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The Curtain of Time - Julian Irlinger; Besuch im Protikus 

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The Curtain of Time - Julian Irlinger; Besuch im Protikus 

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Julian Irlingers Werk The Curtain of Time erinnert in der Ausstellungskuration an einen Büro-Cube. Gezeigt wird eine Animation, die in einer Endlosschleife läuft und ähnlich wie alte Trick- oder Animationsfilme aus den 60er- bis 80er-Jahren. Dieser Stil weckt Assoziationen zu Serien wie Herr Rossi sucht das Glück oder Der rosarote Panther. Durch diese bewusste Anlehnung entsteht ein Kontrast zwischen nostalgischer Optik und moderner Thematik.

Inhaltlich thematisiert die Arbeit das Verschlafen des grauen Alltags und übt gleichzeitig Kritik an moderner Architektur. Der zentrale Charakter, ein Architekt, entsorgt im Film Entwürfe berühmter Architekten – unter anderem im Bauhausstil – und entscheidet sich stattdessen für Skizzen von Fachwerkhäusern. Dieser Moment wirkt wie ein klares Statement. Es geht um eine Rückbesinnung auf das Traditionelle, vielleicht sogar eine Ablehnung moderner, funktionaler Architektur.

Auch der Ausstellungsraum selbst (der Portikus) erscheint in einem eher traditionellen Stil. Diese Parallele könnte bewusst gewählt sein, um die zentrale Frage des Werks zu verstärken. Wie zeitgemäß ist moderne Architektur noch? Und wohin entwickelt sich unser ästhetisches Empfinden im Alltag? Gleichzeitig verweist das Werk auf große Namen der Architektur- und Kunstgeschichte, etwa auf Pollock oder Le Corbusier, und ordnet sich so bewusst in einen größeren kulturellen Kontext ein.

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DZ-Bank Ausstellung: Im Banne des Zorns (Andreas Mühe)  

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DZ-Bank Ausstellung: Im Banne des Zorns (Andreas Mühe)  

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Das Kunstwerk zeigt denselben Mann in zwei Versionen: einmal trägt er eine Nazi-Uniform, einmal ist er nackt. Diese Gegenüberstellung wirft sofort Fragen zur Identität und Wahrnehmung auf – ohne Uniform ist der Mann nicht als Nationalsozialist zu erkennen und zeigt sich als Mensch. Eventuell auch so, wie ein Soldat zu Hitlers Zeit auszusehen hatte.

Auffällig ist auch die Art der Hängung. Das Bild hängt etwas tiefer als üblich, wodurch der obere Bereich des Bildes etwa auf Augenhöhe liegt. Genau dort befindet sich ein schwarzer Bereich, in dem sich durch das spiegelnde Glas der Betrachtende selbst sehen kann. Der Blick fällt also zunächst auf das eigene Spiegelbild. Erst im zweiten Moment wandert der Blick nach unten zur abgebildeten Figur – man schaut auf sie herab.

Diese Blickführung scheint bewusst gestaltet zu sein. Das Herabblicken auf die Person verstärkt eine kritische Distanz, fast schon eine Verurteilung. Gleichzeitig entsteht ein Spannungsmoment. Man sieht sich selbst direkt über dem Bild eines Nazis. Das kann als Aufforderung zur Selbstreflexion verstanden werden – über eigene Haltungen, über Vorurteile, über politische Positionen.

Die Inszenierung ist also nicht nur ein politisches Statement, sondern auch ein gezielter Anstoß zur Auseinandersetzung mit sich selbst.

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Absprechen mit allen anderen, die MP machen, wie alle Arbeiten in einem Raum präsentiert werden sollten

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1. Objekt und Präsentation

3D-Objekt erneut einscannen.

Gibt es eine Form von Display?

Lebt das Objekt in seiner natürlichen Umgebung oder wird es in ein Passepartout integriert?

Ordnungs- und Präsentationssysteme, kategorisiert.

