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Unidad 4: Arte y feminismo Perú- Teresa Burga

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Unidad 4: Arte y feminismo Perú- Teresa Burga

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Teresa Burga nació en Iquitos 1935, artista conceptual y mediática.
En la época de los 60 se integró al grupo "Arte Nuevo" en donde se dedicaban a hacerle frente a la exclusión que sufrían los aristas que participaban en la primera bienal de Lima, su estrategia fue abrir una galería de arte en espacios inesperados  como una ferretería abandonada. El grupo fue reconocido por haber introducido en Perú tendencias de vanguardia como Pop art y conceptualismo. Cabe destacar que el grupo solo incluyó a dos artistas mujeres, Burga y Gloria Gómez Sánchez, indicativo de las barreras sociales para las mujeres en ese país, un tema que influiría en la práctica de Burga durante décadas.
Las pinturas y ambientaciones Pop de Burga presentan figuras femeninas que quedan excluidas de esa auto-determinación: prostitutas, mujeres solitarias en la calle o en entornos domésticos, desde donde miran hacia los espacios públicos, incluso cuando se les prohíbe la participación activa en ellos.
Al igual que muchas otras mujeres artistas de los años sesenta y setenta, Burga examina las estructuras sociales patriarcales que limitan las vidas de las mujeres e indaga sobre posibles vías de empoderamiento femenino dentro del sistema.
Obra: Perfil de la mujer peruana- se comenzó a realizar en 1979 al 1980 , pero la obra se realizó en 1980 y el 81 la presentó con la colaboración de la psicóloga peruana Marie-France Cathelat

Obra: Obra que desaparece cuando la espectadora se acerca
se presenta en el 2015 pero es una obra del año 1970
Posibles pregunta de investigación:
-¿Cuales fueron los motivos para que Teresa Burga almacenara sus obras en cajas?
Hipótesis:
- Consideramos que Teresa Burga fue excluida por los temas que abarcaba su  arte conceptual, el contexto político del Perú y la falta de interés por sus revolucionarias ideas artísticas.
Bibliografía:

https://artishockrevista.com/2019/10/01/teresa-burga-alexander-gray/
https://liviabenavides.com/wp-content/uploads/2017/06/portafolio-teresa-burga.pdf
https://www.arteinformado.com/agenda/f/perfil-de-la-mujer-peruana-1980-1981-86864

https://www.youtube.com/watch?v=YOggEs7kIQY

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Sala de Arte Público Siqueiros: Entrevista a Teresa Burga

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Hannah Wilke perteneció a la primera generación de artistas americanas feministas que de manera consciente dedicaron buena parte de sus energías a sacar a la luz su situación de desigualdad o mejor dicho de ausencia en el ámbito social y artístico, dominado por un arraigado discurso patriarcal.Wilke estaba interesada en recuperar el aspecto físico de la feminidad, exponerlo como una fuente de orgullo, de satisfacción femenina.
obras reconocidas:
- iconografía sobre los genitales femeninos .
Wilke ofrecen la belleza y la complejidad de una caracola, la seguridad y la privacidad de los bolsillos, una fuente de comunicación, la intimidad y amor
- “S.O.S Startification Object Series”
no solo cuestiona la imagen tradicional de la mujer, mediante la ironización del estereotipo, sino que también toma posicionamientos críticos sobre el cuerpo de la mujer.
Temas pensados:
- el feminismo en los años 70
- La imagen sexualizada de la mujer en los años 70
- La vagina como expresión artistica

Bibliografia:
http://www.geifco.org/actionart/actionart01/nmP/_cuerpoImagen/hWilke/HannaWilke.htm

https://dspace.uib.es/xmlui/bitstream/handle/11201/150115/Blanco_Puerta_Amanda.pdf?sequence=1&isAllowed=y

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El concepto holístico y revolucionario de Joseph Kosuth de arte conceptual

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El concepto holístico y revolucionario de Joseph Kosuth de arte conceptual

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Unidad 2: El anhelo de la desmaterialización: Innovaciones y propuestas
¿ Como Kosuth interpreta la desmaterialización en sus obras desde sus inicios y cómo se contextualiza a un cambio radical a la época en la cual se presentó?
Obras destacadas:
-One and three chairs, 1965( obra que se tratará con mayor análisis)
-Four colours four words, 1966

Bibliografía:

https://www.museoreinasofia.es/en/collection/artwork/one-and-three-chairs
https://www.youtube.com/watch?v=prcolwh4JVE
http://webs.ucm.es/BUCM/tesis//19972000/H/1/H1014201.pdf

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Unidad 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad

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Unidad 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad

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El amor, la enfermedad, el luto, la política y la muerte en el arte conceptual del artista Félix González-Torres.

Félix González-Torres nació en Guáimaro, Cuba, en 1957. Estudió la carrera en fotografía en el Pratt Institute en Brooklyn, Nueva York, para tener su primera exposición en la misma ciudad en 1984. El artista obtuvo su maestría en New York University 3 años después.

