# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Erzälperspektiven

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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# data[].attributes.attachment_link.description
Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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# data[].attributes.attachment_link.description
Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

# data[].attributes.attachment_link.description
Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

# data[].attributes.attachment_link.description
Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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# data[].attributes.attachment_link.description
Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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# data[].attributes.attachment_link.description
Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Für Frau Scharnberg: es hat über den Laptop meines Bruders funktioniert.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

# data[].attributes.attachment_link.description
Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

# data[].attributes.attachment_link.description
Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Erzählperspektiven

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).

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Film vor dem Film

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Filmgenre

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Genre

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Erstelle immer den Titel zur Aufgabe, z.B.

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Erstelle immer den Titel zur Aufgabe, z.B.

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Motive und Symbole

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Die Reihenfolge der Aufgaben ist frei wählbar

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Die Reihenfolge der Aufgaben ist frei wählbar

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films?

Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes. Diese Anfänge sind meistens, aber nicht notwendigerweise, identisch mit der Exposition (lat. expositio = Darlegung, Darstellung), einem wichtigen Bestandteil der filmischen Dramaturgie. Die Exposition führt in Genre und Grundstimmung ein, sie schildert Ort und Zeit der Handlung und stellt die Hauptfiguren vor. Sie führt außerdem in die Handlung beziehungsweise den Konflikt ein und gibt unter Umständen schon erste Hinweise auf den Ausgang der Handlung. Auch zentrale Themen und Motive eines Werks werden - manchmal in Form von Symbolen - in der Exposition eingeführt. Die Grundstimmung des Films wird oft auch durch die Musik vermittelt.

Die gängigste Form ist die deduktive Exposition, die aus der Distanz an das Geschehen heranführt (zum Beispiel: Stadt, Haus, Protagonist/in) und klassischerweise mit einer Einführungseinstellung beginnt. Die induktive Exposition beginnt in der Nahbetrachtung von Figuren oder Ereignissen und vermittelt allgemeine Informationen erst später.

Basistext Symbole und Motive

1. Sehen Sie sich den Filmanfang an und achten Sie besonders auf Symbole und Elemente, die sich durch Wiederholung zu Motiven entwickeln (könnten).

2. Generieren Sie Standbilder, indem Sie auf das Kamera-Icon im Video tippen. Mit dem Lasso-Werkzeug können Sie wesentliche Bildelemente (Symbole und Motive) ausschneiden.

3. Beschreiben Sie in Notizkärtchen kurz, welches Symbol oder Motiv Sie erkannt haben. Zusammenhängende Elemente können Sie mit dem Kreiswerkzeug zusammenfassen.

Recherchieren Sie die mögliche Bedeutung der Symbole und Motive, die Sie herausgearbeitet haben, und deuten Sie diese im Kontext Ihrer Erwartungshaltung an den Film. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Symbolen und Motiven aufbaut, in Beziehung zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films setzen.

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LOLA RENNT - Alles auf Anfang - Symbole und Motive

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Jeder Film hat einen Anfang, so auch Lola rennt. Doch was hat es mit dem Anfang eines Films auf sich, was ist das Besondere an diesem Teil eines Films? Filmanfänge gehören wie die Anfänge von Romanen oder Theaterstücken zu den dichtesten Teilen des gesamten Werkes.

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Genre

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang? Unsere Erwartungen werden durch unsere Kenntnis anderer Filme und ihrer Einordnung in Gruppen ( Genres) mitbestimmt.

Basistext Filmgenre

Spielfilme werden auf der Grundlage gemeinsamer Merkmale in Filmgenres unterteilt. Diese Merkmale können sich auf den Handlungszeitraum oder -ort, auf die Grundstimmung oder Erzählform beziehen. Genrezuordnungen sind nicht starr und unterliegen dem historischen Wandel. In erster Linie sind Filmgenrebezeichnungen wie Drama, Komödie, Kriminal-, Abenteuer- oder Animationsfilm Verständigungsbegriffe, die den Zuschauern wie auch den Filmproduzenten die Kommunikation über Filme erleichtern, Erzähl- und Darstellungsformen standardisieren und Erwartungshaltungen generieren. Viele Filme beziehen ihren Reiz aus der Kombination verschiedener Genremerkmale und wirken dadurch interessanter.