2. Funktion und Konzept

Sehr spezifische Funktionalität, die jedoch nicht gegeben ist – was könnte sie sein?

Spuren der Produktion oder Überbleibsel sind oft spannender als das Endprodukt (z. B. Stützen beim 3D-Druck).

„Prozess über Produkt“ als künstlerisches Konzept – in der Kunst verbreitet.

Künstler*innen recherchieren, die nach diesem Prinzip arbeiten.

3. Bezug zu anderen Arbeiten / Künstlerische Einflüsse

Charlotte Posenenske – Stichwort: Lüftungsschacht.

Wer knüpft an diese Arbeit an? Kann man sich irgendwo anschließen?

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Hier kann das HeyGen-Tutorial angeschaut werden. Dieses ist über Google Präsentationen sichtbar.

https://docs.google.com/presentation/d/1ngFn9DyuQL4OI0giIbN-GYUO9JtdEFhV1zKUHQ-0MXc/edit?usp=sharing

Weitere Gruppenmitglieder: Carissa Simon, Jana Fischer, Marie Kasner und Jana Fischer.

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Hier ist ein Beispiel von Leonardo AI. Die Prompte haben nur so mäßig funktioniert.

Eher Fantasy

Zeichnungen zu Bild funktionieren Schnell und gut!

eher düstere Darstellungen

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invideo-ai-480 Das glückliche Huhn und sein Fund! 2025-05-14

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Notizen zu den anderen Referaten - Teil 1

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Notizen zu den anderen Referaten - Teil 1

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Veneta Androva,

Ear Cleaning (2018) - Ein Computer-Avatar flüstert demokratiefeindliche Texte, was sich mit Abschnitten Abwechselt in denen einer Plastikpuppe die Ohren gereinigt werden.

Sie untersucht in ihren Arbeiten soziokulturelle Auswirkungen von Macht.

In Ear-Cleaning werden problematische Kommentare von Sozial-Media verwendet, die in Nachrichtenforen gepostet wurden. Das Flüstern soll angenehm sein und den Konsum von problematischen Inhalten leicht machen.

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Andreas Mühe

Deutscher Fotograf aus der DDR.

In seinen Arbeiten beschäftigt er sich mit der (deutschen) Geschichte und auch den Themen Familie, Identität. Seine Arbeiten sind initiiert und gestellt.

Die Serie "Freitag der 13" beschäftigt sich mit der NSU Terrorzelle.

Diskutabel ist, dass er in seinen Abreiten RAF und NSU bzw. DDR mit NAZI Regime in seinen Hängungen und Arbeiten gleichsetzt. Die Differenzierung überlässt er den Betrachter*innen. Das kann man als fahrlässig ansehen, da dies die weit verbreitete "Hufeisen-Denke" reproduziert und bestätigt, die falsch ist.

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Notizen zu den anderen Referaten - Teil 2

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Notizen zu den anderen Referaten - Teil 2

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Alexander Radan

1988 in Offenbach geboren, Hochschule für Gestaltung in Offenbach studiert.

Schwerpunkte: Game Art (Videospiele), Film und Digitale Medien. Er setzt sich mit den Themen, technologische Entfremdung und digitaler Identität auseinander.

Er arbeitet mit Found Footage und Modifiziert Computerspiele (Modding)

Zweckentfremdung von Dekontextualisierung von Games

"This Water Gives Back No Image (2017)

Palmen werden gefilmt - scheinen zuerst real, sind aber modifizierte Landschaften aus GTA V.

Figur bewegt sich im Raum und ertrinkt am Ende. Sie schaut sich ein Gedicht über Rassismus an.

Inhalt: Digitale Charaktere können sich nicht selbst wahrnehmen. Sie werden Programmiert. Dies kann auf eine stereotypisierte und von Rassismus betroffene Menschen übertragen werden.

EXKURS

"In Game Tourism"

Reisen im digitalen/virtuellen Raum

Ästhetische und immersive Erfahrung im Videospiel.

