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DANSE
Régine Chopinot
« top »

Figure emblématique de la danse contemporaine, Régine Chopinot revient sur le devant de la scène, pied au plancher, avec « top ». Une création à l’énergie débridée pour sept danseurs, un batteur et un guitariste qui nous plonge dans un tourbillon de rythmes et de sensations.

JE 12 JAN 20:00
VE 13 JAN 19:00

EN SAVOIR PLUS
www.manege-reims.eu

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01

Conception et chorégraphie Régine Chopinot
Avec Nicolas Barillot, Tristan Bénon, Mellina Boubetra, Prunelle Bry, Bekaye Diaby, Naoko Ishiwada, Sallahdyn Khatir, Vincent Kreyder, Nico Morcillo, Deyvron Noel et Julien Robles
Et aussi Grégory Granados, Ixepë Sihaze et Curro Escalante Vargas
Batterie Vincent Kreyder
Guitare Nico Morcillo
Son Nicolas Barillot
Lumière Sallahdyn Khatir
Vêtements Hortense de Boursetty

-

Production Cornucopiae - the independent dance
Coproduction MC93 - scène nationale de Seine-Saint-Denis à Bobigny, Le Manège, scène nationale-Reims, Châteauvallon-Liberté, scène nationale de Toulon, Le Grrranit, scène nationale de Belfort
Avec le soutien de la Fondation d'entreprise Hermès

" top " a bénéficié d'un accueil en résidence de création au Manège

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scène nationale - reims · danse. cirque · spectacles

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Figure emblématique de la danse contemporaine, Régine Chopinot revient sur le devant de la scène, pied au plancher, avec « top ». Une création à l’énergie débridée pour sept danseurs, un batteur et un guitariste qui nous plonge dans un tourbillon de rythmes et de sensations.

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Interview de Régine Chopinot sur Dansercanalhistorique

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Interview de Régine Chopinot sur Dansercanalhistorique

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La chorégraphe Régine Chopinot convoque dans top sept danseurs et danseuses, un batteur et un guitariste pour lever une tempête de sensations brutes. Une pièce à découvrir dans le Festival Immersion de l’Onde - Théâtre centre d’Art Vélizy-Villacoublay. Entretien. Danser Canal Historique : Quelle est…

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Entretien avec Régine Chopinot pour le Magazine de la MC93

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Entretien avec Régine Chopinot pour le Magazine de la MC93

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MC93 - maison de la culture de Seine-Saint-Denis à Bobigny

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Vous avez un parcours considérable dans la danse contemporaine, qu'est-ce qui nourrit aujourd'hui votre désir de création ?

Régine Chopinot : Je travaille dans l'action avant toute chose, vient ensuite l'analyse. Je constate un grand changement de comportement artistique en ce qui me concerne depuis la fin de mon séjour au Centre Chorégraphique National de La Rochelle. Cela a démarré avec Very Wetr ! en 2012, puis après avec Pacifikmeltingpot entre 2015 et 2018 : le temps est devenu une partie prioritaire de l'organisation, mais aussi de la création. Et avec la réduction des moyens financiers et la raréfaction des occasions de recherche, où je peux regrouper des personnes pour monter une pièce, sont apparues de nouvelles contraintes. La situation extérieure m'interpelle aussi. Enfin, comme vous le dites joliment, le fait que j'ai un parcours qui est désormais considérable, donc à considérer, me presse, vu que la fin se rapproche - de toutes façons elle se rapproche tout le temps, dès le premier jour (rires) ! Je suis donc amenée à me réunir, ce que je n'avais jamais entrepris jusque là. J'avais exercé la dispersion d'une manière intuitive, il fallait que je m'éclate dans le bon sens du terme, c'est-à-dire que je me disperse pour me perdre. Maintenant je sais que je n'aurai pas quarante ans de nouveau à parcourir. Tout à coup la permanence commence à m'intéresser et de fait je dois être la première personne à considérer mon travail. Ce que je n'ai pas toujours fait, j'étais plutôt dans la déconsidération.

Vous voulez dire ne pas vous prendre au sérieux ?