González-Torres' estuvo muy involucrado apoyando causas sociales y políticas, mismo que expuso de cierta manera su vida personal. Buscaba con su expresión artística transformar al espectador de ser un receptor pasivo a ser un observador reflexivo, motivándolo a tomar acción social.

Él utilizaba materiales simples, aquellos que se usan en el día a día (papel, dulces, series de luces, rompecabezas) y un vocabulario estético simple, recordando al minimalismo y al arte conceptual para tocar temas tales como el amor y la pérdida, la enfermedad y el rejuvenecimiento, el género y la sexualidad. El artista le pedía al espectador darle significado a su obra con su participación. El trabajo del artista cubano en ocasiones se le refería como "process art" por requerir de un proceso o participación para que la obra tuviera todo su significado.

Pregunta de Investigación:
¿Cómo el amor, la enfermedad, el luto, la política y la muerte influenciaron en las obras de Félix González-Torres? ¿Cómo sus obras influenciaron al público?

Obras:
«Untitled» Perfect Lovers (1987- 1990)
«Untitled» Portrait of Ross in L.A (1991)
«Untitled» Blood (1992)

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Wojnarowicz es reconocido como uno de los enfant terrible de la década de los 80 's de New York.  Su trabajo refleja una visión realista y ampliamente crítica que, a su vez, contrastaba con la manera de vivir de la sociedad norteamericana contemporánea. A través de su obra cuestionó la sobrevaloración de la mortalidad como un fenómeno utilizado para controlar la sociedad y ejercer poder a ella a través de esta idea. David Wojnarowicz utilizó diversos medios como la fotografía, pintura, collage, permanece y el cine para mostrar temáticas de su interés como muerte, amor, vida y diversidad sexual. Utilizó diferentes medios para visibilizar la importancia de los derechos civiles, libertad, diversidad, identidad gay y defensa de las personas enfermas con VIH. Su obra podría ser catalogada como un arte con una amplia carga política que refleja a los marginados y outsiders; un arte que refleja las miserias de la vida en la sociedad.

Obras reconocidas:

"The Four Elements"

Untitled (Peter Hujar)

One Day This Kid (1990)

Buffalo

Temática:

Pregunta de investigación?

¿De qué manera las relaciones de poder ejercidas por la sociedad contemporánea estadounidense influyeron en el trabajo de Wojnarowicz?

Hipótesis:

La hostilidad del mundo y la invisibilización de la diversidad cultural y social por parte del estado y familias estadounidenses influyeron en el trabajo de Wojnarowicz y su crítica directa a esta.

Bibliografía:

https://mitpress.mit.edu/books/weight-earth

http://repositorio.una.edu.ar/bitstream/handle/56777/1208/Wojnarowicz,%20el%20chico%20que%20creci%C3%B3.pdf?sequence=1

https://www.moma.org/artists/6623#works

https://www.tandfonline.com/doi/abs/10.1080/13528165.2014.908082?journalCode=rprs20

https://search.proquest.com/openview/afb9faf02df1640da81459970b403348/1?pq-origsite=gscholar&cbl=18750&diss=y

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UNIDAD 1: Incógnitas y perspectivas sobre el arte contemporáneo.  

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UNIDAD 1: Incógnitas y perspectivas sobre el arte contemporáneo.  

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La música y su rol en el arte contemporáneo. Análisis de la obra "The Visitors" del artista Ragnar Kjartansson.

Pregunta de investigación
¿Cómo influye en los espectadores la implementación de elementos musicales en una obra? ¿La música potencia la sensorialidad que caracteriza al arte contemporáneo?

Descripción:
A lo largo de los años, una gran cantidad de artistas han realizado obras en donde la música es representada de manera pictórica; dejando de lado la intervención de esta misma en compañía de lo visual. Por otro lado, el arte contemporáneo explora nuevas herramientas para presentar un obra hacia el público, proceso en el cual, incluyen la música en su forma natural; pues la experiencia sonora, sumerge al espectador dentro de la experiencia artística; a comparación de solo apreciar una obra desde lejos, las características del arte contemporáneo hacen posible la interacción del artista con el espectador; por lo que es importante llegar a este por medio de todos los sentidos.

Como objetivo de investigación, se analizará el impacto de la obra "The Visitors" y sus características estéticas y funcionales. Es importante comprender cómo esta instalación introduce la sonoridad para condensar el mensaje del artista.

Por último, el arte contemporáneo se divide en distintos géneros, uno de estos denominado: Instalación. En donde un conjunto de herramientas dan lugar a la obra. Estas instalaciones pueden basar su experiencia en la sonoridad y el manejo de distintos instrumentos para crear la atmosfera que el artista desea. Sin embargo, ¿Cómo este conjunto de sonidos pueden ser considerado artísticos, si lo percibimos como ruido? ¿De qué manera el arte contemporáneo utiliza estos ruidos para volverlos artísticos?