Ändert den Fokus des Spielers. Es geht um die Freude am Erkunden und eben die Spielkultur, immersive Erfahrung.

"In Game Photography"

Bildaufnahmen im Videospiel (Screenshots, Fotomodus)

Verschiedne Absichten

Momentaufnahmen

ästhetische Absichten (Betrachtung von Perspektive, Licht. Komposition etc.) Man geht wie ein Fotograf vor.

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Barbara Hlali

1979 geb. als Barbara Schmidt

Bekannt für Trickfilme und Videoinstallationen.

thematisiert häufig Krieg, Widerstand und der Suche nach Frieden.

Arbeit: Videopainting ( Painting Paradise)

Im exten Video wurden einzelne Dinge übermalt. Bilder verschwimmen und wirken alt. Ähnelt Trickfilm. Mystische bis später bedrohliche Musik. Film thematisiert den Beginn von Vertreibung und Krieg. (Zerstörung eines Paradieses)

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Julia Charlotte Richter

Themen: Adoleszenz, emotionale Konflikte, Bewusstsein, Lebensphasen

The promised Land (2013)

Klaustrophobische Stimmung, verkrampft, innere Unruhe, Augenkontakt wird gemieden.

Männer in Anzügen sitzen am Konferenztisch und unterhalten sich nicht. Sie fangen später im Video an zu weinen. "Männer kämpfen gegen das Schuchzen, aber es ist stärker als die."

Toxische Männlichkeit könnte Kritisiert werden. Sie meine "Ich will viele Männer in einem Raum weinen sehen".

Bibelreferenz - Wohlstand als "Promised Land" (Kapitalismuskritik - Am Ende heulen alle: Es funktioniert nicht)

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Franzis Alys

Arbeitet viel in Mexiko Stadt

Videograpfische Mittel sind: Kaum Nachbearbeitung, Natürliche Farben, Vereinzelte symbolische Farbakzente, ruhige Sandige Farben.

Arbeiten:

Paradox of Practise

Er hat einen riesigen Eisblock durch Mexiko Stadt geschoben. Alles als Video festgehalten.

Videoarbeit "The Rehearsal I" (1999-2001)

Ein altes Auto versucht einen Berg hochzufahren, schafft es aber in verschiedenen Anläufen nicht. Es nimmt immer wieder "Anlauf" aber kommt nicht den Berg hoch. Sobald das Auto vorwärts fährt ertönt laute Marschmusik oder Blaskapellenmusik. Das Auto wird auf der Mitte des Berges immer langsamer, sobald es anfängt rückwärts wieder nach unten zu rollen, erstirbt die Musik bzw. wird sehr leise. Jeder Versuch wird mit Pauken und Trompeten begleitet.

Das Video geht über 29:25 Minuten.

Kampf und Ergebnis wird thematisiert. Das Ergebnis ist dabei weniger wichtig (Prozess ist wichtiger als das Ergebnis)

Die Arbeit ist eine Matapher für Mexikos ambivalentes Verhältnis zur Arbeit.

Die Arbeit transformiert von alltäglichen Handlungen zu poetischen Gesten. Das Werk wird als politische Parabel gesehen.

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Die AI hat den einen Scan (siehe 21. Mai - der Scan mit den Vielen "Röhrchen". Die AI sollte aus den Röhrchen Insekten krabbeln lassen.

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Mir haben die bisherigen Scans gut gefallen, weshalb ich weitere erstellt habe – diesmal mit etwas mehr Dynamik im Entstehungsprozess. Die Hell-Dunkel-Kontraste entstanden dadurch, dass ich während des Scanvorgangs ein weißes Blatt Papier als Reflektor eingesetzt und kontrolliert bewegt habe, um das Licht gezielt zu lenken. Herausgekommen sind bilder, die sehr stark mit Positiv-Negativ-Raum spielen. Man kann sich nicht ganz entscheiden, wo sich der Raum nun befindet oder sich eben nicht befindet. Das mag ich eingeltich gerne.