Pas tellement ne pas me prendre au sérieux mais plutôt effacer sans cesse. Ce qui a lieu est nouveau pour moi. Avec A D-N je me suis rendu compte que je recyclais des éléments de mon parcours et que tout à coup je commençais moi-même à les identifier. Ce que j'avais toujours refusé de faire. Dans " top " je suis à la fois étonnée et tellement heureuse de voir de la permanence dans mon travail alors que je croyais que j'étais inconséquente, que je n'avais pas de poids. Dans cette pièce je vois des éléments que j'ai toujours utilisés, par exemple, pour le début - ce sont des choses que je ne décide pas consciemment mais qui s'imposent à moi - tout à coup je leur ai dit : mettez-vous en petit peuple ! Et ce petit peuple là a une signature : ils se secouent, ils sont regroupés, ils ont besoin de se tenir au chaud. Ce petit peuple, très consciemment, a été nommé dans ma dernière pièce de Cornucopiae, où tous les gens étaient cachés, c'était vraiment la création d'un petit peuple. Il y a aussi se donner la main, c'est un signe que j'ai utilisé depuis Grand Écart,une de mes pièces des années 80. Et au lieu que cela m'angoisse de recycler, je me reconnais, je suis en train tout à coup d'apprécier ce travail de mémoire, qui s'avère très fécond par ailleurs. Je suis en train, à mon grand étonnement, de me relire, de dégager une personnalité au travers d'une certaine récurrence d'actes chorégraphiques qui émergent, et que je suis contente de saluer, ils sont là depuis si longtemps et je les ai tellement ignorés !

Comment fonctionnez-vous avec les interprètes, les danseurs, les musiciens, est-ce que vous leur donnez des images, est-ce que vous procédez par improvisations ?

Je travaille toujours de la même manière, ce qui diffère ce sont les personnes choisies. Tout ce que je fais depuis une dizaine d'années s'appuie sur une capacité à mettre en situation l'espace, le plateau, l'architecture, y compris les espaces intérieurs des personnes et leurs architectures propres. Ensuite, je tiens à la musique en live, cela doit faire plus de vingt ans que je n'utilise plus de bande enregistrée. En création, je fais appel à une multitude d'outils qui proviennent de mes quarante années d'expériences avec tous les chercheurs que je rencontre encore, des outils pour être présent et là. Parmi ces outils, il y a ceux qui proviennent du yoga, notamment un travail de conscientisation. C'est par l'action que l'on avance, c'est le chemin qui m'intéresse. Je ne crois pas à une finalité, je cherche à les laisser toujours, à nous laisser toujours, en mobilisation, en écoute. Donc effectivement cela peut passer par des outils de l'imaginaire, par les mots. Concrètement, nous avons une grande pratique physique tous les matins. J'ai une très bonne connaissance de l'anatomie, de la physiologie. Cela induit un travail qui structure, qui s'expérimente. Par exemple, je peux déjà demander à une personne de marcher avec les pieds en parallèle. Plus personne ne marche en parallèle aujourd'hui ! C'est une attention. Ou je peux demander à une personne, parce qu'il me semble qu'elle n'utilise jamais son bassin, pendant un jour ou deux, de ne faire attention, de n'écouter, de n'organiser son mouvement, ses déplacements, son énergie que par rapport au bassin. Je travaille sur du concret et je suis d'une exigence maladive parce qu'ils ont tout de suite envie de lâcher l'outil pour gigoter !

L'outil basé sur l'architecture physique des interprètes s'applique-t-il aux musiciens ?

Je travaille avec les musiciens comme je travaille avec les danseurs : l'horizontalité du regard. Qu'est-ce qu'un regard qui se pose sur l'horizon ? Pas au-dessus, parce que dès que l'on regarde au-dessus de l'horizon, derrière cela pince toutes les cervicales qui ne sont pas contentes parce qu'elles ont besoin d'espace. La colonne est derrière nous, toute notre structure est derrière nous et cette conscience oblige à effacer la face ! Alors que nous sommes dans une société qui revendique sans cesse la présentation, ce que l'on voit, ce qui est devant. Mais l'axe qui organise le fonctionnement du corps en mouvement est derrière nous. Je passe mon temps à revenir aux fondamentaux, y compris avec les musiciens. Par exemple, Vincent, notre batteur sur " top ", cela lui a révolutionné son jeu d'arrêter de regarder au-dessus ou tout à coup de baisser la tête vers sa batterie. Il a trouvé un autre espace d'expression musicale avec une multitude de chemins à expérimenter rien qu'en repositionnant son regard.

