Musée Bonnard, Le Cannet, dépôt d'une collection privée

6- Musée Bonnard, Le Cannet Nu debout à sa toilette, vers 1906

7- Affiche France-Champagne, 1891
Musée Bonnard, Le Cannet, achat avec l'aide du FRAM

8- Paysage du Cannet par temps de mistral, 1922
Musée Bonnard, Le Cannet, achat avec l'aide du FRAM, 2013

9- Le chat, vers 1920
Musée Bonnard, Le Cannet

10- Le chat, illustration pour Les Histoires Naturelles de Jules Renard, 1904
Musée Bonnard, Le Cannet

11- La Tasse de thé au radiateur, 1932,
Musée Bonnard, Le Cannet, dépôt d'une collection privée

12- Paysage du Cannet, vers 1923-1926,
Musée Bonnard, Le Cannet, achat avec l'aide du FRAM, 2012

13- Eléphant, dessin préparatoire pour Les Histoires du petit Renaud de Léopold Chauveau, 1927
Musée Bonnard, Le Cannet, dépôt d'une collection privée

14- Vue du Cannet, 1927,
Musée Bonnard, Le Cannet, dépôt du musée d'Orsay, Paris
Don à l'Etat pour le musée Bonnard de la fondation Meyer, 2008

15- Baigneurs à la fin du jour, vers 1945,
Musée Bonnard, Le Cannet, achat avec l'aide du fonds du Patrimoine, 2008

Tirage moderne

2- Petites scènes familières, Le Chevrier

3-

Solutions jeux des 7 erreurs :

1- Modèle retirant sa blouse dans l'atelier de l'artiste, vers 1916 - Renée de dos embrassant un chien (Noisy-le-Grand), 1898

4- Paysage du Cannet par temps de Mistral, 1922

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En attendant de vous revoir... le musée vient à vous. Nous avons souhaité mettre à votre disposition un ensemble de ressources et fiches-activités pour continuer de partager et d'explorer nos collections avec vous, sans sortir de chez vous. La rubrique sera régulièrement enrichie. Découvrez également toute l'offre culturelle avec #CulturechezNous.

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Sur la chaîne Youtube DESSINDIGO, on vous donne des astuces, des tutos, ainsi que des conseils pour apprendre davantage sur le dessin, que vous soyez débutant-e ou non ! Diverses thématiques y sont abordées, telles que les Bases du dessin, le Manga, le Digital Painting ou encore la BD.

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La Joconde en visite virtuelle

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Passionnés par le Japon, fan de dessin manga. Je vous propose de découvrir sans prétention ces mondes si particuliers à travers de diverses vidéos, telles que des leçons de dessin, des revues manga, ou encore des challenges et des let's play.

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Sur le cubisme

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La Réunion des musées nationaux - Grand Palais, La Villette et Re Re/Adonis coproduisent une exposition avec la participation particulièrement généreuse du musée de l'Armée, du musée national du château de Fontainebleau, du musée du Louvre, du musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau, du Mobilier national, de la Fondation Napoléon, avec la contribution exceptionnelle du musée national des châteaux de Versailles et de Trianon et avec le concours de la Fondation pour la Mémoire de l'Esclavage.

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L'ATELIER PICASSO, UNE APPLICATION LUDIQUE ET GRATUITE!

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La Réunion des musées nationaux - Grand Palais, La Villette et Re Re/Adonis coproduisent une exposition avec la participation particulièrement généreuse du musée de l'Armée, du musée national du château de Fontainebleau, du musée du Louvre, du musée national des châteaux de Malmaison et Bois-Préau, du Mobilier national, de la Fondation Napoléon, avec la contribution exceptionnelle du musée national des châteaux de Versailles et de Trianon et avec le concours de la Fondation pour la Mémoire de l'Esclavage.

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Sur Léonard de Vinci

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L'application mobile Studio Leonardissimo©

Comme Léonard de Vinci, invitez-vous à la cour au Château royal d'Amboise.

" Léonard de Vinci est l'invité du souverain François 1er à Amboise de 1516 à 1519.
Découvrez son destin exceptionnel et ses talents déployés à Amboise. Et laissez-vous inspirer par son univers créatif dans le " studio leonardissimo ".

Application disponible en français et en anglais

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L'application mobile Studio Leonardissimo© Comme Léonard de Vinci, invitez-vous à la cour au Château royal d'Amboise. " Léonard de Vinci est l'invité du souverain François 1er à Amboise de 1516 à 1519. Découvrez son destin exceptionnel et ses talents déployés à Amboise. Et laissez-vous inspirer par son univers créatif dans le " studio leonardissimo ".

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Le tuto dessin de presse de Coco, dessinatrice chez Charlie Hebdo

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La conquête de l'art, les web docs du Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA qui vous donnent des clés pour comprendre l'art contemporain