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A arte do Paleolítico refere-se ao início da história da arte e à mais antiga produção artística de que se tem conhecimento. A arte deste período situa-se na Pré-História, no Paleolítico ou Idade da Pedra Lascada, e tem início há cerca de dois milhões de anos estendendo-se até c. 8000 a.C

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Começam a surgir uma arte ao ar-livre, desde esquemas abstratos, com o desenvolvimento da racionalização do homem, embora muitas representações desse período eram figurativas, sobretudo de figuras humanas

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Neolítico, também conhecido como Idade da Pedra Polida, foi o período da Pré-História em que ocorreu a chamada Revolução Agrícola.

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Arte Antiga

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Os povos sumérios  iniciaram o processo da escrita usando argila e a cunha (uma ferramenta de metal ou madeira dura, em forma de prisma).

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As obras da arte egípcia eram muito ligadas à religiosidade desse povo. Então, grande parte da obra é feita em homenagem aos deuses egípcios. As obras representavam ainda eventos políticos, por isso o faraó é uma das figuras mais vistas nas obras da arte desse povo.

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A arte grega abarca todas as manifestações artísticas e revela a história, a estética e mesmo a filosofia desta civilização. A arte grega passou pelos períodos arcaico, clássico e helenístico, e cada uma dessas fases históricas, influenciou a elaboração das obras.
* Características:
Simetria
Perfeição;
Obras realizadas a partir de modelos vivos;
Uso religioso, doméstico ou funerário;

Valorização do ser humano.

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O Período Homérico corresponde ao segundo período de desenvolvimento da civilização grega que ocorreu após o período pré-homérico, entre os anos de 1150 a.C. a 800 a.C.. O nome dado a esta fase, está relacionado com o poeta grego Homero (escultura na foto acima), autor dos poemas épicos “A Ilíada” e a “Odisseia”.

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Chama-se de arcaico o período em que os gregos começaram a desenvolver técnicas sob a influência e contato com as idéias das civilizações mais antigas do Egito e do Oriente. Durante essa fase, os escultores gregos desenvolveram a representação da figura humana, tornando-a mais realista.

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Foi nesta época, por exemplo, que o teatro grego se desenvolveu. O formato em semicírculo permitia que todos os espectadores tivessem acesso às encenações que ocorriam no palco que ficava ao centro. As primeiras apresentações não eram propriamente encenações. Eram homenagens aos deuses que ocorriam durante períodos de colheita, e que eram feitas a partir de cantos e danças.
No campo das esculturas, já presentes na cultura grega desde o seu início, as formas ganharam novos contornos e a representação do corpo humano passou a ser feita de forma a representar cada vez mais detalhadamente o corpo humano real, passando a impressão de movimento.

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O ponto alto das artes do período helenístico foram as esculturas. Elas representavam os ideais de beleza construídos pelos gregos.
Imagem: escultura de Laocconte e seus filhos

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A arte e a arquitetura romanas foram sempre ecléticas e se caracterizaram por empregar estilos distintos atribuídos aos gostos regionais e às preferências de seus mecenas.
A arte romana não é somente a arte dos imperadores, senadores e patrícios, mas também a de todos os habitantes do vasto império romano, incluindo a classe média dos homens de negócios, os homens livres ou plebeus e os escravos e legionários da Itália e suas províncias.

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Roma - Periodo Republicano - BRASIL ESCOLA

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Arte Medieval

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- Oriente: Arte Bizantina
- Ocidente: Arte Românica
- Arte Gótica

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Arte Bizantina é uma arte cristã que surge no período em que o Cristianismo passa a ser
reconhecido como religião.
Jesus, considerado uma ameaça para o Império Romano, foi perseguido e morto pelos romanos. Após sua morte, seus adeptos se escondiam em catacumbas para rezar, pois continuaram sendo perseguidos.

*Principais artistas:
- Angelos Akotantos;
- Dionísio de Fourna;
- Manuel Panselinos.

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Em decorrência do período histórico, a Arte Bizantina expressa especialmente o caráter religioso.
Além disso, o imperador era uma figura de referência sagrada uma vez que desempenhava o seu papel de governante em nome de Deus, tal como era propagado na época.

Assim, muitas vezes se encontra mosaicos que retratavam o imperador e sua esposa entre Jesus e Maria.
Os artistas da época não tinham liberdade para se expressar, não podiam usar sua criatividade; deviam apenas cumprir com a elaboração da obra, tal como lhes era solicitado.

