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Le costume de scène désigne les vêtements portés sur scène par les acteurs de spectacle vivant. Il évolue selon les périodes et le type de représentation : ballet, opéra, théâtre et leurs différents sous-genres. Aux débuts du ballet, au , les costumes sont des habits de cour, adaptés pour faciliter les mouvements de danse.

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La commedia dell'arte

Présentation

La commedia dell'arte est une forme de comédie populaire apparue en Italie dans les années 1550, fondée sur l'improvisation, et qui influence durablement le théâtre européen.

Autrefois appelée commedia all'improviso, la commedia dell'arte remonterait au Moyen Âge, à l'époque où l'on jouait des farces dans les divers dialectes des régions d'Italie. Elle a pour origine les farces atellanes que l'on donnait dans la ville d'Atella au IIe siècle av. J.-C. Le jeu des comédiens s'inspirait des saynètes jouées par les colporteurs pour vendre leurs élixirs sur les places publiques. Des troupes professionnelles, composées de ménestrels et d'acrobates ambulants, perfectionnent une forme de divertissement adaptée au grand public.

Signifiant littéralement " théâtre interprété par des gens de l'art ", c'est-à-dire des comédiens professionnels, le terme est, de nos jours, utilisé dans de nombreuses langues, dont l'anglais.

→ À lire : Le genre dramatique. - La farce. - La comédie. - La comédie classique en France.

Intrigue et personnages

Rompant avec la tradition du texte écrit et sans autre support qu'un canevas, parfois emprunté à une comédie, les troupes, composées de six à douze acteurs, improvisaient des comédies mêlées de chants, de danses et d'acrobaties, sur des scènes de fortune, en plein air ou dans des théâtres aménagés. Elles reposaient sur des personnages stéréotypés, appelés types, et des situations burlesques, accompagnées de pitreries. À l'exception des titulaires des rôles d'amoureux, tous les acteurs portaient des masques ; mais à la différence du théâtre traditionnel, la commedia dell'arte faisait appel à des actrices pour interpréter les rôles féminins.

Dès son apparition, la commedia dell'arte était synonyme de théâtre professionnel, à l'opposé d'une forme de théâtre plus élitiste, la commedia erudita, écrite par des auteurs lettrés, des gens de cour et jouée par des courtisans amateurs dans des spectacles fastueux.

Les personnages de la commedia dell'arte étaient facilement reconnaissables :

portait généralement un habit rapiécé et un masque noir au nez retroussé. Valet espiègle, malin et cupide, Arlequin était très porté sur les plaisirs de la table et la compagnie des femmes. Il devait se transformer par la suite, dans les arlequinades, en un amoureux rêveur, vêtu d'un costume composé d'une multitude de petits losanges polychromes.

Scapin était aussi un valet, originaire de Bergame, comme son compagnon Arlequin. Son masque fruste, son gros nez, ses lèvres épaisses, ses yeux qui louchent lui donnent un air inquiétant.

Pantalon, marchand crédule, essayait de dissimuler son âge et de plaire aux jeunes femmes en portant des habits turcs très ajustés.

L'ami de Pantalon, le Docteur, employait des mots latins pédants et confus, et préconisait des remèdes dangereux pour des maladies imaginaires. Capitan, tout en ne cessant de fanfaronner à propos de ses conquêtes guerrières et amoureuses, n'était en réalité qu'un lâche et un piètre amant.

Polichinelle était un vaurien difforme et bedonnant, mettant au point d'horribles combines pour satisfaire sa méchanceté et ses désirs.

Pierrot était un serviteur naïf et gauche.

Colombine, servante ou femme de l'un des vieillards, introduisait une note d'esprit et de charme dans cet univers régi par la bêtise, la cupidité et la discorde.

Matamore voulait être pris pour ce qu'il n'est pas : un brave. Ce qui le caractérise, c'est l'emphase. Son costume est une caricature des vêtements militaires.

Cette série de personnages (il y en avait vraisemblablement une douzaine d'autres) se répartissait en deux groupes : le parti grave des couples amoureux et le parti ridicule des vieillards comiques qui portaient des masques grâce auxquels le public pouvait désigner l'acteur par le nom du personnage. Les comédiens jouaient avec brio de l'identification et de la distance critique, excellaient dans l'art de la variation et de la répartie verbale et gestuelle, sans jamais s'éloigner du scénario (développement de l'action dramatique scène par scène).

Chaque troupe de la commedia dell'arte était en mesure de jouer des centaines d'intrigues différentes. À la demande, chaque acteur créait ses propres lazzi, qui permettaient de caractériser le personnage et de le reconnaître rapidement à travers ses grimaces et son comportement burlesque, que le public attendait comme le morceau de bravoure (le burle). Ces numéros d'acteur prenaient parfois la forme d'une courte farce : l'une d'elles consistait à se frapper mutuellement avec une latte ou un bâton. Les lazzi les plus réussis sont intégrés dans le canevas.

→ À lire : Les masques au théâtre. - La farce. - Le burlesque. - Arlequin. - Pierrot. - Polichinelle.
→ Exercice à trous : Les Compagnons de la chanson - Au temps de Pierrot et Colombine.

Développement et influence

La commedia dell'arte bénéficie pendant deux siècles d'une extraordinaire popularité, qui s'étend à toute l'Europe (et particulièrement à la France, où on l'appelait la " Comédie-Italienne ") et à tous les milieux, des villages à la Cour. Les troupes cherchaient la protection des princes. Ainsi, au début du XVIIe siècle, des comédiens se réunissent sous le nom de Comédiens ordinaires du roi, protégés par Louis XIV. Cette troupe italienne joue au Palais-Royal et à l'Hôtel de Bourgogne. Une troupe italienne récemment arrivée fusionne avec celle de l'Opéra-Comique en 1762.

comique vigoureux et ses types fortement dessinés finissent par s'intégrer dans les formes de théâtre considéré comme plus noble. Son influence est surtout manifeste dans les comédies de Molière, qui était très attentif au rythme du spectacle et qui usait des scènes de quiproquo et de reconnaissance finale ( les Fourberies de Scapin), mais elle est également présente chez Marivaux ( Arlequin poli par l'amour). En Italie, Carlo Gozzi et Carlo Goldoni rivalisent pour faire revivre la commedia dell'arte au XVIIIe siècle, mais le genre ne devait se perpétuer réellement qu'à travers les divertissements populaires (tels la pantomime ou le music-hall) où les acteurs créaient le spectacle.

Des hommes de théâtre comme Meyerhold, Copeau, Dullin, Barrault s'inspirent de la commedia dell'arte dans le travail d'acteurs. Giorgio Strehler en fait un usage fréquent dans ses mises en scène des classiques italiens et français.

La commedia dell'arte a exercé une forte influence sur d'autres formes de théâtre, inspirant notamment la comédie allemande, espagnole ou d'Europe centrale, l'arlequinade anglaise, la pantomime française, les représentations de marionnettes (notamment de Guignol) et jusqu'aux prestations des grands comiques du cinéma muet, comme Charlie Chaplin.

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Présentation La commedia dell'arte est une forme de comédie populaire apparue en Italie dans les années 1550, fondée sur l'improvisation, et qui influence durablement le théâtre européen. Autrefois appelée commedia all'improviso , la commedia dell'arte remonterait au Moyen Âge, à l'époque où l'on jouait des farces dans les divers dialectes des régions d'Italie.

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rechercher des documents au CDI

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Catalogue en ligne CDI-Collège Lycée Saint Pierre

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Catalogue en ligne CDI-Collège Lycée Saint Pierre.

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1) Qu'est ce que le théâtre?
2) Où faisons nous du théâtre ?
3) Qui sont les personnes qui font du théâtre et qui portent donc des accessoires et costumes?
4) Depuis quand utilise on-nous des costumes et accessoires au théâtre ?
5) Quels sont les différents costumes et accessoires utilisé lors d'une pièce de théâtre ?
6) Comment fabrique t'ont des costumes au théâtre ?

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1)Quels sont les costumes et accessoires au théâtre?

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1)Quels sont les costumes et accessoires au théâtre?

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https://www.france-pittoresque.com/IMG/jpg/Costume-Theatre-XVIIIe.jpg
Il existe plusieurs types de costumes tu plus vieux au plus récent

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Sommaire:
1) Quels sont les costumes et accessoires au théâtre?
2) Pourquoi se déguisent ils?
3) Comment sont créer les costumes au théâtre?
4) Ou sont créer les costumes?
5) Depuis combien de temps les costumes sont indispensable a la représentation?
6) Qui sont les personnes qui portent les costumes au théâtre?

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Fiche de recherche documentaire à compléter

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Fiche de recherche documentaire à compléter

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Genres littéraires " Le théâtre : Le texte théâtral
L'interprétation et la mise en scène

📝 Article rédigé par Roula NASRANI.

Introduction

Le texte de théâtre n'est pas écrit pour être lu, mais pour être joué. Il est donc nécessaire de procéder à une interprétation qui permette de comprendre comment passer de l'écriture à la représentation.

Les dialogues

Les paroles des personnages permettent de comprendre la situation qu'ils occupent dans l'intrigue et le développement de l'action. Les échanges de paroles exposent les caractéristiques des personnages et leurs relations.

Les didascalies

les didascalies initiales (liste des personnages, décor et lieu) placées au début du texte ;

les didascalies placées à l'intérieur des dialogues (nom du personnage indiqué à chaque changement d'interlocuteur, indication du ton, des mouvements, etc.).

Les didascalies sont les indications de mise en scène notées par l'auteur dans le texte. Elles sont constituées de tout le texte qui n'est pas prononcé par les personnages, mais qui permet de comprendre ce qui se passe sur scène. On peut distinguer :

Exemple : Clov (se tournant vers Hamm, exaspéré). - Qu'est-ce que c'est ? ( Samuel Beckett, Fin de partie, 1957, Éd. De Minuit).

Les didascalies permettent de repérer le personnage qui parle, ses actions, le ton de ses paroles. Ainsi, la question posée par Clov prend ici une signification particulière.

Les costumes

le costume réaliste (celui que le personnage porterait dans la vie courante ou celui d'un personnage historique) qui fixe immédiatement le statut social du personnage ;

le costume typique (reconnu par tradition comme le costume d'Arlequin) ;

le costume symbolique (qui souligne un caractère ou un thème par quelques traits précis ; par exemple, le ventre proéminent symbole de la gourmandise, etc.) ;

le costume à contre-emploi (le roi habillé en enfant, signe de son caractère infantile) ;

le " refus " du costume (le costume, semblable pour tous les personnages, ne donne aucune indication sur leurs rôles respectifs, seul le jeu compte).

Les costumes c'est-à-dire les vêtements, masques, perruques ou maquillages, sont souvent ce que le spectateur perçoit d'abord du personnage. Le choix du costume revêt donc une signification primordiale et peut s'orienter dans plusieurs directions, parfois mêlées :

Le décor

le décor réaliste qui tente de figurer le lieu, tel qu'il existe dans la réalité (un salon) ;

le décor par allusions qui situe l'action par quelques indications (pancarte...) ;

le décor symbolique qui crée un espace imaginaire, à partir des jeux de volumes et de matière (plan incliné, disposition de tentures...).

Le décor permet de situer la fiction théâtrale. On distingue trois grands types de décors :
Genres littéraires
Si un décor peut indiquer un lieu unique ( unité de lieu du théâtre classique), il peut changer éventuellement au cours de la pièce (un salon, puis la rue...), voire il peut être parfois à lieux multiples (les mystères représentent simultanément plusieurs lieux sur la scène ; il faut alors changer d'endroit sur la scène pour indiquer un changement du lieu de l'action).

17 pièces humoristiques pour l'école

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Genres littéraires " Le théâtre : Le texte théâtral 📝 Article rédigé par Roula NASRANI. Introduction Le texte de théâtre n'est pas écrit pour être lu, mais pour être joué. Il est donc nécessaire de procéder à une interprétation qui permette de comprendre comment passer de l'écriture à la représentation.

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théâtre dossier consacré au spectacle.
Pour avoir une vue d'ensemble sur le spectacle, consultez en priorité les articles suivants du dossier en cliquant sur celui de votre choix :

Histoire du théâtre dans le monde, de l'Antiquité jusqu'au milieu du xx e siècle.

Voir aussi les articles :
* le théâtre contemporain
* théâtre [architecture].

Le théâtre s'appréhende généralement comme la rencontre de deux espaces : un espace à code unique ou scriptural (le texte) et un espace scénique à codes multiples que composent les voix, gestes et costumes des acteurs, le lieu de la représentation (théâtre antique, élisabéthain, salle à l'italienne, etc.) soutenu par des éclairages et des décors.

La convergence de l'auteur, de l'acteur et du spectateur constitue ce qu'on appelle habituellement le théâtre. Il s'agit donc, pour une part, d'un genre littéraire aisément repérable, inscrit comme tel dans l'histoire générale de la littérature et, comme elle, divisible en périodes. Dernière forme de la littérature orale, le théâtre produit l'acteur, incarnation vivante des personnages imaginés par l'auteur et médium pour le spectateur. Le rôle de ce dernier se diversifie suivant les genres, les lieux, le contenu des pièces et l'époque. L'histoire du théâtre, dans sa volonté de faire apparaître les origines de cette forme spécifique de la représentation, ne retient pas toujours comme pertinente cette description. Ainsi, les partisans d'un théâtre se limitant au texte sont nombreux. Auguste Comte, par exemple, pensant que le théâtre est issu de la littérature (position classique depuis la Poétique d' Aristote), le considère comme une forme secondaire et provisoire de la poésie. Pour Stéphane Mallarmé, la multiplicité des lectures possibles d'une pièce s'oppose au cadre restreint que toute représentation impose en limitant les virtualités du texte à une vision unique. À l'inverse, des auteurs comme Antonin Artaud tentent de retrouver l'identité autonome du théâtre : les mouvements gestuels et la danse seraient les ancêtres du théâtre oriental et occidental.

Origines

On trouve à l'origine du théâtre toutes sortes de rites et de danses magiques, ayant un rôle religieux, et qui subsistent encore chez certains peuples dits primitifs. L'emploi de la danse d'abord, avec ce qu'elle présente de défi à la temporalité, est à l'origine de la représentation. Certains peuples expriment par des danses rituelles la chasse, la fécondation, la fertilité. Le chant n'est qu'une manière d'exprimer, par un moyen autre que ceux de la communication courante, un état d'esprit, une prière. Ce mélange de sacré et de profane (cf. les orgies rituelles du culte de Dionysos) est à la source de toute représentation théâtrale.

La comédie est née d'abord de la censure (les orgies deviennent des repas où l'on chante des chansons licencieuses), et c'est par dérision du sacré que l'emploi du masque comique s'est généralisé. Mais le sacré n'est pas pour autant absent de la comédie primitive dans laquelle des cornes symbolisent les forces de la nature ; plus tard, au Moyen Âge, la représentation du diable au moyen des cornes n'est qu'une survivance des satyres, animaux fabuleux, etc. Cette persistance du sacré se rencontre encore dans certaines fêtes populaires où la danse et le masque sont les deux facteurs essentiels. Ainsi la danse de la tarasque provençale et la représentation du cheval de Pézenas sont la survivance de vieilles coutumes rituelles d'origine purement religieuse.

Peu à peu, la représentation en tant que telle commence à se détacher de son contexte religieux pour devenir une fête collective où chacun des participants peut exprimer son état d'esprit par le moyen du corps ou de la voix, en ayant toutefois recours à l'emploi d'un masque qui fait de lui non plus un acteur mais un personnage surnaturel. La tragédie naît de ce chant et de cette expérience du vécu, proposant aux assistants de réfléchir sur le sens de leur destinée, sur l'obscurité de leur avenir. C'est en se détachant de la liturgie, au moyen d'abord d'un canevas, puis d'un texte transmis oralement (chansons, légendes, etc.), que le théâtre devient une représentation où la psychologie des personnages mis en scène prend de plus en plus d'importance. Mais il existe toujours un théâtre proprement sacré, comme les représentations des prêtres hindous qui consistent, au moyen du faste théâtral, à enseigner aux fidèles les légendes brahmaniques et bouddhiques, faisant de la représentation théâtrale le moyen d'expression d'un dieu ou d'une destinée.

