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https://www.workshopexperience.com/salidas-fotoperiodismo/

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Workshop Experience I Escuela de fotografia y maquillaje

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> WE FOTOGRAFÍA

¿Qué salidas profesionales son las más demandadas hoy en día por los fotoperiodistas?

Hace tiempo os proponíamos algunas de las mejores salidas profesionales para fotógrafos y hoy hablamos de las salidas profesionales más demandadas de una variante de la fotografía: el fotoperiodismo.

Antes de comenzar debemos dejar claro en qué consiste el fotoperiodismo: es un género del periodismo estrechamente relacionado con la fotografía y que busca utilizar la fotografía como un medio objetivo y representativo de un hecho.

El fotoperiodismo se ha ido abriendo camino a través de la historia, desgraciadamente, gracias a conflictos bélicos y políticos; el papel del fotoperiodista ha sido clave para registrar grandes momentos de la historia. De hecho, la edad dorada del fotoperiodismo coincide con el período de la Segunda Guerra Mundial, tiempo en el que también surgieron avances tecnológicos en la fotografía. Con la llegada de internet se vio bastante afectado ya que la globalización permitió que los acontecimientos fuesen capturados por cámaras de aficionados.

En la actualidad, se habla de una nueva era para este oficio; a pesar de internet y de la cantidad de información que circula, el fotoperiodista destaca por 3 características: la objetividad, la narrativa y la estética. Cualquiera puede tomar una foto con la cámara de su móvil, pero es el fotoperiodista el que informa gracias a sus fotografías, retratar una noticia a través de imágenes. Se trata de plasmar la realidad actual.

En cuantolas salidas profesionales, son muy variadas. Si estás dudando si dedicarte al fotoperiodismo o no, debes tener claro que serás fotoperiodista en todos los ámbitos que trabajes y lo único que cambiará será el contexto en el que tomes las fotografías.

Fotoperiodismo en conflictos bélicos (periodismo de guerra)

Esto abarca desde fotografiar países en plena guerra (soldados, bombas, ciudadanos, etc.) hasta fotografiar escenas de posguerra. En este caso el fotoperiodismo se puede confundir con el periodismo documental, la diferencia es que el periodismo documental va más allá del fotoperiodismo, busca contar una historia a través de fotografías y para ello necesita hacer un seguimiento, como en este caso podría ser la vida de un país en el que la guerra acaba de terminar.

Fotoperiodismo político

Esta es otra de las grandes salidas de la profesión de periodista fotográfico. El fotoperiodismo político nos ha dado, a lo largo de la historia moderna, muchas fotografías que recogen a la perfección el momento que retratan. Desde apretones de manos entre políticos hasta el asesinato de JFK.

Fotoperiodismo deportivo

El deporte mueve masas, así que una buena foto en este ámbito te puede hacer crecer profesionalmente. Muchas veces recordamos grandes momentos del deporte gracias a una fotografía icónica.

Fotoperiodismo musical

Hay fotografías que marcan un antes y un después en la cultura musical y, gracias a ellas, se crean otros productos de merchandising que ayudan a identificar la marca del artista o grupo.

Podéis ver algunas de las fotos más icónicas de conciertos en este artículo.

¿Te gustaría convertirte en fotoperiodista? Aprende a documentar acontecimientos con el Curso Especialista en Fotoperiodismo de Workshop Experience.

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¿Cuales son las salidas profesionales de un curso de Fotoperiodismo?

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WE FOTOGRAFÍA Hace tiempo os proponíamos algunas de las mejores salidas profesionales para fotógrafos y hoy hablamos de las salidas profesionales más demandadas de una variante de la fotografía: el fotoperiodismo. Antes de comenzar debemos dejar claro en qué consiste el fotoperiodismo: es un género del periodismo estrechamente relacionado con la fotografía y que busca utilizar la fotografía como un medio objetivo y representativo de un hecho.

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https://www.nationalgeographic.es/historia/2019/03/fotoperiodismo-la-conciencia-del-mundo-desde-primera-linea

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Busha Shari, atacada con ácido por su marido. Islamabad. Pakistan 2008.

Fotografía de Emilio Morenatti, Creadores de Conciencia

"Mi misión es asegurar que nadie pueda decir: no lo sabía", afirmaba Yannis Behrake, fotoperiodista mundialmente reconocido y galardonado, fallecido ayer tras una larga lucha contra el cáncer. Su compromiso y empatía le llevaron hasta lo más alto del fotoperiodismo, al mezclar la información con el arte de una manera casi milagrosa para concienciar al mundo.

El diario neoyorquino Daily Gaphic fue, en 1880, el primero en utilizar la fotografía en un periódico para ilustrar una noticia y sumar veracidad. Desde entonces, el papel de los fotoperiodistas ha sido vital para relatar los conflictos del mundo entero, sobre todo en su vertiente bélica.

Antes de la publicación en medios, la Guerra de Crimea trajo consigo a los pioneros de la fotografía periodística: William Simpson y Roger Fenton. Sus obras fueron publicadas en grabados. A pesar de las innovaciones, el lento avance de la técnica frenó el desarrollo de la noticia audiovisual y no fue hasta que nació la famosa Leica de 35 mm, en 1925, cuando comenzó la llamada edad dorada del periodismo gráfico.

Con gran valentía y compromiso, la nueva figura del fotoperiodista retrató algunas de las grandes guerras que marcaron la historia mundial, como las Guerras Mundiales, la Guerra de Vietnam, la Guerra Civil Española o la Guerra Hispano-Estadounidense, entre otros conflictos y desastres naturales.

La edad dorada del fotoperiodismo

Aunque todo el siglo XX fue un momento de crecimiento para el fotoperiodismo, los años de mayor avance fueron paradójicamente aquellos que vivieron entre ambas guerras mundiales, de 1930 a 1950, que pusieron a prueba a la fuerza todos los avances técnicos de golpe.