* Características:

Caráter majestoso que demostra poder e riqueza;

Ligação direta com a religião católica;

Demonstração clara da autoridade do imperador - ao considerá-lo sagrado;

Frontalidade - representação das figuras em posição frontal e rígida.

-> Na imagem acima encontra-se uma pintura bizantina na Catacumba de Santa Priscila, Roma, séc II.

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O imperador mandou construir igrejas onde os convertidos pudessem se reunir para rezar.
A arquitetura se destaca como expressão artística desse período pela construção de grandes e ricas igrejas, na verdade basílicas, dada a sua amplitude e riqueza expressa no revestimento de ouro e decoração com mosaicos.

Os exemplos mais conhecidos de arquitetura da Arte Bizantina são:

As Basílicas de Santo Apolinário e São Vital, em Ravena;

A Igreja de Santa Sofia, em Istambul - obra da autoria do matemático Antêmio de Tralles e de Isidoro de Mileto, cuja construção foi feita entre os anos 532 e 537;

A Basílica da Natividade, em Belém - construção ordenada pela mãe do imperador Constantino na cidade onde Jesus nasceu. Foi construída entre os anos 327 e 333 e incendiada cerca de dois séculos depois.

-> Na imagem acima encontra-se Igreja de Santa Sofia, Istambul, Turquia. Construída para agradar as classes mais abastadas

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Predominância dos temas religiosos dá destaque às pinturas feitas nas igrejas.
Nessa época foi criado o ícone, uma vertente da pintura bizantina. Ícone em grego significa imagem e nesse contexto representavam personagens religiosas como a Virgem e Cristo, além de santos.
Uma das técnicas bastante utilizadas pelos pintores bizantinos foi a têmpera, que consiste em preparar os pigmentos junto a uma goma feita de material orgânico (como a gema de ovo) a fim de fixar melhor as cores à superfície.
Os ícones eram encontrados sobretudo nas igrejas, entretanto era possível também encontrá-los nos ambientes familiares, em oratórios.
Foi na Rússia que essa expressão teve maior reconhecimento, principalmente na região de Novgorod. Foi lá que viveu o renomado artista André Rublev, no início do século XV.

-> Na imagem acima encontra-se ícones de André Rublev. À esquerda, Solenidade da Santíssima Trindade; à direita, Nossa Senhora da Misericórdia

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Os mosaicos foram bastante destacados no período e constituem a expressão máxima da arte bizantina, atingindo nesse momento a mais impecável realização.
Entre outras coisas, eles retratavam o imperador, bem como profetas. Eram aplicados no interior das igrejas e exibiam cores intensas e materiais nobres que refletiam a luz, concedendo suntuosidade aos templos.
Eram criados a partir de pequenos pedaços de pedras em cores distintas, colocados sobre cimento fresco em uma parede e que compunham, assim, um desenho.

-> Na imagem acima encontra-se um exemplo de mosaico bizantino

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A Arte Românica faz referência a um estilo que surgiu durante a Idade Média, mais precisamente na Alta Idade Média (entre os séculos XI e XIII).
O termo “Românico” está intimamente relacionado com às influências do Império Romano, que dominou durante séculos quase toda a Europa Ocidental.

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Na arquitetura românica, podemos destacar alguns elementos característicos, como a horizontalidade, ou seja, as edificações não possuíam estruturas muito altas. Diversas igrejas, mosteiros, conventos e catedrais foram construídas nesse estilo.
Havia ainda a utilização das abóbodas, que podiam ser de dois estilos: as de berço e as de arestas.
Podemos sinalizar ainda outras particularidades, como as paredes grossas e um interior pouco adornado. Além disso, as planta das construções românicas tinham formato de cruz e eram construções sólidas feitas em pedra.
Apresentavam ainda poucas janelas e aberturas e tinham geralmente uma porta principal, a de entrada.

Por conta de sua grandiosidade e solidez, foram chamadas de "fortalezas de Deus".