Le théâtre de l'ancienne Égypte

L'existence d'un théâtre égyptien est prouvée par la découverte, en 1922, de la stèle funéraire de Emhêb, à Edfou où l'on peut lire : " Je fus quelqu'un qui accompagna son patron dans ses tournées et qui ne se fatiguait pas dans la déclamation qu'il récitait... Je fus le partenaire de mon patron dans tous ses rôles ". La découverte de cette stèle d'environ 1600 avant J.-C. est suivie d'autres plus récentes. Grâce aux peintures murales, aux fragments, aux récits, on peut essayer d'imaginer ce qu'était ce lointain théâtre. Sans doute y eut-il, à l'origine, des sortes de ballets mimés et chantés. Une peinture datant d'environ 1900 avant J.-C. montre un tel ballet qui, retrouvé dans des formules funéraires de la même époque, a été nommé chanson des quatre vents. À côté du ballet, l'ancienne Égypte aurait connu aussi une sorte d' opéra, pièce versifiée et chantée, tantôt par un acteur tantôt par un chœur. Deux de ces compositions littéraires et musicales ont été retrouvées dans des formules rituelles du temple d'Edfou.

L'Égypte aurait connu aussi le drame proprement dit, sans l'ornement de la danse ni de la musique où les acteurs échangeaient des répliques écrites cette fois-ci en prose. La plus ancienne pièce " parlée " remonte aux origines de la civilisation pharaonique, vers 3000 avant J.-C. Ces drames étaient, par le sujet même qu'ils abordaient, sérieux et déclamatoires. Mais on a également trouvé des fragments comiques datant de la XVIII e et de la XII e dynastie. La représentation de telles pièces se faisait sans doute sur l'esplanade des temples, les jours de fête, et l'on sortait le dieu afin qu'il pût assister au spectacle. Cette participation du dieu fut reprise par les Grecs qui introduisaient la statue de Dionysos au début de chaque représentation. Ce détail, et bien d'autres, donnent à penser que le théâtre grec, que l'on considère comme la source de l'art dramatique européen, doit beaucoup au théâtre égyptien antique et que c'est l'influence égyptienne qui a donné de l'élan à l'art dramatique grec de l'époque archaïque.

Le théâtre grec

Les origines du théâtre grec, né d'une lente évolution des légendes chantées, sont mal connues et l'on se borne à des hypothèses. Comme l'attestent des textes d'Aristote, il est probable qu'au début on ait représenté dans l'enceinte même d'un sanctuaire l'histoire d'un dieu. Ainsi, on montrait à la foule la passion de Dionysos, considéré comme le père de la tragédie ; Dionysos, dès son enfance, haï par les Titans, est, comme l' Osiris des Égyptiens, dépecé et jeté dans une urne d'eau bouillante. Mais son cœur gardé par Pallas le fait renaître, comme la vigne taillée et rabougrie qui ne cesse de donner le vin. De cette tragique légende de mort et de renaissance naît la tragédie grecque. La tragédie est le domaine du destin et des héros ; la comédie, elle, est le domaine du peuple. Son origine est parallèle à celle de la tragédie, et il semble qu'elle soit issue des fêtes agraires et des orgies en honneur de Dionysos.

À partir du ii e s. avant J.-C., l'action prend toute son importance, le chœur étant tout à fait postiche et atrophié et ne venant pas interrompre le cours de la pièce. D'autre part, on introduit dans la comédie le mime (→ pantomime), qui existait déjà dans les pièces d' Aristophane. C'est du théâtre grec qu'est né tout le théâtre de l'Europe occidentale.

Le théâtre latin

Comme le théâtre grec, le théâtre latin tire son origine des fêtes en l'honneur de Bacchus, Priape et Liber. Mais, de bonne heure, l'influence grecque se fait sentir. En fait, les Latins, hommes de guerre et d'action, sont peu enclins au théâtre. Malgré le goût du spectacle, commun à tous les peuples méditerranéens, leur théâtre n'est que la copie de leurs illustres devanciers.

En effet, si les premiers dramaturges romains, Naevius et Ennius, ont essayé de mettre en scène des sujets proprement latins, bientôt la tragédie latine, fortement influencée par Euripide, devient une imitation purement livresque. C'est surtout la comédie qui connaît le succès à Rome. Après Térence, le théâtre latin sombre dans le plus grand oubli, et les comédies ou les tragédies ne sont plus écrites pour la scène mais pour la lecture. À côté de ces pièces délicates et décadentes, un genre typiquement romain apparaît : les atellanes, petites pièces bouffonnes et grotesques, qui préfigurent la commedia dell'arte. Mais c'est surtout le mime et la pantomime qui font fureur sous l'Empire, grâce à des mises en scène luxueuses où l'on représente, au moyen de gestes soutenus par la musique, des scènes lascives ou érotiques. Ces débauches de mise en scène amènent le public à demander un plus grand réalisme et le théâtre est délaissé en faveur du cirque et des combats de gladiateurs.

Le théâtre en Orient

Le théâtre oriental demeure rituel : du drame liturgique au ballet raffiné, ce théâtre emploie un langage connu des seuls initiés. La danse est à la base de ces représentations ; le texte poétique n'est qu'un accompagnement ; les apparitions d'une couleur, la position de la main, un battement de paupières sont les symboles d'un univers stylisé aux prolongements métaphysiques. Les femmes, sauf dans les ballets indonésiens et hindous, sont exclues de la scène. L'acteur doit avoir une longue préparation d'acrobate, de danseur et de récitant, ce qui l'aide à se métamorphoser en dragon, animal ou héros, sous les yeux du public. Une telle conception implique l'emploi du masque et de la mimique stylisée. Ce théâtre aux gestes codifiés, aux masques merveilleusement peints, est propice au drame métaphysique et c'est en effet de l'univers qu'il s'agit et non de la représentation d'une crise, ce qui rend ce théâtre extrêmement éloigné des pièces occidentales.

Le théâtre de l'Inde

Le théâtre indien ne cherchant pas à créer une illusion réaliste, l'action, dans le drame sanskrit de l'époque classique, celle de Kalidasa ( iv e- v e s.), compte moins que les moyens à travers lesquels elle s'exprime. Aussi les auteurs dramatiques indiens n'hésitent-ils pas à l'interrompre, tantôt par des interventions du récitant, tantôt par une pause lyrique (le verset), tantôt en mêlant à l'action principale des actions secondaires qui sont parfois de simples épisodes. Cette fragmentation de l'action est quasi inconnue dans la dramaturgie occidentale, où le héros est toujours au centre de l'action.

Le théâtre indien est né d'une épopée religieuse, le Ramayana, comme les mystères européens. Cette épopée a été tôt dramatisée. À mesure de sa diffusion à travers l'Inde, puis dans l'Asie du Sud-Est, lors de l'expansion de l'hindouisme, dans les sociétés khmère, javanaise, birmane, thaï, malaise, balinaise, etc., elle a donné naissance à d'innombrables versions. Chaque pays a introduit des particularités culturelles et adopté des formes théâtrales différentes (théâtre d'ombres, théâtre masqué, opéra, marionnettes, danse). Partout, ce théâtre rassemble les foules durant de longues heures pour suivre la succession de multiples épisodes, comme au théâtre médiéval européen. Le public de ces spectacles, proches encore de la cérémonie, n'a pas perdu, contrairement à celui de l'Occident, sa ferveur religieuse.

Le théâtre d'ombres de Java

À Java, le théâtre est d'abord le wayang-poerwa, théâtre des ombres : des silhouettes découpées dans le bois projettent leur ombre sur un écran ; le dalang, qui les manipule grâce à une longue tige de bambou, assis sur le devant de la scène, psalmodie un poème que les ombres illustrent. Dans ce théâtre d'ombres, les spectateurs contemplent à la fois les figurines, leurs ombres sur la toile et le manipulateur (dalang). Là, la représentation de l'action est double et est deux fois irréelle, puisque les figurines sont de bois et que leurs ombres sont immatérielles. Le wayang-poerwa devient ensuite un théâtre où les acteurs imitent les gestes des marionnettes. Ce théâtre, issu de l'Inde, met en scène des légendes hindoues comme le Ramayana. À Bali, le ballet royal, aux figures savantes, est un véritable musée vivant.

Le Tibet

Au Tibet, le drame est uniquement religieux et ses thèmes sont les légendes bouddhiques. Ces drames sont représentés dans les monastères et leur but est la prédication. Ils sont joués uniquement par des prêtres, ce qui renforce leur côté sacré. Les prêtres lisent le texte et, derrière eux, des masques symbolisent les démons de la terre, les dragons et les mystères de l'existence. Ces représentations sacrées durent plusieurs jours et s'accompagnent de processions et de chants.

Le théâtre chinois

En Chine, le théâtre est né environ 2 000 ans avant J.-C.. Comme dans les autres pays d'Asie, le théâtre a d'abord été une danse accompagnée de chants. Le théâtre représentait symboliquement les éléments de la vie : la paix et la guerre. Le caractère essentiel du théâtre chinois est sa virtuosité gestuelle et vocale ; l'acteur est à la fois un danseur, un acrobate, un clown et un mime parfait. C'est surtout au Moyen Âge et sous les Yuan, que le théâtre chinois atteint son âge d'or. En 1735, un missionnaire, le père jésuite Prémare, révèle à l'Europe l'existence de la tragédie chinoise avec sa traduction de l'Orphelin de la maison de Tchao. Au xiv e s., Kao Tong Kia, sous la dynastie des Ming, écrivit le fameux Pi-Pa-Ki ou l'histoire du luth, drame domestique qui est considéré comme l'un des chefs-d'œuvre du théâtre chinois.

Le drame chinois est d'une longueur souvent inusitée (le Pi-Pa-Ki est divisé, selon les uns, en 24 sections ou actes de longueur différente et, selon les autres, en 42 actes). Son trait essentiel est l'importance accordée à la stylisation et la présence du poète sur la scène. Celui-ci chante les passages lyriques et dit des sentences morales ou politiques, interrompant l'action. Le langage emploie, de préférence à toute autre forme, la métaphore. Ces métaphores subtiles, minutieusement codifiées, présentent toutes un sens caché, seul compris des initiés. La musique, également codifiée, qui les accompagne n'est composée que de percussions et de cordes. Les personnages du théâtre chinois sont divisés en 4 catégories : Cheng (homme), Tsing (l'homme au visage colorié), les rôles comiques et bouffons, joués tantôt par des hommes (Tch'eou) ou par des femmes (Tch'eou-tan), Tan (femme). L'importance accordée à la voix est une des caractéristiques de ce théâtre. Dans le théâtre chinois, le masque n'est pas essentiel, il ne sert qu'à évoquer les dieux, les êtres immobiles, les animaux, fabuleux ou domestiques. À côté du masque, le maquillage à la laque de différentes couleurs est le moyen de symboliser les personnages. Le maquillage a pour but essentiel de faire reconnaître immédiatement le caractère dominant du personnage. Parmi les innombrables correspondances de couleur dans le maquillage, on peut citer les plus traditionnelles : le blanc indique le manque de loyauté, l'hypocrisie et la médisance ; le noir est la couleur de la franchise et de l'audace ; le rouge, celle de l'honnêteté ; le pourpre symbolise le calme et le courage ; le bleu foncé indique un tempérament orgueilleux et brutal ; le jaune marque la cruauté et le cynisme ; le rose est la couleur des vieux militaires ; le gris celle de la vieillesse ; enfin, l'argent est la marque du divin et n'est porté que par les dieux ou leurs descendants. Ces couleurs sont dosées en fonction des défauts ou des vertus des personnages. Tout cela soigneusement compilé dans des traités, fait du théâtre chinois traditionnel un mécanisme fort complexe, où la primauté est accordée à l'acteur qui doit, grâce à une technique parfaite et constamment maîtrisée, indiquer par ses moindres mouvements ce qui se passe en lui et ce qu'il fait. Comme dans les autres théâtres de l'Asie, le théâtre chinois unit étroitement la musique (qui est d'ailleurs donnée une fois pour toutes, codifiée par thèmes sur lesquels les auteurs ne font que des variations), le geste, l'acrobatie, et la parole.

Le théâtre nippon

Au Japon, sauf les formes primitives mettant en scène des mythes et des légendes, le théâtre doit beaucoup au drame chinois. Comme lui, il est divisé, classifié, codifié. C'est vers le vi e s. que le Chinois Hada Kamatsu importe au Japon le théâtre chinois et écrit lui-même plusieurs pièces. On pense que cet apport culturel se mêle aux danses mythologiques existantes, les sambâso, par exemple, pour donner naissance à un théâtre nippon. Certains attribuent à Iso No Zenji, qui vivait vers 1108, le premier drame japonais, mais il semblerait plutôt que ce drame féminin n'ait été, à son origine, qu'une danse rituelle et érotique ( otokomaï), pour attirer l'homme vers la couche nuptiale. Ce n'est qu'en 1624 que Saruwaka Kanzaburo ouvre le premier théâtre, à Yédo.

Les origines du théâtre japonais remonteraient à la danse religieuse kagura que l'on dansait dans les cérémonies shintoïstes. Puis, avec le sambâso et les influences chinoises, naissent diverses pièces, héroïques, comiques ou dramatiques. Les deux genres les plus intéressants sont le nô et le kabuki. Le kabuki, contrairement au nô qui est une pièce très brève, comporte généralement une vingtaine d'actes aux nombreuses péripéties. À l'origine, le kabuki est une pièce écrite pour des marionnettes, et c'est vers la fin du xvii e s. seulement que les poupées sont remplacées par des acteurs. Les kabukis les plus célèbres sont ceux Chikamatsu Monzaemon et de Takeda Izumo. Ses thèmes sont surtout des légendes, des conquêtes et des combats qui se déroulent tout au long de la pièce. Un personnage voilé, ou l'ombre, suit les acteurs, les éclairant d'un fanal, vestige sans doute des représentations pour marionnettes ; des coups de gong ponctuent le drame pour attirer l'attention sur des détails, comme le lever de la lune, par exemple. Le son du ki retentit avant chaque événement solennel et essentiel.

Le théâtre et l'Islam

La seule représentation théâtrale tolérée par l'Islam est le téazieh persan, sorte de vocero liturgique et sacré, mettant en scène, au moyen de la danse et du mime, le martyre des imams représenté pendant le mois de muharram. Outre ce seul théâtre et quelques comédies persanes, souvent pour marionnettes, l'islam ne connaît que le théâtre d'ombres dont le plus célèbre est le théâtre d'ombres persan, proche des ombres turques.

Le théâtre médiéval en Occident

Au Moyen Âge, la survivance populaire de mythes agraires et magiques, comme la danse des feux de la Saint-Jean, les mascarades qui parcourent, certains jours de l'année, les rues des villes et des villages, la célèbre élection du Pape des fous qui se déroule dans l'église même, inquiètent l'Église. Malgré les interdictions, ces fêtes continuent longtemps à se dérouler et à divertir le peuple. Pour contrer ces fêtes populaires où la joie et les orgies règnent, l'Église essaye d'abord timidement de riposter, en représentant devant les églises des pièces aux thèmes édifiants, jouées par des associations de tisserands, de cordonniers, etc. Parallèlement à ce théâtre religieux, les troupes errantes de bateleurs présentent des numéros de cirque et de courtes pièces satiriques.

Le drame liturgique

Le théâtre médiéval est surtout célèbre pour ses chefs-d'œuvre du théâtre religieux. Dès le iii e s., à Byzance, une Sortie d'Égypte est représentée, et une Passion du Christ attribuée à Grégoire de Nazianze (mais cette Passion ne serait guère antérieure à l'an 1000) essaye d'utiliser les structures de la vieille tragédie grecque au service de la liturgie. Vers l'an 1000, un théâtre plus original naît de la lente évolution du chant ecclésiastique : le drame liturgique. Les bénédictins répandent l'usage du chant antiphoné ( antienne) dans toute l'Europe. Ce chant, fixé par le pape Grégoire le Grand au vi e siècle, consiste en une alternance de solistes et de chœurs. Un moine du monastère de Saint-Gall (Suisse), Tutillon, imagine, en utilisant les règles et les méthodes de ce chant, de paraphraser des textes sacrés ( x e s.). À l'office de Pâques, on psalmodie le dialogue entre l'Ange et les Saintes femmes, avec un sens très aigu de l'effet dramatique.

À ce trope de Pâques succèdent bientôt d'autres spectacles, comme le célèbre Quem quaeritis in praesepe ? (Qui cherchez-vous dans la crèche ?) exécuté la nuit de Noël, et que l'on attribue communément à saint Martial de Limoges. Dès le xi e s., ces tropes sont inscrits dans tous les offices des diocèses. D'autre part, les jours de fête, on ouvre les monastères aux fidèles et on représente des scènes tirées de la Bible. Bientôt, les épisodes tirés de la vie des saints sont traités plus librement, à cause de leur valeur dramatique. Le comique paraît du même coup, par les déguisements fantasques de certains personnages, comme le Moïse à la barbe d'étoupe et aux cornes dorées, la sainte Élisabeth enceinte jouée par un homme porteur de force oreillers, l'ânesse de Balaam que salue le rire de toute l'assemblée. Ces déguisements sont bientôt bannis de l'Église. C'est alors que les drames liturgiques, délaissant le latin pour les parlers nationaux, sont joués non plus à l'intérieur de l'église ou du monastère mais à leurs portes.

