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février 2020

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février 2020

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février 2020

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Robert DOISNEAU Les petits pains de Picasso, 1952. Tirage argentique 

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Robert DOISNEAU Les petits pains de Picasso, 1952. Tirage argentique 

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Cette oeuvre est une peinture divisée en deux parties. La première partie est un travail au couteau et au cutter (grattage) représentant une personne neutre choisir entre 6 portes au couleurs de l'arc en ciel. La deuxième partie est lorsque l'on ouvre ses portes, on est face a différent drapeaux de la communauté LGBTQI+. J'ai voulu représenter quelque chose qu'on a tous vécu: la découverte de soi et de ce que l'on aime. Dans cette oeuvre, j'ai voulu faire une personne de tout type qui s'interroge sur sa personne et qui devra franchir l'une de ses portes, un jour et apprendre qui il est et ce qu'il aime

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Ce travail est une calligraphie dessinée réalisé seulement a partir d'encre de chine. Sur cette production, j'ai réalisé une femme dans un style japonais qui enlève son kimono. Sur cette production, j'ai voulu réaliser un aspect contrasté entre la femme qui se déshabille et son entourage. En effet, le kimono comporte des motifs de bambou qui correspondent parfaitement a l'environnement ou cette femme se déshabille. A partir de là, j'ai donné a cette production plastiques tout un aspect de mystère qui donne a tout type d'interprétations et questionnement (qui est cette femme? Pourquoi se déshabille-t-elle ? Ou sommes-nous? etc, etc...)

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Dans cette bande dessiné pour mon dossier, j'ai décidé de représenter la vie quotidienne d'une jeune adulte. Sur la première planche elle se lève, prend le metro, travaille, rentre chez elle, mange puis s'endore. Dans la 2e, elle se prépare a aller explorer des contrées lonitaines, combattre monstres et dragons pour decouvrir les plantes et potions le plus rares. En d'autres therme, je fais un contraste entre la vie quotidienne qui peut sembler redondante (noir et blanc au rêve dans lequelle on peut s'echapper (couleur ocre a marron)

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Pour sa première exposition au Portugal, l'artiste Philippe Parreno a investi la fondation Serralves dans un dialogue fructueux avec le bâtiment d'Álvaro Siza Vieira. Bulles irisées, stores animés, prises électriques en pousses folles et sapins de Noël givrés prennent d'assaut l'architecture rigoureuse du maître portugais à la plus grande curiosité des visiteurs.

Du 3 février au 7 mai 2017, la Fundação de Serralves-Museu de Arte Contemporânea à Porto a accueilli à l'initiative de sa directrice Suzanne Cotter une installation présentant de nombreuses œuvres du plasticien français depuis les années 1990. En référence au livre du philosophe Gilles Deleuze Différence et répétition (1968), chaque pièce est une récurrence de la précédente, dont elle se différencie par de subtiles variations colorimétriques, sonores ou spatiales, illustrant ce que Deleuze nommait :
la " répétition du différent ".
Artiste protéiforme, Philippe Parreno joue avec nos préjugés. Un musée n'est pas seulement un écrin statique et muet obligé de s'effacer pour mieux sublimer les œuvres présentées. Au contraire, il peut jouer sa partition dans l'orchestration artistique en cours. A Time Coloured Space s'organise sur le modèle mathématique de la fugue, entre répétition et contrepoint.

Pour cela, l'artiste investit les treize pièces du musée, qui révèlent, au gré de la progression des visiteurs, non pas tant les objets montrés que leur présentation, définie par la régularité et le rythme de leurs apparitions.

L'espace, ponctué d'événements, s'anime au fil de la visite. Les stores se lèvent et s'abaissent selon la partition de la Fugue n°24 en ré mineur de Dimitri Chostakovitch. Pulsations lumineuses et sonores se font écho de salle en salle. Les cimaises deviennent mobiles et s'émancipent de leur fonction de support pour devenir objet à part entière. How Can We Know the Dancer from the Dance (2012-2017) se compose ainsi d'un mur courbe qui trace des mouvements circulaires dans l'espace sous une plateforme suspendue dont les spots représentent les étoiles surplombant Porto.

L'exposition se fait automate, machinerie savante, dans un jeu de variables contrôlé par les algorithmes qui régissent les systèmes techniques du musée. Le passé, représenté par les œuvres produites au cours du temps, se mêle au futur, marqué par une exposition en permanence en train de s'écrire.