Est-ce qu'il y a toujours une préoccupation politique ou sociale à la base de votre travail ?

Tout acte est politique. Au tout début, il y a quarante ans, je faisais l'idiote, j'esquivais la question. Aujourd'hui, le fait que je sois en situation de fin de partie m'interpelle, surtout par rapport aux jeunes qui sont en train de se construire, de s'inventer, de rêver. Ce qui me paraît important c'est que certains anciens continuent à " fumer ", c'est-à-dire à transmettre. Je pense que dans " top ", où il n'y a que des jeunes interprètes, je suis en train d'y participer. Il faut être attentif à nos actes parce que quelque part c'est déjà trop tard. Je parle de la situation écologique, je parle de la connaissance, je parle de la beauté. Ce matin je me suis réveillée avec ces deux mots : ajustement infini. Nous devons nous ajuster d'une manière infinie à l'impermanence, et c'est un exercice de haut vol. Cela implique qu'il faut arrêter de dire quelque chose et de faire l'inverse, oui les actes ont des conséquences. C'est extrêmement difficile ce travail que je mène, parce que sous des aspects de grande simplicité il y a une manière de se révéler à soi, mais aussi au monde dans lequel nous nous inscrivons. Avec l'idée de se responsabiliser.

Propos recueillis par Tony Abdo-Hanna en mai 2021.

" top " est présenté avec le soutien de la Fondation d'entreprise Hermès dans le cadre de son programme Artistes dans la Cité.

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" top " - Entretien avec Régine Chopinot * MC93 - maison de la culture de Seine-Saint-Denis à Bobigny

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Tout acte est politique. Au tout début, il y a quarante ans, je faisais l'idiote, j'esquivais la question. Aujourd'hui, le fait que je sois en situation de fin de partie m'interpelle, surtout par rapport aux jeunes qui sont en train de se construire, de s'inventer, de rêver.

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Régine Chopinot est danseuse et chorégraphe, elle est née en 1952 à Bordj el Kiffan en Algérie. 1978, commencement à Lyon avec une création collective puis Paris en 1981. De 1986 à 2008, Régine Chopinot dirige l'un des grands centres chorégraphiques nationaux français (le CCN de La Rochelle). Sa pratique de l'art chorégraphique se trouve à la croisée de la création, de la recherche et de la transmission. En 2008, une nouvelle structure, Cornucopiae - the independent dance - est mise en place pour porter tous ses travaux. De 2009 à 2018, Régine Chopinot s'aventure, questionne et approfondit sa recherche du corps en mouvement en lien avec la force de la parole auprès de cultures organisées par et sur la transmission orale dans le Pacifique Sud : Nouvelle-Calédonie, Nouvelle-Zélande, Japon.

En 2011, Régine Chopinot choisit Toulon pour y vivre et travailler ; Le Port des créateurs, Tiers Lieu Culturel et Citoyen l'accueille en tant qu'artiste associée puis en territoire. De septembre 2019 à avril 2022, avec le soutien de Myriam Mazouzi, directrice de l'Académie de l'Opéra national de Paris, Régine Chopinot projette et réalise " O U I " un projet de transmission et de création qui a pour objectif d'apprendre la langue française en dansant à des personnes en situation d'exil ou en situation de précarité tout en questionnant la pertinence de l'art chorégraphique face à notre société. Trois films documentaires de Jean-Baptiste Warluzel retracent l'aventure de cette expérience unique et forte, visibles sur le site de Cornucopiae et de l'Opéra national de Paris. En 2019, Hortense Archambault, directrice de la MC93 à Bobigny, invite Régine Chopinot et son équipe dans le cadre de la fabrique d'expériences, pour une longue résidence de recherche et de création chorégraphique qui donnera le jour à " top " en septembre 2021 ; un processus qui bénéficie du soutien de la Fondation d'entreprise Hermès pour les trois ans.

En janvier 2021, toujours au sein de la Maison de la Culture de Seine-St-Denis à Bobigny, en coproduction avec le Festival de danse d'Uzès, un sextet - chorégraphie, danse, guitare, son et lumière - est créé sous le nom d' A D-N, les initiales d'Alexandra David-Neel.