Hipótesis
La música potencia la experiencia de los usuarios en su interacción con una obra de arte.

Bibliografía:

BADIU, Alain (2008) Las condiciones del arte contemporáneo. Universidad Nacional de San Martín. Buenos
Aires, Argentina.
https://drive.google.com/drive/folders/13yv52tBxeSPc9AYlt4G0_e1We6gtnhuN

MONTENSINOS, Inma. (2016) Trabajo, música y arte contemporáneo.
https://es.slideshare.net/inmamontesinos/trabajo-msica-y-arte-contemporneo-3eso-c-mayo-2016?next_slideshow=1

MAIRE, José (2016) ¿Qué es el arte sonoro?. Fundación Juan March
https://www.march.es/arte/madrid/exposiciones/arte-sonoro/que-es.aspx

MANN, Julia (2018) Música, arte sonoro y arte de los ruidos. Infobae. https://www.infobae.com/america/cultura-america/2018/04/15/musica-arte-sonoro-y-arte-de-los-ruidos-el-legado-de-luigi-russolo/

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Unidad 2: El anhelo de la desmaterialización: Innovaciones y propuestas

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Unidad 2: El anhelo de la desmaterialización: Innovaciones y propuestas

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Tema:
Desmaterialización y alienación en Joseph Kosuth.

Pregunta de investigación:
¿En qué medida la aspiración a la desmaterialización significa la alienación de la humanidad del autor?

Link a esquema de ideas:
https://miro.com/app/board/o9J_lFGEAX4=/

Textos consultados:
1. Kosuth, J. (1969). El arte después de la filosofía. Recuperado de: https://www.academia.edu/29366475/El_arte_despu%C3%A9s_de_la_filosof%C3%ADa
2. Vindel, J. (2010). Arte y política: genealogía crítica de la estrategias conceptuales en el arte argentino entre 1965 y 200. Recuperado de: https://buleria.unileon.es/bitstream/handle/10612/4897/TESIS%20DE%20JAIME%20VINDEL.pdf?sequence=1
3. Rosado, P. (2015). NUEVAS ACTUALIZACIONES SOBRE ESCULTURA. LA EXPLORACIÓN DEL SIGNO COMO MOTOR QUE IMPULSA LAS PRÁCTICAS ESCULTÓRICAS, DESDE EL ORDEN ESPACIAL O DESDE LA INTERFERENCIA SOCIAL. [PDF]

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Unidad 3: Arte, política y los conceptualismo del Sur

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Unidad 3: Arte, política y los conceptualismo del Sur

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Graciela Carnevale

Es una artista conceptual argentina egresada de la Escuela de Bellas Artes de Rosario, conocida por su participación en el Ciclo de Arte Experimental organizado por el Grupo de Arte de Vanguardia de Rosario, en el cual se debía supera los límites , el cual se desarrolló en la ciudad de rosario, Argentina en 1869, donde Carnevale presentó “Acción de encierro” donde encerró al público buscando una accion de parte de ellos para salir.

¿En qué modo y por qué el arte conceptual latinoamericano plasma su compromiso en la búsqueda del cambio social?

Hipótesis:El arte en la búsqueda del cambio social desmaterializando la obra y rompiendo con la contemplacion de esta realiza el happenin,  involucrando más al público generando una concientización política.

Objeto de estudio: Se estudiará el caso de la obra “El encierro” de Graciela Carnevale. Esta pieza dialoga con el arte contemporáneo como arte conceptual a través de la desmaterialización de la obra haciendo uso de la práctica del happening.

Bibliografía:

CAMNITZER, LUIS. Didáctica de la liberación: arte conceptualista latinoamericano. Montevideo: Casa Editorial HUM, 2008. Pg. 39-56

DE GRACIA, Silvio. Arte Acción en Latinoamérica: Cuerpo político y estrategias de resistencia. Recuperado de http://performancelogia.blogspot.pe/2007/10/arte-accin-en-latinoamrica-cuerpo.html

https://hammer.ucla.edu/radical-women/art/art/accion-del-encierro-lock-up-action

http://www.latinart.com/spanish/faview.cfm?id=965

https://www.arteinformado.com/guia/f/graciela-carnevale-35034

https://www.youtube.com/watch?v=p2cFi7MQ5kQ

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Unidad 3: Arte, política y conceptualismos del sur  Tema tentativo a investigar: El papel del arte como un medio de protesta política y social en Latinoamérica durante la dictadura del general Pinochet.                            Artista a investigar : Cecilia Vicuña                                               

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Unidad 3: Arte, política y conceptualismos del sur  Tema tentativo a investigar: El papel del arte como un medio de protesta política y social en Latinoamérica durante la dictadura del general Pinochet.                            Artista a investigar : Cecilia Vicuña                                               

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Cecilia vicuña es una de las artistas mas exitosas y polifacéticas de chile. Su obra exploró la escultura, la poesía, el Land-art y la instalación entre otras cosas. Tuvo un papel sumamente importante durante la dictadura de Pinochet en los años 70. Estas artista fue una de las voces mas representativas de la resistencia democrática a través de su trabajo, siendo co-fundadora de Artista for democracy. Así mismo, abogó por una libertad más allá de lo político, en temas como lo cultural y lo sexual.