-> Na imagem acima encontra-se a Igreja Notre-Dame la Grande de Poitiers, França

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Temas bíblicos e religiosos marcam a pintura românica. Geralmente, essas pinturas adornavam as igrejas e catedrais da época.
Era utilizada a técnica do afresco, em que a pintura era feita sobre uma parede úmida. Diversos murais, iluminuras e tapeçarias surgem com temas religiosos. Feitas em cores vivas e fortes, elas preenchiam as paredes dos templos religiosos.
Isso porque na Idade Média, poucos sabiam ler e escrever e, assim, essas pinturas serviam de “alfabetização religiosa” para os mais leigos.
*Características:

Deformação: para transmitir os sentimentos religiosos, as figuras nem sempre eram produzidas nas proporções certas. Assim, Jesus poderia ser retratado maior do que as outras personagens para trazer a noção de magnitude.

Colorismo: aplicação de cores puras, sem meios-tons e preocupação com jogos de luz e sombra.

-> Na imagem acima encontra-se pintura românica no altar da Igreja de Santa Maria de Aviá em Barcelona, Espanha

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As esculturas românicas eram produzidas para adornar os locais sagrados.
Por isso, a grande temática girava em torno da religiosidade, visto que nesse período o teocentrismo (Deus como centro do mundo) foi uma forte característica.
Eram esculturas antinaturalistas e normalmente representadas por figuras entalhadas nas paredes das igrejas. Alguns relevos também enfeitavam as fachadas.

-> Na imagem acima encontra-se escultura românica no tímpano da Catedral de São Lázaro em Autun, França

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A arte gótica foi uma expressão artística da Baixa Idade Média (século XII) que perdurou até o Renascimento.
Denominada de arte das catedrais, ela era realizada nas cidades. Foi uma reação ao estilo românico e pretendeu rivalizar com os mosteiros e basílicas que eram construídas no campo.
Isso porque nesse momento, as cidades começaram a crescer por conta da economia fundamentada no comércio.
Anteriormente, as vivências coletivas estavam concentradas no campo e os mosteiros consistiam nos locais de desenvolvimento intelectual e artístico.

-> Na imagem acima encontra-se Catedral de Milão, na Itália, um exemplo de arquitetura gótica

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A arquitetura gótica é o resultado dos avanços técnicos obtidos pelas corporações de construtores.
Eles conseguiram dominar a geometrização e suas relações matemáticas com um objetivo muito claro: a verticalidade, visto que buscavam um direcionamento para o céu.
A arquitetura foi a principal expressão da arte gótica e a ela estará atrelada à pintura e à escultura.
A desmaterialização das paredes, agora mais finas e leves, bem como a distribuição da luz no espaço, possibilitada por um número maior de vãos e janelas, permitiu um espaço mais livre e luminoso.
A luz mística e a grandiosidade constituem o veículo para comunhão com o divino.
O arco em ponta e a rosácea - também chamada de mandala - serão atributos continuamente presentes nesse estilo arquitetônico, o qual busca substituir o horizontalismo românico pela verticalidade gótica.

-> Na imagem acima encontra-se A Abadia da Saint-Denis, na França (cerca de 1140) é considerada o marco da arte gótica

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A escultura gótica também expressa o desejo de verticalidade. Contudo, esboça também o naturalismo capaz de atribuir movimento e vida às esculturas, as quais são, quase sempre, um complemento à arquitetura.
Também era comum a presença de esculturas de monstros ou figuras humanas nos telhados das igrejas góticas, a fim de escoar as águas pluviais. Essas representações são intituladas gárgulas.

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A pintura gótica irá se delinear claramente em meados de 1350, ela buscou transmitir o mesmo naturalismo e simbolismo religioso da escultura e da arquitetura.
Os vitrais, pedaços coloridos de vidro unidos por chumbo, tinham como objetivo emocionar o expectador e ensiná-lo sobre a religião católica.
De forma mais autônoma, a pintura irá se desenvolver nas iluminuras dos manuscritos, onde o volume irá se aproximar das formas escultóricas que adornam a catedral.
É muito comum, nessas pinturas, a substituição da luz por fundos dourados, bem como a figuração de personagens religiosos com pouco volume.
Podemos citar como grandes expoentes da pintura gótica o italiano Giotto di Bondone (1267-1337) e o holandês Jan Van Eyck (1390-1441).

-> Na imagem acima encontra-se Afresco A lamentação (1306), pintado por Giotto di Bondone, na Capela de Scrovegni, Pádua, Itália

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Arte acadêmica ou clássica

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- Formas artísticas mais humanizadas;
- Transição para a Época Moderna: Teocentrismo e Antropocentrismo;
- Desenvolvimento urbano e comercial: Progresso econômico e crescimento da Burguesia;
- Individualizar a arte;
- Invenção da tinta à óleo por pintores flamengos;
- Cultura clássica;
- Racionalismo.

