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El teatro es para provocar para crear dimensiones, buscar y juzgar las emociones. Todo esto lo podemos encontrar en la puesta de escena dirigida por Gilberto Valenzuela en ¿Quién le teme a Virginia Woolf?. Entre juegos y dolor Valenzuela crea una atmósfera llena de crudeza, de ataques y cierta violencia que provoca hasta risa pero una risa disfrazada en dolor. Las actuaciones de René Monclova y Cristina Soler además de sólidas son penetrantes, inquietantes y llenas de dramatismo. Crisitna Soler, es fuerza, es retante y audaz en sus intervenciones. Monclova juega al sarcasmo y a la crudeza promoviendo un toma y dama en escena. Ambos transforman la sala del hogar en un ring de verdades disfrazadas. La joven pareja por Camila Monclova y Jonathan Cardenales aportan equilibrio y hasta cierto juego sicológico a la trama, en otras palabras se convierten en el objetivo o ancla perfecto para Martha y George desahogar insatisfacciones y procesos incompletos. Piezas como esta engalanan y fortalecen el teatro en nuestras salas. En fin el cinismo y la crueldad son temas que atraen a la audiencia, la problemática de las relaciones humanas y el dolor mueven esta pieza a toda conciencia y ejecución teatral, que como dice George “conozco cuando las amenazas llegan”. Y desde mi butaca pude apreciar como llegaba entre líneas el buen teatro ejecutado por nuestros artistas puertorriqueños.

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"La vida está en mal estado", una de las frases de Konstantin Treplev, es el norte en esta pieza teatral del autor ruso Anton Chejov y presentado luego de varios años aquí en Puerto Rico bajo la producción de Teatro Público. La experiencia para cualquier teatrero o público, lograr ver en escena puestas como La Gaviota nos sumergen en la estética y la formación del teatro . Nos enfrentamos a un texto con mucha vigencia, una obra que catapulta a Chejov como uno de los exponentes importantes del relato y el naturalismo moderno. Ahora bien Teatro Público trae en escena un elenco variado en generación con una interpretación sólida dirigidos por Jacqueline Duprey. En esencia la pieza coloca a estos personajes en una constante lucha entre el amor, la existencia y el tiempo. Todos inconformes con quizás anhelos que nunca llegarán. Amores no correspondidos junto a conflictos artísticos rodean la atmósfera de desilusiones. Es importante resaltar el trabajo actoral, la caracterización y la presencia de Mario Roche y Braulio Castillo . Ambos proyectaban y balanceaban todo su componente actoral.  La veteranía y el magnetismo con el público que provocaba Jorge Luis Ramos con su papel de "Sorin" impecable en su voz, postura y parlamentos.  También se le añade los matices y la resignación de "Polina" de la mano de Linnette Torres . Sin olvidar las ocurrencias, el sarcasmo y la soberbia que transmite Arkadina interpretado por Duprey.

Por otro lado cabe señalar que Luis Ra Rivera nos impacta con su energía  de voz firme con ese personaje obstinado no correspondido, un personaje con un ideal que hasta lo conduce a la muerte. Joeallis Fillippetti nos intriga con ese dolor de "Masha" que mas bien asfixia pero es un dolor  humano el cual provoca a "Medvedenko" interpretado con buen balance por Jorge Alexander quien en efecto  para su personaje la vida es dura . Luego del segundo acto el dolor de ambos es eminente, provocador y silente.  La producción cuida cada detalle, que hasta los cambios de escenografía y utilería son solemnes y limpios, reflejos de la atmósfera de la pieza. Una sublime e inquietante atmósfera, igual que los deseos de Nina. El personaje de "Nina"  a cargo de Gabriela Saker presenta ingenuidad, aspiraciones de ser actriz y libertad. Vemos un cambio cuando regresa de Moscow,  que propone un personaje delirante y desmejorado muy bien trabajado actoralmente.  Como escritor una de mis partes favoritos fue el monólogo de "Trigorin" por Héctor Enrique Rodríguez,  con una voz firme y directa donde destapa lo vacío del ser humano, la condena de muchas veces ser un escritor y el dolor de no ser correspondido a cabalidad.  Es una parte que con tan solo escuchar nos conduce a la realidad y a la sencillez de la vida misma que solo Anton Chejov logró con La Gaviota. Así que si desean ver un clásico teatral visiten Bellas Artes de Santurce y conozcan esta familia en su casa de verano y recordarán que : "a la orilla de un lago vive desde la infancia una jovencita como usted, quiere el lago como una gaviota, es feliz y libre como una gaviota. Así como la pude ver Desde mi Butaca.

