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¡Qué obra tan interesante y llena de vida! "El quitasol" refleja claramente la influencia del neoclasicismo y el rococó, con esos colores pastel luminosos y una composición equilibrada que transmite alegría y espontaneidad. La escena costumbrista, con una joven aristócrata vestida a la moda francesa y acompañada de un majo, captura un momento cotidiano lleno de coquetería y diversión, muy en sintonía con las modas de la época.

Me gusta cómo Goya juega con la luz y las diagonales para dirigir nuestra atención hacia el rostro de la joven, que es el centro emocional del cuadro. La sombrilla verde no solo aporta color, sino que también ayuda a crear sombras y matices que enriquecen la escena. La expresión alegre y la actitud seductora de los personajes transmiten una sensación de optimismo y despreocupación, aunque también dejan entrever un posible flirteo entre ellos.

El uso de formas geométricas como el triángulo y la forma ovalada en el rostro aporta estabilidad y armonía a la composición, mientras que el paisaje vaporoso en el fondo añade profundidad sin restarle protagonismo a la pareja. La pincelada suelta y la atención al detalle en elementos como el perrito negro con lazo rojo muestran la maestría de Goya en captar momentos cotidianos con un toque de alegría.

En el contexto de su carrera, esta obra pertenece a su primera etapa, cuando aún predominaba un tono optimista y alegre, influenciado por el rococó y el neoclasicismo. Es fascinante cómo, a medida que avanzaba su vida y enfrentaba dificultades como la sordera, su estilo se tornó más crítico y expresivo, pero en esta obra todavía se respira esa luz y esperanza que caracterizan sus primeros trabajos.

En definitiva, "El quitasol" es una obra que combina técnica, color y expresión para ofrecer una visión encantadora de la vida cotidiana en la época, con un toque de alegría que todavía nos invita a sonreír.

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Esta obra de Goya, realizada en 1800, es un retrato colectivo que refleja con gran maestría la personalidad y el carácter de la familia real española en ese momento. La composición, inspirada en las influencias de Velázquez, combina elementos estáticos y dinámicos, logrando un equilibrio visual muy interesante. La disposición en grupos y las curvas que guían la mirada aportan movimiento y profundidad, a pesar de la estructura cerrada y vertical del cuadro.

Lo que más destaca es cómo Goya logra captar la psicología de los personajes: la reina con su aire vanidoso y la figura del rey, más apagada y ausente, reflejan sus personalidades reales. La riqueza en detalles, como las joyas y los trajes, junto con el uso del color y la luz, realzan la importancia de cada figura y crean un efecto de volumen y realismo. La iluminación desde la izquierda y las sombras contribuyen a dar profundidad y a resaltar los rostros y las texturas.

Además, el cuadro no solo es un retrato, sino también una especie de comentario social y psicológico, donde Goya muestra a personajes que parecen más humanos y menos idealizados, casi como personas comunes en un entorno de fiesta o celebración. La obra refleja también el contexto histórico de la época, marcada por cambios políticos y sociales que influían en la percepción de la monarquía y en la propia visión artística de Goya.

En definitiva, es una obra que combina técnica, simbolismo y una profunda comprensión de la psicología humana, consolidando a Goya como uno de los grandes genios de la pintura, precursor de movimientos posteriores como el romanticismo y el expresionismo.

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 “EL 2 DE MAYO DE 1808 EN MADRID ” o “LA LUCHA DE LOS MAMELUCOS”.

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 “EL 2 DE MAYO DE 1808 EN MADRID ” o “LA LUCHA DE LOS MAMELUCOS”.

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Este cuadro de Goya es realmente impactante y lleno de fuerza expresiva. La forma en que representa la violencia ciega e irracional del levantamiento del 2 de mayo de 1808 nos sumerge en la brutalidad del momento. La composición dinámica, con sus curvas y diagonales, junto con las pinceladas rápidas y contrastes de color, transmiten una sensación de movimiento y rabia que parece casi palpable. La escena no solo muestra la violencia física, sino también la emocional, reflejada en los rostros desencajados y en la expresión de terror y furia en los ojos de los personajes. La presencia del caballo verdoso y la sangre en el cuadro acentúan aún más el dramatismo. En definitiva, Goya logra captar la irracionalidad y el caos de la guerra, haciendo que el espectador sienta esa misma intensidad y violencia. Es una obra poderosa que va más allá de un simple hecho histórico, invitándonos a reflexionar sobre la brutalidad y el sufrimiento en tiempos de conflicto.

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“LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO DE 1808”.

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“LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO DE 1808”.