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- Perspectiva;
- Equilíbrio;
- Realismo;
- Profundidade
* Pintores: Sandro Boticelli e Leonardo da Vinci
-> Na imagem acima encontra-se uma pintura de Boticelli - O Nascimento de Vênus

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- Simetria;
- Proporção;
- Regularidade;
*Artistas: Filippo Brunelleschi, Rafael Sanzio, Donato Bramante...
-> Na imagem acima encontrase uma obra arquitetônica de Filippo Brunelleschi - Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença, Itália

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- Naturalismo;
- Estudo do caráter humano;
- Uso do mármore e bronze
* Artistas:  Donatello, Michelângelo

-> Na imagem acima encontra-se a escultura Davi, por Donatello

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Surgiu na  Itália, no período entre a Renascença e o Barroco (1520 a 1600).
As principais características do maneirismo são:

Sofisticação da arte.

Estilização exagerada, oblíqua e assimétrica.

Uso de Espirais, proporções, volumes e perspectivas intrigantes.

Capricho nos detalhes (arte de labirintos)

Contrastes de sombra e luz.

Figuras alongadas, deformadas e/ou distorcidas.

* Artistas: El Greco, , Andrea Palladio, Tintoretto...

-> Na imagem acima encontra-se a pintura de El Greco, um dos principais artistas da época, A Morte da Virgem

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O Barroco é um estilo que dominou a arquitetura, a pintura, a literatura e a música na Europa do século XVII.

As principais características do Barroco:

Arte rebuscada e exagerada;

Valorização do detalhe;

Dualismo e contradições;

Obscuridade, complexidade e sensualismo;

Barroco literário: cultismo e conceptismo.

* Artistas: Francisco Lobo, Jerônimo Baía, Gaspar Pires de Rebelo, Gregório de Matos, Andréa Pozzo, Borromini...
-> Na imagem acima encontra-se Falsa Cúpula de São Francisco de Xavier (1676), de Andrea Pozzo

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Características:

leveza dos traços;

linhas curvas e delicadas;

suavidade das cores;

gosto pelo refinado e exótico;

design elegante;

paisagens e retratos da natureza pintados nos tetos;

proporções mais suaves e menores;

uso de elementos semelhantes ao mármore;

formatos ovais;

paredes e revestimentos claros;

caráter intimista;

representação de costumes da época.

* Artistas: Françóis Boucher, Nicolas Pineau, Pierre Lepautre,
Jean-Honoré Fragonard,
Jean-Antoine Watteau.
-> Na imaem acima encontra-se a obra Rapariga em repouso, de Françóis Boucher

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A principal característica do Classicismo está na imitação dos modelos clássicos greco-romanos. Assim, a busca pela perfeição, pelo equilíbrio, a pureza das formas e o rigor estético são as principais tendências desse movimento.
Principais Características

Imitação dos modelos clássicos (greco-romano)

busca da perfeição estética

Pureza e equilíbrio das formas

Racionalismo, nacionalismo e cientificismo

Humanismo renascentista

Temas explorados: a moral, a filosofia, a religião, a mitologia e política

-> Na imagem acima encontra-se  o Arco da rua Augusta, na Praça do Comércio, em Lisboa: exemplo da arquitetura classicista em Portugal.

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Valorização do passado histórico

Influência da arte clássica (greco-romana)

Baseado nos ideais iluministas

Oposição ao Barroco e ao Rococó

Temas mitológicos e cotidianos

Racionalismo, academicismo e idealismo

Harmonia e beleza estética

Simplicidade e equilíbrio das formas

Uso da Proporção e da clareza

Imitação da natureza

* Artistas: Jacques-Louis David, Jean Auguste Dominique Ingres, Antonio Canova.

-> Na imagem acima encontra-se a escultura Eros e Psiquê -Antonio Canova

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Características:
O cultivo da fantasia, da originalidade, da fuga para o mundo do sonho;

• A exaltação da natureza;

• O individualismo, ou seja, aqui a visão do mundo está centrada nos sentimentos de cada individuo;

• Gosto pela Idade Média, que foi quando as nações se formaram;

• Defesa do nacionalismo, onde Deus e o mundo seriam uma só coisa;

• O subjetivismo, onde aqui algumas das características dos temas são exagerados, como por exemplo, a mulher é vista como uma virgem frágil e indefesa.