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Platón decía "que la muerte o la pérdida es tan real como la vida, y que forma parte de los procesos de la sociedad". Esa fue la premisa que pude apreciar en "La Hija del Caso de Covid". Antes de llegar a la función en el vestíbulo del Victoria Espinosa una instalación entre telas blancas rasgadas te ofrece la bienvenida. Quizás se encuentran rasgadas por el dolor, por el quebranto, la incertidumbre o la libertad . La directora y dramaturga de la obra Valeria Vélez  Rodríguez nos presenta en escena una pieza que combina el movimiento corporal, la proyección, la imagen y sobretodo la desnudez del ser humano ante una pérdida. Su trabajo es bien balanceado y la presencia de 8 actores en escena cargados de mucha energía y conciencia espacial permite a la audiencia entender y sentir la ansiedad, la impotencia y la sanación del ser humano ante una pérdida. Se debe señalar que la pieza es un testimonio personal de la autora, que entrelaza acontecimientos reales que su familia experimentó tras el fallecimiento de un miembro importante de la familia. Vélez, es precisa, es directa en su dramaturgia. Logra denunciar la ineficiencia de un sistema de salud y decisiones gubernamentales vigentes . La dramaturgia expone hasta los detalles del respiro, el grito y el vacío de la frustración como hija. Podemos escuchar y sentir la falta de conciencia de muchos sectores ante esta epidemia. El quebranto de un padre vs la esperanza de una familia. Es una obra que mezcla el documento, la sanación colectiva, el distanciamiento y el lado del ser humano que debe transformar el dolor . Es importante señalar que es un homenaje a su figura paterna,  a ese ser sensible y humilde que junto a la reconstrucción de memorias podemos ver la transformación de un personaje que aunque no está presente vivirá en el alma de "Sol".  En términos técnicos las luces y las proyecciones son vitales para transportarnos al duelo, a la nostalgia y al llanto. Una inmensa proyección de olas nos hace recordar que el dolor siempre está pero tenemos que vivir con él  y con el hecho de aceptarlo.  La escenografía minimalista y ese lienzo en blanco dibuja la esencia de cada actor que simbolizan y personifica a "Sol".  Valeria Vélez ha construido una obra que no tan solo es personal sino una radiografía de la incertidumbre, la ansiedad y hasta el dolor de las familias que han perdido un familiar por Covid.  El atractivo principal de esta producción es la armonía de 8 artistas (Aura González, Karlo Javier Martínez, Rafael  J. Pabellón Morales, Luis Daniel Ramos Colón, Camila M. Pérez Vázquez, Melany Liane y Yan Christian Collazo) quienes documentan la experiencia y colocan su cuerpo para demostrar lo que las palabras no pueden decir con mucha fuerza y presencia escénica. La puesta continúa  20 y 21 de agosto en el Victoria Espinosa, produce Edgardo Soto, asiste en la dirección y regiduría Angela Sofía Caro quien conduce una regiduría en su punto y muy determinante para la atmósfera de la pieza junto a una coreografía  equilibrada y matizada por Iván Olmo.  En fin uno de los compromisos de la dramaturgia es exponer la realidad y los acontecimientos que suceden en nuestro entorno según la época y Valeria Vélez lo plasma desde lo más genuino uniendo su testimonio y el amor por su padre en estos tiempos tan difíciles en estos tiempos de covid. Sin duda alguna eso lo pude apreciar desde mi butaca.

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Lo que transita por caminos misteriosos es el teatro. Vi la puesta en escena de la obra La maleta de Moncho Conde el domingo 31 de julio pasado (teatroen15). La dejé para último momento porque ya él me había dicho que era de formato mediano y tuvo que ajustarla para que durara quince minutos. Así que le di tiempo a que la fuese amoldando para hasta hacerla funcionar.

Comenzó de espaldas, con el parlamento de Edipo, el de: "me voy a arrancar los ojos para no ver el horror que me produce...". que funciona como un recordatorio de que todo empezó allá en la gloriosa Grecia. Y comprendí que esa obra no fue escrita para todo el mundo, fue concebida para personas como yo.  De pronto sentí que todos a mí alrededor desaparecían y yo estaba solo en la salita tres, como cuando era niño e iba a pie al cine de mi pueblo los domingos. Ese parlamento que concibió Sófocles era la metáfora correcta porque la obra ya que es sobre lo que ves, lo que ya no quieres ver y de lo que se oculta. Sobre lo que va desapareciendo ante tus propios ojos. Entonces, el actor termina la supuesta representación, el teatro dentro del teatro, para mostrarnos el teatro como espacio sin los artificios. Es un teatro decadente, no hay personal, solo él queda con su maleta, con las historias que lleva dentro.

La maleta siempre es un símil sobre lo que cargamos: se lleva lo que quepa, lo necesario. Sirve para hacer el viaje de ida, pero también cuando se regresa a casa.

Y Moncho va contando a un público imaginario, a los que estamos "trasbastidores" mostrando la teatralidad, de cómo se hace el truco, destapa el mecanismo del reloj. Y le hace preguntas capciosas al público, que no importa lo que responda, ya él tiene una respuesta jocosa pero que invita a la reflexión. Y yo lo que quería era levantar la mano como chico de cuarto grado y gritarle: "pregúntame a mi, pregúntame a mí..."  para darle la respuesta equivocada y la enderezara con el chiste.

En esta propuesta convergen dos historias paralelas, la del teatro que está a punto de cerrar porque no hay dinero para producir y la historia de su padre cuando él era niño. Es la de un  padre como figura casi mítica que no se le puede interrumpir cuando estaba creando.

