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Denotativo: Una araña grande peluda de color azul.

Connotativo: En La viuda azul, Pascali creó una araña de pelo sintético sobre estructura de madera, que en otros montajes se colgó del techo o subió a las paredes. Su presencia resultó inquietante y cómica a la vez para los espectadores.

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Denotativo

Muro de piedra mármol, alrededor colgadas hojas verdes, en el suelo aserrín o arena.

Connotativo

Esta propuestas generalmente están compuestas de granito, madera, piel de animal y otros materiales. En 1972 participó en la exposición de arte Documenta5 y en 1990 ganó el León de Oro de Pintura en la Bienal de Venecia.​

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La Venus de los trapos  de Michelangelo Pistoletto 1967

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La Venus de los trapos  de Michelangelo Pistoletto 1967

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Denotativo

Escultura blanca desnuda alrededor mucha ropa de colores

Connotativo

consiste en una escultura de mármol rodeada de trapos que Pistoletto creó en 1967, y representa la permanencia de la historia y el cambio cotidiano al mismo tiempo. La estatua de Venus es la antigüedad, mientras que los retazos de tela recuerdan el proceso de la moda que pasa y la degradación de la materia en un sistema consumista.

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Ron Mueck: Máscara II (autorretrato dormido a escala gigante), 2002, medidas: 77 x 118 x 85 cm, Anthony D'Offay Gallery, Londres

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El hiperrealismo es un estilo de pintura, de técnicas de impresión y de escultura surgido en EE. UU. en los años sesenta, que propone la reproducción exacta de una fotografía en pintura o la imitación de objetos reales en escultura. Tiene similitud, en su composición, con el arte conceptual y, en su evocación, con el Pop Art.

Los precursores de esta tendencia fueron los pintores Malcolm Morley, Chuck Close, Richard Estes, Audrey Flack, Robert Bechtle (nacido en 1932), Robert Cottingham (nacido en 1935), Richard McLean (nacido en 1934), Don Eddy y el británico John Salt (nacido en 1937), así como los escultores Duane Hanson y John De Andrea. Aunque fue un movimiento básicamente norteamericano, también tuvo exponentes en Europa, por ejemplo, Franz Gertsch. https://artsandculture.google.com/entity/m0f404j?hl=es y https://www.culturagenial.com/es/hiperrealismo/

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Especialista en artes, literatura e historia cultural

El hiperrealismo o fotorrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.

El arte hiperrealista se originó hacia finales de 1960 en respuesta a los planteamientos abstractos, conceptuales y no objetuales del arte contemporáneo. Al principio, la crítica no fue favorable, pero encontró su centro en la exposición V documenta de Kassel, Alemania, de 1972. Hoy, se ha tornado un movimiento influyente y se mantiene activo. Para entenderlo mejor, conozcamos las características, los autores y los trabajos más representativos del hiperrealismo.

Características del hiperrealismo

Aunque el hiperrealismo expresa la influencia del arte conceptual y, muchas veces, es catalogado como arte pop debido a su aparente trivialidad temática, es un movimiento con características propias bien definidas. Estas características los distinguen del conceptualismo y, especialmente, del arte pop. Veamos.

Noción de hiperrealidad como fundamento

El hiperrealismo se basa en la noción filosófica de la hiperrealidad, desarrollada en el siglo XX. Comprende que el cerebro humano es incapaz de distinguir entre realidad y ficción. Aplicado al arte, el concepto de hiperrealidad nos acerca al simulacro, cuyo realismo resulta más convincente que el mundo objetivo.

Verismo descriptivo absoluto

La obra hiperrealista debe ser tan verosímil (realista) que parezca más viva que la realidad conocida. Por ende, los artistas ocultan cualquier evidencia del proceso de ejecución por medio de la perfección en los acabados. Nada puede interrumpir la sensación de estar ante una obra que aparenta vida propia. Así, el hiperrealismo se separa de movimientos que exhibieron abiertamente sus procedimientos, como el impresionismo, el postimpresionismo o el expresionismo abstracto, entre otros.