Nombres como Robert Capa, Margaret Bourke-White, Alfred Eisenstaedt, Erich Salomon, y W. Eugene Smith se posicionaron como los grandes padres del fotoperiodismo por inmortalizar algunos de los momentos más representativos de la historia de aquellos años, a menudo con crudas imágenes que removían la conciencia del mundo.

Al arte le costó asumir la fotografía como compañera de viaje, pero, en la década de los 70, el fotoperiodismo ya compaginaba a la perfección su función informativa con la artística, logrando que ambas se sumasen mutuamente.

El desarrollo de la fotografía trajo consigo también la primera organización nacional de reporteros gráficos del mundo, que se fundó en 1912 en Dinamarca. A esta asociación se sumaron otras tantas, hasta terminar con escuelas de periodismo en muchos países del mundo que dan vida a famosos premios que han llegado hasta nuestros días, como el World Press Photo.

Creadores de conciencia

"Nada es más peligroso que alguien que quiere hacer del mundo un lugar mejor". Es una de las célebres frases del artista Banksy. Y ahí radica la más poderosa arma del fotoperiodismo. Difundir la información para crear conciencia, para eliminar barreras, prejuicios, para mostrar lo invisible, las historias que necesitan ser contadas.

Así lo han hecho los cuarenta fotoperiodistas que a día de hoy dan vida a la exposición Creadores de Conciencia, un mapa de conflictos sociales de los últimos años de nuestra historia. Entre los fotógrafos que llenan las paredes de la exposición se encuentra Gervasio Sánchez, uno de los fotoperiodistas más valorados actualmente en nuestro país, maestro cuyas fotografías tienen un marcado estilo directo y claro.

Su universidad fueron las calles de Guatemala, de El Salvador, Perú, Chile o Argentina, así como la guerra de los Balcanes. Sus fotografías de vida cotidiana, de rutina enmarcada en la guerra, son algunas de las más potentes de nuestra reciente historia.

Junto a reputados veteranos, jóvenes que inician su carrera ponen voz tanto a los conflictos más duros como a los más olvidados del planeta. En ocasiones, a un alto coste: Ricardo García Vilanova, otro de los fotógrafos que participan, estuvo secuestrado por el ISIS más de seis meses, según informa Reuters.

Sandra Basells, otra fotorreportera, contaba en declaraciones a Infolibre la historia tras su fotografía, cuyo protagonista es unniño de cinco años en un hospital de Haití: "Tenía cáncer de piel con metástasis en la cabeza. Era una herida abierta, no podía ver. Él, sin verme, se excitaba mucho cada vez que apretaba el disparador para fotografiarlo, se sentía protagonista de no sabía qué". Más tarde, supo que "si hubiera estado en el primer mundo se hubiera salvado".

En relación a todo aquello que queda en el backstage al vivir esas situaciones de conflictos, Manu Bravo declaraba en una entrevista a Atlántica que "de Siria no sales, es lo más salvaje que he vivido en mi vida y creo que lo más salvaje que hemos vivido toda una generación de periodistas".

La muestra audiovisual de estos testimonios del mundo se encuentra en el Círculo de Bellas Artes y colabora con la organización Reporteros Sin Fronteras, que lucha por la libertad de la información.

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Fotoperiodismo: la conciencia del mundo desde primera línea

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Busha Shari, atacada con ácido por su marido. Islamabad. Pakistan 2008. Fotografía de Emilio Morenatti, Creadores de Conciencia "Mi misión es asegurar que nadie pueda decir: no lo sabía", afirmaba Yannis Behrake, fotoperiodista mundialmente reconocido y galardonado, fallecido ayer tras una larga lucha contra el cáncer.

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Alumnos de la Carrera de Ciencias de la Computación, Sistemas de la Información y Programación Web de la Facultad de Ciencias Exactas Físicas y Naturales

Docente Américo Sirvente, Facultad de Ciencias Exactas Físicas y Naturales

Docente Federico Levato, Facultad de Filosofía Humanidades y Artes

Fotógrafa Adriana Miranda

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Blog de Adriana Miranda, artista, fotógrafa. San Juan, Argentina.

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https://www.museofranklinrawson.org/exposiciones/adriana-miranda-castillos-en-el-aire/

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Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

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Adriana Miranda

Desde el 01 julio 2016 hasta el 28 agosto 2016

Tipos, series y organización

"Las series, en gran medida, representan lo nuevo y significativo en las ciencias del período que va entre la Revolución Francesa y la Primera Guerra Mundial. Desde las publicaciones periódicas al cine, de la tabulación a la proyección industrial, las series aparecen en las innovaciones más importantes de la comunicación científica así como en la organización de laboratorios, clínicas, bibliotecas y museos. Los científicos, desde entonces, ordenaron a los embriones o a las descargas eléctricas, a los fósiles o los instrumentos de sílex en términos de una supuesta similitud formal o funcional y, seguidamente, relacionaron ese orden resultante con los cambios de estado o las modificaciones de las cosas en el tiempo. Los esquemas progresivos o evolucionistas trazaron el desarrollo desde la nébula primordial a la sociedad contemporánea, pasando por la formación de la Tierra y las etapas de la vida a través de la evolución humana y la historia. Tras estas secuencias, sutilmente graduadas y bien calibradas, residía la idea que el mundo, en su estructura más básica, era serial. Sin embargo, la serie formaba parte de un debate que aún hoy no ha concluido".