Le drame liturgique le plus connu est le Jeu d'Adam ( xii e s.) qui expose la tentation, la chute et la prophétie de la rédemption de l'homme. Ce jeu déploie toute une figuration liturgique : les chœurs chantés en latin, l'officiant (figura) qui, revêtu de la dalmatique, représente Dieu. Mais déjà le profane y est présent par les multiples entractes où des diablotins taquinent les spectateurs et lancent des quolibets. Le drame liturgique, en quittant le latin et l'église, ouvre la voie aux " mystères ". Toutefois, jusqu'au xiv e s., on continue de représenter ces " enluminures " de l'Écriture un peu partout en Europe comme nous le montrent les jeux de Jean Bodel, de Jacques de Todi et les divers miracles de Notre Dame dont le plus connu est le Miracle de Théophile de Rutebeuf.

Les mystères

C'est au xiii e s. que les mystères proprement dits apparaissent en Europe, joués et mimés par des jongleurs puis par des confréries. Le mystère (du latin misterium, " représentation ") devient alors le moyen de présenter au public la vie du Christ et de mêler au divin des éléments profanes (chroniques, histoires de bonne femme, potins de la ville où l'on joue la pièce). C'est dire que la structure du mystère est très souple et, surtout, qu'elle change de ville en ville, ayant des intermèdes ou entractes non écrits dans lesquels la verve satirique des comédiens se donne libre cours. Ces diverses Passions médiévales durent une dizaine de jours et constituent une véritable fête pour la ville. Parmi les plus célèbres, figurent la Passion d' Arnoul Gréban (vers 1450) et celle de Jean Michel (1486).

En 1548, un arrêt du parlement de Paris interdit les Jeux de la Passion qui tentent de survivre en adaptant les épopées nationales, transition entre le mystère et le drame tel qu'il a été conçu par William Shakespeare, par exemple.

La comédie

Si l'on excepte la le Jeu de la Feuillée d'Adam le Bossu, la comédie n'acquiert son indépendance que vers la fin du xiv e s. C'est surtout en Allemagne que la comédie connaît un grand essor avec le Meistersinger de Nuremberg, Hans Sachs. Cette comédie médiévale mélange trois genres :
caractérisée par la grosse et naïve critique des grands de ce monde, le rire et les jeux de scène hérités du théâtre latin et surtout de Plaute, dont la plus connue est celle de Maître Pathelin (1465) ;
moralité, genre confus où à l'allégorie se mêlent le burlesque, le pathétique et le mélodrame et qui respire le sermon religieux ; le chef-d'œuvre de la moralité est celle, anglaise, d' Everyman ;
genre lui aussi allégorique, qui se mêle de politique et inquiète si bien les rois que François I er l'interdit ; la plus célèbre est celle de Pierre Gringore, Jeu du prince des sots, qui soutient Louis XII contre le pape Jules II.

Quand la Réforme éclate, le théâtre lui sert de tribune, et les Passions allemandes sont jouées avec des intermèdes où l'on chante des cantiques luthériens. Le Jeu de l'Esprit et de la Science, dialogue didactique, utilise la moralité pour exposer la doctrine des humanistes et de la Réforme.

L'âge d'or du théâtre en Europe (xvi e-xvii e siècles)

Le théâtre élisabéthain anglais

Vers 1580 commence la grande époque du théâtre anglais et son éclat survit au règne d' Élisabeth Ire. À côté des spectacles forains, du théâtre d'origine médiévale, et des célébrations de la Fête-Dieu, on voit fleurir à la cour anglaise des ballets d'importation italienne dont les livrets sont de John Lily et George Peele. Shakespeare n'hésite pas à utiliser ces pastorales galantes ( Endimion de Lily, 1588, et surtout le Jugement de Pâris, de Peele, 1584) relevant de la culture humaniste et des thèmes de la Renaissance. Mais, si l'Angleterre inaugure l'âge d'or du théâtre, c'est surtout grâce au drame et à la comédie.

Dans le théâtre élisabéthain, le rôle du bouffon tient la place du chœur antique. Les acteurs sont exclusivement masculins et se pavanent devant un public bruyant qui suit l'action à la manière d'un match de boxe. Les rôles féminins sont tenus par des hommes travestis et le comble du raffinement est d'utiliser le double travesti : une femme déguisée en homme, c'est-à-dire un homme habillé en homme. Le public du théâtre élisabéthain attend diverses péripéties : duels, duos, scènes violentes, et leur apparition est saluée par des ovations. Les thèmes sont, d'une part le paganisme renaissant, le scepticisme et l'individualisme, d'autre part, la frénésie panique, la folie, la destruction, le crime et le sang. La tragédie élisabéthaine célèbre la puissance de vivre qui, paradoxalement, s'affirme à travers une souffrance démesurée et violente.

On peut distinguer dans cette longue période de trois quarts de siècle, trois générations d'auteurs dramatiques, possédant chacune leur propre génie :
- qui ouvre cette période avec le mélodrame sanglant : Tragédie espagnole (1586), et Arden de Feversham où l'on trouve déjà toute l'éthique du drame élisabéthain mettant en scène la folie furieuse.
- Christopher Marlowe dont les drames ont contribué à faire naître les tragédies de Shakespeare. Tamerlan le Grand, représenté vers 1587, est le premier drame historique où l'on met en scène l'écroulement intérieur et social de la conquête. La Tragique histoire du docteur Faust (1592 ?) met en scène le thème de Faust, thème de la soif de la connaissance et symbole tragique de l'homme de la Renaissance. L'œuvre de Marlowe a contribué à mettre en évidence le phénomène essentiel de tout ce théâtre : la frénésie et le meurtre, l'exaspération du moi.
- William Shakespeare est incontestablement le dramaturge le plus fécond et le plus important de cette époque. Comme ses contemporains, mais avec plus de force, il a traité tous les thèmes de son temps, de la comédie et du ballet italianisant au drame le plus féroce et le plus sombre.

Autour de lui gravitent des dramaturges comme Cyril Tourneur qui écrit des " drames noirs " : la Tragédie de l'athée (publiée en 1611) dont le caractère outrancier touche parfois au grotesque. Notons qu'il est peut-être le seul dramaturge qui ait osé porter à la scène le sadisme et la nécrophilie, faisant d'un tissu d'horreurs et de meurtres sans précédent non plus une représentation réaliste mais une sorte de grand cérémonial des pulsions et des instincts morbides et obscurs de l'homme. Après John Webster, George Chapman, le théâtre élisabéthain tragique se dégrade mais garde encore un sens extraordinaire du dynamisme et de l'effet scénique. John Ford est le dernier grand dramaturge élisabéthain. Sa tragédie Dommage qu'elle soit une putain a fait de lui l'un des précurseurs, selon Antonin Artaud, du " théâtre de la cruauté ".

Quant à la comédie, elle donne des chefs-d'œuvre avec Ben Jonson. Humaniste érudit et très actif, son style, moins ampoulé et plus décanté que celui de ses contemporains, le rend proche du classicisme français. Sa verve satirique et un sens aigu de l'effet dramatique font de ses comédies des pièces où l'action est toujours très bien menée et où les critiques qu'il adresse à la société et à la puissance ne semblent jamais être le fait de leur auteur, mais font partie de la dynamique interne de la comédie. Pendant cette période, on voit également fleurir une multitude de dramaturges qui écrivent des pièces en collaboration, dont l'existence peut s'expliquer par l'importance des demandes. Utilisant tous les topiques de leur temps, elles ont une faible valeur dramatique. Citons seulement Francis Beaumont et John Fletcher dont les pièces feuilletonesques ont une technique dramatique qui les sauve de la platitude. Après la mort de Shakespeare, la rhétorique prend la place de la passion. Les vicissitudes historiques et le courant puritain ralentissent la production dramatique. L'édit du parlement qui décrète la fermeture des théâtres (2 septembre 1642) achève le brillant essor du drame élisabéthain.

Le théâtre espagnol

En 1499, paraît à Salamanque la Tragi-comédie de Calixte et Mélibée, de Fernando de Rojas. Plus connue sous le nom de la Célestine, cette œuvre, célèbre non seulement en Espagne mais en Europe où elle est aussitôt traduite, influence considérablement tout le théâtre espagnol du Siècle d'or. Elle introduit au théâtre la vie quotidienne, avec ses aspects les plus inquiétants, dans une peinture de mœurs assez crue.

À l'aube du xvi e siècle, Juan del Encina écrit des églogues pour le théâtre et le Portugais Gil Vicente des pièces courtes et habiles qui font de lui un des précurseurs de ce qu'on a plus tard appelé la comedia espagnole. Il convient de préciser ce terme de comedia. Il ne s'agit nullement de comédie au sens français, mais d'action dramatique, qu'elle soit comique ou tragique. Divisée généralement en trois journées coupées d'intermèdes ou pasos, parfois précédée d'un prologue explicatif, la comedia, avec un sens aigu du mouvement et de l'émotion, renferme dans le cadre de la scène tous les types de la vie quotidienne. Elle mêle le lyrisme de cour au lyrisme populaire et montre à quel point la poésie espagnole traditionnelle utilise le langage populaire, les chansons villageoises, à cause sans doute du mètre et du rythme employés.

Le théâtre devient en Espagne l'objet d'une véritable idolâtrie. L'Église tente de mettre un frein à cette " débauche ", mais cela lui est d'autant plus difficile qu'elle utilise, pour lutter contre les hérésies et la Réforme, l' auto sacramental (acte joué en l'honneur du Saint Sacrement). Vers 1520, Bartolomé de Torres Naharro renouvelle, en s'inspirant de la Célestine, la comédie latine en introduisant des personnages typiquement espagnols.

Lope de Rueda, acteur, auteur et directeur de troupe à la fois, écrit entre 1550 et 1565, ses pasos ou intermèdes, brefs tableaux qui, dans un dialogue vif et serré, introduisent les types de la comédie espagnole (le médecin, le juif, le licencié, l'étudiant) ; ses pasos ouvrent la voie aux entremeses de Miguel de Cervantès. Juan de la Cueva incorpore dans la comedia le sentiment national, mettant en scène des épisodes historiques ( la Comedia de la libertad de España por Bernardo del Carpio), et se révèle le précurseur de la comedia de cape et d'épée chère à Lope de Vega.

Miguel de Cervantès écrit des entremeses qui, par leurs dialogues vifs et piquants, sont plus proches du théâtre français que ses comedias. Sa tragédie Numance (1582) garde une grande mesure, essaie de ne jamais faire éclater la durée, évite les changements de lieux. À côté des longs discours patriotiques, et des sentences politiques, le sens du dialogue, du vocabulaire et de l'effet dramatique conservent leur séduction. C'est avec l'apparition des premières œuvres de Lope de Vega que le théâtre espagnol acquiert à proprement parler sa forme définitive et tente de faire de la scène un art total où danse, musique, mime et poésie se complètent. Guillén de Castro y Bellvís donne avec las Mocedades del Cid ( les Enfances du Cid) une pièce épique qui connaît un très grand succès en Europe. Pierre Corneille, dans son Cid, l'adapte en français.

Pedro Calderón de la Barca, d'inspiration beaucoup moins populaire, est le génie baroque par excellence. Son intelligence métaphysique le pousse à mettre en scène les drames de l'âme et à dégager de l'action une réflexion philosophique. Il fait du drame mythologique un théâtre total, y introduisant les essais de l'école italienne Camerata fiorentina, créant ainsi le premier opéra espagnol. Après la mort de Calderón de la Barca, le théâtre espagnol, qui a tant inspiré le classicisme français, s'inspire des comédies de Corneille et de Molière et ne produit plus rien de vraiment original.

La commedia dell'arte italienne

Pendant le Moyen Âge et la Renaissance, le théâtre italien demeure dans la rue. Des troupes parcourent les campagnes, pourchassées par l'Église qui leur cède pourtant, dans les mystères, le rôle des diables. De ces flammes de l'enfer, Arlequin garde le nez camus, le masque noir orné d'une loupe. Reçus plus tard dans le palais des princes, les troupes constituent des écoles dans lesquelles naissent la commedia dell'arte ou popolare et la commedia erudita.

L'histoire du théâtre italien, aux xvi eet xvii e siècles, est celle de la commedia dell'arte. En 1568, Massimo Trojana et Roland de Lassus donnent une sorte de comédie musicale improvisée en un jour, dans laquelle se mêlent déjà tous les imbroglios, les lazzis, les chansons et les personnages qui feront le succès de la commedia dell'arte. Le nom de popolare (" populaire ") qui sert à désigner ce genre, montre bien qu'il s'agit avant tout d'un spectacle de la rue ; les noms de commedia dell'arte ou commedia a sogetto (à canevas) ou encore all'improviso, disent plus exactement ce qu'elle est.

Ce genre a pour base le canevas. Nous connaissons, grâce au recueil d' Evaristo Gherardi, un demi-millier de canevas. Les sujets de ces canevas sont puisés dans le fonds déjà très élaboré de la pastorale, du roman, du conte ; le registre va du bouffon à l'horrifique ; la structure présente en général trois actes précédés d'un prologue qui n'a rien à voir avec la pièce ; il existe une dizaine de personnages principaux, plus leurs comparses ; une étourdissante intrigue bourrée de jeux de scène déroule, sur un fond de véritable carnaval, des bagarres, des bastonnades, des poursuites et des enlèvements. Les lazzis sont des " morceaux de bravoure " dont le but est de mettre en valeur le comédien. Le canevas est de plus en plus prétexte à numéro d'acteur ; satire, observation sont laissées à sa seule fantaisie. L'acteur n'improvise pas entièrement son texte et, sauf les imprévus, il prépare soigneusement ses effets. Il trouve son inspiration dans des recueils de bons mots, de concetti, de chansons, de comparaisons et de monologues. À côté de ces recueils, qui prolifèrent au xvii e s., l'acteur a recours à des effets déjà éprouvés, des secrets du métier qui passent de maître à élève. Mais, ce qui est très important, c'est l'unité disciplinée de la troupe qui permet d'articuler le jeu, un acteur s'effaçant pour laisser à un autre le soin de faire son effet. Le discours n'est pas l'élément essentiel à ce genre de théâtre ; il n'est qu'une armature, un soutien aux différents numéros ; ce qui compte surtout, c'est le mime, la mise en scène et l'emploi du masque (délaissé partout ailleurs).

Les personnages sont des types fixes : Zane, le gros Jean, le rustre ; Pedrolino et Arlecchino ont connu une grande fortune en Europe et en France, sous le nom de Pierrot et Arlequin. Arlecchino est un valet pauvre au service d'un maître avare : son costume rapiécé de toutes les couleurs de l'arc-en-ciel montre son origine. Il porte un masque de cuir noir à grandes moustaches ; Pulcinella ( Polichinelle), d'origine napolitaine, se mêle de politique et a des airs de marionnette ; Pantalon, vieux grigou libidineux et dupe éternelle, doit beaucoup au Maccus de l'atellane ; Capitan Fracasso, Matamoro ou Rinoceronte, est l'Espagnol poltron, terreur des braves gens ; Il dottore (le docteur) incarne le faux savoir. Outre ces personnages, beaucoup d'autres agrémentent la commedia : Scaramouche, Truffaldin, Tabarin, Burattino, etc., tous fourbes, menteurs, buveurs, goinfres, poltrons, mais agiles, infatigables faiseurs de bons mots.

La commedia dell'arte est à l'origine de cette forme de théâtre où le sentiment compte moins que l'action, où le mouvement scénique est primordial, où l'acteur est essentiel. On peut dire que la comédie d'intrigue, le mélodrame, le vaudeville, la comédie ballet, l' opéra-comique, l' opérette, l' opéra-bouffe, le grand spectacle, la mise en scène et le cirque lui doivent beaucoup.

Le théâtre en France

À la Renaissance, le théâtre demeure populaire. Sous l'influence de la culture gréco-latine, des dramaturges comme Étienne Jodelle, Jean de La Taille, Jacques Grévin produisent des tragédies imitées de Sénèque. En 1583, Robert Garnier avec les Juives donne à ce genre un élan nouveau mais, malgré un certain rythme dramatique, son œuvre demeure proche de celle de Sénèque. L'engouement pour les pièces espagnoles et la grande vogue de la poésie italienne font naître le ballet. C'est à travers la tragi-comédie que des dramaturges comme Antoine de Montchrestien avec Sophonisbe (1601), Jean Mairet et Tristan L'Hermite avec Marianne (1636), essaient de franciser la comedia espagnole.