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Keld Helmer-Petersen, Fils électriques 1, Kopenhagen, 1950

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Keld Helmer‑Petersen (1912–2013) war ein dänischer Fotograf und Pionier der abstrakten Bildgestaltung. In seinen Scanografie‑Arbeiten legte er Insekten, Pflanzenteile und Fundstücke direkt auf den Flachbettscanner und schuf daraus kontraststarke Schwarz‑Weiß‑Kompositionen, in denen Struktur und Form der Objekte in den Vordergrund treten.

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Ich habe mich für das Videoformat auf dem Fernseher entschieden, da die Farbwiedergabe dort am praktikabelsten ist und die Geräuschuntermalung am besten funktioniert. Die Möglichkeiten im Ausstellungsraum haben mir beim Beamer nicht zugesagt, und auch die Tonausgabe wäre dort problematisch gewesen. Der Ton ist mir jedoch wichtig, da die Arbeit durch den Loop eine maschinelle Qualität erhält. Das White-Noise-artige Geräusch wirkt dabei ebenfalls sehr repetitiv und ergänzt die Arbeit auf eine stimmige Weise.

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Joseph Cornell sammelte unermüdlich allerlei Fundstücke, von alten Fotografien über Muscheln bis zu Kinofilmstreifen, die er in seinem Atelier häufte und nach Themen sortierte. Für ihn war das Sammeln selbst bereits ein schöpferischer Akt. Jeder Gegenstand birgt eine Geschichte und lädt zur Neuinterpretation ein. Erst durch die bewusste Auswahl und Kombination dieser Materialien in seinen „Shadow Boxes“ entstehen jeweils kleine Mini‑Erzählungen.

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Ryoji Ikeda (geb. 1966) ist ein japanischer Klang‑ und Medienkünstler, der an der Schnittstelle von elektronischer Musik und digitaler Visualisierung arbeitet. In seinen Installationen übersetzt er abstrakte Datenströme in pulsierende Schwarz‑Weiß‑Raster und elektronische Töne, die in nahtlosen Loops auf LED‑Wänden oder Projektoren laufen. Seine minimalistische Ästhetik hat eine hypnotische Wirkung, in der Klang und Licht zu einer art Einheit werden..

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In meiner Arbeit habe ich mit 3D-Druckresten gearbeitet, also mit den Stützen und Bruchstücken, die normalerweise weggeworfen werden. Ich habe diese gesammelt, neu kombiniert und anschließend mit einem Flachbettscanner digitalisiert. Dabei entstand ein Bild, das stark mit Negativ- und Positivraum arbeitet.

Der Entstehungsprozess war sehr intuitiv und vom Experiemt geleitet. Ich habe viel ausprobiert, geschoben, gescannt, verworfen und neu geordnet. Ich habe mit dem Material, mit dem Scanner und Photoshop emperienitert. Aus diesen Experimenten ist dann die Arbeit resultiert.

Meine Referenzen sind Joseph Cornell, weil er Fundstücke gesammelt und sorgfältig arrangiert hat. Keld Helmer-Petersen, der in seiner späten Scanografie mit starken Kontrasten und Fragmentierungen gearbeitet hat. Und Ryoji Ikeda, dessen strukturierte Bildsprache und Geräuschunterlegungen sich formal mit meiner Arbeit verbinden lassen.

Was man in der Arbeit sieht, ist nicht sofort greifbar. Es entsteht eine Art Rätsel und man fragt sich, was das eigentlich ist. Wenn man lange genug hinschaut, beginnt man darin Formen oder Bilder zu erkennen. Dieser Effekt nennt sich Pareidolie.

Der Sound dazu ist ein gleichmäßiges Hintergrundrauschen. So werden die visuellen und auditiven Ebenen des Videos zusammengeführt und die Betrachtenden hören gewissermaßen, welches Geräusch das Bild macht.