La trama toma otro giro cuando el actor que cuenta se pone la máscara del padre y el padre reencarna en el cuerpo del hijo. Pero ahí se acaban los quince minutos y termina abruptamente la propuesta. Y me molesté por dentro porque me quedé con ganas de ver más. Cuando el público salió, me le acerqué y le dije que me hubiese encantado verla completa.

Así de efímero es el teatro. Por eso no me gusta tomar fotos o vídeos de las puestas en escenas, porque es una experiencia personal que cada espectador debe vivir por sí solo. No es suficiente que se cuente de qué trata, hay que estar presente porque cada obra es como una zarza ardiendo que le habla a cada cual de manera especial.

Moncho Conde no es cualquier artista, Moncho es de los imprescindibles.

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La cercanía, la verdad actoral, las relaciones humanas y la protesta son algunos de los puntos que el  Festival Rojo y el Comando Beal por segundo año junto a su plataforma de dramaturgos y actores finalizaron el pasado  31 de julio. Un festival de temática de impacto y dedicado a Victoria Espinosa que ofrece de manera virtual monólogos con eje central  hacia la denuncia social, la difusión de la dramaturgia y la experiencia de otro formato teatral. Es importante señalar que desde julio 3 cada domingo tres monólogos representaron la oferta teatral.  Durante su última función, se destacaron tres monólogos Nana de Joselo Arroyo, Novia de Lixandra Merced y Amor Chiquito de Carmen Zeta.  Las tres piezas lograron presentar la cara frágil del ser humano. Ese lado del ser humano que añora, que busca respuesta o que simplemente "aceptar duele". Angel Manuel interpretó a Gabriel un compositor con unos deseos de paternidad que nublan sus pensamientos. Bajo anécdotas, lo difícil que es lograr su objetivo como hombre gay, relatos y hasta planes de rapto, el personaje no deja de pensar en esa melodía paterna. Es un personaje que mientras compone su verdad no encuentra el ritmo de vivir. Arroyo como dramaturgo quizás nos transporta a que no hay nada más difícil que componer nuestra verdad. El monólogo Novia por Eileen Rivera, dirigido por Mariana Quiles, juega con la ternura del amor, la cuasi definición de novia, la búsqueda de cada recuerdo que construye a esa novia. La pérdida muchas veces nos conduce a la locura. La dirección y la colocación de la actriz en el espacio cerrado y la utilización de imágenes le daban la incomodidad y el dolor que el personaje cargaba en esa búsqueda del amor. Por último Mi amor Chiquito nos presenta el histrionismo de Willie Dentón bajo la dirección de Lynnette Salas. Un padre agobiado, un padre atrapado por el silencio y por el dolor de ver a lo más que ama descomponerse.  No hay tamaños para el amor. Uno de los momentos más cruciales es cuando el personaje expresa que "matar puede ser una muestra de amor".  En fin fue una noche para reflexionar, disfrutar teatro, frente a mi celular pero muy importante desde mi butaca.

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Rafael Pagán Rodríguez, nació en Arecibo y su crianza formal en su amado Barceloneta. Posee una maestría en Arte Museología y un bachillerato en Comunicaciones con Educación Teatral. En la escena nacional ha forjado una trayectoria que comparte créditos como director, actor, mimo corporal y dramaturgo. Ha trabajado con las compañías teatrales: Escena Latina Inc., Polimnia de Iván Olmo, Producciones Aquino Inc. También perteneció al Circulo Puertorriqueño de Dramaturgas y Dramaturgos Siglo 21 (CEPUEDE21). Es uno de los dramaturgos más prolíferos de su generación  logrando presentar sus obras en México, Cuba, España, New York Fuerza Fest, Micro Teatro Miami entre otros Teatros Nacionales. Ha publicado tres libros: El Bulevar, Momentum Ferpecto y El Balcón de los Buitres. Su escritura ha trascendido hacia la tv como head writer del programa educativo Lab Six junto a Escena Latina para WIPR. Actualmente es profesor de teatro y comunicaciones en la Escuela Juan J Osuna (radio y tv) al igual que imparte cursos de dramaturgia en San Juan P.R. bajo el Departamento de Arte y Cultura.

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La escena nacional existe y persiste en cada subida o bajada de telón. El 2022 ha sido un año de propuestas interesantes que van desde: formatos virtuales, proliferación de compañías, festivales y nuevas salas de formato corto. La relación público actor o público montaje es una que crea dimensiones desde que entramos al teatro hasta la recomendación o el regreso a la sala para sentir o descubrir nuevos matices. Ahora bien "Desde mi Butaca" tiene el objetivo de reseñar las producciones o la actividad teatral vigente en Puerto Rico. Un estudio o análisis de las piezas en cartelera, con el propósito de visibilizar y difundir nuestro trabajo como actores, productores, dramaturgos y todo aquello que integra la experiencia teatral.  Es una plataforma que reconoce la ardua tarea de nuestro campo escénico, con el único objetivo de educar y promover el Teatro Nacional.  Así que productor, colega o teatrero déjame llegar a ti y permite que otros conozcan la magia que tanto esconde  nuestras tablas y juntos dejar saber que el teatro se ve interesante "Desde mi Butaca".