Así empieza el prólogo de Nick Hopwood, Simon Schaffer y Jim Secord para el número especial de History of Science que, en 2010, se dedicó a la idea de serialidad en las ciencias del siglo XIX. Con esa misma idea, Adriana Miranda, desde San Juan, arma estos castillos en el aire y descarna su vacío. Es decir, el de las series y el de las burbujas de los ladrillos. Huecos o sólidos, de cartón o de madera. De mentira. O de verdad. De todo eso con lo que la vida cotidiana tritura y deglute las cosas, las palabras, las personas, las expectativas, que sin origen ni devenir se acumulan aquí y allá, en esos montículos de deseos con techo a dos aguas, los restos de varios futuros improbables. Esos materiales con los que Adriana, en uno de los bordes andinos de la Argentina, arma un archivo que preanuncia la nada. Pesimismo puesto en serie, una tipología de modelos que sobrevive en un estado parecido al del desecho de los sueños.

En aquel prólogo de 2010, año en el que Miranda, el 21 de mayo y alrededor del solsticio de invierno, empezó a recopilar los vestigios de esas arquitecturas de una de las necesidades más antiguas, las "series" se definían como un conjunto de prácticas que, de manera penetrante e incisiva, refutaban la continuidad y la discontinuidad, revelaban los matices presentes en los objetos sometidos al proceso de estandarización y cuestionaban la exhibición de secuencias vs. el despliegue de las cosas que, a primera vista, aparece en toda su variedad.

Lejos de una consecuencia derivada de los hechos de la naturaleza, la serialización es un resultado de la técnica, de la intervención de los medios. Como se ve en la obra de los Becher y en el giro mordaz que le da Adriana Miranda, las series se consolidaron en el siglo XIX como una técnica, un sistema auto-evidente para mostrar especimenes y objetos, que a la vez, los somete a la lógica que crea. Sin embargo, la idea de serialidad generó más de una polémica: las huellas, las imágenes, las muestras, impresas o exhibidas, resultaban de un trabajo que las transformaba en argumentos que producían o reforzaban la experiencia de la serie en un público que se habituaba a ella y a pensar en términos de esas disposiciones de significado cuyo esplendor se consolidó en el siglo XIX. Juntando lo que el mundo y la historia habían separado, el científico, el médico, el fotógrafo, el artista, el industrial, el zoólogo, el botánico armaban eternidades aparentemente conectadas entre sí por alguna afinidad o necesidad pero que, sin embargo, podían derrumbarse en un eventual nuevo reparto de barajas. Adriana Miranda con sus casitas sanjuaninas nos muestra la universalidad de ese juego, asociado en este caso, a la fragilidad y tiranía de la ruleta o loterías inmobiliarias. Viviendas en miniatura, exvotos del siglo XXI. Ofrendas a la Señora del desierto sanjuanino, hoy patrona de la casa propia, que, en las fotos de Adriana Miranda, pasan a ser tipos de una serie que las ordena en una ilusión de porvenir.

Irina Podgorny

Museo de La Plata- CONICET

El Método Becher

Las coordenadas del trabajo de Bernd e Hilla Becher implican el entendimiento descriptivo del tema que se lleva a cabo con precisión artesanal en función de la continuidad de las condiciones de cada toma en términos de técnica fotográfica y la definición creativa de los objetos. Todos los factores que contribuyen a comprensión visual del motivo se apoyan en él mismo. La continuidad en el método permite la yuxtaposición de fotografías que datan de años diferentes, sin que la homogeneidad del grupo se vea alterada por ningún cambio cualitativo. Por lo tanto, las fotografías y su composición para la exhibición deben ser lo más informativas y exactas posible y, de esta manera, poder transformarse en "sustitutos visuales de los objetos".

Uno de los componentes centrales del trabajo de los Becher consistió en "coleccionar datos sobre los objetos", sobre todo en los inicios. Dado que existía poca información bibliográfica sobre ellos, se abocaron por recopilar la información in situ mientras los objetos aún existían. La búsqueda de información sobre la ingeniería y la arquitectura que brindaban las claves sobre el origen y evolución de los motivos, tenía un decidido impulso pragmático [...] tendiente a asegurar la autonomía de la imagen fotográfica.

Antes de cada toma, los motivos se analizaban y localizaban. La búsqueda de materiales o de las publicaciones sobre la historia de la minería o siderurgia, se acompañaba de un extenso trabajo de campo. Sin la observación directa, era imposible decidir si el objeto podía ser documentado en su forma específica, o si su estado de preservación o su ubicación en el conjunto lo permitirían. Seguidamente, había que decidir el punto de vista del fotógrafo. Aún en el caso de los edificios industriales accesibles -que, tal como las torres de agua, no requerían trámites burocráticos- este proceso que iba de la primera visita a la realización final de la toma, podía llevar varias semanas o meses. [...] La primera inspección para decidir la posición y el ángulo de la cámara y del trípode implicaba una larga fase de preparación exploratoria así como un período durante el cual se afirmaba la idea de la imagen que los Becher querían lograr.

[...]

La fotografía en blanco y negro forma parte de la estética específica de su obra. Si recordamos la idea de "museo imaginario" de André Malraux, Bernd e Hilla Becher, pueden considerarse, sin dudas, partes del armado de esa tradición que apuntaba a la representación correcta de las esculturas. Según Malraux, las estructuras tridimensionales se reproducen en blanco y negro mucho mejor que en los colores de la pintura. No solo eso, la fotografía en blanco y negro, en el caso de que todas las reproducciones estén presentes en una única página, resalta la "afinidad" de los diferentes objetos representados: "Obras medievales tan intrínsicamente diferentes como los tapices, vitrales, miniaturas, paneles y estatuas, se fusionan para formar una familia"- señalaba Malraux. Sin embargo, mientras Malraux resaltaba que las cualidades específicas de una obra podían ser abandonadas a favor de la visualización de una comunidad estilística, distinguidas a partir de la pérdida de la forma en una pintura o del volumen en una escultura, la obra de los Becher resuelve estas cuestiones basándose en las condiciones constantes de cada toma y de un concepto formal /estético que se obtiene para todas las imágenes. De esta manera, crean las condiciones para ordenar objetos diferentes y crear series a pesar que los motivos individuales procedan de tomas muy distantes en el tiempo. Precisamente, el principio de constancia en la representación y el uso de grupos o series remarcan la cualidad específica de cada motivo.