Richelieu fait construire une scène dans le palais Cardinal. L' Académie se passionne aussitôt et étale sa " fureur de raison ", voulant régler, codifier et arbitrer l'art dramatique, d'après de simples remarques d' Horace et d'Aristote qu'elle érige en véritables dogmes. C'est alors que naît la règle des trois unités. On a tort de dire que ces règles ont été imposées par l'Académie car elles sont aussi nées du besoin de simplifier la technique et de rendre possible la représentation malgré le manque d'espace scénique. L'unité de temps (24 heures) évite de faire des scènes nocturnes qui posent des problèmes d'éclairage ; l'unité de lieu supprime les changements de décor, évitant ainsi les interruptions et les bévues techniques ; l'unité d'action, enfin, où toute péripétie est reléguée dans la coulisse, donne une importance sans égale au discours. Néanmoins, le goût du baroque garde sa vigueur avec Jean de Rotrou et Thomas Corneille, le ballet à l'italienne et l'opéra ayant pour scénariste Philippe Quinault.

Pierre Corneille redonne à un théâtre qui avait trop tendance à l'introspection non seulement un élan de jeunesse, de vivacité et de poésie mais une réelle force dramatique par le sens du mouvement, du langage et ce côté baroque qu'il n'a cessé de chérir. C'est peut-être le seul dramaturge français de son époque à s'être essayé à tous les genres. Par ses trouvailles scéniques, son goût de l'effet, on peut le considérer comme le précurseur du drame romantique.

Le romanesque continue à passionner le public de 1650 ; le plus grand succès de cette époque est le Timocrate (1656) de Thomas Corneille. La comédie, laissant la farce à Tabarin qui joue sur le pont Neuf, prend un tour plus grinçant et, il faut bien le dire, moins " comique " avec les œuvres de Tristan, Desmarets, Paul Scarron et surtout Cyrano de Bergerac dont le Pédant joué a plus d'une fois inspiré Molière. Les années qui précèdent la majorité de Louis XIV voient surtout l'apogée du ballet et, sous l'impulsion de Mazarin, de l'opéra italien.

C'est Molière qui dégage le principe majeur des différentes doctrines théâtrales : peindre d'après nature. Chez lui, l'action comme l'intrigue, conduites avec une virtuosité technique infaillible, ne sont pas un but en soi, pas plus que les jeux de mots ou les jeux de scène ; ils servent à peindre l'humain. Il est le premier à avoir donné à la comédie une dignité semblable à celle de la tragédie et, après lui, le théâtre dit " sérieux " apprend à puiser dans la vie et non plus dans l'imaginaire.

Avec la tragédie de Jean Racine, nous assistons à l'entrée en scène de l'esprit, de la conscience en tant que juge inexorable et bourreau. De là une construction dramatique rigoureuse et pure (lieu abstrait, durée de quelques heures, action réduite à une seule crise violente) que la musique verbale savamment, pudiquement cachée, transforme peu à peu en une sorte de liturgie.

Le théâtre des " Lumières "

Le déclin de la tragédie au profit de la comédie

La dévotion pour les sacro-saintes règles et la raison donne des pièces décevantes où le ridicule se mêle souvent à un pathétique verbeux. Le théâtre anglais donne la Venise sauvée (1682) de Thomas Otway, de tradition élisabéthaine, et Caton (1713), pour lequel l'auteur, Joseph Addison, imite la règle française des unités. La Mérope (1713) de l'Italien Scipione Maffei essaie de renouveler l'art dramatique et réintroduit dans l'action le poids de la durée. En France, les timides tentatives de Bernard le Bovier de Fontenelle pour renouer avec la tradition baroque s'enracinent mal dans un siècle dominé par la soif du luxe et du bonheur. Antoine Houdar de La Motte introduit la prose dans la tragédie avec Inès de Castro, mais son essai manque de souffle tragique. En vain Crébillon tente de remettre en honneur les épisodes sanglants et pathétiques. Voltaire, considérant avec plus d'horreur que de sympathie le " barbare " Shakespeare, a beau demander aux croisades ou à la Chine de renouveler le décor, ses tragédies imitées de Racine ou Corneille, ne sont en fait que des pastiches, de longs plaidoyers inutiles. Cette mort lente de la tragédie connaît pourtant en Italie un renouveau passager avec Vittorio Alfieri.

La comédie, au contraire, semble le genre préféré du xviii e siècle. Une certaine stabilité sociale, le cosmopolitisme, l'influence des littératures étrangères, le goût du badinage, du luxe et de la finesse, rend le public plus proche de la comédie galante qui n'inquiète personne. La liberté des manières, l'apparition d'une nouvelle classe (la bourgeoisie), les abus des parvenus et des financiers, voilà les thèmes favoris de cette comédie de mœurs, au sens très vif de la réplique et du badinage. D'autre part, la comédie posséde alors un atout indéniable : elle échappe quasi complètement à la censure officielle pesant sur les troupes régulières ; elle peut ainsi se permettre des audaces qui n'auraient pu voir le jour dans les théâtres consacrés.

La comédie en France

Jean-François Regnard avec le Joueur (1696), Dancourt avec le Chevalier à la mode (1687) et surtout Alain René Lesage avec Turcaret (1709), contribuent à créer un climat de critique permanente qui n'est pas sans effrayer les princes. Pierre Carlet de Chamblain de Marivaux, plus sage et plus mesuré, réussit avec ses jeux subtils d'amour et de hasard, grâce à une technique habile et soucieuse d'efficacité scénique, à créer une comédie poétique où la psychologie est l'unique ressort de l'action. Le turbulent Pierre Augustin Caron de Beaumarchais donne, avec le Barbier de Séville (1774) et surtout avec le Mariage de Figaro (1784), une étincelante comédie à résonance politique.

La comédie en Italie

En Italie, la comédie inaugure une nouvelle période théâtrale. C'est à Carlo Goldoni que revient le mérite de cet élan. Ses comédies ( Baroufe à Chioggia ; Arlequin valet de deux maîtres ; la Locandiera) montrent des personnages linéaires qui, issus de la commedia dell'arte, ont perdu de leur jeunesse et ont du mal à nous toucher. Carlo Gozzi crée la comédie " fiabesque " (c'est-à-dire féerique). La Princesse Turandot et le Corbeau gardent un charme fantaisiste, un humour délicat et ébauchent les thèmes du romantisme.

La comédie en Espagne

En Espagne, le théâtre se borne à la traduction et l'imitation des dramaturges français. Leandro Fernández de Moratín écrit une bonne satire du théâtre d'alors avec sa Comedia nueva ( la Comédie nouvelle) et une savoureuse comédie de mœurs, el Si de la niñas ( le Oui des jeunes filles). Ramón de la Cruz réussit dans la brève comédie de murs, la sainete (saynète) ( la Pradera de San Isidro, la Prairie de saint Isidore, 1766) et dans des parodies des tragédies à la mode ( Zara, parodie de la tragédie de Voltaire, Zaïre ). Il essaie de renouer avec la tradition espagnole et, par là, annonce le romantisme espagnol.

Le théâtre russe

En Russie, le moine Siméon de Polotsk fonde le premier répertoire dramatique russe (1670), mais il n'y aura pas d'œuvres marquantes avant le xix e siècle. L'unique pièce du xviii e siècle russe que l'on représente encore aujourd'hui est le Mineur, violente satire de la noblesse provinciale, écrite par Denis Ivanovitch Fonvizine.

La comédie en Angleterre

En Angleterre, la comédie connaît un brillant succès avec les œuvres cyniques et sceptiques de William Wycherley et de William Congreve, considéré comme le créateur de la comedy of manners (la comédie d'intrigues). Leurs successeurs, John Vanbrugh et surtout George Farquhar ( le Sergent recruteur, 1706 ; The Beaux'stratagem, 1707), se distinguent par le mordant de leurs tableaux, le recours à la caricature et à la farce. Oliver Goldsmith raille la sentimentalité ; le caustique Richard Brinsley Butler Sheridan dénonce les faiblesses d'une société exposée au ridicule avec The School of scandal ( l'École de la médisance, 1777). C'est la représentation, en 1728, de The Beggar's opera ( l'Opéra du gueux) de John Gay qui constitue l'événement le plus caractéristique de ce siècle. Par sa condamnation amère et sans aucune indulgence de la vie sociale, par l'introduction sur la scène du milieu des voleurs et des prostituées et par l'emploi au théâtre de l'allégorie swiftienne, l'Opéra du gueux atteint dans l'audace un degré jamais vu. John Gay se livre à une véritable radioscopie de la société anglaise et, par l'emploi du chant qui vise à ridiculiser l'opéra et en particulier Händel, annonce ce qu'on appelle la musical play ; d'autre part, grâce à la construction déliée en tableaux séparés par des chansons, grâce à l'enquête serrée qu'il mène à travers des décors minables et en perpétuelle décomposition, il annonce, avec une avance incroyable, le théâtre de Bertolt Brecht qui remanie cet Opéra du gueux sous le titre de l'Opéra de quat'sous.

Le drame bourgeois

À côté de la comédie, le xviii e siècle voit naître un nouveau genre : le drame bourgeois. Le premier drame apparut en Angleterre avec le Marchand de Londres (1731) de George Lillo, inaugurant la série de thrillers (ou " drames noirs ") et qui vaut surtout pour la nouveauté, le thème, la technique réaliste et le but nettement moralisant. Denis Diderot essaie de renouveler le théâtre en faisant de la tragédie une pièce bourgeoise, se déroulant dans la société de l'époque, et dont le thème moralisant et " l'école de vertu " sont les deux traits essentiels. Pathétique jusqu'au ridicule, pleine de tirades édifiantes, vertueuse et verbeuse, la " comédie sérieuse " est un échec. Néanmoins, le Philosophe sans le savoir de Michel Jean Sedaine tire du drame bourgeois le peu de vérité qu'il était capable de contenir. Soulignons que ce genre apporte des modifications à l'art dramatique : au nom de la vérité, il veut faire du théâtre un tableau pathétique où le ton serait celui de la vie quotidienne ; le décor devient réaliste ; les indications scéniques abondent pour créer une atmosphère ; enfin le drame bourgeois emploie les phrases hachées, les silences et la mimique qui, selon Diderot (et c'est la nouveauté de ce théâtre), est aussi importante que le texte. En Allemagne, Gotthold Ephraïm Lessing trouve un ton plus juste dans sa Minna von Barnhelm mais c'est par ses drames philosophiques ( Nathan le Sage, Laocoon, Faust) qu'il fait figure de novateur. S'inspirant de Shakespeare et de Diderot, il transpose sur la scène, souvent avec bonheur, des discussions philosophiques et son idéalisme fait de lui un précurseur du drame à thèse.

Le théâtre romantique en Allemagne

C'est en Allemagne que le romantisme donne ses meilleures œuvres théâtrales. La redécouverte de Shakespeare et de Calderón de la Barca à travers les traductions de August Wilhelm von Schlegel, et le climat orageux qui pèse sur la deuxième moitié du xviii e siècle, poussent les dramaturges allemands à créer un théâtre national où passion, violence et force dramatique sont les piliers de l'action. Le drame de Friedrich Maximilian von Klinger, Sturm und Drang ( Tempête et passion, 1776), par son titre significatif, sert à grouper ce théâtre qui rejette le rationalisme et s'insurge contre les oppressions, glorifiant le hors-la-loi, le révolté et l'individualiste (→ Sturm und Drang). Ludwig Tieck adapte ses contes fantastiques et met en scène pour la première fois en 1797 le Chat botté. Jakob Michael Lenz désigne au mouvement romantique le but à atteindre : le renversement, la destruction des préjugés et de l'aliénation de l'individu par une société oppressive ( der Hofmeister, le Précepteur, 1774), par un esprit de caste ( die Soldaten, les Soldats, 1776). La découverte par Brecht de ce théâtre montre à quel point la lutte de Lenz contre les valeurs paralysantes et supposées éternelles, le réalisme serré et sec de ses enquêtes, sa critique de la société, étaient pertinents, efficaces et d'une brûlante actualité.

Johann Wolfgang Goethe apporte une série de développements au mouvement du Sturm und Drang et réussit à y allier des réflexions philosophiques et un grand souffle de liberté, faisant de ses personnages des héros chez lesquels spéculation et vérités de l'esprit sont véritablement vivantes. Friedrich von Schiller est un des promoteurs du mouvement romantique et, plus sensible et plus doué pour le mouvement dramatique que son illustre ami, fait du théâtre son genre préféré. Le théâtre de Heinrich von Kleist révèle, plus que les drames historiques de Goethe et de Schiller, les profondeurs obscures de la conscience humaine. Son œuvre où se côtoient individualisme, instinct sexuel, délire onirique, merveilleux, mystère, préfigure une nouvelle force dramatique : le drame mental. Georg Büchner, en divisant l'action en courtes séquences que rien ne sépare, renouvelle la construction dramatique, ouvre la voie à un théâtre moins rhétorique et inaugure ce qu'on peut appeler le spectacle.

Le théâtre romantique en Europe

En Angleterre, le théâtre romantique a beaucoup moins de succès qu'en Allemagne et il s'agit avant tout de pièces qui sont plus proches du poème que du théâtre. Ces drames anglais, dus au génie de lord Byron et de Percy Bysshe Shelley, ne sont représentés qu'occasionnellement. Notons que la pièce de Shelley, les Cenci (1819), découverte par Antonin Artaud qui l'a réécrite, invente le mythe de la " vamp ".

L'Espagne connaît le déferlement romantique avec les drames du duc de Rivas ( Don Alvaro o la fuerza del sino, 1835, Don Alvaro ou la force du destin), de García Gutiérrez ( El Trobador, le Trouvère), de Juan Eugenio Hartzenbusch ( Los Amantes de Teruel, 1837, les Amants de Teruel) et de José Zorilla ( Don Juan Tenorio, 1844).

En France, Victor Hugo ouvre avec la Préface de Cromwell (1827) la grande vogue du drame romantique et proclame la liberté totale de l'invention et de la forme théâtrale. Cependant dans l'œuvre du poète le théâtre n'est pas l'essentiel : il s'agit plutôt d'une recherche poétique du langage et de l'action. Le génie théâtral des œuvres d' Alfred de Musset garde leur fraîcheur et leur émotion retenue et sont marquées par son intuition dramatique, sa rigueur toute classique et un jeu limpide et original. Chatterton d' Alfred de Vigny est une œuvre plus polémique que dramatique. Dans l'histoire du théâtre, la Jacquerie (1828) de Prosper Mérimée a également une grande influence. L'auteur essaie d'y créer une forme narrative proche de la saga et on devine, à travers cette vaste fresque historique, les tendances d'un socialisme naissant. Citons aussi les drames historiques de Romain Rolland qui, bien que très postérieurs, sont proches du lyrisme historique de Victor Hugo, imprégnés des idées romantiques de liberté et de révolte.

En Russie, Alexandre Pouchkine, par l'analyse psychologique, ouvre la voie au " drame sensible ". Mikhaïl Lermontov donne avec le Bal masqué (1835) le chef-d'œuvre du théâtre romantique russe. Dans les pays slaves, le renouveau théâtral va de pair avec la prise de conscience nationale. Ainsi le théâtre retrouve ses origines sociales en devenant l'instrument d'une exaltation collective où les thèmes de la patrie, de la liberté et la réflexion sur le sens de l'homme essaient de donner vie à la lutte des peuples. Les Aïeux (1832) du Polonais Adam Mickiewicz, est une œuvre de combat ; au moyen de personnages à mi-chemin de l'humain et l'allégorique, Mickiewicz instaure une nouvelle technique théâtrale : la stylisation qui a pour but d'engendrer chez le spectateur la réflexion sur les problèmes qu'elle incarne. Juliusz Slowacki crée avec Kordian (1834) des figures fortement enracinées dans les légendes et le folklore polonais, tout en exaltant la lutte contre l'envahisseur russe. Avec Zygmunt Krasinśki ( la Non divine comédie, 1835, et Iridion, 1836), la stylisation scénique des idées qui font la matière du drame est des plus réussies. Stylisation et symbole deviennent d'ailleurs les deux facteurs essentiels du théâtre slave et, notamment, du Hongrois Imre Madách ( la Tragédie de l'homme, 1860). Les œuvres de cette période ont contribué largement à la création d'un théâtre à idées où l'élément symbolique, la stylisation du décor et du langage poussent le public à pénétrer le sens de son destin et de sa propre lutte.

Le théâtre à la fin du xix e s. et au début du xx e siècle

Après la faillite du drame romantique le théâtre connaît un certain déclin ; toutefois, c'est au cours de ces années que naît une nouvelle conception théâtrale due à l'importance accordée à l' acteur et au metteur en scène. Cette période qui s'étend de 1850 à 1914 est marquée par trois courants : le théâtre de boulevard ou la comédie bourgeoise, le réalisme et le symbolisme.