Le plafond n'est plus un élément technique qui doit s'effacer au profit des cimaises. Il accueille des ballons-bulles de bandes dessinées gonflés à l'hélium qui mettent en évidence le dispositif de " tables suspendues " et de verrières de régulation de la lumière des salles. Leur silence paradoxal se mue en puissant langage visuel. Oranges, rouges, violets, dorés, transparents, noirs, les Speech Bubbles (1997-), bien que vides de mots, s'agrègent pourtant dans un dialogue puissant avec Alvaro Siza.

Les prises électriques ne sont pas en reste. Les AC/DC Snakes (1995-2010) émaillent le plancher des salles d'exposition, révélant les dispositifs techniques habituellement dissimulés. En écho, le grésillement des blocs de sortie de secours et des appliques murales rendent la fée électricité non seulement palpable mais aussi sonore. Des panneaux monochromes aux teintes fluorescentes s'installent çà et là. Intitulés Fade to Black (2003-2013), ils contiennent les dessins phosphorescents d'œuvres non réalisées qui ne se livrent que dans l'obscurité la plus totale.
Pour les observer, il faut s'enfermer dans une salle et attendre le noir le plus complet, au nez des gardiens.
En contrepoint, la série Fireflies, aux murs de la plupart des salles d'exposition, donne à voir près de 200 dessins à l'encre représentant des lucioles, réalisés entre 2012 et 2016. Noir, électricité, lumière, son et silence investissent une architecture magnifiée par les événements qu'elle accueille.

De menus objets sont traités en œuvre à part entière - ventouses d'accroche de tableaux, caissons en plexiglas de présentation, prises précitées, dispositifs d'occultation - dans un renversement de nos attendus. C'est aussi le sujet de Fraught Times : For Eleven Months of the Year it's an Artwork and then December it's Christmas (2008-), qui présente des sapins de Noël en fonte d'aluminium surmontés d'étoiles variées. Érigés au statut d'œuvre d'art onze mois sur douze, ils reprennent leur fonction première d'objet décoratif au mois de décembre.

Furieusement décalée, précieusement ludique, la présentation demeure exigeante. Son principe se dérobe à un survol rapide. Il faut attendre, déambuler, revenir sur ses pas, discuter avec les gardiens pour voir lentement les œuvres apparaître et signifier. Et saisir l'intelligence de ce happening qui mêle la musique contemporaine, l'architecture, la philosophie, les mathématiques, les arts et leur rencontre.

Philippe Parreno : A Time Coloured Space, Serralves Museum of Contemporary Art, Fundação de Serralves, Porto, du 03 février 2017 au 07 mai 2017.

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La répétition du différent Parreno à Porto

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Pour sa première exposition au Portugal, l'artiste Philippe Parreno a investi la fondation Serralves dans un dialogue fructueux avec le bâtiment d'Álvaro Siza Vieira. Bulles irisées, stores animés, prises électriques en pousses folles et sapins de Noël givrés prennent d'assaut l'architecture rigoureuse du maître portugais à la plus grande curiosité des visiteurs.

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En dix ans, Pierre Huyghe s'est imposé dans le paysage artistique avec ses uvres cérébrales et limpides, ses remakes de films plus réels que leurs originaux, son art du doublage sonore, visuel ou social. Portrait d'un artiste intransigeant, promoteur d'une autre industrie culturelle.

" Je n'ai pas à être gentil avec le public. Je ne suis pas un amuseur." C'est froid, sec, implacable même et pourtant pas si dur. Un constat affirmé dans la douceur, sans énervement, lâché au coin d'un sourire presque angélique, d'une voix au timbre à peine métallique : Pierre Huyghe, 38 ans, séduit presque malgré lui. Visage fin portant un regard acéré qui supporte mal l'approximation et les détails inutiles.
" Ce qui est intéressant chez Pierre, explique Franck Scurti, artiste ami rencontré il y a près de dix ans, c'est qu'il n'a jamais été un jeune artiste. Il a toujours eu un côté réflexif." Un artiste qui aurait échappé à ses péchés de jeunesse, se méfiant des engouements et des effets de mode autant que de l'explosion juvénile de certains de ses comparses. Sans jamais se départir d'une intransigeance aux accents douloureux, qui lui a pris du temps, soucieux qu'il était de ne pas ajouter d'images illégitimes à un univers depuis longtemps visuellement saturé.

Ainsi en va-t-il de Pierre Huyghe, l'un des plus brillants représentants de sa génération, artiste économe et limpide. Depuis plus de dix ans qu'il a abandonné la peinture (qu'il pratiquait alors au sein du groupe Frères Ripoulin, aux côtés notamment de Claude Closky ou Nina Childress), Pierre Huyghe pratique avec d'autres médiums, la vidéo ou la photo, un certain art du geste : faire le remake de Fenêtre sur cour ou de Uccellacci e uccellini, proposer aux habitants de Dijon une autre forme de télévision locale (Mobile TV, 1997).