Virtuosismo y gusto por el detalle

El virtuosismo se relaciona con la perfección técnica, abocada a lograr definición y nitidez absoluta. Por ello, se regodea en el gusto por el detalle, que permite acrecentar el realismo. Tanto el virtuosismo como el gusto por el detalle le brindan al hiperrealismo un tono academicista. Estos dos rasgos, además, fueron característicos del arte barroco siglos atrás. Por eso, no es extraño que el hiperrealismo nos recuerde al barroco en su espíritu del desengaño ante la realidad. No otra cosa revela el efectismo.

Temas aparentemente triviales

Los temas del arte hiperrealista son variados. Con frecuencia se ven figuras humanas, escenas y paisajes urbanos, bodegones, objetos de la sociedad de consumo, momentos efímeros, elementos de la naturaleza, etc. Estos temas dan la apariencia de ser triviales. Sin embargo, tienen el profundo sentido de expresar la desesperación de la sociedad de consumo. Asimismo, son ocasión para reflexionar sobre el papel de los medios audiovisuales, en su intento por suplantar la realidad.

Diversidad de tendencias

El hiperrealismo se expresa en tendencias distintas. Una de ellas el realismo fotográfico o fotorrealismo, que usa la fotografía como punto de partida. La otra es el realismo figurativo o radical, el cual prescinde del recurso fotográfico como apoyo. Todas ellas son diferentes expresiones del hiperrealismo.

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Pintura hiperrealista

Para los pintores hiperrealistas, la fotografía es una realidad adulterada, una copia de la realidad, así que parten de ella para dotar de verdadera vida a la imagen. No pretenden competir con la fotografía, sino aprovechar el recurso para reflexionar sobre la autenticidad de las imágenes en una sociedad dominada por los medios audiovisuales.

Algunos pintores usan la fotografía para la elaboración de sus obras. En este caso, acuden a técnicas como la proyección de diapositivas sobre el soporte. Otros optan por la tradicional observación de la realidad. Todos aplican pormenorizadamente el claroscuro, la mezcla de colores perfecta y el estudio de la refracción de la luz sobre los objetos, pues de ello depende la vivacidad de la obra. Sus técnicas pictóricas son tradicionales: la pintura al óleo es la más común.

Entre los pintores hiperrealismo más destacados están Malcolm Morley, Richard Estes, Ralph Goings, Mary Pratt y Antonio López, entre otros.

Escultura Hiperrealista

La escultura hiperrealista es aún más literal que la pintura en su representación de la realidad. Por eso, suele ejecutarse en tamaño natural a partir de moldes. Sin embargo, puede incrementar sus efectos al usar dimensiones colosales.

Por las posibilidades que ofrece, la escultura hiperrealista suele centrar su atención en la figura humana. Con frecuencia, usa técnicas ampliamente conocidas en la tradición como el modelado, el fundido y la pintura. Sin embargo, sus materiales son menos ortodoxos: fibra de vidrio, silicona, acrílico, pinturas de resina y objetos cotidianos incorporados a la obra.

Entre los escultores hiperrealistas más destacados, podemos mencionar a Duane Hanson, John Davies, John De Andrea, Carole A. Feuerman y Ron Müeck, entre otros.

Duane Hanson. Escultor estadounidense (1925-1996). Se dio a conocer gracias a las esculturas en tamaño natural que ejecutó, cargadas de una verdadera apariencia de vida gracias al fino cuidado de todos los detalles. Sus figuras suelen expresar rasgos de carácter. Entre sus obras más conocidas destacan: Supermarket Lady (1969) y Mujer comiendo (1971).

John Davies. Escultor británico (1946). Busca indagar en la consistencia psicológica de los personajes que representa en su escultura. Para ello, utiliza diferentes tipos de "artefactos" que pueden parecer extraños a la escena, pero guardan una congruencia con el tema. Entre sus obras más conocidas están Cabeza de William Jeffrey (1972) y Young Man (1969-1971).

John Davies: Cabeza de William Jeffrey, 1972, fibra de vidrio, resina de poliéster, alambre, perlas y acero, 305 × 203 × 394 mm, Galería Tate, Londres.