[...]

[L]a calidad deseada de la imagen depende también de la luz ambiental natural. Cada motivo, en la medida de lo posible, fue fotografiado bajo las mismas o similares condiciones. [... ] Aquí no hay lugar para formaciones de nubes tales como las que se usaron en la fotografía paisajística inicial, en esa línea dramática que enfatizaba el significado simbólico del poder de la naturaleza. Por el contrario, predomina el fondo neutro, con un contraste elegido para que el cielo nunca irradie con más fuerza que el motivo. Para motivos oscuros, se elige un fondo más claro; para los más claros, se requiere uno más oscuro. [...]

El trabajo de los Becher se desarrollaba sobre todo en el otoño y la primavera, cuando las condiciones naturales proveían la luz ambiental más adecuada y los árboles y los arbustos tenían menos hojas y revelaban qué había atrás de ellos. Como señalan las notas de campo de los Becher, más de una vez debieron mejorar la vista de un motivo artificialmente, sobre todo en plantas ya clausuradas, donde la naturaleza había reconquistado terreno.

Las fotografías de los Becher se caracterizan también por una posición de la cámara ligeramente elevada, necesaria sobre todo para estos motivos muy altos y que permite la convergencia de las líneas verticales y un retrato no distorsionado de la escala completa de todo el edificio. La posición o punto de vista elevado coloca el horizonte -que a nivel del ojo se percibe como una línea- en una relación cualitativa con la vista real del objeto. La superficie plana, visualmente expandida en profundidad, se abre y aparece como un soporte en el cual el objeto se inserta. Y los Becher se aseguraron siempre que las condiciones del sitio dictaran la elección del punto de vista, es decir, la elección de una vista frontal o en perspectiva.

[...]

La elección de los motivos y del punto de vista, incluso la discusión de la cualidad que se esperaba de las copias, fueron el producto de un intercambio intensivo de información, de una experiencia mutua de largo aliento y de un concepto que ambos dominaban. Eso no significa que todas las tomas fueran incluidas en una serie. La decisión a favor o en contra de un motivo y, por lo tanto, de su procesamiento, ocurría en el laboratorio o después del análisis de las primeras ampliaciones. Cada negativo era evaluado para determinar qué información brindaba y entonces, "procesado" en una imagen para maximizar su mensaje. El trabajo de laboratorio incluía así tanto la definición de la sección respectiva de la imagen (picture) como los posibles tiempos de pre-exposición o post-exposición parcial en el proceso de ampliación.

Tomado de Susanne Lange. Bernd and Hilla Becher. Life and Work. Cap. 6

Traducción y selección de Irina Podgorny

Biografía Adriana Miranda

Adriana Miranda (San Juan, 1969) estudió en la escuela de Cine de Avellaneda, tomó clases y asistió al cineasta argentino Carlos Echeberría, cursó fotografía en el Centro Estímulo de Bellas Artes. Expuso su primer trabajo fotográfico en la histórica Bienal de arte joven de 1989. En 1990 conoció a quién se convertiría en su consejera y mentora, la artista Liliana Maresca, con quien colaboró durante 5 años, y a su maestro de fotografía, Juan Travnik.

Trabaja como fotógrafa de obras de arte, dicta clases de Sistema Zonal, integra el equipo de Historia Oral, sobre historia de la Universidad de Buenos Aires, y se desempeña como corresponsal de la agencia DyN.

Recibió las becas del Fondo Nacional de las Artes (1990), de la Fundación Antorchas por "El objeto viviente" (1994), la de PROA-taller-G. Kuitca, donde conoce a Lucas Fragasso en su clase sobre estética (1994), y la beca Fulbright (1996) para estudiar en la Universidad de Nueva York. Vivió por 10 años en esa ciudad, trabajó como fineprinter y se especializó en edición fotográfica con Fred Ritchin.

A partir de 1999 intercala estadías en la residencia del espacio La Panadería, México DF., cuando empezó a participar en proyectos de Michèle Faguet, con un grupo de nuevos artistas contemporáneos de Venezuela, México, Colombia, Chile, Alemania, y EEUU. En este período, se especializó en fotografía de arquitectura, integrando el equipo del estudio de arquitectura OBRA-Architects. Regresó a la Argentina en 2007. Por el proyecto "El espacio de acá" recibió el subsidio de la Fundación Banco Nación (2009) y el Premio nacional arteBA-Petrobras de artes visuales (2010). Es especialista en "Construcción de la imagen".

Ha mostrado en Argentina, Chile, Perú, Colombia, México, EEUU, Holanda, España, Inglaterra, Francia, Japón. Su trabajo es parte de colecciones de Museos , Fundaciones y Colecciones privadas de Argentina, México, EEUU, Francia, Alemania, Inglaterra, España.

Galería de imágenes

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Adriana Miranda. Castillos en el aire. * Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

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Tipos, series y organización "Las series, en gran medida, representan lo nuevo y significativo en las ciencias del período que va entre la Revolución Francesa y la Primera Guerra Mundial. Desde las publicaciones periódicas al cine, de la tabulación a la proyección industrial, las series aparecen en las innovaciones más importantes de la comunicación científica ...

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Las características de la fotografía periodística son la actualidad, la objetividad, la narración y la estética

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El fotoperiodismo abarca todas las áreas de interés de la actualidad informativa: conflictos bélicos, política, problemas sociales, deportes, espectáculo... Así mismo, repasa los géneros periodísticos como la entrevista, la crónica, el reportaje o el documental.