Il ne s'agit pas tant de produire des images que de renverser leurs conditions de production, que d'explorer les dessous du spectacle, histoire de rappeler que dans le monde enchanté de la culture du divertissement, il existe malgré tout des rapports d'exploitation. Il y a ainsi chez Pierre Huyghe autant de dureté que d'humanité, et ce paradoxe en plus : un artiste épris de réel, de réalité sociale, d'histoires vraies, et pourtant allergique à l'anecdote, au détail futile, au souvenir dérisoire.

Avare en confidences biographiques, Huyghe avouera tout juste être né non loin d'Antony, banlieue parisienne pavillonnaire. Un entre-deux social, entre l'arrogance aisée de la ville et le malheur des cités. A l'heure de notre rencontre, à l'orée du mois de juin, il est en pleine réflexion sur les cités, " leur fonction dans l'imaginaire social et la mémoire collective", à quelques semaines de la destruction d'une barre emblématique de La Courneuve, en Seine-Saint-Denis. Il projette alors de la filmer pour garder une trace de ce bâtiment-ghetto voué à la disparition, " parce que la mémoire collective est faite de la somme de points de vue subjectifs".

L'explosion devait avoir lieu la veille d'un vernissage au musée d'Art moderne de la Ville de Paris. D'où l'idée d'une uvre éphémère : un plan fixe de la barre, projeté tel quel sur un mur du musée, qui s'interromprait dès le lendemain, au moment de la disparition du bâtiment. L'image comme rappel, comme signature sociale, en écho aux souffrances collectives qu'elle convoque. Mais l'ouverture de l'exposition en question fut retardée et le projet de l' uvre disparut. Reste la conscience politique de l'artiste, exprimée en des termes convaincus et non idéologiques : " Cette imagerie sociale, j'ai essayé de la faire émerger de la fiction. Ou plutôt de tirer la fiction jusqu'à ce qu'elle m arrête sur cette imagerie sociale. Je pense que le réel et l'imaginaire ont quelque chose à voir."

En 1994, une vidéo montrait l'artiste entrant dans un magasin d'électroménager, un sac plastique à la main. On le voit déambuler un temps dans le supermarché, puis sortir un objet du sac plastique, le déposer dans les rayons parmi d'autres objets offerts à la vente, et quitter le magasin : entrecoupée de scènes de recyclage industriel, la vidéo intitulée Dévoler prend à rebours l'une des scènes récurrentes du cinéma américain (l'attaque du drugstore), racontant une étrange restitution. Mais il propose avant tout une autre économie ? écho ironique aux propos de Balladur, qui demandait aux Français de reprendre confiance en la consommation.

Figure haute du post-cinéma et héritier du Nouveau Roman, Pierre Huyghe a l'art des fictions à double tranchant, des narrations qui dénoncent leurs modes de fonctionnement tout en racontant une histoire. Une façon d'alerter le public sur ce qu'on lui donne à voir et à consommer, dans les salles de cinéma et sur les plateaux de télévision, en lui faisant prendre conscience de la machinerie déployée pour le séduire. Et tout en faisant uvre d'art, inventer au passage une formulation esthétique de ces questionnements, offrir une mise en images radicale qui n'exclut pas la poésie, sans lyrisme béat.

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En dix ans, Pierre Huyghe s’est imposé dans le paysage artistique avec ses uvres cérébrales et limpides, ses remakes de films plus réels que leurs originaux, son art du doublage sonore, visuel ou social. Portrait d’un artiste intransigeant, promoteur d’une autre industrie culturelle.

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Le Centre Pompidou consacre une exposition sans précédent aux liens des arts visuels et de la danse, depuis les années 1900 jusqu'à aujourd'hui. Danser sa vie montre comment ils ont allumé l'étincelle de la modernité pour nourrir les courants majeurs et les figures qui ont écrit l'histoire de l'art moderne et contemporain. Sur plus de deux mille mètres carrés, l'exposition montre l'intérêt commun de l'art et de la danse pour le corps en mouvement ; elle illustre son propos par les oeuvres de figures artistiques du 20e siècle, des mouvements fondateurs de la modernité, ainsi que par les recherches des artistes et danseurs contemporains. Toutes les disciplines des arts plastiques - y compris

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Le Centre Pompidou consacre une exposition sans précédent aux liens des arts visuels et de la danse, depuis les années 1900 jusqu'à aujourd'hui. Danser sa vie montre comment ils ont allumé l'étincelle de la modernité pour nourrir les courants majeurs et les figures qui ont écrit l'histoire de l'art moderne et contemporain.

