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Caravaggio, Amor vincit Omnia, 1602-1603. Olio su tela, 156 × 113 cm. Berlino, Gemäldegalerie.

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Rappresenta l’opera più "romantica" dell'intera produzione di Caravaggio.

Come suggerisce il titolo, che riprende la celebre frase di Virgilio il cui significato è “L’amore prevale su tutto”, il dipinto raffigura un'allegoria della forza dell'amore, incarnato da un giovane cupido alato con un'espressione trionfante. Amore regge un arco con frecce, simboli della sua potenza, ai cui piedi sono gettati alcuni strumenti bellici, mostrando la vittoria dell’amore sulla guerra e la distruzione. Tra questi si individuano anche alcuni oggetti musicali da ricollegare al grande amore che il committente Vincenzo Giustiniani nutriva nei confronti della musica.

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Caravaggio, Giuditta e Oloferne, 1598-1599 circa. Olio su tela, 145x195 cm. Roma, Galleria Nazionale di Palazzo Barberini

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La scena, immersa in un fondo scuro, rappresenta il passo biblico della decapitazione di Oloferne da parte di Giuditta, la quale prende l’aspetto di Fillide Melandroni, un' amica di Caravaggio. La luce è puntata sul terribile gesto di Giuditta ed evidenzia le espressioni ed il significato allegorico dei tre personaggi: Oloferne, attanagliato dalla paura e dal dolore; Giuditta, con uno sguardo misto di fatica e orrore, è turbata ma al contempo il suo abito bianco la consacra a simbolo di salvezza; infine l’ancella, raffigurata come una donna anziana, rappresenta la contrapposizione con la bellezza e giovinezza della vedova.

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Caravaggio, Vocazione di San Matteo, 1599-1602. Olio su  tela, 322 x 340 cm. Roma, Chiesa di San Luigi dei Francesi, Cappella Contarelli

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Il dipinto raffigura il momento preciso in cui Gesù incontra Matteo e lo invita a seguirlo nella predicazione. Il futuro apostolo è impegnato nel suo lavoro, mentre siede al tavolo insieme ad altri uomini. Questi ultimi raffigurano persone del popolo, abbigliate con abiti contemporanei; in particolare, l’uomo posizionato al centro indica a sinistra i nuovi entrati: l’Apostolo Pietro e Gesù, contraddistinto dall’aureola e da un’espressione serena e sicura nel chiamare a sé Matteo. L’atmosfera cupa in contrasto con l’unico raggio di luce proveniente dalla finestra in alto, che simboleggia la grazia divina, evidenzia la chiamata di Cristo.

Le figure ed i dettagli sono frutto di un’attenta e rigorosa osservazione della realtà, realismo unito alla componente drammatica determinata dall’illuminazione fortemente contrastata, che fa luce sui personaggi, risaltandone i visi, i gesti ed i particolari.

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Caravaggio, Canestra di frutta, 1599. Olio su tela, 47 x 62 cm. Milano, Pinacoteca Ambrosiana.

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L'opera, realizzata nel periodo iniziale della carriera artistica di Caravaggio, rappresenta la prima raffigurazione di natura morta in Italia.

Il soggetto è una cesta di frutta raffigurata nella sua veridicità: sono visibili, infatti, le naturali imperfezioni e caratteristiche dei frutti come la mela bacata, le foglie avvizzite, la buccia rugosa dei fichi, la tipica patina opaca dei chicchi d’uva.

Questi particolari realistici simboleggiano la precarietà e l’imperfezione della vita, che si corrompe e consuma col passare del tempo.