Le théâtre de boulevard

La monarchie de Juillet voit naître un genre particulier, le vaudeville, comédie où, à des scènes parlées, se mêlent chansons, couplets et chansonnettes. Le vaudeville connaît une grande vogue après 1848. Cette mode peut s'expliquer par le fait que la bourgeoisie est désormais la classe dominante, et qu'elle entend ne pas être remise en cause. Elle consent à rire de ses travers (c'est vers 1860 que naît le type du bourgeois pantouflard et bête) mais elle ne peut permettre que le rire superficiel, c'est-à-dire un rire fondé sur des mécanismes et non sur des attitudes réelles. La Vie parisienne de Henri Meilhac et Ludovic Halévy sur les " flons-flons " d'Offenbach, puis la Belle Hélène (1865), donnent à ce public ce qu'il lui faut de sagesse et de grivoiserie, dans une grande habileté technique. Eugène Labiche est l'auteur de chefs-d'œuvre de ce genre qui n'a d'autre ressource que le mouvement appauvri, les mots d'auteur, les calembours douteux. Son mérite est peut-être d'avoir su faire de cette comédie un mouvement d'horlogerie bien précis et agencé, d'avoir retrouvé le comique de mouvement. La haute bourgeoisie, le respect de la morale et de l'ordre établi trouvent leur chantre en Émile Augier. À côté de ces comédies, vers 1880, l'arrivée du naturalisme au théâtre engendre un nouveau comique, rosse ou amer, avec les pièces de Georges Courteline. Et si Henri Becque est un moraliste de classe et un homme de théâtre à l'art sûr ( la Parisienne, 1885), le théâtre ne connaît aucun dramaturge de talent, mais beaucoup d'habiles faiseurs.

À partir de 1890, au théâtre de boulevard s'oppose le Théâtre Libre d' André Antoine avec des comédies héroïques exaltant l'idéal, comme Cyrano de Bergerac (1897) d' Edmond Rostand. La comédie est la grande gagnante de la Belle Époque avec les vaudevilles de Georges Feydeau et des auteurs " gais " comme Robert de Flers et Georges Arman de Cavaillet, les premières pièces de Sacha Guitry et celles de Tristan Bernard.

Le réalisme

Contre les turlupinades, mots d'auteur, " élégances " littéraires, Émile Zola, vers 1880, s'insurge et essaie de mettre en scène les théories du roman naturaliste. Il pense que le théâtre doit s'ouvrir à la lente mise à mort des pauvres êtres en proie à l'hérédité, à l'alcoolisme, au milieu social. Le décor et les attitudes des acteurs doivent, selon sa théorie, être une reproduction fidèle de la réalité : plus de tirades face au public, plus de mots d'auteur, mais une langue puisée aux sources populaires, un jeu sobre ; ces principes, qu' André Antoine essaye de mettre en vigueur grâce à son Théâtre Libre ont pour effet de renouveler le répertoire. Les Corbeaux (1882), d' Henri Becque, est sans doute le chef-d'œuvre du théâtre naturaliste. L'humour de Jules Renard éclate dans de courtes pièces comme Monsieur Vernet (1903), le Pain de ménage (1898) et surtout dans l'adaptation de son roman Poil de Carotte (1900). Octave Mirbeau instaure un réalisme social mêlé de cynisme, mais ses œuvres dramatiques restent souvent peu efficaces et empreintes de moralisme.

C'est en Russie que le théâtre réaliste donne ses chefs-d'œuvre avec les tragédies à mi-voix d' Anton Tchekhov et surtout avec les pièces de Maxime Gorki qui inaugure avec les Bas-fonds et plus tard avec les Enfants du soleil (1905) un théâtre où le réalisme sert à dramatiser l'expression d'une thèse sociale. Ce théâtre réaliste a du reste tendance à glisser vers le didactisme et c'est d'ailleurs de lui que naît le genre " pièce à idées ", qui donne naissance au théâtre politique.

Le symbolisme

Prenant le contre-pied du naturalisme et fortement influencé par les drames lyriques de Richard Wagner, le symbolisme fait son entrée en scène avec des œuvres un peu éthérées où les accessoires et cette " quintessence du langage " sont les traits caractéristiques. Ce que le symbolisme s'interdit c'est la représentation fidèle du réel. Les auteurs dramatiques symbolistes accordent une grande importance à la langue : elle doit être subtile, évoquer au lieu de décrire au moyen de la métaphore et des correspondances. Le décor s'épure, ne gardant que l'essentiel : chaque objet, chaque élément scénique et même chaque parole dit plus que ce qu'elle dit. Le sous-entendu, le " métalangage ", voilà le trait essentiel de tout un courant qui veut redonner au mystère la place de choix. L'action devient symbolique. Il s'agit de mettre en scène un véritable cheminement intérieur et c'est pourquoi on peut dire que tous les dramaturges symbolistes sont avant tout des poètes. Leur inspiration prend dans la chanson populaire et le conte de fée thèmes et symboles : les clés qui ouvrent le trésor, la tour enchantée, les forêts vivantes, etc. D'autre part, ils font appel aux archétypes : ainsi, la mer, porteuse de multiples significations ancestrales, devient leur décor préféré. Cette combinaison savante de formes, de lumières vacillantes et de langage épuré sont les constantes du drame symbolique qui a le mérite d'ouvrir la voie à de nouvelles expériences et d'essayer de retrouver un fonds inconscient de symboles et de mythes.

Les chefs-d'œuvre du théâtre symboliste sont dus notamment à la finesse, à la poésie et à la sensibilité de Maurice Maeterlinck. Le dépouillement, la volonté de deviner le mystère, et l'importance accordée à la mise en scène, à la lumière et à l'acteur sont les apports les plus importants de ce courant au théâtre.

Les dramaturges à part

Certains grands noms sont difficiles à faire entrer dans l'une ou l'autre de des catégories précédemment évoquées.

On a tendance à négliger le côté théâtral de l'œuvre de Richard Wagner pour ne voir en lui que le musicien. Pourtant, Wagner a voulu recréer le théâtre dans son ensemble et sa conception du drame, ainsi que ses nombreux écrits théoriques, prouvent qu'il s'intéresse très tôt à l'art dramatique. Il est difficile, et peut-être discutable, de faire de lui un des précurseurs du théâtre moderne, mais il est néanmoins évident que ses recherches ont largement contribué à faire progresser l'art dramatique.

Ramon Valle-Inclán, le plus grand novateur espagnol en matière théâtrale, essaie de mettre en scène sa vision du monde à la fois bouffonne et tragique, tragique parce que bouffonne. Il influence tout un théâtre, notamment les " retables " et les " farces brèves " de Federico García Lorca, avec ce qu'il nomme l' esperpento (" l'épouvantail ") : " tragédie et drame déformés grotesquement par les miroirs de Luna-Park ", dit-il lui-même en parlant de l' esperpento. Il est également à l'origine de toute une nouvelle conception du tragique : le dérisoire.

Henrik Ibsen, dramaturge norvégien au métier sûr et solide, prend son point de départ dans la critique sociale renouvelée du romantisme : à travers le procès de la société, c'est la tragédie du quotidien, du mesquin, de l'hérédité qu'il instaure dans le cadre d'une faillite du monde bourgeois.

Ses drames ont influencé le théâtre de Bernard Shaw et celui surtout d' August Strindberg, lequel ajoute au drame ibsénien l'expression d'une révolte et d'une angoisse congénitales. Le pessimisme de son œuvre a donné le ton à l'expressionnisme (1920), et son influence n'a pas cessé de se faire sentir jusque dans les films d' Ingmar Bergman.

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Histoire du théâtre dans le monde de l'Antiquité jusqu'au milieu du XXe siècle Voir aussi les articles : * le théâtre contemporain* théâtre architecture

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre.

Le Grand Théâtre, salle de spectacle de Cáceres (Espagne).

Une salle de spectacle est une salle destinée à recevoir des représentations de spectacles vivants.

La salle adopte différentes formes principalement en fonction des représentations qui y sont données. De nombreuses salles des fêtes permettent d'accueillir des spectacles en installant une estrade pour la scène et des sièges. La définition d'une salle de spectacle peut donc se limiter à un espace fermé ou non, avec un espace surélevé servant de scène et un espace accueillant les spectateurs.

Mais la salle de spectacle ne se limite pas à une scène et des sièges, chacun des éléments peut disparaître selon les besoins scéniques et d'autres peuvent s'ajouter comme un espace de projection, des rideaux, des balcons, une fosse pour un orchestre ou des spectateurs debout, etc.

Exemples de salles de spectacle :

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Un article de Wikipédia, l'encyclopédie libre. Une salle de spectacle est une salle destinée à recevoir des représentations de spectacles vivants. La salle adopte différentes formes principalement en fonction des représentations qui y sont données. De nombreuses salles des fêtes permettent d'accueillir des spectacles en installant une estrade pour la scène et des sièges.

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(italien commedia dell'arte, comédie de l'art)
commedia dell'arte
Genre théâtral né au xvi e s. mais ainsi nommé au xviii e s., reposant sur l'improvisation d'acteurs souvent masqués.

Ingéniosité, naïveté, ruses et travestissements sont les principaux ingrédients de la commedia dell'arte (" comédie de métier "), qui a remporté un vaste succès en Europe, du xvi e au xviii e s. Connue jusqu'au xviii e s. sous le nom de " comédie d'histrions ", " comédie improvisée " ou " comédie à l'impromptu ", cette forme théâtrale (→ théâtre) est née en Italie à l'initiative des hommes de théâtre qui cherchaient à se démarquer à la fois du théâtre littéraire et du dilettantisme des comédiens de l'époque de la Renaissance.

Les personnages de ce type de comédie seraient issus des atellanes, comédies latines du iii e s. avant J.-C., qui développaient de courtes fables improvisées à partir d'un schéma très simple. Polichinelle, le plus complexe d'entre eux, trouverait ses ancêtres en Maccus et en Buccus : alors que Maccus, surnommé " le Coq ", se faisait remarquer par ses grosses mâchoires, ses joues flasques et son habitude de pépier et de se déplacer comme un poussin, Buccus, ou " Bouche en tirelire ", se distinguait par une bouche énorme et un gros ventre. Le mime blanc (mimus albus), lui, avec son ample chemise blanche resserrée à la taille par une ceinture, serait à l'origine du personnage de Pedrolino, notre Pierrot.

1. L'art de l'improvisation

Les gestes et le jeu corporel, qui priment sur le texte et le décor, s'accompagnent de dialogues pour une large part improvisés sur un canevas. En fait, il semble que les comédiens aient appris par cœur des pans entiers des scénarios issus de nouvelles, de comédies antiques et d'œuvres littéraires relatant des faits historiques. Certains de ces textes furent publiés pour la première fois en 1611, c'est-à-dire un siècle après l'émergence du genre : ils s'articulent autour de situations conventionnelles, qui aboutissent immanquablement à un dénouement heureux. Les mariages contrariés, mais inévitables, et l'éternel conflit des générations, qui en constituent les thèmes principaux, servent de prétextes à des échanges vifs, à des propos souvent obscènes et à des scènes de bastonnade.

Pour raviver l'attention du public, le spectacle était ponctué de lazzi, intermèdes comiques sans rapport avec l'intrigue (par exemple, un comédien faisait semblant d'attraper des puces et de les manger). Des numéros de danse et d'acrobatie ainsi que des morceaux de musique vocale et instrumentale étaient appelés également à placer la pièce, généralement précédée d'un prologue et coupée d'entractes, dans un climat d'allégresse et de gaieté.

2. Les personnages

Jeunes amants, valets malicieux, étudiants candides, marchands cupides, soudards, vieillards libidineux et avares, les personnages truculents qui peuplent la commedia dell'arte sont souvent issus du théâtre du Moyen Âge.

2.1. Arlequin

Il appartient, comme Scapin et Polichinelle, à la famille des Zanni, c'est-à-dire des valets, les plus populaires des personnages comiques de la commedia dell'arte. De tempérament dynamique, Arlequin est un meneur de l'intrigue, rusé, spirituel et railleur, qui ne cesse de brouiller les cartes. Son costume - initialement la tenue de travail des paysans méditerranéens en cotte de toile grossière - est le symbole de la pauvreté. Mais il se couvre progressivement de pièces colorées. On prêtait à cet habit bariolé le pouvoir magique de faire éclore les fleurs et de mûrir les fruits : Arlequin hérite ainsi des pouvoirs de Dionysos, dont le nom est associé aux débuts du théâtre antique.

Mais, avec son masque noir, aux traits grossiers - qui à l'origine était hérissé de poils et orné d'une protubérance rouge au front -, avec sa voix de fausset, ses pétarades émises parfois à l'aide d'une poire spéciale, avec son pas trépidant dérivé de la danse macabre, Arlequin n'est pas seulement un personnage primaire et obscène, c'est un être diabolique qui a rapport avec l'outre-tombe.

Pour en savoir plus, voir l'article Arlequin.

2.2. Polichinelle

Proche d'Arlequin par ses origines démoniaques signifiées par sa difformité physique (un nez rouge, crochu, et deux bosses), Pulcinella (probablement de pulcino, " poussin " en italien) parle d'une voix nasillarde, obtenue par un petit objet en os ou en métal placé dans la bouche. Comme Arlequin, Polichinelle se déguise, se masque, mime son maître et le caricature en s'inspirant des animaux de basse-cour. De Naples à Londres, en passant par Paris, son costume a connu de nombreuses variantes.

À Naples, Pulcinella est un portefaix d'origine paysanne, un coureur de filles. À Paris, Polichinelle est perruqué, poudré, jaboté, vêtu de rouge et d'or comme un aristocrate ; il est fripon, voleur, spéculateur, noceur. Bossuet - l'illustre théologien et évêque de Meaux - le proscrit l'année de la révocation de l'édit de Nantes (1685) : il écrit au procureur du roi pour le prévenir que Polichinelle le gêne dans son action en faveur des valeurs catholiques. À Londres, Punch - apparu à Covent Garden au milieu du xvii e s. - s'engouffre dans la tradition des moralités jouées dans les églises. Il représente alors la méchanceté gratuite, tuant sans raison son enfant, sa femme, Judy, le gendarme, le bourreau, le diable, et même la Mort.

2.3. Scapin

C'est aussi un valet, originaire de Bergame, comme son compagnon Arlequin. Son masque fruste, son gros nez, ses lèvres épaisses, ses yeux qui louchent lui donnent un air inquiétant.

2.4. Pantalon

Marchand avisé, il est cependant mêlé à de médiocres intrigues amoureuses. Avec son ample manteau et ses pantoufles noires, ses chausses et son chapeau rouges, c'est un personnage qui fait rire par sa balourdise. Dans la dynamique simpliste des scénarios de la commedia dell'arte, où il parle le dialecte vénitien, il ménage un suspense qui fait rire. Avare, soupçonneux, prudent, parfois naïvement confiant, grondeur, mais aussi bonhomme, il porte un masque à long nez, à moustaches et à barbiche.

2.5. Le Docteur

Proche de Pantalon, il est aussi père de famille et témoigne des mêmes défauts, mais son rôle est plus statique. Son costume est la caricature des vêtements que portaient les docteurs bolognais : tout de noir vêtu à l'exception d'un col blanc, il est coiffé d'un chapeau de feutre, noir lui aussi, à bord immense.

2.6. Matamore

Il veut être pris pour ce qu'il n'est pas : un brave. Ce qui le caractérise, c'est l'emphase. Son costume est une caricature des vêtements militaires.

2.7. Pierrot

L'amoureux au visage blanc porte la plupart du temps un demi-masque de cuir (fabriqué à Venise), qui permet au comédien une diction plus naturelle.

3. L'influence de la commedia dell'arte sur le théâtre français

Depuis le xiii e s., qui a vu la réhabilitation des mimes et des jongleurs, le terrain était prêt, en France, pour accueillir les influences italiennes dans le cadre du théâtre de la Foire, qui se tint, jusqu'à la Révolution, sur les foires Saint-Germain et Saint-Laurent.

3.1. Les personnages adaptés : de Turlupin à Tabarin

Les personnages caractéristiques de la commedia dell'arte donnèrent naissance en France à quelques variantes d'emblée fort appréciées par le public.

C'est Henri Le Grand, mort en 1637, qui créa le rôle de Turlupin, personnage qui exaltait l'outrance au détriment du naturel. Préférant l'usage de la farine à celui du masque, Robert Guérin inventa Gros-Guillaume, personnage que les estampes montrent planté au milieu de la scène, inerte, les mains derrière le dos soulignant l'irrésistible rondeur de sa bedaine.