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La création n'est rien sans son créateur. Et le créateur n'est rien sans sa créativité;la créativité peut être définit comme de l'inspiration, le créateur comme artiste, et la création comme l'oeuvre.La question de la représentation de l'oeuvre, peut donc, aller au-delas de la vision de celui qui regard l'oeuvre, mais aussi, les choix de l'artiste à mettre son inspiration au public.
Mon idée est de pas seulement avoir une vue intérieur (de l'artiste) mais aussi une vue extérieur (du spectateur); celui qui crée à partir d'une idée et qui met en oeuvre cette idée ou cette inspiration, qui fait l'action, et celui qui la regard et qui cherche à comprendre le but ou la pensée de l'artiste.

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Merveille du cinéma expérimental et œuvre pionnière des avant-gardes, Ballet mécanique, réalisé en 1924, est un chef-d'œuvre d'abstraction formelle. Son histoire est d'abord celle d'une rencontre entre diverses personnalités : deux Français - le peintre Fernand Léger et le producteur André Charlot -, et quatre Américains - le jeune réalisateur de cinéma Dudley Murphy, le photographe Man Ray (qui quittera le projet après avoir tourné quelques images), le compositeur George Antheil (qui écrivit sa partition sans voir le film) et le poète Ezra Pound (qui mit tout ce beau monde en relation et trouva des financements).

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L'hypnotique " Ballet mécanique " de Fernand Léger

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Merveille du cinéma expérimental et œuvre pionnière des avant-gardes, Ballet mécanique, réalisé en 1924, est un chef-d'œuvre d'abstraction formelle.

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Vidéos

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A l'automne 2010, la Villa des Tourelles, alors centre d'art de Nanterre consacrait une exposition monographique intitulée "Savoir faire" au travail d'Ali Kazma, artiste turc né en 1971 dont l'expression plastique privilégie la photographie et la vidéo. Avec "Souterrain", le Jeu de Paume lui offre sa première rétrospective française en réunissant une vingtaine de films qui permettent au visiteur d'observer l'évolution de son œuvre sur les dix dernières années. Diplômé de la New School de New York à la fin des années 1990, Ali Kazma retourne en Turquie et s'installe à Istanbul en 2000. Depuis, il arpente le monde pour observer l'intervention de l'homme sur son propre environnement, qu'il le maitrise ou le transforme, afin de mieux en interroger le sens. Ainsi, son travail aborde des questions essentielles sur l'entendement de l'activité humaine, de la production, de l'économie ou encore de l'organisation sociale.

Cinéaste de formation, Ali Kazma choisit de se consacrer à la création plastique, conservant néanmoins son langage cinématographique pour filmer des métiers, ou plutôt l'action des hommes ayant court dans les domaines économique, industriel, scientifique, médical, social et artistique. En prenant soin d'éviter toute approche idéologique de la notion de travail, il autonomise la mise en forme du documentaire d'exposition à une époque, la fin des années 1990, où une partie de la création artistique fait le choix du retour au réel après une décennie marquée par le postmodernisme. Chacune des vidéos montre une activité qui compose l'existence humaine. Mises bout à bout, elles forment une étude des changements de notre monde, un inventaire qui enregistre les évolutions de nos sociétés rythmées par le passage du temps. Cette somme ainsi rassemblée permet de mieux comprendre l'impact de l'homme sur son environnement. Définie par un discours esthétique neutre qui évite toute forme de pathos, le travail plastique d'Ali Kazma accuse une forme picturale qui le renvoie assurément du côté de la peinture.

Archiver la condition des hommes

Le parcours débute avec "Clock master" (2006) qui décrit le travail d'un artisan-horloger d'Istanbul. Filmé en très gros plan, il s'affaire à restaurer une horloge ancienne. Les sons de l'atelier, enregistrés en prise directe, constituent la seule source sonore du film dont le propos est le passage du temps incarné par l'horloge, son instrument de mesure par excellence.

"Clerk" (2011) poursuit l'exploration des lieux et des gestes du travail. Ici un clerc de notaire transforme l'acte banal et répétitif de tamponner des documents en une performance chorégraphique. L'extrême rapidité de la répétition répond à une concentration intense qui se confond avec une forme de transe.