Mis preguntas de investigación se podrían relacionar con la idea de la palabra como el mejor medio para hacer arte dentro de un contexto de propuesta. También, podría orientarme a la influencia del contexto político para el desarrollo del arte conceptual en Latinoamérica en comparación con el desarrollo del mismo en Norteamérica.

Me interesa particularmente esta cita de Camitzer: “la teoría del arte se convirtió en una obra de arte. En Latinoamérica los artistas teorizaron menos sobre el arte y mas sobre la política, de manera que fue la política la que se fue infiltrando hasta ser arte.”

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Unidad 6: Globalización, tecnología y los desafíos del mundo contemporáneo.

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Unidad 6: Globalización, tecnología y los desafíos del mundo contemporáneo.

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Artista escogido: Intimidad Romero.

Artista colombiana, perteneciente a la UAFC, la cual desarrolla su arte a través de las redes sociales; principalmente en Facebook. A través de su "arte pixeleado" denotado en sus fotografías propias y familiares, mantiene su anonimato a través del lema "el pixel me sienta bien"; siendo apoyada y criticada tanto por las personas como quienes manejan la red social antes mencionada. Su trabajo abarca reflexiones críticas sobre las nuevas redes sociales, y de cómo el anonimato se convirtió en un instrumento generador de contenidos estéticos y narrativos.

Fuente:  https://arteedadsilicio.com/2018/11/07/intimidad-romero-abstracciones-sociales/#:~:text=Estamos%20hablando%20de%20Intimidad%20Romero,que%20Intimidad%20Romero%20no%20se

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Unidad 1: Incógnitas y perspectivas sobre el arte contemporáneo

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Unidad 1: Incógnitas y perspectivas sobre el arte contemporáneo

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Robert Smithson

Nació en USA en 1938 y estudió pintura y dibujo en New York, asimismo incursionó en la escultura. Conocido por ser el precursor del Land Art, él se caracterizó por intervenir espacios industriales como minas para establecer una conexión entre el arte y la industria. Ahora, es importante esclarecer qué es el Land Art. Esta corriente artística utiliza los elementos de la naturaleza tales como agua, arena, algas, montañas, desiertos, etc; estos objetos recolectados también implicaba un registro fotográfico de los lugares y mapas para, posteriormente, exhibirlos como “Earthworks”.  La importancia de los paisajes, este como inspiración desde niñez, junto minas abiertas promueve esta conversación entre la naturaleza y concepto industrial sobre el concepto del “Site and nonsite”

En esa misma línea, podemos apreciar la obra “Spiral Hill” situada en Holanda. En la obra se utiliza una mina explotada a cielo abierto y abandonada en donde construyó una colina en espiral a partir de rocas rojizas encontradas en la locación.

Obras Reconocidas:

Spiral Hill  1971

Broken Circle  1971

Nonsite, Oberhausen  1968

Temática:

¿Cómo se relaciona la corriente del Lands Art de Robert Smithson con las Líneas de Nazca en el Perú?

Hipótesis:

La huella del hombre precolombino en las líneas nazca es una propuesta de Land Art bajo la perspectiva de Smithson apuntando a un tiempo cíclico de expresión artística.

Resumen:

Si bien el Land Art de Smithson promueve esta comunicación entre la naturaleza y lo industrial, lo hace partir de una visión del siglo XX post revolución industrial. En ese sentido podemos observar una transformación de la naturaleza, nutriendo a la misma con formas artificiales.

Las líneas de nazca son una creación del hombre precolombino. En el sentido que se transforma la naturaleza con la finalidad de alabar deidades, crear calendarios bajo constelaciones y representaciones de su cosmovisión estableciendo una comunicación entre la naturaleza y su manipulación a través del hombre.

Bibliografía

https://fahrenheitmagazine.com/arte/robert-smithson-el-precursor-del-land-art#view-1

https://holtsmithsonfoundation.org/artworks-robert-smithson/earthwork

https://www.bbc.com/mundo/noticias-america-latina-50467520

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UNIDAD 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad

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UNIDAD 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad

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JUDY CHICAGO

Judy Chicago es una artista, feminista, autora, maestra, humanista y una pionera del arte feminista estadounidense. Perteneció a la primera generación de artistas feministas estadounidenses y dedicó su trabajo a examinar el papel de las mujeres en la historia y cultura. Asimismo, sus trabajos son modelos de defensa de los derechos de libertad de expresión para las mujeres.

OBRAS RECONOCIDAS

The Dinner Party

Considerada la primera gran obra de arte feminista por su objetivo de homenajear la historia de la mujer en la civilización occidental.