Carole A. Feuerman. Pintora y escultora estadounidense (1945). Su trabajo suele tener como línea transversal el tema del agua, expresión de la búsqueda de equilibrio interior. Ha desarrollado numerosas obras de arte público. Entre sus trabajos más importantes se pueden mencionar Monumental Brooke with Beachball (2010) y The Midpoint (2017).

Ver también:

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Hiperrealismo: características, autores y obras de la pintura y la escultura

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Especialista en artes, literatura e historia cultural El hiperrealismo o fotorrealismo es un movimiento artístico figurativo que reproduce la realidad con una nitidez y definición semejante a la exactitud fotográfica, pero aplicando técnicas pictóricas o escultóricas que hacen la imagen más vívida que la mera fotografía.

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Paisaje Contemporáneo, Recorte de papel de Stefan Thiel

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Paisaje Contemporáneo, Recorte de papel de Stefan Thiel

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Denotativo

Un bosque oscuro a la luz del día

Connotativo Un paisaje, Técnica de papel recortado trabaja mediante ilusiones ópticas de una fotografía haciendo pequeños recortes en el papel creado una ilusión óptica desde otra perspectiva

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Ralph Goings, Sherwin Williams Chevy, 1975, 

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Ralph Goings, Sherwin Williams Chevy, 1975, 

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Denotativo

Un carro antiguo estacionado a las afueras de una calle al pie de un garaje

Connotativo elaborado de una fotografía, es una pintura fotorrealista muy detallista de un automóvil de la época, retratados en una forma objetiva de manera deliberada.

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José Carlos Martinat, Monumentos vandalizables N°6: abstracción de poder, 2017

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Aquí el artista presentó esta pieza completamente en blanco, y le dio al público la libertad de hacer con ella lo que se les plazca. Mostrándonos la caótica belleza que puede lograr la gente.

Connotativamente, se puede entender que el arte empodera a través de la libertad, apropiándose del espacio público, por ejemplo, como en el caso de los murales y grafitties

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“Una y tres sillas” del artista Joseph Kosuth. 1965

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Y terminamos con otras de las obras más características de este movimiento. Consiste en una silla, la foto de la misma silla y la definición impresa de la palabra silla.

¿Cuál de los tres objetos representa mejor la identidad de una silla? Esta es la idea alrededor de la obra que quería representar Kosuth.

https://escuelamastermedia.es/blog/que-es-el-arte-conceptual/ y https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/one-and-three-chairs-tres-sillas

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En este tipo de arte, el mensaje que da la obra es el centro de atención, más que la obra en sí.

Además, el significado es de lo más subjetivo, pues ni quiera lo da el artista explícitamente, sino el espectador. Una forma de hacer partícipe al público en la creación.

De allí que denotativamente puede no decir nada, a diferencia del arte figurativo, por ejemplo.

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·Arte figurativo: aquí, la obra representa objetos tangibles que existen en la realidad.

Esta obra, si bien tiene un estilo no realista, aún representa un escenario tangible de nuestra realidad, como lo sería un centro de mesa.

Este recuadro, con un estilo más realista y detallado, nos muestra una imagen que existe en el mundo real, al igual que el anterior.

·Arte conceptual: en este tipo de arte, el mensaje que da la obra es el centro de atención, más que la obra en sí.

En esta pieza, el artista Marcel Duchamp buscaba criticar a la mentalidad artística de la época, que decía que cualquier cosa puede ser arte. Es por esto que la pieza no tiene un gran trasfondo o significado, es solo una rueda sobre un banco. Arte.

Aquí, el artista José Carlos Martinat presentó esta pieza completamente en blanco, y le dio al público la libertad de hacer con ella lo que se les plazca. Mostrándonos la caótica belleza que puede lograr la gente.

·Arte abstracto: el arte abstracto nos presenta una nueva realidad, distinta a la natural, desde el punto de vista del artista.

Esta pieza de Salvador Dalí me hace pensar que el artista veía el mundo como si este fuera destrozado lentamente por el hombre.

·Performance: la obra no se trata de un objeto, sino de una muestra escénica que busca causar una reacción en el público.

En la imagen anterior, Marina Abramovic, se paró frente a un público con una mesa llena de objetos, letales y no, y le indicó al publico que podían hacerle lo que quieran. Al cabo de unas horas, las acciones del público se tornaron abusivas y violentas, demostrándonos de lo que puede llegar a ser capaz el ser humano.