* Artistas: Eugéne Delacroix, Francisco de Goya, Victor Hugo, Lord Byron...

-> Na imagem acima encontra-se uma obra de Eugéne Delacroix, A Liberdade Guiando o Povo

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O “novo” Realismo insistia na imitação precisa de percepções visuais sem alteração. Também eram diferentes em seus temas, os artistas se limitavam a fatos do mundo moderno à medida que os experimentavam pessoalmente; somente o que podiam ver ou tocar era considerado real. Deuses, deusas e heróis da antiguidade estavam “fora”. Camponeses e a classe trabalhadora urbana estavam “dentro”. Em tudo, de cor ao tema, o Realismo trazia para a arte uma sensação de sobriedade silenciosa.

São características gerais:

O cientificismo;

A valorização do objeto;

O sóbrio e o minucioso;

A expressão da realidade e dos aspectos descritivos.

* Artistas: Joseph Paxton, Gustavo Eiffel, René-François-Auguste Rodin, Gustave Courbet

-> Na imagem acima encontra-se a obra O Pensador, de Auguste Rodin

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Arte Moderna / Movimentos Modernos

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pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento, pois as cores da natureza se modificam constantemente, dependendo da incidência da luz do sol.

As figuras não devem ter contornos nítidos, pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens.

As sombras devem ser luminosas e coloridas, tal como é a impressão visual que nos causam, e não escuras ou pretas, como os pintores costumavam representá-las no passado.

Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. Assim, um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos.

A ambição de obter estátuas visíveis a partir do maior número possível de ângulos;

Obra inacabada, como exemplo ideal do processo criativo do artista.

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O francês e o mais célebre dos impressionistas. Foi incessante pesquisador da luz e seus efeitos, pintou vários motivos em diversas horas do dia e em várias épocas do ano, a fim de estudar as mutações coloridas do ambiente com sua luminosidade. Monet teve uma catarata no fim da sua vida. A doença o atacou por causa das muitas horas com seus olhos expostos ao sol.
-> Na imagem acima encontra-se a obra Nenúfares, Claude Monet, 1899

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O pintor e artista gráfico francês. Os gostos de Manet não vão para os tons fortes utilizados na nova estética impressionista. Prefere os jogos de luz e de sombra, restituindo ao nu a sua crueza e a sua verdade, muito diferente dos nus adocicados da época. O trabalhado das texturas é apenas sugerido, as formas, simplificadas. Os temas deixaram de ser impessoais ou alegóricos, passando a traduzir a vida da época. Manet era criticado não apenas pelos temas, mas também por sua técnica, que escapava às convenções acadêmicas.
-> Na imagem acima encontra-se a obra Olympia, 1863, Édouard Manet

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-> Na imagem acima encontra-se a obra Bailarina Vestida, Descansando, com as Mãos nos Quadris e a Perna Direita para a Frente, Edgard Degas

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Expressionismo é o nome de uma vanguarda artística europeia do início do século XX. Esse movimento artístico está entre os primeiros representantes das vanguardas históricas e talvez, o primeiro a focar em aspectos subjetivos, valorizando a expressão emocional do ser humano.

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É considerado o precursor do Expressionismo, tendo influenciado essa corrente artística com suas obras impactantes e cheias de carga emocional.

Sua obra mais importante é O Grito (1893) (Representada na imagem acima) . Ela representa uma das telas mais emblemáticas do movimento expressionista.

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O artista representou intensamente em suas obras as mazelas do povo nordestino.

-> Na imagem acima encontra-se a obra Retirantes, de Portinari

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Expressionismo abstrato foi um movimento artístico com origem nos Estados Unidos, cujo auge foi atingido nas décadas posteriores à Segunda Guerra Mundial. Foi o primeiro movimento especificamente americano a atingir influência mundial, colocando Nova Iorque no centro do mundo artístico.
Os maiores representantes do movimento expressionista abstrato foram: Arshile Gorky (1904-1948): pintor armênio. Jackson Pollock (1912-1956): pintor estadunidense. Mark Rothko (1903-1970): pintor letão.