1. Sehen Sie sich den Filmanfang von Lola rennt an. Wenn Sie sich für ein Genre entscheiden müssten, in welches würden Sie Lola rennt am ehesten einordnen? Ergänzen Sie den folgenden Satz:

2. Sehen Sie sich den Filmanfang erneut an und generieren Sie Standbilder von Elementen, die auf ein Genre schließen lassen. Um Standbilder zu generieren, tippen Sie auf das Kamera-Icon im Video. Über der Arbeitsfläche finden Sie Symbole für verschiedene Genres. Ordnen Sie Ihren Standbildern ein passendes Symbol zu.

3. Welche Genre-Elemente treffen mehr, welche weniger zu? Verändern Sie die Größe der Symbole, um den Einfluss des Genres auf den Film zu kennzeichen. Große Symbole bedeuten starken Einfluss, kleine Symbole stehen für geringen Einfluss.

Deuten Sie ihre Ergebnisse aus den Aufgaben 1 b. und 1 c. und erläutern Sie, wie sich die Erwartungshaltung an den gesamten Film aus den Genrebezügen ergibt. Sollten Sie den ganzen Film schon gesehen haben, können Sie die Erwartungshaltung, die der Filmanfang mithilfe von Genrebezügen aufbaut, in Beziehung setzen zu dem weiteren Verlauf und der Gesamtstruktur des Films.

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Literatur- und Sportzitate in weißer Schrift auf schwarzem Grund, gewaltige Uhren ticken, Pendel schwingen, Menschen tauchen schemenhaft aus der Masse auf, ein Ball wird in den Himmel geschossen und dann auf einmal eine Zeichentricksequenz - was ist das für ein Film? Oder was erwarten wir von diesem Film nach einem solchen turbulenten Anfang?

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Traileranalyse

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.]

Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten. Das mussten wir selbst vor dem Schnitt des Films machen, damit der Film irgendwie eine Chance hatte, verkauft zu werden. Deshalb haben wir beim Gucken die ganze Zeit diese kleinen Ausschnitte zur Seite gelegt und den Teaser zuallererst geschnitten. Und - wahrscheinlich instinktiv - haben wir sehr ästhetische Momente genommen, nicht so sehr handlungsbezogene, sondern Momente wie Kamerabewegungen oder Kopfdrehen, oder Momente, die fast eine abstrakte ästhetische Qualität haben. Das haben wir alles zusammengeschnitten und einen ganz kurzen Teaser gemacht, der voller Energie und Dringlichkeit war, mit sehr schnellen Schnitten versehen. Selbst die Namen der Darsteller blitzten über die Köpfe: man sah drei Frames lang den Kopf, dann drei Frames lang den Namen etc.

Die Energie dieses Teasers wurde unsere Inspiration für den Schnitt des Filmes, weil wir verstanden haben, als er fertig war, dass er im Grunde genau die Essenz des Filmes zum Ausdruck gebracht hatte: dass der Film nicht so sehr - wie die meisten Filme - ein psychologischer Film ist, oder ein handlungsgetriebener Film, bei dem es einen Anfang, eine Mitte und ein Ende gibt, sondern dass die Handlung in dem Fall eigentlich fast eine Nebensache ist, und dass das worum es wirklich geht, ein Gefühl ist. Und dieses Gefühl ist das der Dringlichkeit der Liebe. Diese Dringlichkeit mussten wir also, als Hauptdarsteller sozusagen, in den Vordergrund bringen. Das haben wir natürlich mit Tempo getan und im Schnitt extrem auf das Gaspedal gedrückt. Mit Hilfe dieses Teasers, der die ganze Zeit in unseren Köpfen blieb, den wir immer wieder angeguckt haben, hat sich unsere Matrix für den Film entwickelt. Dadurch haben wir die Seele des Films gefunden.