Hugues Guéru est le père de Gaultier-Garguille, qui s'est rendu célèbre par sa souplesse et par ses chansons. Quant à Bertrand Hardouin de Saint-Jacques, il est le créateur de Guillot-Gorju, au début du xvii e s. : cet ancien médecin, vêtu des plus extravagantes défroques, fondait son personnage sur les effets comiques du vocabulaire médical de son temps.

Tabarin, reconnaissable à son invraisemblable chapeau mou et à l'ingéniosité bouffonne de ses questions " tabarinesques ", est l'un des plus célèbres personnages français issus de la commedia dell'arte, tout comme Dame Cigogne, Bruscambille et Jean Farine. Identifiés avec leurs interprètes et non avec leurs masques, ils n'ont pas survécu aux acteurs qui les avaient incarnés.

3.2. Les succès en France

Les Comédiens-Italiens, venus avec Catherine de Médicis, triomphaient dans leurs improvisations à l' Hôtel de Bourgogne, mais ils en furent chassés en 1697, pour avoir égratigné dans une pièce Mme de Maintenon. Revenus en 1716, sous la Régence, ils s'adaptèrent alors à un répertoire nouveau, moins fondé sur la repartie et le comique de geste.

Cependant, outre des auteurs italiens comme Goldoni , Regnard, Molière et Marivaux subirent eux aussi l'influence de la commedia dell'arte et de la technique de jeu élaborée des Comédiens-Italiens.

Molière

Au début de sa carrière d'auteur dramatique, Molière avait esquissé une typologie qui s'apparentait étrangement à celle de la commedia dell'arte. Même s'il abandonna ce projet au profit d'une élaboration psychologique plus poussée, il ne négligea pas l'apport de la commedia dell'arte, en particulier dans les Fourberies de Scapin (1671), une farce au rythme débridé.

Marivaux

Bon nombre de pièces de Marivaux ont été écrites pour les Comédiens-Italiens. Leur jeu, fondé sur une excellente formation d'acteurs, ne pouvait manquer de séduire un auteur qui apportait la poésie, l'originalité, la subtilité des caractères à des postures convenues. La commedia dell'arte se transforma alors : elle passa du masque au visage, et de la farce à la vraisemblance psychologique. Arlequin poli par l'amour (1720) est la pièce qui se réfère le plus directement à la commedia dell'arte, dans la mesure où elle propose des divertissements, des airs à danser, des chansons et toute une série de mimiques expressives, qui devaient d'ailleurs faire oublier que les Comédiens-Italiens possédaient parfois mal le français. De plus, chez Marivaux les masques ne sont plus " en dur ", en cuir, manipulables et séparés de l'acteur : ils sont constitutifs du texte sous forme de conventions, de faux-semblants sociaux. En fait, Marivaux s'emploie à percer à jour les mensonges - les masques - et à isoler des moments de vérité, qui dénoncent, à leur tour, la comédie humaine.

4. Déclin et renaissance de la commedia dell'arte

4.1. Un retour en grâce au xx e siècle

Quand la commedia dell'arte passe du " type " au personnage, du schématisme originel à l'approche psychologique et du jeu stylisé au texte élaboré, elle se dilue dans le théâtre d'auteur, qui emprunte son ton ludique pour traiter des sujets d'une extrême gravité.

Toutefois, dans la seconde moitié du xx e s., un certain nombre d'artistes, tels Jacques Copeau, Léon Chancerel, Jacques Lecoq (1921-1999), Ferrucio Soleri ou Dario Fo (prix Nobel de littérature, 1997), redécouvrirent la commedia dell'arte, la vertu de l'improvisation, le pouvoir du geste : cette forme de théâtre continue ainsi à vivre, d'une part, à travers la pièce de Goldoni Arlequin, serviteur de deux maîtres - représentée régulièrement sur toutes les scènes d'Europe - et, d'autre part, à travers des types qui resurgissent dans le théâtre contemporain.

4.2. La survie des personnages

Les " types " populaires de la commedia dell'arte se fixent - et en meurent - dans des poupées destinées aux enfants. Polichinelle et Arlequin deviennent ainsi des figures de bois et de chiffon, ou encore des pantins, jouets inoffensifs, imitant la prodigieuse souplesse des comédiens qui les avaient incarnés au théâtre. Quant à Pierrot, il connut un ultime sursaut de vie grâce aux pantomimes de Deburau au théâtre des Funambules, à Paris, au milieu du xix e s.

Dans les défilés de carnaval resurgissent également certains personnages de la commedia dell'arte, qui y retrouvent non seulement leurs costumes, mais aussi leurs masques. Alors qu'au carnaval de Schwyz, en Suisse, Arlequin figure parmi les danseurs, ailleurs il est généralement chargé d'ouvrir les festivités et de frayer un passage au milieu de la foule des spectateurs. Il partage cette fonction avec Polichinelle, étrange figure androgyne qui porte sur la partie inférieure du corps un mannequin de tissu qui a l'apparence d'une vieille femme.

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commedia dell'arte italien commedia dell'arte comédie de l'art - LAROUSSE

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Genre théâtral né au XVIe s mais ainsi nommé au XVIIIe s reposant sur l'improvisation d'acteurs souvent masqués Ingéniosité naïveté ruses et travestissements sont les principaux ingrédients de la commedia dell'arte comédie de métier qui a remporté un vaste succès en Europe du XVIe au XVIIIe s Connue jusqu'au XVIIIe s sous le nom de comédie d'histrions comédie improvisée...

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Le Théâtre antique nous vient de Grèce, berceau de tout le théâtre occidental. Il est né à l'époque archaïque, aux VIème et Vème siècle avant J-C, lors des célébrations consacrées à Dionysos, Dieu du vin, des arts et de la fête. Il provient donc, à l'origine, des dithyrambes, ces hymnes religieux dédiés aux Dieux ou aux héros, faits de processions, de chants et de danses. Ces cérémonies sacrées prennent place à la base aux alentours des temples puis dans des édifices en plein air où les spectateurs se pressent sur des gradins de pierre pour assister à des représentations interprétées uniquement par des hommes portant masques et costumes. Ainsi, le mot " théâtre " vient du grec " theatron " qui signifie " le lieu où l'on regarde ". Il qualifie donc, avant de devenir un art à part entière ainsi qu'un genre littéraire, l'espace de la scène.

Les pièces de l'époque sont toutes construites sur un même modèle, un canevas identique constitutif de son identité. Elles démarrent sur un Prologue, puis vient l'entrée du Chœur (" parodos "), caution lyrique du spectacle, qui prend place dans l'orchestre. Ensuite, s'enchaînent les actes ponctués par les interventions chantées du chœur. Enfin, le chœur fait sa sortie et clôt la pièce (" exodos "). Il est d'ailleurs intéressant de remarquer qu'à ses débuts, le théâtre incorpore déjà la danse et la musique dans sa matrice, sans cloisonner les genres. De plus, le travestissement y est de mise puisque l'art de l'acteur était à cette époque exclusivement masculin, ce qui impliquait que les rôles de femmes étaient tenus par des hommes.

Ce type de structure archaïque n'existe plus aujourd'hui bien entendu quand bien même les metteurs en scène continuent de monter des pièces de l'époque, que ce soit les tragédies de Sophocle (Antigone, Œdipe Roi, Electre, Ajax...), d'Euripide (Les Bachantes, Les Troyennes, Iphigénie en Tauride...), d'Eschyle (L'Orestie, Les Suppliantes, Les Perses...) ou les comédies d'Aristophane (Lysistrata, L'Assemblée des Femmes, les Grenouilles, Les Oiseaux...). Un autre phénomène, apparu au XXème siècle, continue de se propager : nombre d'auteurs dramatique s'approprient certains mythes antiques pour en proposer de nouvelles versions, travaillant sur l'idée de palimpseste : Brecht et Anouilh sur Antigone, Giraudoux sur Electre, Heiner Muller avec Médée-Matériau par exemple.

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Le Théâtre antique nous vient de Grèce, berceau de tout le théâtre occidental. Il est né à l'époque archaïque, aux VIème et Vème siècle avant J-C, lors des célébrations consacrées à Dionysos, Dieu du vin, des arts et de la fête.

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On appelle " mise en scène " l'organisation des différents éléments scéniques (décor, éclairage, mouvement et jeu des acteurs) en vue de la représentation d'une pièce de théâtre ou de la réalisation d'un film.

Si l'expression est utilisée pour la première fois par un critique littéraire à propos de la pièce de Victor Hugo Hernani (1830), elle prend tout son sens à partir de 1887 avec André Antoine et son Théâtre-Libre. En effet, André Antoine est le premier metteur en scène moderne : c'est lui qui coordonne les dispositifs scénographiques en fonction de sa vision de l'œuvre. Avant lui, la fonction de metteur en scène n'existait pas à proprement parler. L'auteur lui-même, le directeur du théâtre, le régisseur ou bien l'acteur principal de la troupe se chargeaient de régler [...]

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On appelle " mise en scène " l'organisation des différents éléments scéniques (décor, éclairage, mouvement et jeu des acteurs) en vue de la représentation d'une pièce de théâtre ou de la réalisation d'un film.

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Le premier guide pratique pour apprendre la mise en scène théâtrale !

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L'art de la mise en scène c'est tout les détails que l'on perfectionne : les éclairages, les costumes, et le jeu des acteurs (Voir source 2)

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Le metteur en scène est l'organisateur et le responsable de la mise en scène, tous les éléments qui composent le spectacle c'est à dire les lumières, le décor (etc.) ,sont sous sa responsabilité

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Pour l'historien du théâtre, le xx e siècle se confond avec l'âge d'or de la mise en scène. Elle est née dans les vingt dernières années du siècle précédent. En créant le Théâtre-Libre en mars 1887, André Antoine s'est promu premier metteur en scène moderne et a placé la mise en scène théâtrale au centre de toute problématique de la modernité. Il pouva [...] Lire la suite

Au xvi e siècle, avec la commedia dell'arte, les Italiens donnent à la vieille tradition de la farce un développement remarquable. Les acteurs doivent développer avec verve sur un canevas un dialogue improvisé entre des personnages stéréotypés. Théâtre de professionnels, la commedia dell'arte favorise la mise en scène de situations dynamiques : l'acteur est roi, tout est jeu. Le sujet compte peu [...] Lire la suite

Rien de plus comique que le Révizor de Nicolas Gogol (1836), trônant au sommet du patrimoine théâtral russe. Mais aussi, rien de plus politique que cette fable de la corruption, en des temps où les classes dirigeantes doivent soutenir le siège de la suspicion généralisée. Rien de plus métaphysique, enfin, que cette ironique parabole où l'imposture démasque le mensonge et où les coupables rachèten [...] Lire la suite

Né le 7 avril 1924, dans le quartier de Ménilmontant, à Paris, Guy Rétoré est resté attaché, tout au long de son parcours, au XX e arrondissement. À la Libération, après avoir intégré l'Équipe, compagnie théâtrale de la SNCF, il fonde en 1951 une troupe dramatique, la Guilde, avec laquelle il remporte le premier prix au Concours des jeunes compagnies, en 1957. Il crée l'année suivante le Théâtre [...] Lire la suite

En 1970, au pavillon Baltard, le théâtre des Nations donna une série de représentations. Des cavaliers fous chevauchant licornes et hippogriffes fendant la foule, des chariots roulés à bras d'homme installant trois, six aires de jeu simultanées avant d'entraîner le public dans un labyrinthe grillagé, tel était Orlando Furioso d'après l'Arioste, première apparition de Luca Ronconi en France. " Il [...] Lire la suite

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MISE EN SCÈNE, théâtre - 243 articles : ACTEUR * ALLEMAND (THÉÂTRE CONTEMPORAIN) * ANTOINE (A.) * APPIA (A.) * UBU ROI (A. Jarry) * JEU D'ADAM (anonyme) * LA DISPUTE (P. de Marivaux) * OH LES BEAUX JOURS (S. Beckett) * LE MALADE IMAGINAIRE (Molière) * GROTOWSKI (J.)

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La mise en scène est l'orchestration de tous les éléments d'une production théâtrale (jeu, costumes, décor, éclairage, son). C'est un regard subjectif qui se forge d'après une lecture approfondie d'une œuvre, et qui dirige de façon sensible tous les créateurs réunis autour de la production. Le metteur en scène doit avoir une confiance absolue envers ses compagnons de création, et vice versa, car il est un peu le chef de troupe, celui qui ouvre le chemin et assure une cohérence dans le travail.

Le rôle du metteur en scène n'a pas toujours existé. Avant le XXe siècle, la plupart des directions d'acteurs étaient assurées par l'auteur lui-même ou le comédien doyen de la troupe, qui en plus d'interpréter un rôle, coordonnait le reste de la production. L'inventivité demeurait au niveau de l'écriture, et l'on respectait à la lettre les propositions de l'auteur. Pas besoin de metteur en scène, puisque toutes les réponses étaient déjà dans le texte ! Les personnages étaient souvent typés (l'avare, l'amoureuse, le fourbe) et les acteurs en connaissaient les moindres traits et gestes. Au XXe siècle, avec l'avancement des différentes techniques et l'éclatement des formes d'écriture, les réponses ne se trouvèrent plus à l'intérieur des pièces. Chaque œuvre appelait une mise en scène originale. Les metteurs en scène se multiplièrent, proposant tour à tour de nouvelles façons de jouer, de nouvelles esthétiques, et acquirent ainsi un statut capital et une permanence au sein du théâtre moderne.

Le travail du metteur en scène commence avant même les répétitions. Il doit avoir analysé de près les intentions de l'auteur, en ayant une connaissance quasi parfaite du texte avec lequel il travaillera. Évidemment, certaines choses peuvent lui échapper (il n'est pas parfait!), et il compte alors sur le travail spécialisé de ses collègues pour approfondir chaque aspect de la pièce. Réunissant tous les concepteurs et acteurs lors d'une première lecture, il leur fait part de sa vision de l'œuvre, afin que tous et chacun puissent intégrer celle-ci à leur travail respectif. Un bon metteur en scène est capable d'exprimer clairement cette vision sans toutefois rejeter les propositions de ses compagnons de travail.

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La mise en scène est l'orchestration de tous les éléments d'une production théâtrale (jeu, costumes, décor, éclairage, son). C'est un regard subjectif qui se forge d'après une lecture approfondie d'une œuvre, et qui dirige de façon sensible tous les créateurs réunis autour de la production.

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1) Q'est ce que la mise en scène?
2) Pourquoi la mise en scène existe?
3) COMMENT se passe la mise en scène?
4) OU se passe la mise en scène?
5) DEPUIS combien de temps l'art de la mise en scène existe?
6) QUI sont les principales personnes indispensables pour la mise en scène?

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les salles de théâtre molière - Google Search

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du palais royal montpellier malade imaginaire avé maria bourgogne marsan hôtel illustre théâtre opéra de bourbon

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nom du livre: Le Théâtre, cote : 82-2 ENC, nom de la revue : Hachette

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1) Qu'est ce que le théâtre Italien, La Commedia Dell'Arte?

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1) Qu'est ce que le théâtre Italien, La Commedia Dell'Arte?

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Le théâtre Italien est un théâtre qui est fondé sur l'improvisation le comique et le caricatural.
Inspiré des farces du
Moyen-Âges, La Commedia Dell' Arte est née en Italie au début du XVIème siècles.
La Commedia Dell'Arte est improvisé à partir d'un canevas : servaient qu'à l'improvisation, ceux qui sont parvenus jusqu'à nous sont plutôt décevants. Le plus souvent, aucun dialogue n'est noté, il est donc difficile d'imaginer ce qu'est le résultat final.

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The Globe est l'un des plus anciens théâtres publics d'Angleterre. Il a fonctionné de 1599 à 1644. Jusqu'en 1642, la troupe du Lord Chamberlain, dirigée par l'acteur principal de ce théâtre, le comédien Richard Burbage, jouait dans le théâtre du Globe. C'est la mise...

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Le terme de café-théâtre représente aussi bien un lieu (un établissement où l'on peut assister à des représentations théâtrales toute en consommant) qu'un style. Quoi qu'il en soit, il s'agit d'un genre très apprécié qui ne cesse de croître, pour son côté convivial,...

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Le théâtre à l'époque de Shakespeare était très différent de ce qu'il est aujourd'hui. Les auteurs ont écrit des pièces pour les masses, en particulier celles qui ne savaient ni lire ni écrire. Le théâtre a beaucoup changé au cours de la vie de Shakespeare. À...