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Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808" de Goya es una obra realmente impactante y emotiva. En ella, el artista nos muestra con gran dramatismo la ejecución de los madrileños por las tropas francesas tras el levantamiento del 2 de mayo. La composición es poderosa, con un fuerte contraste entre la oscuridad del fondo y la iluminación en el centro, donde se destacan las figuras de los fusilados y el hombre con la camisa blanca, que parece ser un símbolo de esperanza y resistencia. La expresión de terror y desesperación en los rostros de las víctimas, junto con la postura rígida y la violencia de la escena, transmiten una sensación de horror y brutalidad. La luz que ilumina a los fusilados crea un efecto casi de martirio, haciendo que la escena sea aún más conmovedora y llena de significado. La obra refleja la crueldad de la guerra y el sufrimiento humano, y a la vez denuncia la violencia y la injusticia. Es un cuadro que invita a la reflexión sobre la barbarie y la resistencia frente a la opresión.

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En primer término, en el centro de la composición, un hombre con los ojos vendados ha sido atado a un poste. Se trata de una figura serena y cargada de dignidad cuyo rostro se inclina hacia el suelo; espera resignado su fusilamiento. A su lado yace el cadáver de otro que acaba de ser asesinado y que carece de la venda. Es probable que ésta haya sido utilizada para cubrir el rostro del personaje que está a punto de ser fusilado en primer término. Detrás de él podemos ver otros dos postes a los que han sido atados sendos hombres que están siendo fusilados por un pelotón de soldados que apuntan su arma.

Goya recoge en una sola imagen tres fases de la muerte de los prisioneros: la preparación, el momento del fusilamiento y el cadáver del ajusticiado. En el lateral derecho de la imagen ha representado los cañones de los fusiles de los soldados, aunque no a éstos. Tanto aquí como en el caso del pelotón que está en el fondo cuyos rostros permanecen ocultos, resulta imposible identificar al verdugo.

Con la técnica del aguafuerte el pintor aragonés ha trazado líneas horizontales breves y muy próximas entre sí para recrear el cielo y la tierra, así como los postes en que son atados los presos. La luz se concentra en las vestiduras inmaculadas de los reos, alusivas a su inocencia. En ellas Goya ha dejado casi toda la superficie sin trabajar, únicamente ha realizados algunos trazos para construir las mangas, la parte baja de los pantalones y los zapatos. Asimismo, también ilumina al pelotón de soldados del fondo con la intención de que no perdamos de vista lo que está sucediendo en esta parte de la escena.

Este grabado ha de ser relacionado con el anterior, el nº 14, Duro es el paso puesto que ambas estampas constituyen dos variantes de un mismo tema, la pena de muerte. Sin embargo en Y no hai remedio no son los españoles quienes ajustician a los franceses sino estos últimos quienes hacen lo propio con los españoles, así Goya ha equilibrado la balanza del horror. El pintor se siente absolutamente incapaz de justificar este hecho, tanto en un caso como en otro, y crea una analogía entre dos imágenes similar a la que emplea en los grabados nº 2, Con razón o sin ella y nº 3, Lo mismo.

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. Nos situamos al final de la vida de Goya. La turbulenta vida personal del pintor, que mantiene una relación “adúltera” con una mujer casada (Leocadia Weiss) y la mala relación con el rey Fernando VII propician que Goya se refugie en una pequeña finca a las afueras de Madrid, la denominada “Quinta del Sordo”. Allí realiza, entre 1.819 y 1.823 (ya en pleno Trienio Liberal), las Pinturas Negras, unas obras que Goya realiza en óleo sobre lienzo aplicado directamente sobre la pared recubierta de yeso (por tanto no son frescos). A finales del s.XIX fueron trasladados a lienzo y hoy se conservan en el Museo del Prado. La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada años más tarde por un amigo personal, y se compone de lienzos tan destacados como “El Aquelarre” , “Duelo a garrotazos” o “La romería de San Isidro”. 2) TEMA. Es un tema mitológico que en el contexto político del momento podría interpretarse como “España devorando a sus hijos”, es decir, haría referencia a las luchas cainitas entre los bandos políticos (absolutistas, liberales, afrancesados) que desgarran la vida nacional desde 1.808. También puede mostrar la barbarie y la crueldad sin límites, pues Saturno no muestra compasión ante sus hijos con tal de mantenerse en el poder (¿Fernando VII devorando españoles?). 3) COMPOSICIÓN. Sobre un fondo negro, aparece una figura esbozada y entrecortada que irrumpe de derecha a izquierda del espectador. La luz, que entra en sentido contrario, contribuye a dotar a la escena de fugacidad, situándola en un espacio atemporal carente de referencias físicas. Esto refuerza el carácter onírico, como de pesadilla, tan característico de las pinturas negras. 4) VALORES PLÁTICOS. Lo más destacado es la pincelada, muy suelta y aplicada en manchas muy saturadas de pasta, renunciando a la forma y por tanto al dibujo académico. Elige una gama cromática muy apagada, las formas se diluyen en tonos terrosos sobre un fondo negro. Únicamente el blanco de los ojos de Saturno y el rojo de la sangre salpican de luz al conjunto, centrando nuestra atención. El modelado tradicional salta por los aires, pues Goya yuxtapone pinceladas (manchas de color informes) sin recurrir al claroscuro. Por eso es una pintura “moderna”, como veremos a finales de siglo con las vanguardias. 5) FORMAS DE EXPRESIÓN. Son figurativas, pero antinaturalistas. Goya renuncia a la naturaleza (¡y estamos en 1.820!) para expresar lo que siente, sus miedos, y las emociones no necesitan estar supeditadas al mundo físico, pues salen de dentro y ahí la libertad es absoluta. Estos lienzos podrían interpretarse como un diario personal sin letra, sólo con imágenes, y están destinadas a expulsar su rabia y sus miedos (la sordera y la enfermedad aportarían sin duda una fuerte carga existencial al final de su vida)