Plus loin, "Taxidermist" montre comment la peau animale est traitée puis conservée afin que l'animal soit empaillé dans un but de conservation. "Tatoo" suit un jeune homme dont le corps est dévolu à l'art du tatouage et la peau disparait au fur et à mesure que l'encre la recouvre. "Anatomy" suit la leçon que reçoivent autour d'un cadavre des étudiants en médecine. Les murs du Jeu de Paume deviennent pour l'occasion des écrans de projection, les véritables réceptacles de ces propositions filmiques qui donnent la sensation d'être happé par chacune d'entre elles. Cette impressionnante forme immersive renvoie constamment à la peinture, accentuée par le travail effectué sur le son, elle produit alors un impact visuel extrêmement fort auquel ne peut se soustraire le visiteur.

En réunissant ces films pour donner à voir une œuvre somme, le Jeu de Paume rend compte du travail singulier que développe Ali Kazma. Enregistrant l'intervention des hommes sur leur environnement à l'aune du temps qui passe, elle s'affirme comme l'un des témoins privilégiés de notre monde et compose la mémoire d'une condition humaine en perpétuel devenir.

Ali Kazma, "Souterrain" - Jusqu'au au 21 janvier 2018
Du mardi au dimanche, de 11h à 19h, nocturne le mardi jusqu'à 21h.

Jeu de Paume
1 Place de la Concorde
75001 Paris

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Ali Kazma, la condition humaine au Jeu de Paume

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A l'aide du médium vidéo, Ali Kazma montre l'habilité des hommes à transformer le monde. Il documente les lieux de ces interventions en cours ou témoignant d'une action passée dans ses films. Rassemblés au Jeu de Paume sous le titre de "Souterrain", ils donnent à voir une oeuvre qui, à la manière d'une archive, enregistre la condition humaine.

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En trouvant ce fac similé des Joueurs de cartes  de Paul Cézanne dans un paquet d'autre reproduction j'ai pensé a exploité cette aspect de flou entre le vrai et le faux grâce a la photo et surtout de travailler la présentation de l'oeuvre dans un espace qui peut sembler complètement éloigner de ce tableau. Opposé un "tableau" de Cézanne ( datant du 19 eme) et un mur contemporain présente un contraste plutôt intéressant. J'ai d'ailleurs voulu accentuer ce contraste en fabriquant un cadre chargé avec des motif floraux en bande de plâtre et une couche de brillant, ce cadre aurait pu faire référence au cadre des musée (du Louvre) qui permet d'ailleurs de mieux arroser la lumière sur la toile. Le procédé n'a pas répondu a mes attentes initiale car les motifs en plâtre n'ont pas tenu et le brillant ne recouvrait pas toute la surface du cadre, pourtant il a alors transmit un autre message que j'ai exploité. Aussi les motif de la toile et ceux du mur sont complètement différent d'un point de vu coloré et picturale, pourtant on peut retrouver de similitude dans ces même motif ( du mur et de la toile) et même dans la composition. Comme par exemple les deux  lavabos et les deux personnage. Tous ces caractéristique font que l'oeuvre sors de son cadre initiale d'ou le titre. Premièrement d'un point vu picturale avec les formes du mur qui, avec les formes de la toile, transmet un autre message qui celui que le tableau transmet dans la cadre neutre. Aussi matériellement la cadre en plâtre a moitié détruit file la métaphore de la sortie de cadre. Et pour finir symboliquement le cadre conventionnelle en est brisé, si on oublie la vrai nature de l'image des joueurs de carte on a devant nous un tableau qui appartient maintenant au prince du Quatar qui est présenté dans une broussaille de motif "inconditionnelle". La présence de pinceaux et de matériel d'art entasser proche de l'image, sa place au dessus du lavabo, la présence d'autre image (peinture, photo) ramène aussi l'oeuvre au point de départ ; L'atelier. L'insolence de l'endroit fait aussi appelé a l'insolence de Cézanne qui lui aussi peignait or des cadres conventionnelle, or des cadres.