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La fotografía como memoria, Carlos Bosch

https://latinta.com.ar/2020/06/la-fotografia-como-memoria/

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by Redacción La Tinta

Carlos Bosch es uno de los grandes referentes del fotoperiodismo, tanto por la calidad de sus fotografías como por su manera de trabajar y concebir la producción de imágenes. Artista, antropólogo y docente, realizó fotografías que fueron importantes para diferentes momentos de la historia y trabajó en distintos medios en donde denunciaba las injusticias y a quienes las provocaban. Falleció este lunes pasado con 75 años y acá les compartimos algunos de sus memorables registros.
Por Redacción La tinta
Sin dudas que Bosch abordaba la fotografía no solo como un hecho de captar imágenes de la realidad, sino como un posicionamiento frente a este mundo y su sistema. Entre los trabajos que podemos recordar, se encuentra El huevo de la serpiente, que hizo entre los años 1977 y 1979, en donde se infiltró en las reuniones y actos de los movimientos franquistas. En esas circunstancias fue donde realizó la imagen de la visita de Giorgio Almirante, presidente del partido de ultraderecha italiano MSI, que se saluda con un coronel del ejército español. Al otro día, la fotografía es tapa de El País y el militar español es separado de su cargo.

Entre sus retratos memorables, está el que le hizo a Julio Cortázar días antes de su fallecimiento. En el último tiempo, ya instalado en nuestro país, llevó adelante el Taller Continuo de Imagen, que fue un espacio de formación para muchxs artistxs. En este periodo, ganó el Primer Premio Adquisición del Salón Nacional de Artes Visuales en Fotografía y el Gran Premio de Honor Nacional de Fotografía.

Sobre su trabajo fotográfico, supo reflexionar que "la fotografía, para mí, es memoria. Desde el momento en que vos hacés el clic, eso es pasado y hay gente que modifica la memoria, modifica el lenguaje, depende la intención política, moral y ética de cada uno".

*Por Redacción La tinta **Fotografía: Carlos Bosch

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by Redacción La Tinta Por Redacción La tinta Sin dudas que Bosch abordaba la fotografía no solo como un hecho de captar imágenes de la realidad, sino como un posicionamiento frente a este mundo y su sistema.

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La fotografía como arma de dominación

https://revistacitrica.com/la-fotografia-como-arma-de-dominacion-.html

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La muestra itinerante "Prisioneros de la ciencia" llegó a El Bolsón y abrió más debates necesarios. ¿Qué sienten hoy las comunidades al ver las imágenes de sus ancestros exhibidos como piezas de museo?

"Sí, es cierto que esta muestra tiene esta impronta distinta que es impugnar. Pero no dejamos de ser sujetos que estamos siendo estudiados. No dejamos de ser una cosa para la vista de la gente", dice Elisa Ose, de la comunidad Las Huaytekas, que después de años y años recién hace apenas tres lograron restituir los restos de Margarita Foyel, hija del cacique Foyel, quien había sido prisionera junto a su familia, y destinada a vivir y morir en cautiverio, como una "pieza viva" del Museo de La Plata. Tuvieron que pasar 130 años para que Margarita volviera a la tierra adonde la arrancaron.

Desde el Museo de La Plata, los restos de las familias Foyel, Inacayal, Sayhueque, entre miles de restos humanos, reclaman una impugnación constante, una memoria viva que los restituya a sus familias y a sus territorios.

"La muestra es movilizante porque no es pasado. Propone mirar críticamente las fotos que se usaron para estudiar a nuestros ancestros. Y hoy nuestros ancestros están presentes. Si bien las personas retratadas no están más, sí está su cultura. Entonces desde ese lugar, está bueno mirarlas y entender que este tipo de imágenes que estamos viendo fueron un dispositivo armado para que creamos la idea de que son del pasado, que son salvajes, que son históricos, que están asociados al animal, al no progreso", apunta Ana Paula Oyarzábal, artista plástica y docente de artes visuales del instituto, quien se refiere a todo el relato encubierto en este tipo de imágenes: "Esto es lo que invitamos a mirar críticamente en las fotos. Poder ver e identificar qué están queriendo decir al poner a un grupo de personas en pose. Esas personas, ¿quisieron ponerse en ese lugar? ¿Quisieron ponerse esa ropa? Lo que es paradójico es que esas fotos fueron sacadas con máquinas que pertenecen a la modernidad, por lo que muy pasado no era".
Impugnar a través de la imagen
"Esto de prisionero de la ciencia es una metáfora porque primero fueron prisioneros militares, prisioneros de guerra y después son trasladados desde esa experiencia a los museos. No es la ciencia la que los toma sino que es la avanzada militar que los hace prisioneros", apunta Carlos Massota, también especialistas en Antropología Visual y para quien dichas imágenes no solamente documentan un proceso de sojuzgamiento de las comunidades científicas pos Conquista del Desierto sino que comparten ese contexto: "Estamos mal acostumbrados a ver la fotografía como algo externo que simplemente o ingenuamente, objetivamente testimonia, sin ser parte del proceso. Roca hizo su campaña con fotógrafos contratados. O sea que la fotografía es parte de ese proceso y aquí se ve con claridad. La total impugnación en la actualidad de estas imágenes tiene que ver con atender a ese doble proceso. Documenta sin duda, escenas, a personas, pero al mismo tiempo lo hace de una forma singular justamente porque son parte del mismo proceso de sojuzgamiento".

"Nunca me permití hacer fotos miserables"

El Eternauta de las islas

Abusos en el yoga: romper el silencio

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La muestra itinerante "Prisioneros de la ciencia" llegó a El Bolsón y abrió más debates necesarios. ¿Qué sienten hoy las comunidades al ver las imágenes de sus ancestros exhibidos como piezas de museo? "Sí, es cierto que esta muestra tiene esta impronta distinta que es impugnar.