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Le métier de régisseur de théâtre

Selon Jean Louis Sbeghen, si vous avez une passion pour le théâtre et d'excellentes qualités de leadership et d'organisation, le rôle de régisseur de théâtre peut être fait pour vous.
En tant que régisseur de théâtre, vous serez responsable du bon fonctionnement opérationnel de l'établissement, en veillant à ce qu'il fonctionne efficacement et dans les limites de son budget. Vous gérerez généralement le personnel, les ressources et les systèmes et serez peut-être aussi responsable de la direction des activités de marketing et de publicité.
Vous recruterez et gérerez le personnel de la billetterie et serez responsable des processus ressources humaines, comme la formation. Le service à la clientèle est également un élément crucial du rôle qui consiste à s'assurer que le public profite au maximum de son expérience lorsqu'il visite le théâtre.
Votre rôle variera en fonction de la taille du lieu. Dans les petits théâtres, vous pourriez être responsable de tous les domaines mentionnés ci-dessus. Toutefois, dans les grands établissements, il se peut que vous ne participiez qu'à un seul aspect, tandis que d'autres gestionnaires assument la responsabilité de sections particulières, comme les finances ou les ressources humaines.

Responsabilités et obligations

En tant que régisseur de théâtre, vous devrez exercer plusieurs responsabilités :

Élaborer, mettre en œuvre et examiner le plan d'affaires global du théâtre

Planifier et réserver un programme de théâtre en appliquant vos connaissances du public, en assurant un équilibre entre les différents types de productions, en sachant quelles productions ont été bien accueillies ailleurs et en acceptant de nouvelles œuvres offertes par des compagnies de production réputées

Assurer la liaison et négocier avec les sociétés de production pour planifier le programme de travail

Vous impliquer dans la mise en service de nouveaux travaux

Suivre et évaluer l'exécution du programme de théâtre pour s'assurer qu'il répond aux besoins du plan d'activités global

Gérer le budget et s'assurer que vous atteignez les objectifs financiers et opérationnels du théâtre

Diriger une équipe d'employés de théâtre, qui peuvent être impliqués dans des domaines tels que le marketing, les finances et l'administration

Superviser la formation du personnel devant la maison et des entrées des artistes

Travailler en étroite collaboration avec le conseil d'administration du théâtre

Vous assurer que le théâtre respecte les exigences de la législation, comme les lois sur la santé et la sécurité et les lois sur l'octroi de permis (les directeurs de théâtre peuvent agir à titre de titulaires de permis) et protéger les arrangements relatifs aux enfants

Assister à des réunions de marketing et entreprendre des activités de marketing

Planifier efficacement les ressources et assurer un leadership solide pour développer le rôle du théâtre en tant que carrefour culturel

Négocier avec les organismes de bienfaisance et les organismes de financement qui fournissent un soutien financier

Développer le travail en partenariat et les liens avec l'industrie et les communautés locales, les organisations éducatives, les organismes compétents et le public, et encourager la participation aux activités artistiques

Rester en contact avec d'autres gérants et producteurs de théâtre afin de vous tenir au courant des développements et des nouvelles productions.

Heures de travail

En raison des heures d'ouverture des théâtres, les heures de travail sont généralement variées et tardives. Vous devrez également travailler le week-end et le soir.

Compétences

En tant que régisseur de théâtre, vous aurez besoin de regrouper plusieurs compétences. Il vous faudra, par exemple :

D'excellentes aptitudes à communiquer avec le public, le personnel et d'autres entreprises connexes

Une forte capacité d'organisation

Un sens aigu des affaires pour s'assurer que le théâtre est rentable

Des capacités de leadership pour gérer et motiver le personnel

Un esprit d'équipe, mais aussi une capacité à travailler seul

Le souci du détail pour s'assurer que tous les aspects du théâtre se déroulent sans heurts

La souplesse et la capacité de jongler avec des priorités concurrentes

Des compétences créatives en résolution de problèmes pour régler des questions liées aux ressources humaines, aux finances ou à la production

La capacité de bien travailler sous pression dans un environnement en évolution rapide.

Pour progresser dans la gestion d'un théâtre d'opérations, vous devez également démontrer que vous êtes dévoué, déterminé et résilient.

En tant que passionné d'art théâtral, Jean Louis Sbeghen apprécie de nombreuses pièces de théâtre. Voici une petite sélection des œuvres les plus appréciées par le régisseur.

Cyrano de Bergerac

Cyrano de Bergerac est une pièce de théâtre écrite en vers en 5 actes par Edmond Rostand. Elle raconte l'histoire du brillant poète et épéiste nommé Cyrano de Bergerac qui tombe profondément amoureux de sa belle et intellectuelle cousine Roxane. Malgré l'éclat et le charisme de Cyrano, un nez d'une taille choquante afflige son apparence, et il se considère trop laid pour risquer de dévoiler ses sentiments à Roxane. Un soir, Cyrano se rend au théâtre de l'Hôtel de Bourgogne pour faire un scandale : il a interdit à l'acteur Montfleury de monter sur scène pendant un mois, mais Montfleury prévoit de jouer dans la production de La Clorise, avec Roxane dans la salle. Dans l'auditoire se trouve également un jeune et beau noble nommé Christian, qui confie à son ami Ligniere qu'il aime Roxane.

Hamlet

Ce drame est l'une des grandes pièces du genre de la tragédie de William Shakespeare. Publiée en 1603, elle aborde, dans son intrigue, les thèmes de l'indécision, la vengeance et le châtiment, la tromperie, l'ambition, la loyauté et le destin. Le prince Hamlet pleure la disparition de son père, mort récemment. Son frère, Claudius, le remplace sur le trône et épouse Gertrude, la veuve de son frère, seulement deux mois après sa disparition. Le fantôme du père de Hamlet lui apparaît et lui dit que Claudius l'a empoisonné pour s'emparer de la couronne. Hamlet jure alors de se venger.

Rhinocéros

Rhinocéros est une pièce en trois actes écrite par Eugène Ionesco, en 1959. L'histoire se déroule dans une petite ville de France où les habitants se transforment en rhinocéros. Après l'apparition de la maladie, les gens se résigne à la maladie et se laissent transformer. En fin de compte, Berenger, le personnage principal, est dès le début le seul survivant et doit faire face au fait d'être le seul être humain dans sa région.
Relevant du registre absurde, Jean Louis Sbeghen apprécie tout particulièrement cette pièce moderne, car elle fait écho à la montée du nazisme en Roumanie. A cette époque, Eugène Ionesco a vu tout ces proches se convertir au nazisme alors que lui résistait. Cette oeuvre raconte, en quelque sorte, le sentiment de solitude qu'il ressentait à ce moment.

Incendies

Incendies est une pièce de théâtre écrite par Wajdi Mouawad, en 2003. Lorsque la mère des jumeaux Jeanne et Simon meurt, ils se voient transmettre deux enveloppes lors de la lecture du testament de leur mère, leur demandant de trouver un frère dont ils ignoraient l'existence et un père qu'ils croyaient mort. En voyageant du Canada au Liban pour percer ce mystère, ils commencent à découvrir les secrets terrifiants du passé tumultueux et brutal de leur mère. Les rebondissements de leurs découvertes va les rapprocher toujours plus près d'une vérité déchirante et inévitable qui va redéfinir leur existence même. Puissante, brute et captivante, cette pièce est un classique du théâtre contemporain pour Jean Louis Sbeghen.

The Globe est l'un des plus anciens théâtres publics d'Angleterre. Il a fonctionné de 1599 à 1644. Jusqu'en 1642, la troupe du Lord Chamberlain, dirigée par l'acteur principal de ce théâtre, le comédien Richard Burbage, jouait dans le théâtre du Globe. C'est la mise...

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Le terme de café-théâtre représente aussi bien un lieu (un établissement où l'on peut assister à des représentations théâtrales toute en consommant) qu'un style. Quoi qu'il en soit, il s'agit d'un genre très apprécié qui ne cesse de croître, pour son côté convivial,...

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The Globe est l'un des plus anciens théâtres publics d'Angleterre. Il a fonctionné de 1599 à 1644. Jusqu'en 1642, la troupe du Lord Chamberlain, dirigée par l'acteur principal de ce théâtre, le comédien Richard Burbage, jouait dans le théâtre du Globe. C'est la mise...

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3) Qui sont les acteurs et que savent-ils faire?

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3) Qui sont les acteurs et que savent-ils faire?

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La Commedia Dell' Arte est une troupe de théâtre, elle est composée d'acteur comme Arlequin (Viendrait D'Hellequin, petit démon médiéval), Brighella, Scapin, Scaramouche, Matamore, Pantalon, Il Dottore, Cynthio, Isabelle, Colombine, Pierrot, Polichinelle.
Parmi la troupe, il y a des acrobates qui sont excellent dans l'art du saut périlleux. La troupe porte des masques correspondant à des personnages précis qui sont différents des masques grecs et romains. Les acteurs sont spécialisé d'un personnage typhique.

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ART OBJETS, site d'objets d'art et d'objets de décoration, figurines de collection, masque de venise, art de la table. - Art Objets

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art-objets, c'est le site des objets de décoration, des objets d'art, des statuettes d'art, des objets originaux de différentes parties du monde avec des procédés de fabrications divers, bronze, porcelaine, céramique, raku, résine.

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les salles de théâtre au 17 e siècle - Google Search

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paris salle richelieu italien comédie comédie française paume théâtre classique bourgogne marais illustre théâtre

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L'art de la mise en scène: questionnement?

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L'art de la mise en scène: questionnement?

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1)Qu'est ce que l'art de la mise en scène ?
2)Qui  est le metteur en scène?
3)Quand commence t'on la mise en scène?
4)Où se mettons dans la salle de théâtre ?
5) Comment faisons une mise scène?
6)Pourquoi à t'on besoin de la mise en scène?

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1) Un endroit ou il y a des représentations de comédie française

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a)Depuis combien de temps les salles de théâtre existent?
b)Pourquoi les salles de théâtre ont été inventée ?
c)Qui sont les gens qui jouent au théâtre ?
d)Ou à été inventé la première salles de théâtre ?
e)Qu'est ce qu'une salles de théâtre (définition)?

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" La Comédie-Française porte en elle cette utopie qui consiste à lire le présent à l'aune du passé, ses missions étant trop vastes et la curiosité de ses artisans trop insatiable pour être réduite à un sens plutôt qu'à un autre. Le ferment commun, sa Troupe et avec elle l'ensemble des services travaillent sans relâche pour vous mener sur ces chemins buissonniers. "

ÉRIC RUF

Salle Richelieu

Inaugurée en 1790 pour la troupe des Variétés amusantes, la Salle Richelieu est le théâtre historique de la Comédie-Française depuis 1799.

Sans relâche de septembre à fin juillet, la Salle Richelieu propose une douzaine de spectacles, en alternance, issus des répertoires les plus variés, choisis pour naviguer au gré des styles d'œuvres, d'esthétiques et de représentations les plus divers.

Une de ses spécificités tient à la constitution du répertoire de la Comédie-Française : tout texte joué sur son plateau doit au préalable avoir été soumis au Comité de lecture afin d'être inscrit au Répertoire, qui compte aujourd'hui près de 3 000 pièces de toutes les époques.

La Salle Richelieu est le fruit des conflits et des passions qui animent la France à la fin du Siècle des lumières.

Initialement destiné à être un opéra, ce bâtiment, ayant pour ambition de ne pas rompre l'harmonie du Palais-Royal, est construit à l'initiative du duc de Chartres par l'architecte Victor Louis. Au début de la Révolution, il est investi par le théâtre des Variétés amusantes que rejoignent Talma et ses amis.

Nous sommes en 1791, la Comédie-Française a déjà 111 ans et a joué dans quatre autres théâtres...

Il faudra attendre 1799 et la réunification des troupes pour que cette salle à l'italienne s'impose définitivement comme le théâtre de la Comédie-Française.

Repères en quelques dates

1791 : une partie de la troupe des Comédiens-Français, rassemblée autour du tragédien Talma, investit pour la première fois cette salle alors rebaptisée Théâtre de la République, tandis que l'autre partie se produit au Théâtre de la Nation (futur Odéon)

1799 : à la suite des divisions révolutionnaires et de l'incendie de l'Odéon, la Troupe reconstituée s'y installe définitivement

Au XIXe siècle : le volume originel du théâtre s'agrandit et se complète avec les travaux de Prosper Chabrol (1860-1864). On lui doit l'escalier d'honneur ainsi que le foyer du public où se font face depuis, saisis dans le marbre, Voltaire et Molière

1900 : un incendie ravage la salle. Elle est reconstruite à l'identique

2012 : d'importants travaux de réfection technique sont entrepris Salle Richelieu, qui ferme durant un an. La Troupe s'installe au Théâtre Éphémère, une salle de spectacle installée au cœur des Jardins du Palais-Royal. Construite en bois, cette structure innovante allie démarche éco-responsable et hautes qualités acoustiques et thermiques. Cette salle frontale de 746 places appartient aujourd'hui au Grand Théâtre de Genève

Théâtre du Vieux-Colombier

Créé en 1913 par Jacques Copeau, le Théâtre du Vieux-Colombier devient en 1993 la deuxième salle de la Comédie-Française

Situé au cœur de Saint-Germain-des-Prés, le Théâtre du Vieux-Colombier propose chaque saison au moins quatre créations de textes classiques ou contemporains, programmés en séries de septembre à début juillet. Seules les pièces jouées Salle Richelieu entrent au Répertoire de la Comédie-Française, les choix artistiques de l'administrateur général sont néanmoins pensés dans une cohérence d'ensemble des trois salles.

La création du Théâtre du Vieux-Colombier, le 22 octobre 1913 par Jacques Copeau, s'inscrit dans son projet de " rénovation dramatique ", en rupture avec l'activité commerciale des théâtres des Grands boulevards Rive droite.

Instaurant un principe d'alternance, il y mène une intense activité avec sa compagnie, notamment avec Charles Dullin et Louis Jouvet en tant que régisseur général. En 1924, Copeau part défendre un théâtre de tréteaux en Bourgogne, mais la création artistique perdure dans ce théâtre, qui s'ouvre au fil des directions successives au cinéma d'avant-garde puis au jazz. Menacé de disparaître, il est racheté par l'État, en 1986, et devient, le 9 avril 1993, la deuxième salle de la Comédie-Française.

Repères en quelques dates

22 octobre 1913 : création du Théâtre du Vieux-Colombier par Jacques Copeau

novembre 1924 : le réalisateur Jean Tedesco prend la direction du théâtre (jusqu'en 1934) où il fait découvrir au public français le cinéma d'avant-garde (Abel Gance, D. W. Griffith, Jean Epstein, Charlie Chaplin, Jean Renoir)

10 juin 1933 : première mise en scène de Georges Pitoëff au Théâtre du Vieux-Colombier, avec Les Juifs de Tchirikov

27 mai 1944 : création de Huis clos de Jean-Paul Sartre, dans une mise en scène de Raymond Rouleau

juin 1945 : première mise en scène de Jean Vilar au Théâtre du Vieux-Colombier qui signe la création française de Meurtre dans la cathédrale de T.S. Eliot.

13 janvier 1947 : conférence d'Antonin Artaud

1948 : inauguration du Club du Vieux-Colombier dans la cave du Théâtre avec l'orchestre de Jazz Nouvelle Orléans de Claude Luter qui accueillera Sidney Bechet, Boris Vian...

juillet 1961 : dans le cadre du Théâtre des nations, le Living Theater monte Dans la jungle des villes de Brecht et le Volkstheater de Vienne Le Balcon de Genet

1978 : inscription du Théâtre du Vieux-Colombier à l'inventaire supplémentaire des Monuments historiques pour éviter sa disparition

février 1986 : rachat par l'État

9 avril 1993 : le Théâtre du Vieux-Colombier devient la 2e salle de la Comédie-Française, alors sous l'administration générale de Jaques Lassalle qui ouvre la première saison en mettant en scène deux pièces de Nathalie Sarraute, et

20 janvier 2010 : première mise en scène dans un dispositif bifrontal avec Paroles, pas de rôles / vaudeville conçu par les collectifs tg STAN, De KOE, Discordia.

29 septembre 2015 : première création " tout public " avec le spectacle pour acteurs et marionnettes 20 000 lieues sous les mers d'après Jules Verne dans une adaptation et mise en scène de Christian Hecq et Valérie Lesort

21 mars 2018 : de Goethe, adaptation et mise en scène Valentine Losseau et Raphaël Navarro. Jeux d'apparitions, de disparitions, lévitation, hologrammes, transformations... la magie entre à la Comédie-Française. Les comédiens de la Troupe font l'apprentissage d'une discipline, mais aussi d'une pratique du plateau et d'un type de concentration inusuels pour eux.