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Cette oeuvre est un mélange à la fois de matériaux, de techniques mais aussi de couleurs. Cependant ce qui relie tous les éléments de cette composition, son fil conducteur, est le corps. Qu'il soit travaillé sous forme de modelages, de dessins en fusain ou en pastels, ou encore sous forme de collages ayant pour sujet des sculptures reconnues, il en reste toujours le sujet. J'ai aussi proposé un mélange d'échelles : certains des personnages sont petits tandis que d'autres sont gigantesques, comme le suggèrent les mains au centre, nous laissant imaginer un personnage hors-champs. L'idée du hors-champs est d'ailleurs très présente dans cette oeuvre, prolongeant cet effet d'attirance des personnages pour le corps du milieu. J'ai donc recherché à proposer une mixité entre reliefs et aplatissement en proposant personnages modelés et dessinés(ou même collés). Ils entrent tous dans mon oeuvre, comme animés, et se projettent vers la couleur et la lumière.
Un changement inattendu de l'oeuvre s'est opéré lorsqu'en la ramenant chez moi, je l'ai découverte fragmentée(les personnages modelés étaient cassés en plusieurs morceaux). Une idée m'est subitement venue : je pouvais modeler de nouveaux personnages et les ajouter à l'oeuvre. Ensuite, je me suis dit que je pouvais montrer le chemin de l'oeuvre en constituant une sorte de dossier montrant l'avant et l'après de l'accident.
Je vais aussi recoller les membres disloqués pour faire ressortir à la fois l'histoire de l'oeuvre, mais aussi pour faire ressortir cet effet d'explosion ou d'éblouissement de lumière.

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Décalcomanie, grattage

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Frottages

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Empreinte

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Décalcomanie, grattage, association

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Dessiner à l'aveugle

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J'ai réalisé une maquette représentant un paysage féerique, idyllique qui pourrait faire penser à un décor de dessin animé. Elle mêle plusieurs techniques : peinture, collage, modelage, assemblage d'objets manufacturés... le pont et les troncs sont en carton, les barrières du pont sont réalisées avec des pinces a linge et les animaux ainsi que les pommes dans les arbres sont modelés. Pour le feuillage des arbres , j'ai utilisé du papier craft que j'ai mis en boule.

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pour ce travail nous devions

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Cette œuvre est très simple. J'ai juste représenté les sentiments que que ressentais à ce moment : de l'hypocrisie. J'ai don fait un collage de personnes souriant en bas de ma planche de mousse noire, découpant ces personnages entourés d'une marge pour mieux les faire ressortir, puis j'ai rayé d'un trait leurs yeux, montrant alors leur masque souriant, hypocrite. J'ai ensuite creusé une tête de mort dans la mousse au centre de ma planche afin de montrer que ce masque se trouvera sur leur visage jusqu'à leur mort puis ai fait des aplats de couleur orange (un mélange de sable, de colle et de pigmets de couleur.)

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J'ai peint ce tableau sur une toile déjà utiliser qui représentais un visage blanc très stylisé qui avait une expression se rapprochant du " cri ". Sur la toile on peut encore le dissimuler, toute la partie rouge en bas de la toile, c'est son buste. On peut ensuite chercher en haut de se buste la tête entièrement blanche. Je l'ai d'abord recouvert s'un personnage surréaliste avec des épais trait et une peau presque entièrement verte ( ormi la partie blanche qui fait apparaitre le visage de l'autre personnage). J'ai aussi accentué le buste du premier personnage avec un rouge un peu bordeaux. Les deux personnage se complete, il partage le meme oeil droit. J'i ensuite travaillé le fond avec de la pastel grise et bleu avec un coup de main unisens qui créé un mouvement de gauche vers la droite de haut vers le bas ( en haut de la toile). Le collage ainsi que l'aspect polyphonique des écriture viennent pour accentué cet unique mouvement du tableau. l'aspect aléatoire des écritures s'on elle pas le meme sens de mouvement mais elle n'y sons pas forcer. Il y a un contraste entre le double-personnage statique et le mouvement du second plan. Pour le sens morale, ce tableau est sensé représenté l'angoisse du corps dans un mouvement violent, quelqu'en sois la nature, ici c'est la guerre et la mort.

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j'ai fais mon travail sur deux support differents. Sur mon premier travail j'ai choisi de representer le mot art de maniere d'abord en decoupant le A dans du carton, je l'ai ensuite peint en jaune. Jai ensuite fait le R en decoupant la forme dans un tissu jaune, et pour le T je l'ai dessiner sous forme de graffiti en reprenant la couleur jaune. J'ai ensuite collé le tout sur une feuille cartonné blanche.
Pour mon deuxieme travail j'ai decider de faire l'inverse, jai donc collé trois papiers jaunes differents. Puis j'ai ensuite decouper le diminutif de plastique ("PLA"), le tout sur un support blanc aussi.