Sous le nom Du corps à l'ouvrage, un nouveau cycle de recherche et de création est en cours d'élaboration pour une durée de trois ans, de 2023 à 2025

Retrouvez les spectacles de cet artiste : " TOP " /

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Régine Chopinot est danseuse et chorégraphe, elle est née en 1952 à Bordj el Kiffan en Algérie. 1978, commencement à Lyon avec une création collective puis Paris en 1981. De 1986 à 2008, Régine Chopinot dirige l'un des grands centres chorégraphiques nationaux français (le CCN de La Rochelle).

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Extrait de "A-D-N" , ancien spectacle de Régine Chopinot

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Extrait de "A-D-N" , ancien spectacle de Régine Chopinot

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MC93 - Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis

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Danse Danse Danse ! Régine Chopinot à Toulon, janvier 2022

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Danse Danse Danse ! Régine Chopinot à Toulon, janvier 2022

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Danse Danse Danse ! Régine Chopinot à Toulon, janvier 2022

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Dossier thématique pour une approche de la création contemporaine

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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Introduction

La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

Plus de cinq cents compagnies de danse sont actuellement répertoriées en France. Dix-neuf centres chorégraphiques nationaux sont dirigés par des artistes et participent à l'effervescence d'une scène parmi les plus pointues du spectacle vivant. Le Centre national de la danse, à Pantin, est devenu un haut lieu de soutien et de promotion de la danse sous toutes ses formes.

Le boum des années 80

On date la naissance de la danse contemporaine française du début des années 80. On lui fait brandir l'étendard d'un geste neuf et original qui fait table rase du passé et de la danse classique. On lui accorde une liberté ravageuse et une invention en rapport. On lui donne une couleur politique avec l'avènement de François Mitterrand et la nomination de Jack Lang au poste de Ministre de la Culture qui va soutenir et solidifier ce mouvement artistique en ouvrant les centres chorégraphiques nationaux et en subventionnant les chorégraphes.

Exception française, la danse contemporaine surgit en même temps que des artistes comme Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, Régine Chopinot, Daniel Larrieu, Angelin Preljocaj...Explosion de mouvements, de sensations, de désirs, de couleurs, de musiques... Ces auteurs chorégraphiques imposent sur le plateau des univers, des obsessions, des thèmes et une écriture singulière qui les distingue. Si la plupart d'entre eux a peu ou prou suivi des cours de danse classique ou moderne, certains viennent aussi des arts plastiques comme Gallotta, ou de l'architecture comme François Verret. A 16 ans, Daniel Larrieu préparait un BEP jardins et espaces verts. Le point commun de ces personnalités atypiques : inventer une gestuelle qui ne doit rien qu'à eux et la formidable énergie des années 80.

Identité

Parmi les pièces-phares apparues au début des années 80, il faut citer celles de Dominique Bagouet (1951-1992), dont l'écriture insolite et subtile, mixant les pas classiques à ceux de danses populaires, est un régal de fantaisie fine. Dès 1976, avec Chansons de nuit (1976), interprétée par Bagouet lui-même, accompagnée à l'accordéon par Eliane Lencot, il remporte le Concours de Bagnolet. C'est en 1981 que Régine Chopinot, qui a fondé sa compagnie en 1978, décroche le prix de Bagnolet avec Halley's Comet, bombe d'énergie. Jean-Claude Gallotta lance sa compagnie, le Groupe Emile Dubois, en 1979 avec des amis de tous bords dont la danseuse Mathilde Altaraz. Il impose son talent en 1981 avec Ulysse, " ballet blanc " croisant et décroisant les fils d'élans juvéniles...

Tous jettent sur scène des volées de danseurs urgents, débordants d'électricité et d'appétit... tous différents. Les interprètes contemporains se distinguent des classiques, profilés et impeccables. Il y a des grands, des gros, de petits, des moyens... Certains ne possèdent aucune technique, ni savoir-faire. Aucune importance. Seuls comptent le désir, la sincérité d'un geste, porté par chacun tel qu'en lui-même. C'est la vie qui mène le jeu et la danse.