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https://www.revistaanfibia.com/

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Revista Anfibia: contenidos periodísticos y académicos que abordan la actualidad argentina y latinoamericana.

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https://sisanjuan.gob.ar/turismo-y-cultura/2018-10-05/10433-fotoperiodistas-locales-exponen-sus-obras-en-el-auditorio-juan-victoria

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Con el apoyo del Gobierno de San Juan, a través del Ministerio de Turismo y Cultura, y la Municipalidad de la Capital, ayer a la noche se realizó la presentación de la segunda "Muestra de Fotoperiodismo de San Juan".

En esta oportunidad participan 19 reporteros gráficos en ejercicio y dos invitados especiales. La curaduría de la muestra estuvo a cargo del prestigioso fotoreportero Federico Levato, quien fue el encargado de seleccionar las 63 imágenes que recorren algunas de las coberturas de los profesionales sanjuaninos de los últimos años.

Los expositores pertenecen a los principales medios escritos y digitales de San Juan, ellos son: Adrián Carrizo, Sergio Leiva, Gonzalo Medina, Mariano Martin, Marcos Agüero, Mara Belzagui, Maria Florencia Blanchero, Mariana Lopez, Daniel Arias, Maximiliano Huyema, Mariano Arias, Marcos Urisa, Marcos Carrizo, Ruben Paratore, Mario Vargas, Roque Quiroga, Carlos Vargas, Raul Iturrieta, y Gabriel Iturrieta, además como invitados especiales Hugo Elizondo y Roberto Ruiz, quienes trabajaron en Diario de Cuyo y en Clarín.

Como cada año, este encuentro fotográfico adquiere un nivel de importancia cultural destacado en la comunidad sanjuanina. Por este motivo, los reporteros gráficos también brindarán talleres sobre fotoperiodismo destinados a estudiantes de la carrera de Comunicación Social, fotógrafos y público en general. Por otra parte, está previsto diferentes recorridos por establecimientos escolares mostrando el arte de la fotografía.
Hasta el 14 de octubre los interesados podrán disfrutar de esta interesante exposición en el Foyer Sur del Auditorio Juan Victoria de 9 a 21hs.

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Fotoperiodistas locales exponen sus obras en el Auditorio Juan Victoria

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La muestra denominada "Veintiún fotógrafos, veintiún miradas y una misma pasión" quedó inaugurada ayer con el apoyo del Ministerio de Turismo y Cultura. Con el apoyo del Gobierno de San Juan, a través del Ministerio de Turismo y Cultura, y la Municipalidad de la Capital, ayer a la noche se realizó l...

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Es un género del periodismo que tiene que ver directamente con la fotografía, el diseño gráfico y el vídeo.
Tiene como objetivo representar y comunicar a través de fotografías determinados acontecimientos, personajes, temáticas o sucesos que aparecen en diarios y revistas, tanto impresos como digitales.

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La fotografía como medio de comunicación

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La fotografía como medio de comunicación

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Se usa extensivamente por periódicos, revistas, libros, y la televisión para transmitir información y anunciar productos y servicios.

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Info sobre Cindy y sus obras

https://www.tendenciashoy.com/arte/fotografia/la-mayor-muestra-en-europa-sobre-cindy-sherman-se-vuelve-virtual.html

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Hacía 14 años que la obra de Cindy Sherman no visitaba París. La primera vez fue en el Jeu de Palme, recogiendo sus trabajos hasta esa fecha (es decir, hasta las Clown series, 2003-04). Ahora, la Fundación Louis Vuitton ha trabajado mano a mano con la artista estadounidense para dar forma a una retrospectiva de su obra que recoge 170 trabajos -de 1975 a 2020- con especial énfasis en algunas de sus piezas más recientes y otras inéditas hasta ahora.

"Confío en que nos perdone por el tiempo que hemos tardado en concederle la importancia que merece como una de las más prominentes e influyentes artistas de nuestro tiempo", ha dicho al respecto Bernard Arnault, el magnate al frente del conglomerado de lujo.

Una de las razones que motivan el más que evidente entusiasmo del presidente de la Fundación Louis Vuitton con el trabajo de Sherman es la facilidad de identificación que tiene el visitante con ella y con su vida y, a la vez, por la distancia de la artista hacia esta. "Cuando alguien etiqueta su trabajo como autorretratos, ella contesta que quizá lo sean, pero que no se ve en ninguno de esos personajes", explica el propio ejecutivo.

Vista de la exposición de Cindy Sherman. Foto: Fondation Louis Vuitton, Paris.

Tour virtual

En resumen, la muestra Cindy Sherman at the Fondation engloba más de 300 imágenes de series que incluyen imágenes fijas de películas sin título, moda, retratos de historia, desastres, disparos a la cabeza, payasos, retratos de sociedad, murales y flappers, así como un nuevo conjunto de imágenes que presentan figuras masculinas y parejas, repartidas entre 1.500 m2.

"Sherman entiende las implicaciones que conlleva la apariencia y el autorretrato, incluyendo el papel que juega la vanidad o la creatividad"
Bernard Arnault

Con la clausura prevista inicialmente para el 3 de enero y con los museos franceses cerrados como consecuencia de la pandemia, ahora podemos disfrutar de forma excepcional de la exposición sin movernos del sofá.

El micro-tour de 20 minutos se acompaña de los comentarios de los comisarios de la exposición y está disponible en inglés y francés.

Además, y de forma extraordinaria, la Fundación ha puesto a disposición de los visitantes un tour en directo para visitas en 360º y preguntas con un responsable de la institución.

"Sherman se ha convertido en una artista tremendamente influyente precisamente porque entiende las implicaciones que conlleva la apariencia y el autorretrato, incluyendo el papel que juega la vanidad o la creatividad en muchos de los casos" comenta Arnault, y añade: "Sin duda, ha adoptado tantos personajes que con alguno nos gustaría haber jugado nosotros mismos, pero quizá nunca nos hemos atrevido a experimentarlo.