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Lors de mon croquis j’avais pour projet de faire quelque chose: en noir et blanc, de manière négatifs, avec une "fausse" perspective et du relief. Je me suis inspiré alors d'un plan dans le générique de l'anime : Jojo's bizarre adventure : Diamond is unbreakable où l'on voit un personnage debout reflétant une ombre de femme avec un arrière plan psychédélique. J'ai repris tous ces éléments puis je les ai croisé avec mes idée. J'ai fait alors: une silhouette masculine (noir au contour blanc), une ombre a silhouette féminine blanche(en relief fait au pistolet à colle)et un arrière plan de manière psychédélique (toujours en noir et blanc mais avec un principe de "fausse" perspective)

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les formes triangulaires de couleurs vives en fond(rouge, jaune et bleu)rappellent les couleurs du cirque (référence à Mathis), qui donne de la vivacité et du caractère à l'oeuvre. La superposition des cercles noirs qui donne du mouvement rappelle la superposition des rythmes et des différents instruments de ma musique. Certains sont entourés de rayons rouges/roses qui vont faire ressortir ces 4 cercles, ils correspondent en quelque sorte à la mélodie principale de ma composition musicale.

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Pour ce travail j'ai décidée de prendre comme support un fond bleu clair (rapport à mon son qui est calme et doux). J'ai ensuite représenté en noir, des formes de corps dansants, j'ai découpé des étoiles dans mon support, et j'en ai collées d'autres en papier jaune (rapport à l'oeuvre de Mathis). J'ai ensuite peint des mots sonores ainsi que des notes de musique en blanc et noir (rapport à Basquiat).

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J'ai représenté le jazz en mettant des notes de musique et les formes sont assez géométriques. J'ai mélangé le style de Basquiat (tête de mort) et de Matisse (fond). J'ai utilisé des couleurs pastels pour le fond et de la peinture acrylique pour le visage en mélangeant du bleu, du rouge, du blanc et du noir. Pour la musique, j'ai décidé de mettre comme instrument principal: le saxophone pour rappeler le jazz. Je l'ai mélangé avec des sonorités qui sont présentes dans les musiques de maintenant.

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Le lien avec Matisse:
C'est la représentation des corps de façon très stylisée (presque comme des ombres) et l'utilisation de couleurs très claires et très vives, souvent utilisées par Matisse. L'utilisation de couleurs vives en contraste avec des couleurs très sombres donne une impression de collage et casse toutes formes de perspective. Les corps flottent dans l'espace, l'espace n'est pas très bien défini et cela renforce l'impression de mouvement.
Le lien avec Basquiat :
L'utilisation des mots qui donne un aspect polyphonique à l'oeuvre et donc musicale, cette technique d'utilisation des mots pour l'aspect musical est une technique beaucoup utilisée par JM Basquiat.
Le modèle noir :
Ici, le modèle noir n'est pas représenté de façon objective dans sa relation au réel. La couleur "noire" en elle même n'est pas beaucoup utilisée, que pour les contours. Le modèle noir est représenté par l'utilisation de couleurs plurielles.

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En mettant un lien avec le travail de Matisse et de Basquiat par rapport au rythme du jazz, j'ai fait une silhouette noire dansante qui rappelle les figures de Matisse.
Pour ressentir le côté rythme et musique j'ai entouré ma figure dans une portée de syncopes car l'équilibre et le déséquilibre des figures de Matisse renvoient beaucoup à la syncope (rythme beaucoup utilisé dans le jazz). Pour accompagner mon travail, j'ai reproduit plusieurs sons utilisés dans le domaine de l'ASMR (tapotement, froissement de feuille, bruit de bouche...) que j'ai mixés et accompagnés d'une petite mélodie.

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Pour représenter le jazz et les modèles noires j'ai choisi de suivre ma tête et de m'inspirer uniquement des deux artistes présentés et pas de ceux de ma culture personnelle. Dans la forme je me suis beaucoup inspiré de Basquiat qui fait des tableaux bordéliques, je me suis beaucoup inspiré de lui pour le personnage qui forme le J du Jazz et les écritures présentes dans mon tableau. Mon inspiration de Matisse vient de son rapport à la danse, j'ai donc décidé avec mes mouvements de pinceaux et des dégoulinures que j'ai cherché à faire dansantes et entrainantes. J'ai choisi de prendre du rouge comme seule couleur car j'ai cherché à représenter la douleur des peuples noirs au fil des siècles : c'est une histoire qui ma marqué et fait frissonner en voyant la méchanceté de l'être humain.

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Cette composition pour dire cela rapidement, sert essentiellement à rendre vivante l’œuvre sur papier. Les deux se complètent et l'une ne va pas sans l'autre. Elle sert aussi à montrer que mon travail ne représente pas la musique en général, mais une simple et calme musique de jazz.