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Foi um movimento artístico heterogêneo associado à pintura e teve sua origem na França no início do século XX. Essa tendência foi desenvolvida entre os anos de 1905 e 1907.
A principal característica desse movimento foi a utilização da cor pura, sem misturas, de modo a delimitar, dar volume, relevo e perspectiva às obras.
Um dos principais artistas do movimento foi Henri Matisse.
-> Na imagem acima vê-se a obra A dança (1909), de Henri Matisse

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Esse movimento originou-se em reação ao racionalismo e ao materialismo da sociedade ocidental.

pensamento livre;

expressividade espontânea;

influência das teorias da psicanálise;

criação de uma "realidade paralela";

criação de cenas irreais;

valorização do inconsciente.

Um dos principais artistas do surrealismo foi Salvador Dalí,  interessava-se por condições mentais anormais e, em particular, por alucinações. Suas estranhas imagens eram retratadas de modo que se assemelhavam à fotografia em cores.

-> Na imagem acima encontra-se a obra A persistência da memória (1931), do pintor espanhol Salvador Dali

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A "Art Nouveau" (Arte Nova) é um estilo artístico modernista manifestado nas artes plásticas, artes decorativas (cerâmica, vidraria), artes gráficas, arquitetura, escultura e design.
Ela é marcada pelo uso de materiais como madeira, vidro, ferro e cimento e seu estilo foi muito utilizado na arquitetura, ilustração, decoração, móveis.
Além disso, a Art Nouveau é caracterizada pela presença de linhas ondulantes e dinâmicas, a fim de transmitir a ideia de movimento. Seu estilo se aproximada da estética naturalista o qual é composto por formas orgânicas relacionadas com a natureza.
Alguns artistas que se destacaram no período denominado de "Art Nouveau" foram:

Antoni Gaudí (1852-1926)

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)

Pierre Bonnard (1867- 1947)

Alfons Maria Mucha (1860-1939)

Emile Gallé (1846-1904)

-> Na imagem acima encontra-se a Fachada da Casa Batlló (Barcelona) concebido pelo arquiteto Antoni Gaudí

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O cubismo foi uma vanguarda artística europeia marcada pelos uso de formas geométricas. Surgido no início do século XX na França, esse novo estilo rompeu com os modelos estéticos que só valorizavam a perfeição das formas.
Esse movimento pode ser considerado o primeiro a se caracterizar pela incorporação do imaginário urbano industrial em suas obras.
om o cubismo teremos um tratamento geométrico das formas da natureza.

Assim, elas passam a ser representadas pelos objetos em todos os seus ângulos no mesmo plano, constituindo uma figura em três dimensões.

Predominam as linhas retas, modeladas basicamente por cubos e cilindros, dada a geometrização das formas e volumes.

Essa técnica que renuncia à perspectiva, assim como ao "claro-escuro", causa uma sensação de pintura escultórica.

No plano conceitual, o cubismo pode ser considerado como uma arte que privilegia o exercício mental como maneira de expressão das ideias.

Os maiores representantes da pintura cubista foram:

Pablo Picasso

Georges Braque

Juan Gris

Fernand Léger

Diego Rivera

Tarsila do Amaral

Os maiores representantes da escultura cubista foram:

Raymond Duchamp-Villon (1873-1918)

Constantin Brancusi (1876-1957)

-> Na obra acima encontra-se a obra Autorretrato (1907) de Pablo Picasso

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Características:

valorização da velocidade e dinamismo;

exaltação à tecnologia;

ligação ideológica com o fascismo;

ruptura com o passado;

utilização da publicidade e tipografias;

tendência à justificar a violência através do militarismo.

Artistas:

Giacomo Balla

Umberto Boccioni

Luigi Russolo

Enrico Prampolini

Nikolay Diulgheroff

Carlo Carrá

Fortunato Depero

* Na imagem acima encontra-se a obra Dinamismo de um cão na coleira (1912), de Giacomo Balla, destaca o movimento das patas de um cão.

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Possui características baseadas na simplificação dos elementos e costuma exibir grande quantidade de cores, valorizando a representação de temas cotidianos e manifestações culturais do povo.
Geralmente é produzida por artistas autodidatas, os seja, que não possuem conhecimento formal e técnico de arte, mas que exibem produções em que outros princípios são considerados, como a autenticidade.

*Na imagem acima encontra-se a obra O sonho (1910), do francês Henri Rousseau

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As principais características da arte abstrata são:

Arte não representacional;

Ausência de objetos reconhecíveis;

Arte subjetiva;

Oposição ao modelo renascentista e à arte figurativa;

Valorização de formas, cores, linhas e texturas.