La retrospectiva de Sherman se acompaña con otra muestra llamada Crossing Views con retratos de los fondos de la colección de la Fundación escogidas directamente por la artista

Vistas cruzadas

La parte retrospectiva, que coincide casi en su totalidad con una muestra expuesta en National Portrait Gallery de Londres en 2019, se acompaña con una segunda exposición que recoge una selección de obras de la colección permanente de la Fundación: Crossing Views, y que han sido escogidas por la artista desde la perspectiva del retrato y sus posibilidades.

Marina Abramović, The Kitchen V, Carrying the Milk, 2009.

Louise Bourgeois, Samuel Fosso, Marina Abramovic o Damian Hirst son algunos de los veinte artistas internacionales incluidos en esta parte de la exposición, cuyos trabajos (o los temas de los mismos) se encuentran altamente relacionados relacionados con la carrera de Sherman.

"Tuve la idea de estas 'vistas cruzadas' durante una reunión de trabajo en el apartamento parisino de la artista, donde colecciona muchas obras de artistas 'emergentes'", comenta Suzanne Pagé, directora artística de la Fundación. "Para mí era una prueba de su atenta y activa presencia en la escena del arte, además de la curiosidad permanente que reside en su mirada".

Probablemente uno de los rasgos más descriptivos de Sherman a la hora de su ejecución artística es su "distante lucidez" o, en palabras de la propia Pagé: "esa capacidad de combinar la total maestría con ese sentimiento permanente de 'do it yourself'". "En ese proceso, donde se incluye el juego de roles, lo postizo siempre acaba revelando la verdad".

Cindy Sherman, Untitled 97, 1982.

Del tapiz a Instagram

Usando fotografía tanto analógica como digital, así como sus archivos visuales que pasan de la versión real a la falsificada, Sherman reinventa el formato constantemente. "Además, transgrede las normales establecidas gracias a su habilidad de combinar las últimas tecnologías (como Photoshop o Instagram) con formatos más vintage como el tapiz (en Tapestries, 2019-20)", explica la comisaria.

Sherman, que además de multi-tasker sigue siendo autodidacta en muchos de los ámbitos que practica en sus instantáneas (maquilladora, costurera, productora o fotógrafa técnica, además de modelo), está permanentemente conectada con la actualidad e implicada con los temas más sociales. Es el caso de la cuestión de la identidad, el género o la inseguridad que, junto a su oposición a la tiranía de la imagen, siguen influyendo su trabajo hasta la fecha.

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La mayor muestra en Europa sobre Cindy Sherman se vuelve virtual

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Hacía 14 años que la obra de Cindy Sherman no visitaba París. La primera vez fue en el Jeu de Palme, recogiendo sus trabajos hasta esa fecha (es decir, hasta las Clown series, 2003-04).

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https://www.bexfotografia.com/sanjuan/carina-coca.php

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Onírica-Mente

Piaget definió a la imagen onírica como una representación mental que hace psicológicamente concreto algo que perceptivamente no es corpóreo. Estas imágenes están cargadas de significados que son absolutamente subjetivos, y se ajustan a la personalidad de los sujetos, a cada una de sus realidades: miedo a la muerte, un fuerte deseo a volver a la infancia, grandes y abrumadoras historias que los perturban, la pérdida de un ser querido, el amor, etc.
Con esta serie busco, además de observar las variadas lecturas que hacen distintas personas sobre una misma imagen, que el espectador trascienda las fronteras de la realidad y bucee en su inconciente, buscando en alguna de las representaciones oníricas que expongo sentirse identificado, transportándose en un breve momento y encontrarse con sus temores, pasiones y emociones: encontrarse con su verdadero yo.

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Bex Fotografía latinoamericana - Carina Coca

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Piaget definió a la imagen onírica como una representación mental que hace psicológicamente concreto algo que perceptivamente no es corpóreo. Estas imágenes están cargadas de significados que son absolutamente subjetivos, y se ajustan a la personalidad de los sujetos, a cada una de sus realidades: miedo a la muerte, un fuerte deseo a volver a la infancia, grandes y abrumadoras historias que los perturban, la pérdida de un ser querido, el amor, etc.

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Desierto y oasis

"Uno se adentra en la ciudad por calles llenas de enseñanzas que sobresalen de las paredes.
El ojo no ve cosas sino figuras de cosas que significan otras cosas..

La mirada recorre las calles como paginas escritas" "Las ciudades como los sueños están construidas de deseos y de miedos, aunque el hilo de su discurso sea secreto, sus reglas absurdas, sus perspectivas engañosas, y toda cosa esconda otra" "La Ciudades Invisibles", Ítalo Calvino La ciudad como una gran metáfora visual es el eje de mi trabajo. "Desierto y oasis" es parte de una búsqueda fotográfica en donde el valor de la mirada dialoga y juega con las marcas, la historia, las huellas, las heridas del paisaje urbano. Recorrer con la mirada la ciudad, descubrir sus caras ocultas, dibujar en ellas, construir nuevas, irreales pero, tan presentes como la propia ciudad.
Para Desiertos.....la fotografía es magia, ficción........juego de luces. Mundos que construyen mundos, tan reales e irreales como la vida misma. Una mancha en el pavimento, una grieta en la senda peatonal, la marca de una huella que, el tiempo transformo en herida, son los rastros que la mirada encuentra y transforma en paisajes.
En "Desierto y Oasis" dibujo la ciudad. Los carbones dialogan con las marcas y huellas del pavimento.
La ciudad "real" y la ciudad "imaginada" se funden, juegan, construyen mundos, historias. La fotografía las atrapa, las inmortaliza y conserva el presente y el pasado de la ciudad como las líneas de la palma de una mano.