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Tipos de arte: figurativo, conceptual,abstracto y performance.

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Esta obra, si bien tiene un estilo no realista, aún representa un escenario tangible de nuestra realidad, como lo sería un centro de mesa. Este recuadro, con un estilo más realista y detallado, nos...

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Denotativo

Un gran puente colgante en acero en una gran ciudad con personas transitando

Connotativo elaborado de una fotografía, es una pintura fotorrealista de un puente en diferentes perspectivas en un ambiente urbano representando el ambiente de la época.

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Este movimiento internacional, que apareció a mediados de la década de 1950 en Inglaterra , aún brilla considerablemente en nuestra sociedad. A veces considerada como descendiente directa del dadaísmo, esta corriente se burla del mundo silencioso del arte, al apropiarse de los códigos de la cultura pop, el consumo masivo, la publicidad, la industria de Hollywood y los principales medios de comunicación. El arte pop ofrece al espectador una mirada nueva, accesible, divertida y, en ocasiones, crítica sobre los fallos de nuestra sociedad de consumo. Con obras coloridas y comprensibles, difumina así los límites y jerarquías entre las artes superiores e inferiores, entre las Bellas Artes y el arte popular.

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¿Cómo definir el ? Este movimiento internacional, que apareció a mediados de la década de 1950 en Inglaterra , aún brilla considerablemente en nuestra sociedad moderna. A veces considerada como descendiente directa del dadaísmo, esta corriente se burla del mundo silencioso del arte, al apropiarse de los códigos de la cultura pop , el consumo masivo, la publicidad, la industria de Hollywood y los principales medios de comunicación. El arte pop ofrece al espectador una mirada nueva, accesible, divertida y, en ocasiones, crítica sobre los fallos de nuestra sociedad de consumo. Con obras coloridas y comprensibles, difumina así los límites y jerarquías entre las artes superiores e inferiores, entre las Bellas Artes y el arte popular.

5. ¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?, Richard Hamilton

Esta obra se considera, con razón, la primera verdadera obra de arte pop . Realizado en 1956 por el artista inglés Richard Hamilton , este pequeño collage ( solo 26x25cm ), consta de imágenes de revistas americanas . Por otra parte, el título de esta obra, en francés " ¿Qué es exactamente lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?" Está inspirado en un eslogan que se encuentra en una de estas revistas, haciendo que el revestimiento promueva el suelo y el diseño colorido.
La escalera del lado izquierdo es de un anuncio de una aspiradora, el culturista del medio es el ganador del concurso Mister Los Angeles (Mr.LA) de 1955, la mujer en el sofá de la derecha es de una revista erótica ... La obra abunda en símbolos de la sociedad de consumo y la cultura popular , que agrupados así forman un atrevido panfleto crítico contra los fallos de una sociedad estereotipada y egocéntrica .

Richard Hamilton , consciente de haber abierto la brecha de un potencial nuevo movimiento artístico , comenzará el año siguiente a teorizar el Pop Art : para él, debe ser " un arte popular destinado a las masas, efímero, a corto plazo, consumible". , fácilmente olvidable, de producción masiva, barata, joven, ingeniosa y sexy " . Algunas de estas características, evidentemente, desaparecerán con el tiempo (especialmente en lo que respecta al precio de estas obras, que ahora están alcanzando sumas estratosféricas), pero otras seguirán siendo, aún hoy, perfectamente adecuadas a esta original definición.

4. Mira Mickey , Roy Lichtenstein

Después de Inglaterra, cambiemos de continente para interesarnos por los inicios del arte pop estadounidense. Roy Lichtenstein , el pícaro artista que produjo esta obra en 1961 , no estaba predestinado a convertirse en el ícono del Pop Art que hoy conocemos. Antes de este logro, expresó más bien su ardor artístico a través del expresionismo abstracto , un movimiento artístico dominado en gran medida por sus contemporáneos Jackson Pollock y Willem de Kooning .