Womanhouse

Fue un proyecto pedagógico dirigido por Judy Chicago y Miriam Schapiro, el cual fue producido por 21 alumnas del programa CalArts. Es una representación dramática de la experiencia de la mujer desde la infancia.

TEMAS PENSADOS

Movimiento feminista en los años 70.

Visibilización de la mujer en la historia.

BIBLIOGRAFÍA

https://roderic.uv.es/handle/10550/67444

http://sincronia.cucsh.udg.mx/pdf/79/439_449_2021a.pdf

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Perteneció a la primera generación de artistas americanas feministas surgidas en la década de los setenta. Luchó por acabar con la inexistencia de la mujer en el ámbito artístico, dominado por un arraigado discurso patriarcal. Reivindicó la posición de la mujer artista como un sujeto pensante y creativo. Utilizó la iconografía vaginal a finales de los sesenta, como señal distintiva frente a sus compañeros varones.

Su obra se desarrolló entre la escultura en materiales tradicionales como la cerámica y otros no tradicionales como el chicle, la goma de borrar, el látex o el lino. Además, el deseo por derrumbar el mito patriarcal del genio masculino motivó a explorar nuevos medios y formas de expresión como la performance, el video y la fotografía, y en simultáneo con el dibujo. Con sus piezas lanzó un llamado de atención sobre la ética, la religión, la opresión de la mujer, la dignidad humana, el feminismo, la belleza, la diversidad cultural, la fragilidad de la vida, la enfermedad, el dolor o la inevitable muerte. Agregar a ello que fue una artista muy criticada, puesto que para muchos sus obras presentaban una amenaza, e incluso sus propias compañeras feministas le recriminaron por un exceso de exhibicionismo narcisista y de frivolidad.

OBRAS:

S.O.S. - Starification Object Series, 1974- 1982

Three Sisters, 1980 - 1984

Intra-Venus, 1992 - 1993

TEMAS:

La transformación de la visibilización de la mujer desde los 70 hasta la actualidad

La influencia del arte feminista en el discurso patriarcal.

BIBLIOGRAFÍA:

.https://www.artium.eus/es/exposiciones/item/55714-hannah-wilke.-exchange-values

https://fahrenheitmagazine.com/arte/belleza-y-fototerapia-en-el-arte-performance-de-hannah-wilke#view-1

https://www.moma.org/artists/18539

Historia, G. De. (2018). Hannah Wilke . De la captación del cuerpo Amanda Blanco Puerta. x.

Kohl, J. (1999). INTRA-VENUS. 152–164.

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Unidad 3: Arte, política y los conceptualismos del Sur Arte conceptual y conceptualismos en Latinoamérica. Revisión histórica del arte político desde la década de los sesenta hasta la actualidad.

Inserciones en circuitos ideológicos: Contrainformación desde la práctica conceptualista latinoamericana

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Cildo Meireles. Inserciones en circuitos ideológicos

En la obra de Cildo Meireles, la noción de circuito adquiere tempranamente importancia para otorgar materialidad y sentido a varios de sus trabajos. En algunos textos escritos durante la primera mitad de la década de 1970, el artista ya detectaba la existencia de amplios sistemas de circulación en los cuales sería posible insertar, individualmente y sin ningún cercenamiento, información contraria a los propios intereses que fundamentan dichos sistemas.

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Cildo Meireles. Inserciones en circuitos ideológicos | Daros Latinamerica Collection

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En la obra de Cildo Meireles, la noción de circuito adquiere tempranamente importancia para otorgar materialidad y sentido a varios de sus trabajos. En algunos textos escritos durante la primera mitad de la década de 1970, el artista ya detectaba la existencia de amplios sistemas de circulación en los cuales sería posible insertar, individualmente y sin ningún cercenamiento, información contraria a los propios intereses que fundamentan dichos sistemas.

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UNIDAD 5: El rol del artista en la sociedad contemporánea 

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UNIDAD 5: El rol del artista en la sociedad contemporánea 

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Jenny Holzer

Es una artista estadounidense quien trabaja con texto en sus obras, suele utilizar como lienzo lugares públicos donde proyecta los textos que usa para manifestarse  sobre temas sociales como el feminismo.

El arte conceptual es el medio por el cual se comunica esta artista para protestar utilizando los espacios públicos como medio de llegar al público y además el uso de la estética de luces led influye en el interés de las personas al estar en una sociedad que se ve enfrentada a una sobrecarga de información.

Pregunta

¿El arte digital presenta más posibilidades para expresar el mensaje al poder llegar al entorno de las personas y estas puedan involucrarse con este?

Viéndolo desde un contexto en donde las redes son el medio por el cual los artistas se dan a conocer

bibliografia

http://www.heroinas.net/2017/12/jenny-holzer-la-artista-de-las-palabras.html

https://culturacolectiva.com/arte/el-arte-conceptual-y-publico-de-jenny-holzer

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Por más de treinta años, Jenny Holzer ha expuesto sus argumentos, ideas y penas en lugares públicos y ferias internacionales. Se trata de una artista que surge a finales de los sesenta y principios de los ochenta creando un arte en principio abstracto, influenciada por pintores como Mark Rothko y Morris Louis, pero que poco a poco se va desarrollando como una artista conceptual al introducir textos en sus obras o instalaciones como lo haría Barbara Kruger. Holzer fue la primera mujer artista que representó a Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1990.