Les chorégraphes laissent de côté le livret du ballet pour oser d'autres histoires plus explosées, abstraites parfois, quotidiennes aussi, toujours sculptées à même le corps en mouvement. Ils cherchent à dire quelque chose d'inconnu et en trouvent les moyens dans le secret de leur studio de travail.

Le mouvement revendiqué surgit du plus profond des corps et du psychisme des artistes. La danse contemporaine est un art de l'inconscient qui dialogue avec l'inconscient des spectateurs. Conflictuelle, toujours ouverte aux évènements du monde, elle s'en fait le réceptacle et en relance les enjeux sur le plateau.

Le concours de Bagnolet

En 1968, le danseur Jaque Chaurand lance le Concours de Bagnolet. Il veut soutenir les chorégraphes dans un contexte peu propice à la création et à la diffusion. Il donne rendez-vous dans un gymnase à toutes les compagnies qui ont envie de montrer leur travail. Peu à peu, l'affaire prend et s'envole au milieu des années 70. Dès 1976, Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, puis Maguy Marin, sont sur les rangs et décrochent des prix. De plus en plus suivi, dans une ambiance haute en couleurs, le Concours de Bagnolet va devenir la plaque-tournante de la jeune création chorégraphique et le tremplin de ce que l'on appellera la danse contemporaine française.

Tous y défileront, de François Verret à Régine Chopinot, de Joëlle Bouvier et Régis Obadia à Claude Brumachon... En 2009, grâce à l'initiative et la passion du danseur et chorégraphe Emilio Calcagno, et l'accord de Jaque Chaurand, une soirée de pièces intitulée " Nouvelle Vague-Génération Bagnolet " voit le jour. Avec l'accord des artistes, quatre pièces courtes emblématiques signées Bagouet, Gallotta, Larrieu et Preljocaj, sont remontées et transmises à de jeunes danseurs.

Les pionniers des années 70

La danse contemporaine, qui prétendait faire table rase du passé, a évidemment profité du travail et du succès de nombre d'artistes. Les filiations sont nombreuses qui permettent de fixer une photo de famille riche et complexe.

Béjart et Cunningham

Deux figure paternelles ont marqué les danseurs. Côté européen, Maurice Béjart, personnalité contestée parfois par les jeunes contemporains mais imparable, est de plus en plus reconnue. Celui qui a fait de la danse un art populaire a mis en scène des pièces inoubliables comme Symphonie pour un homme seul (1955), Le Sacre du printemps (1959) ou encore Boléro ( 1961). Il a osé le métissage des cultures et des musiques, les hommes en jeans, le théâtre total, l'érotisme et la philosophie... Il a ouvert en 1970 une école Mudra, à Bruxelles, qui accueillera jusqu'en 1987 quelques-uns des chorégraphes les plus en vue comme Anne Teresa de Keersmaeker, Catherine Diverrès, Bernardo Montet, Hervé Robbe, Michèle Noiret et bien d'autres. Avec lui entrent en scène la narration, le théâtre, le spectaculaire, le mélange des genres...

De l'autre côté de l'Atlantique, Merce Cunningham (1909-2009 ), dans le studio duquel nombre de danseurs et chorégraphes viendront chercher des outils de travail au début des années 80, attire pour sa modernité, son talent pour l'abstraction, sa revendication du mouvement pour le mouvement...

L'école américaine

Les artistes français filent aussi faire leurs apprentissages et se doter d'outils de travail auprès d'Alwin Nikolais (1910-1993), qui sera directeur du Centre national de danse contemporaine d'Angers de 1978 à 1981. Parmi ses élèves, Philippe Decouflé, Dominique Boivin, Marcia Barcellos, Maria Donata d'Urso et bien d'autres, aujourd'hui chorégraphes reconnus.

L'influence américaine sur la danse contemporaine est très forte.

Ex-interprètes de Nikolais, Susan Buirge et Carolyn Carlson s'installent à Paris au milieu des années 70 et rassemblent autour d'elles nombre de jeunes artistes en rupture de ban. Invitée par le directeur de l'Opéra de Paris Rolf Lieberman, Carlson ouvre le Groupe de recherches théâtrales de l'Opéra de Paris ( GRTOP) en 1975 et donne des ateliers pendant cinq ans dans la Rotonde des abonnés.