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La obra que vemos a continuación se titula LA LECHERA DE BURDEOS, realizada por el pintor Francisco de Goya y Lucientes, ejecutada en 1827. Mide 74 x 68 cm, en estos momentos está expuesta en el Museo del Prado, en Madrid.

Se trata de un retrato de una figura femenina, de forma espontánea, constituyendo una pintura de género enmarcada en la tradición de las pinturas de oficios que se realizaban desde mediados del siglo XVII. No tiene paisaje, el fondo es simple. Es una obra bastante sencilla.

Es óleo sobre lienzo, en el que aparece la mujer que le llevaba la leche todas las mañanas a su casa y a la que finalmente decide ofrecerle este recuerdo. La composición es sencilla, rectangular/piramidal ya que la mujer aparece sentada (supuestamente sobre una montura), hay una línea curva principal que la forma el cuerpo de esa mujer, que está sentada levemente inclinada. Da sensación de ausencia de movimiento, la mujer está tranquilamente sentada mirando a algún punto.

La obra representa a una mujer, que como se ha dicho antes, solía llevarle la leche a Goya. Está sentada, con expresión tranquila, con cierta melancolía. Su tez es pálida, iluminada. Va vestida de un especie de vestido-túnica, de color gris-verdoso, el color varía según la iluminación. Encima del vestido tiene una especie de pequeño manto, de color marrón-beis claro. En la cabeza lleva el pelo recogido con un pañuelo de tonalidades blancas, con un tratamiento pictórico similar a la vestimenta. En general, la mujer aparece muy sencilla, sin elementos llamativos, transmite serenidad y poco dinamismo. El fondo es claro, con matices azulados en la esquina superior derecha. A su lado encontramos un cántaro de leche.

Los tonos grises y verdosos dominan armónicamente conjuntados, la pincelada es corta y aparece la yuxtaposición de toques de color, tal y como bastantes años después harían los impresionistas, de cuyos hallazgos es una clara anticipación.

La pincelada es suelta y libre, la mancha de color como trazo característico, los colores muy empastados y los tonos grises y verdosos dominan armónicamente conjuntados. Pero hay dos aspectos muy significativos en este cuadro: por una parte la aplicación de color en grandes manchas se realiza de tal manera que los tonos se superponen unos a otros (yuxtaposición de toques de color), de modo que en vez de mezclarse sobre el lienzo se mezclan en nuestra propia retina; y en segundo lugar, que ciertas tonalidades cambian de color o lo intensifican cuando se trata de crear sombras o una mayor luminosidad, tal y como bastantes años después harían los impresionistas.

La luz parece artificial, pero no se nota demasiado. Hay solamente un foco que ilumina levemente todo el cuadro, lo que se dice que la luz se reparte de forma uniforme, sin crear contrastes ni claroscuros. Goya busca dar un efecto de sencillez.

Viendo toda la obra de Goya, se deduce que es un pintor totalmente moderno, que toma todas las influencias de los distintos estilos (Neoclasicismo, Romanticismo e incluso el Barroco) y esta obra en concreto se anticipa en mucho tiempo a un montón de estilos que aparecerán más adelante. Queda claro que Goya se adelanta al Romanticismo, al Expresionismo, al Impresionismo, etc. sentando bases para nuevos movimientos artísticos.