El lenguaje es el eje fundamental de su obra; es el medio, mensaje y recurso que le da la posibilidad de romper/hablar sobre tabúes de la sociedad tales como el sexo, género, amor, guerra o violencia y la muerte. La variedad de formatos que utiliza es amplia, ya que se pueden apreciar obras impresas, pósters con luces LED, proyecciones, entre otros, siempre de la mano de la dimensión pública.

"Usé el lenguaje porque quería ofrecer a la gente contenido - no necesariamente a los interesados por el arte - que pudiera entender".[1]".

El lenguaje adquiere a partir del arte conceptual nuevos significados; se revaloriza además de volverse un elemento estético más. "La literatura se vuelve visual y el arte plástico se vuelve discurso

Es un arte de dominio público ya que de una manera u otra todos pueden entenderlo por nutrirse de palabras con sentido, de frases. Es un arte accesible, y a diferencia de otros movimientos basados en el color y la forma, presuntuosos en ocasiones, el trabajo de Holzer es directo, frío, sin adornos. Esta práctica se basa en el cuestionamiento de los modos de representación de la vida contemporánea. A partir de la publicidad, de la arquitectura, el cine o la moda se apropia de un discurso establecido para darle la vuelta e introducir nuevos conceptos. Gran parte de su obra surge de un discurso feminista que crecía con fuerza en la los años sesenta.

https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/Holzer-1.jpg https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/Holzer-5.jpg https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/Holzer-6.jpg
En su serie Truisms, con la que se inicia en el arte conceptual, plantea mensajes breves pero con significados profundos y opiniones diversas. Tras leer esta serie que recopila pequeños mensajes, el espectador experimenta lo más parecido a un interrogatorio. El fin es que el espectador reflexione, se cuestione, se mueva; que el arte le lleve a comprender su propia situación y la colectiva: esto es arte conceptual.
Truisms, 1978

El mensaje cobra una dimensión todavía mayor cuando este está proyectado a un edificio emblemático o una de las intersecciones más famosas de Estados Unidos: Times Square. Fue aquí donde en 1982, con la apropiación del espacio y proyección en una pantalla electrónica de frases como "Abuse of power comes as no surprise" (El abuso de poder no de sorpresa) o "Absolute submission can be a form of freedom" (La sumisión total puede ser una forma de libertad) su carrera llegaría a un punto de inflexión.

https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/Holzer-2.jpg https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/holzer-4.jpg https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/holzer-1.jpg https://img.culturacolectiva.com/content/2015/02/holzer-2.jpg
Una de sus series más controversiales es Sex Murder (1993-1994). Para este trabajo fotográfico, la artista, con la guerra de Bosnia en pleno apogeo como contexto, escribió frases directamente sobre la piel de mujeres para hacer un llamado de atención a los abusos, violaciones y asesinatos que estas estaban sufriendo. Con esto su arte se volvió político y su voz dejó de ser anónima.

El arte de Holzer es un arte desafiante, extremo, psicológico. "Un trabajo mucho más extremo que el de los hombres", dijo Jenny Holzer.

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***

Referencia:

http://lavidanoimitaalarte.blogspot.mx/2007/09/jenny-holzer-1950-gallipolis-ohio-usa.html

Página oficial de la artista:
http://projects.jennyholzer.com/

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El arte conceptual y público de Jenny Holzer

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Por más de treinta años, Jenny Holzer ha expuesto sus argumentos, ideas y penas en lugares públicos y ferias internacionales. Se trata de una artista que surge a finales de los sesenta y principios de los ochenta creando un arte en principio abstracto, influenciada por pintores como Mark Rothko y Morris Louis, pero que poco a poco se va desarrollando como una artista conceptual al introducir textos en sus obras o instalaciones como lo haría Barbara Kruger.

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UNIDAD 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad - Natalia Iguiñiz (Arte y Feminismo Perú)

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UNIDAD 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad - Natalia Iguiñiz (Arte y Feminismo Perú)

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Natalia Iguiñiz es una artista peruana, docente y activista que aborda los temas de identidad de género, feminismo, derechos humanos y maternidad. La obra de Iguiñiz es reconocida por tratar experiencias personales influenciadas por la sociedad, y cómo se debe repensar la autonomía, así como también comprender nuestro contexto social y colectivo: Lo personal es político (Hoyle, 2018).

Ha colaborado con organizaciones como DEMUS, Centro de la Mujer Flora Tristán, CLADEM (Comité de América Latina y el Caribe para la Defensa de los Derechos de la Mujer), Centro de Capacitación para Trabajadoras del Hogar (CCTH), APRODEH, Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social (LUM), entre otros.