Nombre de places : 300
21 rue du Vieux-Colombier, 75006 Paris

Contact :
01 44 39 87 00 / 01
Du mardi au samedi de 11h à 13h30 et de 14h30 à 18h

Studio-Théâtre

Depuis 1996, le Studio-Théâtre, situé dans le Carrousel du Louvre et troisième salle de la Comédie-Française, propose des formes courtes et diversifiées.

La programmation, du mercredi au dimanche, de spectacles et manifestations à 18h30, permet non seulement d'élargir le public mais aussi de diversifier l'offre qui lui est faite. Comédiens et spectateurs peuvent ainsi enchaîner avec une représentation à 20h30 à la Salle Richelieu ou au Théâtre du Vieux-Colombier, voire exceptionnellement, au Studio-Théâtre avec une autre proposition.

Outre les pièces contemporaines et les pièces classiques du type levers de rideau, le plateau du Studio-Théâtre est idéal pour les pièces intimistes, cabarets, spectacles pour enfants, ainsi que pour les rencontres publiques.

Lorsque Jean-Pierre Miquel, alors administrateur général de la Comédie-Française, saisit l'opportunité de l'aménagement du Carrousel du Louvre pour obtenir une troisième salle, il pense à un lieu, petit, qui permette un laboratoire de formes dans une proximité avec le public.

En 1996, la Comédie-Française inaugure ainsi la septième salle de son histoire. Baptisée Studio-Théâtre, son nom fait référence au premier Studio du Théâtre d'Art de Moscou voulu par Stanislavski en 1912.

Depuis vingt ans, en complémentarité des deux autres salles, y sont autant représentés des auteurs contemporains, parfois joués pour la première fois en France, que des formes courtes de " classiques ", des seuls-en-scène ou des spectacles de chansons.

Repères en quelques dates

Nombre de places : 136
Galerie du Carrousel du Louvre, Place de la Pyramide inversée,
99 rue de Rivoli,
75001 Paris

Contact :
01 44 58 98 41
Du lundi au vendredi de 11h à 18h

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" La Comédie-Française porte en elle cette utopie qui consiste à lire le présent à l'aune du passé, ses missions étant trop vastes et la curiosité de ses artisans trop insatiable pour être réduite à un sens plutôt qu'à un autre.

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1)Qu'est-ce qu'une salle de théâtre ?
2)Qui a créé les salles de théâtre ?
3)Quand les salles de théâtre ont été créés ?
4)Où a été créé la première salle de théâtre ?
5)Pourquoi les salles de théâtre ont été créés ?

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1)Qui sont les principaux auteurs du théâtre médiéval ?
2)Quand les pièces de théâtre médiévale ont-elle commencé a être joué ?
3)Où se passent les scènes du théâtre médiéval ?
4)Pourquoi les pièces de théâtre médiéval était-elle joué ?

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Quand a été fondé la première salle de théâtre ?
Ou a été les premières salles de théâtres ?
Comment ont été construites les salles de théâtres
Pourquoi ont été fabriquer les salles de théâtres ?

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1° QUI? sont les principaux auteurs de pièce de théâtre du XVIIeme siecle a aujourd'hui?

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Marivaux est un écrivain français, né le 4 février 1688 et mort à Paris le 12 février 1763. Surtout connu pour son théâtre et attaché aux Comédiens italiens. Il a aussi fait des comédies d'intrigue, des comédies héroïques, des comédies morales, deux drames bourgeois et des comédies d'amour .

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Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais, né Pierre-Augustin Caron le 24 janvier 1732 à Paris où il est mort le 18 mai 1799, est un écrivain, dramaturge, Beaumarchais a toujours procédé à une théâtralisation de sa vie, la gaieté, l'amour, thème central, qui demeurent au cœur de ses composition dramatiques . Il est aussi musicien et homme d'affaires français

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Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais, né Pierre-Augustin Caron le 24 janvier 1732 à Paris où il est mort le 18 mai 1799, est un écrivain, dramaturge, Beaumarchais a toujours procédé à une théâtralisation de sa vie, la gaieté, l'amour, thème central, qui demeurent au cœur de ses composition dramatiques . Il est aussi musicien et homme d'affaires français

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Les principaux auteurs de théâtre du XIX sont : Victor Hugo est un poète, dramaturge, romantique français, né le 26 fevrier 1802 à Besançon et mort le 22 mai 1885 à Paris. Le théâtre de Victor Hugo se situe dans un nouveau du genre théâtral. Dans sa pièce Cromwell qu'il sait être injouable à son époque, il donne libre cours à son idée du nouveau théâtre. Il y expose sa théorie du grotesque qui se décline sous plusieurs formes: du ridicule au fantastique en passant par le monstrueux ou l'horrible. Victor Hugo choisit de situer ses pièces principalement dans les xvie et xviie siècles car il se documente beaucoup avant de commencer à écrire. Mais il est aussi écrivain, romancier et dessinateur. Il est considéré comme l'un des plus importants écrivains de la langue française.

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Alfred de Musset est un poète, dramaturge et écrivain français de la période romantique sa première pièce de théâtre est une comédie en un seul acte, né le 11 décembre 1810 à Paris, où il meurt le 2 mai 1857.

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Dans le XX, il y a Samuel Barclay Beckett, né le 13 avril 1906 à Foxrock et mort le 22 décembre 1989 à Paris, est un écrivain, poète et dramaturge irlandais d'expression principalement française et anglaise, récipiendaire du prix Nobel de littérature en 1969.

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Dans le XX, il y a Samuel Barclay Beckett, né le 13 avril 1906 à Foxrock et mort le 22 décembre 1989 à Paris, est un écrivain, poète et dramaturge irlandais d'expression principalement française et anglaise, récipiendaire du prix Nobel de littérature en 1969.

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Simon Abkarian est un acteur, dramaturge et metteur en scène français, d'origine arménienne, né le 5 mars 1962 à Gonesse (Val-d'Oise).

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2° OU? sont représenter les pièce de théâtre ?

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2° OU? sont représenter les pièce de théâtre ?

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La définition du théâtre:
-Édifice destiné à la représentation de pièces, de spectacles dramatiques ; le spectacle lui-même.
https://www.larousse.fr

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a)Depuis combien de temps les salles de théâtre existent ?

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a)Depuis combien de temps les salles de théâtre existent ?

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Les salles de théâtre existent depuis le VIème et Vème millénaire avant J-C.

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les grecs de l' antiquité

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photo des salles de théâtre des grecs - Google Search

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antique rideau concert opéra architecture los angeles grèce antique décor théâtre antique théâtre romain

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2)Quand ? a été construit la première salles de théâtre 

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2)Quand ? a été construit la première salles de théâtre 

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1 - Quels sont les accessoires utilisés au théâtre ?
2 - Qui sont les personnes qui portent les costumes ?
3 - A quoi correspondent les accessoires  et les costumes au théâtre?
4 - Depuis quand  utilise t'on des accessoires et costumes au théâtre ? et lesquels ?
5 - Ou se déroule le théâtre ?
6 - Origine du théâtre
7 - Pourquoi fait-on du théâtre ?

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Depuis le XVIII ème siècle les pièces de théâtre sont représentées dans des salles de théâtre.
Les comédiens jouent sur la scène et les spectateurs dans le poulailler, les balcons, la corbeille et encore les baignaires. Les salles de théâtre ont changé depuis le XVIII ème siècle.

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Le théâtre est né en Grèce au V ème siècle avant notre ère .
De l'antiquité à la renaissance ,il s'est dérouler en plaine air.
Puis scène et salle  à l italienne se sont imposées partout . Depuis un demi siècle , les lieux de théâtre se sont diversifié

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A. Meunier

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Le mot théâtre vient d'un mot grec qui signifie « lieu de représentation ».

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1]  La mise en scène est regroupement de tous les éléments d’une production théâtrale

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La mise en scène est l'orchestration de tous les éléments d'une production théâtrale (jeu, costumes, décor, éclairage, son). C'est un regard subjectif qui se forge d'après une lecture approfondie d'une œuvre, et qui dirige de façon sensible tous les créateurs réunis autour de la production. Le metteur en scène doit avoir une confiance absolue envers ses compagnons de création, et vice versa, car il est un peu le chef de troupe, celui qui ouvre le chemin et assure une cohérence dans le travail.

Le rôle du metteur en scène n'a pas toujours existé. Avant le XXe siècle, la plupart des directions d'acteurs étaient assurées par l'auteur lui-même ou le comédien doyen de la troupe, qui en plus d'interpréter un rôle, coordonnait le reste de la production. L'inventivité demeurait au niveau de l'écriture, et l'on respectait à la lettre les propositions de l'auteur. Pas besoin de metteur en scène, puisque toutes les réponses étaient déjà dans le texte ! Les personnages étaient souvent typés (l'avare, l'amoureuse, le fourbe) et les acteurs en connaissaient les moindres traits et gestes. Au XXe siècle, avec l'avancement des différentes techniques et l'éclatement des formes d'écriture, les réponses ne se trouvèrent plus à l'intérieur des pièces. Chaque œuvre appelait une mise en scène originale. Les metteurs en scène se multiplièrent, proposant tour à tour de nouvelles façons de jouer, de nouvelles esthétiques, et acquirent ainsi un statut capital et une permanence au sein du théâtre moderne.

Le travail du metteur en scène commence avant même les répétitions. Il doit avoir analysé de près les intentions de l'auteur, en ayant une connaissance quasi parfaite du texte avec lequel il travaillera. Évidemment, certaines choses peuvent lui échapper (il n'est pas parfait!), et il compte alors sur le travail spécialisé de ses collègues pour approfondir chaque aspect de la pièce. Réunissant tous les concepteurs et acteurs lors d'une première lecture, il leur fait part de sa vision de l'œuvre, afin que tous et chacun puissent intégrer celle-ci à leur travail respectif. Un bon metteur en scène est capable d'exprimer clairement cette vision sans toutefois rejeter les propositions de ses compagnons de travail.

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La mise en scène est l'orchestration de tous les éléments d'une production théâtrale (jeu, costumes, décor, éclairage, son). C'est un regard subjectif qui se forge d'après une lecture approfondie d'une œuvre, et qui dirige de façon sensible tous les créateurs réunis autour de la production.

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2] Pour que se soit visuel intéressant a regarder pour les spectateur. Pour qu'il y est de la musique et pour l'ordre des scriptes.

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b)Pourquoi les salles de théâtre ont été inventé ?

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b)Pourquoi les salles de théâtre ont été inventé ?

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Les salles de théâtre ont été inventé pour Dionysos, dieux du vin, des arts et de la fête.
https://fr.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9%C3%A2tre_de_Dionysos#/media/Fichier:DionysiusTheater.jpg

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1)Une salle de spectacle est une salle destinée à recevoir des représentations de spectacles vivants  (Comédie Française,...)C'est aussi un lieu pour se divertir , appendre .

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1)Une salle de spectacle est une salle destinée à recevoir des représentations de spectacles vivants  (Comédie Française,...)C'est aussi un lieu pour se divertir , appendre .

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fr.wikipedia.org  https://fr.wikipedia.org/wiki/Salle_Richelieu
La salle de Richelieu

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3] En matière de mise en scène, cela se passe toujours de la même manière : il faut choisir le texte, sélectionner des comédiens, opter pour une forme de plateau, planifier, organiser puis diriger les répétitions, concevoir les costumes, coordonner les éléments du décor, s'interroger sur la musique et l'habillement ...

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Le premier guide pratique pour apprendre la mise en scène théâtrale !

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1- Quels sont les  accessoires utilisés au théâtre?

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1- Quels sont les  accessoires utilisés au théâtre?

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Les accessoires aux théâtre sont, le maquillage, les perruques, les costumes, les bijoux, les couronnes, les accessoires de décors (meubles et gros objets), les accessoires de jeux (objets manipulés par les comédiens pendant le spectacle), les accessoires personnels (ce sont les objets que portent le comédien sur lui, pipe, montre, lunettes...)

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quand ont été fondés les premières salles de théâtres

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quand ont été fondés les premières salles de théâtres

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21 octobre 1680

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premieres salles de théâtre - Google Search

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mathurins paris teatro versailles edouard victor louis opéra royal théâtre edouard vii opéra comique moreau

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Le lieu essentiel d’un théâtre est la scène, la forme la plus répandue étant la scène à l’italienne, ou théâtre d’illusion. L’action se déroule dans un espace surélevé, séparé de la salle par un cadre en forme d’arche, devant lequel se lève et se ferme un rideau. Le public est assis face à la scène. Certains théâtres possèdent une avant-scène, plate-forme s’avançant dans le public, qui l’entoure sur trois côtés.
https://junior.universalis.fr

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COMMENT ? le théâtre a t-il évoluer depuis le XVIIIème siècle à aujourd'hui?

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COMMENT ? le théâtre a t-il évoluer depuis le XVIIIème siècle à aujourd'hui?

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ou ont été fondés les premières salles de théâtres?

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ou ont été fondés les premières salles de théâtres?

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2)Le théâtre a été inventé par les Grecs de l'Antiquité. Pendant longtemps, les Grecs se déguisent, chantent et dansent lors de fêtes en l'honneur du dieu Dionysos. Puis ils construisent de grands édifices en plein air où des acteurs expriment leurs sentiments par la voix et le geste.

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2)Le théâtre a été inventé par les Grecs de l'Antiquité. Pendant longtemps, les Grecs se déguisent, chantent et dansent lors de fêtes en l'honneur du dieu Dionysos. Puis ils construisent de grands édifices en plein air où des acteurs expriment leurs sentiments par la voix et le geste.

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fr.wikipedia.org
https://fr.wikipedia.org/wiki/Th%C3%A9%C3%A2tre_antique_d%27Orange

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c) Qui sont les gens qui jouent au théâtre ?

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c) Qui sont les gens qui jouent au théâtre ?

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Les gens qui jouent au théâtre sont des acteurs ou des comédiens. Mais il y a aussi les spectateurs qui son assis dans la salle, et regarde le théâtre

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Au XXVIII ème siècle il y a du renouvellement dans la comédie et la trajedie. Mais il y a aussi des apparaissons de nouveaux genres théâtrale comme le drame bourgeois, apparition de l’opéra-comique.

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Pourquoi le théâtre a t-il dû évoluer depuis le XVIII ème siècle ?

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Pourquoi le théâtre a t-il dû évoluer depuis le XVIII ème siècle ?

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Dès le début du XXI ème siècle, le théâtre est en crise. L'apparition du cinéma, qui permet une représentation très réaliste, pousse les auteurs de théâtre à s'interroger sur la définition du genre.

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2- Qui sont les personnes qui portent les costumes ?

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2- Qui sont les personnes qui portent les costumes ?

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Ce sont les acteurs qui portent les costumes,  les rôles étant, au début de l'antiquité, tenu par les hommes, ils leurs permettent d'identifier le personnage et de rentrer dans la peau de celui-ci

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3 - A quoi correspondent les accessoires  et les costumes au théâtre?

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3 - A quoi correspondent les accessoires  et les costumes au théâtre?

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Au théâtre  un accessoire est tout ce qui est visible sur scène, autre que les décors  ( exemple les meubles)
Un costume correspond aux  habits que portent les acteurs. Le Costume peut être complété par des bijoux, perruques  masques ou maquillage.

Cela donne l'époque de la pièce et apporte des informations sur le personnage, sur la classe sociale( riche/pauvre), son métier, son âge et son sexe.

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Q6. Quelle est la différence entre un metteur en scène un dramaturge et un comédien ?

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Q6. Quelle est la différence entre un metteur en scène un dramaturge et un comédien ?

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le dramaturge a comme devoir de lire des textes et de les écrire alors que le metteur en scène est le responsable de la mise en scène et le comédien joue le texte, l'interprète.

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4] Une Mise en scène se passe dans une salle de Théâtre

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Les principaux auteurs du théâtre médiéval ?

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Les principaux auteurs du théâtre médiéval ?

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Sont : Rutebeuf, Adam de la Halle et Jean Bodel

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Quand les pièce de théâtre médiévale ont-elle commencée a être joué ?

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Quand les pièce de théâtre médiévale ont-elle commencée a être joué ?

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Les premières pièces de théâtre médiéval ont commencé à être jouées a la fin du Xème siècles.

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Où se passent les pièces de théâtre médiévales ?

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Où se passent les pièces de théâtre médiévales ?

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Au début, les premières scènes de théâtre médiévales était jouées dans les églises, Ensuite elle était jouées sur le parvis de l'église, Enfin elle était jouées sur la grande place.

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Le théâtre médiévale est un art du Moyen-âge se passant à la fin du Xème siècle qui était joué pour divertir les gens.les théâtre médiévale était joué principalment sur le parvis de l'église