En 1961, uno de sus hijos lo provocó: mostrándole uno de sus cómics, le dijo " ¡Apuesto a que no puedes pintar tan bien!" " . Desafío aceptado para Roy Lichtenstein, que trabaja en la creación de una obra monumental ( 122x175cm ) inspirada en una burbuja de cómic (Donald Duck Lost and Found ). Esta obra, además de divertida y estéticamente agradable de contemplar, constituye la vanguardia de muchas cosas: es la primera obra de arte real que se inspira abiertamente en el mundo del cómic , y esta es la primera obra donde el artista utiliza la técnica de los puntos Benday ( puntos dispuestos simétricamente y en gran número, que dan la ilusión de un color sólido con la distancia ). Hoy en día, tendemos a ver a Mickey en todas partes en el arte contemporáneo: bueno, es esta obra la que representa la primera intrusión del famoso ratón en el mundo del arte .

3. Bandera , Jasper Johns

Esta impresionante obra por sus dimensiones ( 107x153cm ) fue realizada por Jasper Johns en 1954 . Representa la bandera estadounidense , con sus 48 estrellas correspondientes a los distintos estados confederados en ese momento, que por lo tanto aún no incluye Hawai y Alaska. Cuando produjo este trabajo, Jasper Johns tenía solo 24 años y acababa de ser liberado de sus obligaciones militares en el Ejército de los Estados Unidos. Por lo tanto, la bandera estadounidense fue de gran importancia en su vida, pero también fue el centro de las noticias en ese momento.

La obra es ante todo revolucionaria por las sutilezas de su realización . Empleando diferentes técnicas como la encáustica , el collage de periódicos antiguos y la pintura al óleo , la obra se sitúa en la frontera entre el arte abstracto , todavía muy influyente en Estados Unidos, y el arte figurativo , ya que el motivo representado es eminentemente comprensible. Al adoptar este motivo conocido por todos, puede concentrarse en la ejecución plástica de su lienzo , más que en el simbolismo del conjunto. Desdibuja así las divisiones clásicas de la lectura de obras: los críticos ya no pueden saber si se trata de una bandera pintada o de una pintura de bandera . Para Johns, son ambos. Está inscrito así en el corazón del neo-dadaísmo , pero también en los cimientos del Pop Art , el arte minimalista y el arte conceptual .

2. Díptico de Marilyn , Andy Warhol

Esta monumental serigrafía ( 205x290cm ) del famoso Andy Warhol fue realizada en 1962 , justo después de la muerte de Marilyn Monroe . Consta de 50 fotografías de la actriz , capturadas en 1953 durante la promoción de la película Niágara. En la mitad izquierda, las imágenes son súper coloridas, pero en la mitad derecha, todas las fotografías están en blanco y negro. Esta elección representa la relación de Marilyn Monroe entre la vida y la muerte , y también simboliza los dos temas favoritos del artista estadounidense: la muerte y el culto a la celebridad . La abundancia de imágenes recuerda la omnipresencia del icono en los medios , pero el lado derecho del panel, en blanco y negro, nos confirma que la estrella sigue siendo mortal , al tiempo que la hace eterna para siempre a través de 'una obra hoy considerada por el diario británico El Gardian como una de las 3 obras de arte moderno más influyentes del mundo .

Para el último trabajo en esta clasificación, volvamos a Inglaterra . David Hockney tenía 30 años cuando realizó esta obra luminosa y frívola . Sobre este lienzo monumental, como sus compañeros ( 2,42 x 2,43 m ), descubrimos un trampolín en primer plano, una piscina, luego una villa. Las proyecciones en la superficie del agua nos hacen comprender sutilmente que una persona acaba de bucear allí.

Aparte de un análisis estrictamente pictórico, la obra nos lleva a un viaje a una California hedonista y fantasmagórica , donde se mezclan la celebridad, el exceso, la seducción, la impertinencia y la exaltación de los sentidos. Este cuadro, tercero de una serie dedicada a las piscinas (elemento pictórico que ama a David Hockney), ha tenido un gran éxito, sobre todo gracias al carácter obsesivo y metódico de su autor : aunque muy minimalista, este cuadro revela una simetría perfecta : Ve muchas líneas, limpias y rectas, que estructuran la composición para darle ese pequeño lado estricto que la hace tan agradable de contemplar. Las salpicaduras empujan la cuadrícula implícita de esta escena, lo que permite al espectador concentrarse en la acción. Aunque la obra está desprovista de figuras humanas (lo que rara vez es el hábito de Hockney), todavía sentimos una fuerte presencia, incluso fuera del agua que salpica: la silla plegable ( típicamente hollywoodense ), las cortinas corridas o el borde de césped bien cuidado nos recuerda que una aparición humana es inminente , ¡y nos encanta el sentimiento!