Pregunta: ¿Por qué es relevante para el arte peruano abordar temas de identidad de género y feminismo? ¿Cómo podría influenciar esta temática en nuestro contexto?

Referencias: https://www.academia.edu/43064319/Energ%C3%ADas_sociales_Fuerzas_vitales_Natalia_Igui%C3%B1iz_arte_activismo_feminismo_1994_2018_

https://redaccion.lamula.pe/2015/03/07/para-los-momentos-kodak-esta-la-publicidad-lo-ambivalente-lo-contradictorio-es-de-ahi-de-donde-surgen-estos-trabajos/andreshare/

http://esferapublica.org/nfblog/si-te-dicen-perra-tienen-razon/

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UNIDAD 3 : Arte , politica y los conceptualismos del Sur Arte conceptual y conceptualismos en Latinoamericano .  

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UNIDAD 3 : Arte , politica y los conceptualismos del Sur Arte conceptual y conceptualismos en Latinoamericano .  

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Artista conceptual : Noemi Elizather de cornejo , peruana .
Obra : Miss cerro de Pasco
Descripción de la obra :

El año 2009 me auto proclamé Miss Cerro de Pasco La última Reyna de la Villa Minera y ciudad Real de Minas. “Última”, porque esta ciudad, de acuerdo a lo decretado por el Estado peruano (Ley 29293 año 2008) debe ser trasladada. Por ello la duración de mi reinado ha sido propuesta hasta que una nueva ciudad sea construida, entonces entregaré la corona a  la nueva soberana.

Mientras llegue ese momento es preciso aprovechar el tiempo que nos queda. Por ello como soberana heredera de tan opulento lugar a dónde lejanos viajeros llegaron un día, apuesto por promover el turismo a Cerro de Pasco. Para, de esta forma dar a conocer la grandeza en la  que el hombre ha logrado convertir este lugar. Como Reyna de esta ciudad quiero que el mundo entero conozca sus maravillas, que puedan ver el interior de la tierra y experimentar la vida a más de 4000 metros de altura.

Si aún no conoce  Cerro de Pasco, “Villa Minera”, “Ciudad Real de Minas” y “Tierra de Machos” ¡venga! No pierda la oportunidad de visitarla, será una experiencia inolvidable. Conozca desmontes y relaveras así como el increíble  “Tajo Raúl Rojas” . Sea parte de la campaña para otorgarle valor histórico a la actividad minera de este lugar. Vote para que el “Tajo Raul Rojas” sea elegido “Maravilla Universal y Paisaje Cultural Histórico de la Nación”. En la página principal encontrará el formulario de votación.

“Cerro de Pasco, la minería que tú quieres sí existe entre nosotros”

Pregunta de investigación :
¿ Que impacto cultural y político nacional he internacional  ha tenido esta obra artística ? ¿ En que medida la protesta artística puede generar un cambio político y cultural ?
links :
https://www.youtube.com/watch?v=iklRCxsUEFI
https://laultimareina.com/promocion-turistica/
https://laultimareina.com/miss-cerro-de-pasco-2/

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UNIDAD 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad

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UNIDAD 4: El cuerpo político: Arte, género e identidad

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Artista: Natalia Iguiñiz
Obra: Serie La otra

Natalia Iguiñiz es una pintora, fotógrafa, diseñadora y activista política que principalmente desarrolla obras sobre las problemáticas del día a día de la mujer y su identidad. Utiliza una variedad de medios digitales, diseño, intervención en el espacio, performances para generar diálogos y reflexiones a través de sus obras.

Principales obras:
-La pérdida / La perdida (1998)
-La otra (2001)
-Pequeñas Historias de Maternidad 1, 2 y 3 (2005, 2008, 2015)
-Gráfica para la Acción (2013)

Tema: La obra que específicamente quiero investigar es la serie de fotografías "La otra", sobre el cuestionamiento del rol de la mujer y la jerarquía o subordinación existente a pesar de ser un trabajo formal

Bibliografía
https://artishockrevista.com/2018/03/21/natalia-iguiniz/
https://www.goethe.de/ins/co/es/kul/fok/hrc/20792718.html

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Unidad 6: Globalización, tecnología y los desafíos del mundo contemporáneo

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Unidad 6: Globalización, tecnología y los desafíos del mundo contemporáneo

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Harun Farocki

Nació en 1944 en Novy Jicin, República Checa, en aquel momento, anexado a Alemania. Su trabajo como artista y cineasta, ha tenido una influencia decisiva en la historia del cine político desde finales de la década de los 60. Ha reflexionado sobre la relación entre sociedad, política y la imagen en movimiento durante muchos años; además, la relación entre tecnología y guerra ha tenido un papel fundamental en sus obras. Ha escrito textos teóricos, guiones cinematográficos y televisivos.