Côté allemand

Du côté allemand, l'influence est moindre, même si l'impact de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009), directrice du Tanztheater Wuppertal depuis le milieu des années 70, se fait sentir sur le milieu de la danse et du théâtre. Des personnalités comme Françoise et Dominique Dupuy, collaborateur du chorégraphe allemand Jean Weidt dans les années 40, ont créé leur compagnie en 1955 et perpétuent un geste chorégraphique enraciné dans l'urgence intérieure. En 1969, ils ont ouvert les Rencontres Internationales de Danse Contemporaine, au sein desquelles un institut de formation partagé avec Jacqueline Robinson formera nombre de jeunes artistes. La danseuse Karin Waehner (1926-1999), complice de Mary Wigman ( 1886-1973) dans les années 40 à Leipzig, enseigne à la Schola Cantorum à Paris et transmet une pensée de la danse ancrée dans l'expression de la personnalité de chacun. Elle y aura comme élève Angelin Preljocaj qui ira aussi à New-York travailler chez Cunningham.

Le clash des années 90

Au milieu des années 90, d'anciens interprètes de Régine Chopinot, Philippe Decouflé, Jean-Claude Gallotta... se rebellent contre la belle danse des années 80, celle qui abat du mouvement au kilomètre pour le seul plaisir d'additionner des gestes les uns aux autres. Ils se dressent aussi contre le spectaculaire, la virtuosité, le luxe de certaines productions...Ce qu'on va appeler " la non-danse ", la " danse conceptuelle " ou " plasticienne " apparaît et brise les codes en vigueur. Les noms de Jérome Bel, Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, Alain Buffard, Christian Rizzo... grimpent en haut de l'affiche. Ils disent " non " !

" Non " à la gratuité du geste, aux décors, aux costumes, aux effets de lumière, à la musique... Le spectacle Jérôme Bel en 1995, sur le plateau du Théâtre de la Bastille, à Paris, se lit comme un manifeste. Deux danseurs nus, une chanteuse dans le même appareil qui ose un Sacre du Printemps a capella, une petite ampoule pour tout éclairage. Ils épellent leurs codes vitaux (nom, prénom, mensurations, compte bancaire, montant d'argent à disposition...) tout en triturant leur corps. Avec Jérôme Bel, Jérôme Bel affirme haut et fort son impossibilité de lever la jambe, d'enfiler des mouvements comme des perles... Il pose aussi sur le plateau l'un de ses thèmes de prédilection, celui de l'identité.

Cette remise en question de tous les paramètres du spectacle de danse, comme il faut s'y attendre, va opérer un bouleversement sur les plateaux. L'obscurité envahit la scène - Emmanuelle Huynh crée Mua (1994), un solo plongé dans le noir - ; le mouvement se fige. Les spectacles chorégraphiques se rapprochent d'installations plastiques ou de performances.

Boris Charmatz, nommé directeur du Centre chorégraphique national de Rennes en 2008, a choisi de le rebaptiser Musée de la danse. Au carrefour de la danse, de l'écriture, des arts plastiques, de la pédagogie, il revendique ce lieu comme " une idée nomade, qui peut se déplacer, abriter du temps, du vide, des discours, des nus, du politique, des discussions, des œuvres et des fantasmes... ".

Le grand mix des années 2000

La non-danse a considérablement changé la donne chorégraphique et permis à des formes inédites de voir le jour. Elle a aussi parfois figé l'invention du mouvement au risque de le paralyser. Parallèlement, les spectacles chorégraphiques sont devenus les plaques-tournantes de multiples pratiques, accueillant le texte, les arts plastiques, la vidéo, le cirque, les marionnettes... Au risque parfois de devenir un fourre-tout et de ne plus ressembler du tout à ce qu'on peut appeler une pièce de danse. Des expressions sont apparues comme, par exemple, " la danse dansée " ou " une proposition dansée dansée "* ! Symptômes presque comiques d'une situation artistique telle que le seul mot " danse " ne signifie pas tout à fait ce que l'on croit.