Quelle und vollständiges Interview als PDF: vierundzwanzig.de,
Video-Interview auf vierundzwanzig.de

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Was war das für ein Gefühl? Kann man das beschreiben? [Anmerkung: Gefühl, das während der Sichtung des Rohmaterials entstand, welches zum Gefühl für den späteren fertigen Film führte.] Bonnefoy: Wir haben auch noch etwas gemacht, was sehr hilfreich wurde: Wir mussten uns in der Zeit, in der wir das Material gesichtet haben, kleine Ausschnitte vormerken - für einen Teaser, den wir schneiden sollten.

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Erzählperspektiven

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera). Dadurch hat der Zuschauer den Eindruck, dass ein auktorialer, allwissender Erzähler das Geschehen vermittelt. Auf der anderen Seite wird in vielen Einstellungen der Eindruck vermittelt, das Gezeigte werde von einer Filmfigur gesehen. Der Zuschauer nimmt in diesem Fall die Dinge aus der Sicht dieser Figur wahr. Die Einstellung, die die subjektive Sicht einer Filmfigur vermittelt, nennt man entsprechend subjektive Sicht und in der englischen Fachsprache Point of View Shot (abgekürzt POV). Meistens geht einer POV-Einstellung eine sogenannte Blickeinstellung (engl. gaze shot) voraus, die eine Person zeigt, die etwas oder jemanden anschaut (engl. to gaze), das oder der sich außerhalb des Bildes befindet. Nach einem Schnitt folgt dann meist die POV-Einstellung. Die filmische Montagepraxis, die das Ziel hat, die einem Blick oder einer Blickrichtung innewohnende Logik über einen Schnitt hinaus zu gewährleisten, nennt man Blickachsenanschluss.

Exkurs: Schaut man allerdings genauer hin, ist diese zunächst ganz einfache Unterscheidung von subjektivem und auktorialen Erzählen nicht aufrechtzuerhalten.
Von dem rein physischen Point of View, der nur die eine oberflächliche interne Wahrnehmung einer Filmfigur vermittelt, ist nämlich die echte interne Perspektive zu unterscheiden. Gemeint ist damit die Visualisierung der Gedanken und Gefühle einer Figur in einer Einstellung. Eine solche Einstellung wird als Mindscreen bezeichnet. So können in einer Einstellung reale mit imaginären Elementen, Objektives mit Subjektivem verschmelzen. Beispielsweise kann in einem Film eine Figur von außen gezeigt werden, was vordergründig den Eindruck erweckt, hier werde auktorial erzählt (Objektivität). Die Einstellung ist vom Regisseur jedoch so gestaltet worden (vgl. Mise-en-Scène), dass sie zugleich auch die innere Gefühls- und Gedankenwelt der Figur widerspiegelt (Subjektivität). Eine Einstellung, die eine mentale oder emotionale Subjektivität ausdrückt und dabei kein POV-Shot ist, kann als Perception Shot bezeichnet werden. Perception ist hier also sowohl auf äußere Wahrnehmungen wie auch auf innere Selbstwahrnehmungen der Figur zu beziehen. Berühmte Beispiele finden sich in den Filmen Antonionis, Bergmans, Godards oder Tarkowskijs.Eine Extremform subjektiver Kameraführung liegt dann vor, wenn sie durchgehend den Blick des Protagonisten einnimmt (berühmtes und immer wieder angeführtes Beispiel The Lady in the Lake, 1947). Eine solche Inszenierung ist nur äußerst selten praktiziert worden, da diese Art des Erzählens höchst artifiziell wirkt und sich beim Publikum nicht durchgesetzt hat. Zudem werden dadurch die Möglichkeiten filmischen Erzählens einschränkt.

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Typisch für das filmische Erzählen scheint zunächst der häufige Wechsel der Perspektive zu sein, der Wechsel von subjektivem und auktorialem Erzählen. Der Zuschauer sieht zum einen vom Standpunkt der Kamera aus, wie sich die Figuren an einem bestimmten Ort zu einer bestimmten Zeit verhalten, was sie sagen und wie sie handeln (auktoriale oder allwissende Kamera ).