Esperamos que esta clasificación le haya resultado agradable de leer y contemplar . Para los amantes del género, recomendamos nuestra colección dedicada al Pop Art , que reúne la flor y nata de la creación contemporánea.
Te avisamos: ¡te gustará!

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Embárcate con nosotros en el descubrimiento de 5 obras que sentaron las bases de un movimiento artístico innovador y aún muy actual: ¡hoy es el Pop !

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"¿Qué es lo que hace que las casas de hoy sean tan diferentes, tan atractivas?", Richard Hamilton, 1956

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Recreando la sala de una casa contemporánea, abunda en símbolos de la sociedad de consumo y la cultura popular, que agrupados así forman un atrevido panfleto crítico contra los fallos de una sociedad estereotipada y egocéntrica, donde se ven un par de cuerpos semidesnudos y atléticos rodeados de confort.

Por otra parte, el título de esta obra está inspirado en el eslogan de una revista.

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En esta escultura, se puede considerar que la “cuña” de metal y la forma de hendidura de plástico rosa expresan en unión dualidades masculinas y femeninas, de adentro hacia afuera.

Etiqueta de la galería, mayo de 2010.

https://www.tate.org.uk/art/artworks/duchamp-wedge-of-chastity-t07281

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Una obra monumental ( 122x175cm ) inspirada en una burbuja de cómic (Donald Duck Lost and Found ). Además de divertida y estéticamente agradable de contemplar, constituye la vanguardia de muchas cosas: es la primera obra de arte formal que se inspira en un cómic y es la primera obra donde el artista utiliza la técnica de los puntos Benday (puntos dispuestos simétricamente y en gran número, que dan la ilusión de un color sólido con la distancia).

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Esta monumental serigrafía (205x290cm) fue realizada justo después de la muerte de Marilyn Monroe. La abundancia de imágenes recuerda la presencia del ícono en los medios, pero el lado derecho del panel, en blanco y negro, nos confirma que la estrella sigue siendo mortal, al tiempo que se inmortaliza en esta iconografía.

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Guillermo del Toro,  El laberinto del fauno, 2006

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Aunque famoso por sus monstruos y sus historias de fantasía (además de por ganar recientemente el Oscar con "La forma del agua"), Guillermo del Toro siempre ha tenido un gusto maravilloso a la hora de componer imágenes. Esta es solo una de las que conforma su obra más interesante, una de las mejores películas de fantasía de la historia del cine.

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/g19462517/peliculas-visualmente-increibles-de-la-historia/

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Algunos decían que lo único que tenía esta “oscarizada” película era su espectacularidad visual. Y, aunque sea así, sus imágenes en el espacio rodadas en gravedad cero son una auténtica maravilla.

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/g19462517/peliculas-visualmente-increibles-de-la-historia/

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El danés ha firmado algunos títulos dignos de museo, como la espectacular 'Anticristo', pero es en esta película donde encontramos su puesta en escena más espectacular.

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Wes Anderson. El gran hotel Budapest (2014)

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Por la marcada personalidad de sus imágenes, en cuanto al encuadre, la simetría y el uso de los colores, Anderson podría ser perfectamente un pintor de renombre en cualquier museo. Esta película es una buena muestra de ello.

https://www.fotogramas.es/noticias-cine/g19462517/peliculas-visualmente-increibles-de-la-historia/

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Hay planos de las mejores películas de la historia del cine que podrían exhibirse en un museo, y algunas son películas visualmente increíbles que podríamos ver en mute sin importarnos lo más mínimo.

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Las 30 películas más visualmente increíbles del cine

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Hay planos de películas que podrían exhibirse en un museo.