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Comment faire ressortir l'aspect du modèle noir dans mon œuvre ? C'est la première question que je me suis posé lorsque j'ai commencé mon travail et j'ai directement pensé à faire ressortir cette couleur par son contraire : le blanc. En effet, quoi de mieux pour insister sur une couleur que de créer un contraste avec celle-ci. J'ai ensuite pensé jazz. J'ai immédiatement eu une mélodie qui s'est mise à se jouer dans ma tête. Elle était ronde, souple et répétitive. J'ai donc commencé par peindre une guitare blanche au feeling, sans croquis au préalable, et je peignais comme je le sentais, au fur-et-à-mesure. Une guitare, et pas un autre instrument car celle-ci a des formes anguleuses, comme une silhouette...peut-être celle du musicien qui en joue, dans ce cas, musicien et instrument ne feraient plus qu'un. Ensuite j'ai pensé à la répétition de la musique et j'ai peint des cercles blancs dans lesquels j'ai disposé de la peinture noire et sèche (pour donner du relief et faire encore une fois ressortir la couleur noire). L'idée m'est ensuite venue : certes, le fait de faire plusieurs cercles donne une impression de répétition, mais où la musique est-elle dans mon travail ? Je peux faire des cercles enveloppant les premiers comme si c'était des résonances...
La musique envahit alors la feuille. Pour les cordes en forme de cardiographes, j'y ai pensé car on joue de la musique à la fois en se basant sur un rythme répétitif comme celui de notre cœur, mais on joue aussi avec celui-ci, en ressentant nos émotions. Certaines des cordes sont cassées car pour créer une bonne musique il y a pleins d'essais ratés, et sans cela une musique ne nous transporterais pas. Cela montre l'histoire de la musique selon moi.
Enfin, pour créer un lien entre Matisse, Basquiat et mon travail, je peut vous dire que j'ai repensé à la représentation du modèle noir de Basquiat, et que celui-ci peint les hommes noirs littéralement en noire d'où mon choix de ne pas nuancer le noir et le blanc de mon œuvre avec des couleurs ; quant à Matisse, je trouve que ses œuvres sont simples mais puissantes, la raison de la simplicité de mon travail, ainsi que du fort contraste qui est ici présent.

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Chaga

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très proche, proche, moins proche de ma reference

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très proche, proche, moins proche de ma reference

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j'ai voulu pour ce travail en partant d'une estampe japonaise faire un travail premierement un grand format a l'encre bleue tres proche de l'estampe de depart, puis un tout petit format a l'aquarelle, au feutre et a l'acrylique moins proche de l'oeuvre de départ avec quelque element en moins et sur un tout petit format en plastique et la derniere oeuvre moins proche en gros format avec

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très proche, proche, moins proche de ma référence

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très proche, proche, moins proche de ma référence

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1er travail: j'ai voulu représenter le 'très proche' en gardant comme couleurs, le rouge et le bleu en utilisant comme technique, la peinture et le pastel. j'ai donc représenté de manière évidente le 'bébé'
2ème travail : cette fois-ci j'ai juste gardé le bleu et le noir en utilisant seulement des marqueurs. j'ai représenté toujours de manière évidente le 'bébé' en dessinant des motifs à l'intérieur ainsi qu'à l'extérieur
3ème travail : pour ce dernier travail j'ai utilisé une Barbie, en la peignant de couleur totalement différente de ma référence, j'ai remplacé la tête par une boule rouge afin de garder une touche de couleur en rapport avec ma référence, j'ai ensuite disposé la Barbie dans la même position que le 'bébé'

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Che Guevara - Andy Warhol

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Pour ce travail qui consistait a prendre une oeuvre et la décliner en plusieurs travaux de références (une très référencés, une moins référencés et une dernière suffisamment proche pour qu'on reconnait l'oeuvre travaillé), j'ai pris le logo de la marque de Karl Lagerfeld.
Pour le premier travail qui se rapproche de l'oeuvre est travail a l'ombre chinoise ou j'ai détouré a l'encre de chine le contour du Logo.
Pour le travail qui est suffisamment proche du Logo, j'ai fait n croquis du contour du logo puis j'ai collé plusieurs image que j'ai trouvé dans des magasine.
Pour ce qui est du dernier travaux (celui qui est moins proche du logo), j'ai changer de point de vue en mettant le visage du logo de 3/4 et passant les contours au pastel que j'ai préalablement passer sur mon doigt pour flouter un maximum l'oeuvre de sorte a ce que l'on reconnaisse a moitié.