Artistas:

Alfredo Volpi (1896-1988)

Ivan Serpa (1923-1973)

Cícero Dias (1907-2003)

Luiz Sacilotto (1924-2003)

Antônio Bandeira (1922-1967)

Manabu Mabe (1924-1997)

Lygia Clark (1920-1988)

*Na imagem acima encontra-se a obra Superfície Modulada (1958), de Lygia Clarck

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Características:

Aproximação da arte com a vida cotidiana;

Utilização de cores intensas e vibrantes;

Reproduções de peças publicitárias;

Inspiração na cultura de massa;

Uso da serigrafia;

Imitação da estética industrial;

Reproduções em série do mesmo tema;

Uso da imagem de celebridades;

Inspiração no universo das história em quadrinhos.

Artistas:
- Andy Warhol
- Roy Lichtenstein
- Claes Oldenburg
- James Rosenquist
- Tom Wesselmann

*Na imagem acima encontra-se a obra Marilyn Monroe, de Andy Warhol

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A “Op Art” ou “Optical Art” (Arte Ótica) foi um movimento artístico que atingiu seu auge na década de 60 nos Estados Unidos.
As características do movimento Op Art são:

Tridimensionalidade

Efeitos óticos e visuais

Movimento e contraste de cores

Tons vibrantes (principalmente preto e branco)

Formas geométricas e linhas

Observador participante

Estilo abstrato

Artistas:
- Victor Vasarely
- Alexander Calder
- Luiz Sacilotto
- Adolph Frederick Reinhardt
- Kenneth Noland
- Bridget Riley

* Na imagem acima encontra-se a obra Fall, de Bridget Riley

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Grafite Artístico ou Livre Figuração : Nesse estilo vale tudo, como: caricaturas, personagens de história em quadrinho, figurações realistas e também elementos abstratos.

Principais termos e gírias utilizadas nessa arte;

• Grafiteiro/writter: o artista que pinta.
• Bite: imitar o estilo de outro grafiteiro.
• Crew: é um conjunto de grafiteiros que se reúne para pintar ao mesmo tempo.
• Tag: é a assinatura de grafiteiro.
• Toy: é o grafiteiro iniciante.
• Spot: lugar onde é praticada a arte do grafitismo.

Artistas:
- Os gemêos (Gustavo e Otavio Pandolfo)
- Eduardo Kobra
- Crânio
-Alex Hornest
- Nina Pandolfo
- Binho Ribeiro

* Na imagem acima encontra-se a obra Let me be myself, de Eduardo Kobra

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É uma linguagem relacionada à arte contemporânea e, na maior parte das vezes é montada em espaços de arte, como museus e galerias. Entretanto, pode também ser realizada ao ar livre.
A palavra instalação surgiu nos anos 60, quando a arte de maneira geral passava por grandes transformações. Mas anteriormente, artistas já produziam obras que buscavam trabalhar em cima dos ambientes, criando novos cenários e provocando o público a interagir com as obras.

Artistas:
- Kurt Schwitters
- Marcel Duchamp
- Hélio Oiticica
- Judy Chicago

- Na imagem acima encontra-se a obra O Banquete, de Judy Chicago

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Características da arte performática

Linguagem híbrida: mistura elementos do teatro, artes visuais, instalação, música, entre outros;

Não tem lugar "apropriado" para acontecer: pode ocorrer tanto em museus, galerias e instituições, quanto em ambiente urbano e/ou público;

Registros da ação podem ocorrer por meio de fotografias e vídeos, mas o caráter da obra é efêmero, passageiro;

Corpo como instrumento de ação artística.

* Na imagem acima encontra-se a obra Rest Energy (1980), famosa performance de Marina Abramović e Ulay

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Foi um movimento artístico vanguardista das artes (plásticas, arquitetura, designer, escultura, literatura) que teve início no século XX.
O movimento neoplástico, baseado nos ideais dos movimentos cubista e naturalista e, ainda na teosofia, propunha uma nova expressão artística, ou seja, uma nova “plasticidade” pautada na abstração geométrica e redução da expressão plástica, expressas pela clareza, objetividade e ordem.
As principais características da arte neoplástica são:

Arte abstrata e objetiva

Uso de formas geométricas simples

Uso de cores primárias e puras

Rejeição à simetria e à arte figurativa (arte como representação)

Eliminação do espaço pictórico tridimensional

Artistas:
- Piet Mondrian
- Theo van Doesburg
- Gerrit Rietveld
- Ilya Bolotowsky
- Georges Vantongerloo
- Vilmos Huszár

* Na imagem acima encontra-se a obra Neoplasticismo: obra artística criada por Mondrian no início do século XX.