La danse devient un laboratoire très excitant qui ose tout jusqu'à faire disparaître les danseurs dans l'obscurité ou les remplacer par des robots. Le " grand mix " est devenu monnaie courante sur scène. Les spectacles multimédia, pluridisciplinaire, hybrides, transdisciplinaires... fleurissent. En 2009, l'Association régionale pour la création artistique et la diffusion en Ile-de-France (Arcadi) a fait disparaître son département " danse " : il est désormais englobé dans un pôle " arts de la scène ". Il n'empêche que de nouveaux noms, tous passionnants, tous différents, surgissent encore et toujours, affirmant la puissance de la danse comme Olivier Dubois, Alban Richard, David Wampach... L'éclectisme du paysage chorégraphique s'affirme avec vigueur.

Le revival des années 80

Le chambardement de la danse conceptuelle a cependant entraîné une désertion d'une partie du public. Asséner un art déceptif, pourquoi pas, mais le retour de bâton s'appelle parfois pour certains spectateurs " déception, frustration et arnaque ". Cela explique-t-il le retour depuis la fin des années 2000 de pièces des années 80 ? Sans doute. Pudique acide/Extasis (1984), remontés en 2011 par Mathilde Monnier et Jean-François Duroure, Daphnis et Chloé, remis en selle par Jean-Claude Gallotta, connaissent un succès sans précédent depuis 2011. Le plaisir et la liberté de danser, l'invention chorégraphique, la nécessité profonde de chaque mouvement, a suscité une adhésion franche du public. L'optimisme aussi, la foi dans l'avenir et l'amour de l'autre qui irriguent les spectacles des années 80 ont aussi touché les spectateurs dans un contexte de crise et d'individualisme. Jaque Chaurand, le fondateur du Concours de Bagnolet, explique ce succès en ces termes : " Y en a marre de la tristesse et des prises de tête philosophiques dans la danse. Alors que dans les années 80, les chorégraphes critiquaient la danse classique pour son élitisme, ils créent aujourd'hui des pièces réservées à une autre élite. Ce retour aux années 80 signale selon moi un désir profond de retrouver la simplicité, la spontanéité de cette époque. Pour quelles raisons la danse contemporaine a-t-elle eu autant de succès ? Parce qu'elle était proche du public, de la vie de tous les jours et des problèmes de tout un chacun... " Ces pièces sont devenues, selon l'expression de Jean Ripahette, directeur de projets au Centre chorégraphique national de Grenoble dirigé par Jean-Claude Gallotta, des " produits d'appel ", renouant avec ce que certains considèrent comme l'âge d'or de la danse contemporaine française.

Pour aller plus loin

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - La danse contemporaine française - Ina.fr

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La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

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Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres

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Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres

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Mallette pédagogique par le réseau CDC

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mallette_2_dossier_2014 danse en 10 titres

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Pouvoir parler de la danse avec le vocabulaire dédié

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présentée par le Manège

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Pour créer un "journal du spectateur" avec des élèves après la venue au spectacle

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La posture est la position du corps dans l'espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique... Tu peux aussi t'apercevoir qu'en fonction de ton état (fatigue, joie, tristesse, etc.), tu ne te tiens pas toujours debout de la même manière. La posture n'est donc pas le fait d'être debout immobile. Elle est la relation de ton corps à l'espace, au sol, à son poids, à ses émotions et son histoire. On ne se tient pas tous debout de la même manière. On marche tous d'un pas différent. Si tu regardes les photos qui suivent, tu peux voir que les postures reflètent des états de corps différents, mais sont aussi caractéristiques de certains styles de danse.

Buster Keaton dans Bad Luck

Israel Galvan dans La Edad de Oro

Rudolf Noureev*, danseur étoile,
puis directeur de l'Opéra de Paris

Un homme se tient debout
sur la place Taksim d'Istanbul

Elles peuvent aussi exprimer des attitudes très précises, comme ce jeune garçon qui a tenté de se tenir debout immobile plus de 24h sur cette place d'Istambul en Turquie en signe de résistance contre le gouvernement.

Eduard Manet,
étude parisienne d'Ellen Andrée, 1874

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La posture est la position du corps dans l'espace. Pour sentir comment ton corps se tient, il faut que tu lui portes une certaine attention. Par exemple, si tu te mets debout, tu peux sentir comment tes pieds sont positionnés, quelles sont les parties de ton corps qui sont relâchées (ou pas), où se situe ta tête par rapport à ta cage thoracique...