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Il dipinto rappresenta un pranzo i un ristorante di un villaggio  sulla Senna, frequentato abitualmente dai canottieri. La scena è ambientata nella veranda del locale, dove quattordici personaggi, tutti amici del pittore (tra cui la futura moglie, la donna con il cane), discorrono amabilmente fra loro dopo aver mangiato assieme. L'attenzione dell'artista si concentra molto sui colori, che formano i volumi e la prospettiva tramite la sovrapposizione di toni caldi e freddi, chiari e scuri, primari e complementari. Renoir si prese la libertà di dipingere frutta  autunnale che contrasta con il periodo estivo in cui è ambientata la scena. La composizione è studiata: Renoir inserisce le figure nello spazio della terrazza, chiusa da una balaustra e da esili strutture di ferro che sorreggono una tenda; la tavola scandisce il taglio diagonale dell'immagine e conferisce profondità. Anche se non ci siano contorni, le figure emergono chiare e distinte, acquistano una solidità e una determinatezza più classica.

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Per Renoir la pittura esprime la gioia di vivere e la gioia di partecipare alla vita di tutto ciò che ci circonda e di apprezzare la bellezza al punto di sentire l'urgenza  di fissare sulla tela il ricordo di ogni esperienza; tutto ciò che esiste vive; tutto ciò che vive é bello; tutto ciò che é bello  merita di essere dipinto. Renoir occupa un posto importante nell'ambito dell'impressionismo. Renoir, contrariamente a Monet,  quasi non può concepire un quadro senza la presenza umana. Così, anche se si dedica  completamente al paesaggio è innanzitutto un pittore di figure e in special modo il pittore della donna.

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Il dipinto ci mostra un gruppo di giovani ballerine disposte a semicerchio, all'interno di un aula di cui se ne vede solo uno scorcio, ciò ci suggerisce che il taglio che Degas vuole dare al dipinto è di tipo fotografico. Le danzatrici partecipano ad una lezione tenuta da un uomo basso con un alto bastone tra le mani che funge da correttore delle linee e della postura delle ragazzine), che si trova al centro del loro semicerchio. Vuole rappresentare il momento in cui una giovane ballerina sta eseguendo una variazione di passi di danza, mentre il maestro la controlla con occhio attento. Le altre ragazze attorno osservano attentamente aspettando il loro turno, oppure si rilassano. L'opera puo' sembrare banale e realizzata in poco tempo ma  in realtà  è frutto di un difficile e meditato lavoro, condotto su decine di schizzi preparatori. L'esempio più significativo di ciò che è stato appena detto è riconoscibile nella ballerina girata di spalle che si sta grattando la schiena con disinvoltura, o nell'altra sempre accanto che con un ventaglio si sta facendo aria. Degas è infatti noto per cogliere questi aspetti marginali ma significativi dei suoi personaggi "come se si guardassero dal buco della serratura". Sempre in questi anni Degas condurrà significativi studi sul colore, usando sempre di più la pratica dell'accostamento di un colore all'altro per averne più luminosità possibile ed evitando di mischiarli. Userà sempre di più quindi i colori puri, come si può vedere nel fiocco rosso della ragazza che sventola il ventaglio.

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Edgar Degas si differenzia dagli altri impressionisti perché è più tradizionale rispetto agli altri e perché non abbandona mai il disegno in atelier. Viene inserito in questa corrente soprattutto per le posizioni inusuali in cui ritrae i suoi soggetti: ripresi dal basso verso l'alto, decentrati, tagliati dal bordo del quadro, prospettive deformate ed espedienti che Degas prende dall'arte  giapponese e dalla fotografia. Predilige rappresentare corpi in movimento ed è per questo che spesso i suoi soggetti sono ballerine e cavalli. Degas ritrae la vita della città, gli ippodromi, i teatri, i caffè, i fantini, il mondo del teatro dietro le quinte, il momento della fatica, del lavoro, si sofferma sull'anatomia del corpo e dello sforzo e questo lo porta ad essere più realista che impressionista.
Nei suoi ultimi anni di vita si dedica alla scultura.

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In questo dipinto sono rappresentati la moglie del pittore, Camille, e suo figlio Jean. Vengono  ritratti   nella parte destra e nella linea dell'orizzonte seminascosti dall'erba e dai fiori. I contorni sono diluiti e il pittore si concentra sulle macchie di colore: dal verde indistinto del campo egli fa emergere delle brillanti picchiettature di rosso, colore complementare del verde, che i nostri occhi interpretano subito come papaveri, conferendo al paesaggio una nota serenità e freschezza. Egli vuole far percepire a noi che vediamo la tela, il vento che muove i papaveri. Il dipinto si suddivide in due parti: la parte superiore caratterizzata dalla luminosità del cielo, e la parte inferiore in cui spiccano cromature più intense del campo di papaveri.

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Claude Monet ,  attua delle vere e proprie rivoluzioni pittoriche. Non studia pittura, non frequenta corsi accademici ma impara sul campo, realizzando quadri che nascono dalla sola osservazione del paesaggio. Monet dipinge come se frantumasse lo spazio e lo gettasse a manciate sul quadro. I primi visitatori dell'esposizione degli impressionisti del 1874 rimasero sconcertati davanti alle sue opere: quei quadri sembravano loro un ammasso confuso di pennellate arbitrarie. Ma nei quadri di Manet le macchie prendono forma, si percepiscono cose vive, animate, pulsanti.

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Gli impressionisti, di solito,
rappresentano: scene di vita cubana di Parigi, paesaggi, momenti di vita quotidiana ecc.

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Obiettivo degli impressionisti è imprimere sulla tela gli effetti di luce che colpiscono l’occhio ancor prima che il cervello. A differenza dei pittori che seguono i dettami dell'Accademia, gli impressionisti realizzano le opere all’ aperto portando la tela sul posto e rappresentando con rapidità ciò che vedono.

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Questo periodo(l’impressionismo)coincide con il periodo della rivoluzione industriale. Con la nascita delle industrie si producono i “colori in tubetto” perché così, gli artisti, potevano dipingere anche all’aria aperta (en plein air) e non più solo in atelier. Gli impressionisti studiano il cambiamento del colore della luce riflessa sulle cose in base alle ore del giorno e alle stagioni, infatti certi artisti dipingevano più volte la stessa cosa in diverse ore del giorno. (es. La Cattedrale di Rouen, Monet).

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L’invenzione della fotografia influenza molto gli impressionisti perché anziché stare ore e ore a dipingere una persona o una qualsiasi altra cosa, potevano fotografarla per poi realizzare il dipinto dopo. Inoltre ai tempi si pensava che la bravura di un artista stava nella capacità di interpretare la realtà attraverso la propria sensibilità

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CARATTERI GENERALI