Preguntas
¿El contexto al cual el artista se encontraba inmerso determinó su manera de generar y producir arte? ¿En qué momento se da el punto de quiebre para empezar a cuestionarse el arte y su rol político inherente en la sociedad?

Hipótesis
Harun Farocki se cuestiona el accionar de los cineastas contemporáneos a él y decide realizar un cambio en la manera de producir el cine, desde los medios hasta el mensaje a transmitir (en ese entonces contenían mensajes nazis en su mayoría). Cambia de paradigma y realiza obras con contenido político claro y cuestionador para el usuario.

Bibliografía
https://www.macba.cat/es/exposiciones-actividades/actividades/harun-farocki-pensar-imagenes

https://scielo.conicyt.cl/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0718-71812015000100015

https://www.lafuga.cl/la-continuacion-del-cine-por-otros-medios/644

https://www.harunfarocki.de/home.html

In Romeu, A. V. (2018). Los "rostros invisibles" de la desigualdad social: Un estudio sobre arte, política, educación y consumo cultural en América Latina : los casos de Lima y la Ciudad de México.

Ferrer, R. (2017).Violencia política y de género en Latinoamérica : representaciones críticas desde el arte y la fotografía = Political and gender violence in Latin America : critical representations from art and photography.

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Exposición 'HARUN FAROCKI. Lo que está en juego / What is at stake' en el IVAM

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EL cambio en la expresión de la escultura colgada a la expandída es de una inmensa,termino que a partirse la ausencia la naturaleza se graban el la memoria y la tierra entra en fondos y sale en curvas extraordinarias creo combinaciones términos ,donde parecen suspendidas, que expresan oposicion entre lo construido lo cuiiltural y lo natural el sentir del escultor, del no paisaje y la no arquitectura.EL Minimalismo catalogado de Infantil.mas el Arte del sentido se eleva y se siente. Richard Sierra, Donald Judd

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UNIDAD 1: Incógnitas y perspectivas sobre el arte contemporáneo

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UNIDAD 1: Incógnitas y perspectivas sobre el arte contemporáneo

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Objetivo General:
Explicar mediante un método de investigación cómo es que los espacios reales son desplazados por espacios ficticios, dentro de la creación del arte contemporáneo. ¿Qué implica esto? ¿Cómo se relaciona con las características de arte contemporáneo?

Objetivos específicos:
¿De qué manera la obra "Meta Monumental Garage Sale" (2012), de la artista americana Martha Rosler, ejemplifica como desplazados espacios reales, hacia espacios ficticios donde todos pasan a formar parte de la obra de arte? ¿Qué características cumple la obra de Martha Rosler, para ser considerada como arte contemporáneo?

Artista a investigar:

Martha Rosler

Bibliografía:

https://www.moma.org/calendar/performance/1261?
https://elpais.com/cultura/2012/11/30/actualidad/1354300878_678870.html
https://www.youtube.com/watch?v=fOJJdCh5TLE

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Es un artista contemporánea japonesa precursora del arte pop, minimalismo y arte feminista. Ha trabajado en una gran variedad de medios como: fotografía, pintura, collage, performance y escultura, manifestando en gran parte su enfoque en la psicodelia, dinamismo y repetición de patrones. Comenzó a interesarse por el arte desde temprana edad por lo que empezó con el Nihonga  para luego interesarse más en el avant-garde americano y europeo. Se muda a Estados Unidos, Nueva York, en 1957. Lugar en el que permanecería 16 años realizando pinturas con influencia expresionista abstracta, siendo un volviéndose un elemento fijo del avant-garde y organizando happenings con gente desnuda con lunares de colores pintados.
Luego de este éxito, regresó a su natal Japón en donde no pudo despegar como artista. En1977 se internó en un hospital psiquiátrico en donde aún permanece.

Obras:
- Infinity Mirror Room
- Dots
- Ascension of Polkadots on the Trees
- Pumpkin

Pregunta:
- ¿Cuál fue el contexto social que estaba viviendo Kusama? ¿Por qué este fue el principal precursor de su característico estilo de arte y cómo influyó en la cultura popular?
Hipótesis:
Yayoi Kusama nació en una familia que, a pesar de ser de clase media alta, era conservadora y abusadora de parte de su madre. Siendo este su punto de partida en cuanto a sus problemas mentales, alucinaciones, pensamientos suicidas, etc. En la sociedad japonesa además aún se marginaban a las mujeres y la industria del arte era casi nula. Añadiendo también que Kusama no soportaba el Nihongo (estilo de pintura japonés) debido a su "rigidez". Ella manifestaba continuamente que pensar en su infancia en Japón le daban "ganas de vomitar".
Fuentes:
- https://www.elmundo.es/metropoli/otros-planes/2020/10/02/5f75ad1321efa0e26b8b4583.html
- https://smoda.elpais.com/moda/actualidad/yayoi-kusama-o-por-que-encerrarse-voluntariamente-durante-40-anos-en-una-institucion-mental/
- https://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/41530-yayoi-kusama-biografia-obra-y-exposiciones