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Bex Fotografía latinoamericana - Federico Levato

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"Uno se adentra en la ciudad por calles llenas de enseñanzas que sobresalen de las paredes. El ojo no ve cosas sino figuras de cosas que significan otras cosas..

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En la edición número 37 se realiza una dedicación a la provincia de San Juan y a sus artistas en los que se encuentra el profe Federico Levato.

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Bex Fotografía latinoamericana - Especial San Juan

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Revista de fotografía latinoamericana, especial fotógrafos de San Juan

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Revista Digital Argentina dedicada a la fotografía y al arte digital

https://www.bexfotografia.com/index.php

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Argentina | Uruguay | Costa Rica | Brasil | Bolivia | Chile | El Salvador | Colombia | Cuba | Nicaragua | Perú | Panamá | Paraguay | México | Ecuador | Venezuela | Honduras | Guatemala

Distribución de Revistas a todas las Provincias

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Fotografía latinoamericana - Bex revista

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Argentina | Uruguay | Costa Rica | Brasil | Bolivia | Chile | El Salvador | Colombia | Cuba | Nicaragua | Perú | Panamá | Paraguay | México | Ecuador | Venezuela | Honduras | Guatemala Distribución de Revistas a todas las Provincias

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Título de la exposición: Del sentimiento de no estar del todo

Realizada en Diciembre del 2018 en el Museo Provincial Franklin Rawson

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Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

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Tamara Wassaf

Alberto Sánchez Maratta

Desde el 14 septiembre 2018 hasta el 02 diciembre 2018

En Sala 2, el MPBA|FR recibe a la artista sanjuanina Tamara Wassaf, quien reside en Madrid desde el año 2014. Su muestra da cuenta de su visión, que excede el campo fotográfico, o quizás lo amplía: las instalaciones, la actitud performativa, el uso de objetos en series y variaciones; retrato, vacío y desmaterialización son sus ideas centrales.
Tamara Wassaf, nace en San Juan, Argentina; a los 16 años comienza su interés por la fotografía de manera autodidacta, luego añade conocimientos a través de cursos y estudios formales en el colegio secundario y en la Universidad Nacional de San Juan. A los 18 años obtiene su primer premio en fotografía a nivel nacional que la impulsa a seguir su carrera dedicada a la fotografía.
Realiza diversas exposiciones a nivel nacional, obtiene una beca de perfeccionamiento con el fotógrafo Marcos López y ese mismo año gana el 1° premio Concurso de Fotografía Festival de la Luz San Juan 2010, adquisición del Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson.
En 2015 expone en Madrid, llevando su obra a nivel internacional, actualmente reside y trabaja en esa ciudad. Fotógrafa y creadora de Estudio a Pedal: www.estudioapedal.com. Directora de arte, directora de fotografía y creadora de Revista VLOV: www.revistavlov.com (realizó retratos fotográficos a Cocorosie, Gustavo Santaolalla, Emir Kusturica, Paquito D`Rivera, Vicentico, entre otros).

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Tamara Wassaf. Del sentimiento de no estar del todo. * Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

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En Sala 2, el MPBA|FR recibe a la artista sanjuanina Tamara Wassaf, quien reside en Madrid desde el año 2014. Su muestra da cuenta de su visión, que excede el campo fotográfico, o quizás lo amplía: las instalaciones, la actitud performativa, el uso de objetos en series y variaciones; retrato, vacío y desmaterialización son sus ...

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Titulo de la exposición: Imágenes Expandidas

Realizada en Noviembre del 2018 en el Museo Provincial Franklin Rawson

https://www.museofranklinrawson.org/exposiciones/esteban-pastorino/

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Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

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Esteban Pastorino. Imágenes expandidas. * Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson

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Sala 1. Esteban Pastorino Imágenes expandidas Curador Julio Fuks La obra fotográfica de Esteban Pastorino interpela y experimenta las diversas posibilidades de elaboración de espacio y tiempo, visualidades y figuras. Cada una de las instancias visuales exploradas se apoya en principios técnicos y ópticos que expanden los límites del arte.

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Cursos

Mirando foros y páginas web

Mirando libros y publicaciones de otros fotógrafos

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Son una interpretación del mundo tanto como las pinturas y los dibujos. 

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Son una interpretación del mundo tanto como las pinturas y los dibujos. 

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Podemos decir que para nosotros la fotografía artística es una interpretación del mundo según la visión del autor. Puede ser sobre naturaleza, retratos, incluso una producción montada, pero la mirada del autor debe estar presente sobre las demás cuestiones.

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Para realizar una buena fotografía se debe DEFNIR EL CONCEPTO

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Para realizar una buena fotografía se debe DEFNIR EL CONCEPTO

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Las ideas pueden surgir después de la lectura de un libro, ver una película, apreciar una obra de arte, regresar de un viaje o compartir una charla, entre otras actividades.

Lo importante es establecer un tema, pensar en lo que queremos decir y cómo lo vamos a expresar.

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A través de una fotografía es posible narrar una situación, explorar un contexto histórico, exponer una nueva estética, innovar la técnica o presentar otra mirada acerca de la realidad.

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A través de una fotografía es posible narrar una situación, explorar un contexto histórico, exponer una nueva estética, innovar la técnica o presentar otra mirada acerca de la realidad.

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La fotografía tiene como objetivo transmitir conceptos, sentimientos y emociones. Existe una intención por parte del autor en comunicar e invitar hacer una reflexión sobre un determinado tema que pretende impactar los sentidos y conferir significados que trasciendan más allá de la cotidianidad.

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La fotografía tiene como objetivo transmitir conceptos, sentimientos y emociones. Existe una intención por parte del autor en comunicar e invitar hacer una reflexión sobre un determinado tema que pretende impactar los sentidos y conferir significados que trasciendan más allá de la cotidianidad.