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Foi um movimento artístico e cultural que surgiu na Europa em meados do século XX, o qual visava a criação de uma nova linguagem, uma arte abstrata.

As principais características do Concretismo nas artes plásticas:

Busca de precisão nas formas

Uso de formas abstratas

Influência do Cubismo

União entra a forma e o conteúdo

Defesa da racionalidade, lógica e cientificismo

* Na imagem acima encontra-se um tipo de obra neoplástica

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O “Pontilhismo” (do francês pointillisme) foi uma técnica de pintura criada na França em meados de 1880. Nela, a decomposição tonal é obtida a partir de pinceladas diminutas.
O Pontilhismo está centrado no modo como se produz a cor com o pincel, num modelo pictórico de natureza matemática no qual as cores são justapostas (e não mescladas).

Artistas:
- Paul Signac
- Georges Seurat
- Belmiro de Almeida
- Eliseu Visconti​​​

* Na imagem acima encontra-se a obra Entrada do Porto de Marselha, de Paul Signac

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Baseado na ideia de que o conceito por trás do trabalho é mais importante do que a própria estética do objeto, esse movimento prioriza a ideia em detrimento do visual. Respaldado na concepção de que a essência da arte é a sua própria definição, a arte conceitual considera a linguagem o seu principal material artístico.

* Na imagem acima encontra-se a obra Uma e Três Cadeiras, de
Joseph Kosuth

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As obras minimalistas possuem um mínimo de recursos e elementos. A pintura minimalista usa um número limitado de cores e privilegia formas geométricas simples, repetidas simetricamente.

Artistas:
- Donald Judd
- Robert Smithson
- Frank Stella

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Fotorrealismo ou Hiper-Realismo pode ser considerado um estilo de arte, que se comunica e expõe através da pintura e também da escultura. O termo mostra a definição minuciosa dos detalhes, o que transforma a obra em algo mais nítido e rico em características, e que se assemelham a realidade.

Artistas:
- George Segal
- Duane Hanson
- John De Andrea

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1. MONALISA (1503-06), de Leonardo da Vinci

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1. MONALISA (1503-06), de Leonardo da Vinci

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Embora seja admirada pela fama, temos outro motivo para cultivar a Monalisa: a técnica inovadora do chiaroscuro, uma sobreposição de camadas de mesmo tom até alcançar efeitos de luz e sombra (o sorriso da dama deriva desta ilusão). O grau de virtuosismo e perícia pictórica de Da Vinci alcança aqui os limites da arte, em qualquer época.

(Onde: Museu do Louvre)

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O JUÍZO FINAL (1535-41), de Michelangelo

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O JUÍZO FINAL (1535-41), de Michelangelo

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Com o aparecimento deste afresco a arte renascentista foi definitivamente condenada. Todos os elementos de “O juízo final” opõem-se de maneira consciente e vigorosa contra os ideais vigentes. Por isso a obra é considerada o marco de superação do classicismo, na Itália. De quebra, inaugura o maneirismo e abre caminho para o barroco.

(Onde: Capela Sistina, Vaticano)

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A arte de Rembrandt é originalíssima, sendo esta tela considerada a mais perfeita de sua produção de retratos e cenas religiosas. Como a música de Bach, é uma manifestação sublime do gênio protestante. A técnica utilizada é uma verdadeira escola de composição e iluminação, antecipando a sensibilidade fotográfica.

(Onde: Rijksmuseum, Amsterdã)

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Obra inaugural do impressionismo, esta tela foi exposta e ridicularizada no famoso Salão de Paris. Em contraste com a arte oficial e acadêmica (representada por David e seus discípulos), enxergamos aqui o que, na época, julgavam ser uma pintura inacabada, um mero esboço. Além, é claro, de representar um tema afrontoso.

(Onde: Museu d’Orsay, Paris)

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Esta obra, que mais parece uma caricatura, viola as convenções clássicas e acadêmicas ainda prevalecentes, da arte figurativa. Picasso havia sido influenciado por Cézanne e pelas máscaras negras africanas. “Senhoras de Avignon” abre caminho para a revolução cubista, sendo um passo fundamental (e intermediário) entre dois extremos: o impressionismo e o abstracionismo.

(Onde: Museu de Arte Moderna de Nova York)