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Stellen Sie die Situation einer Begegnung körperhaft – räumlich dar. Gestalten Sie eine

allansichtige Plastik aus Ton.

Material

https://www.schule-bw.de/faecher-und-schularten/musische-faecher/kunst/unterricht-materialien-und-medien/schwerpunktthemen-oberstufe/fachpraktische-aufgabenstellungen/aufgabenstellungen-koerper-raum/formen-begegnen-sich

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Entwirft eine Gestaltung für deinen idealen Arbeitsplatz. Dokumentiere deinen Designprozess in einem Portfolio.

https://kunst-unterrichten.de/unterricht/methoden/aufgaben/aufgabentypen/

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Betrachte dich im Spiegel und zeichne dich selbst innerhalb von einer Minute. Dabei musst du zwei Regeln beachten:
1. Schaue beim Zeichnen nicht aufs Papier.
2. Setze den Stift während des Zeichnens nicht ab.

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"Eine 'Methode' bezeichnet den Weg, der Ihre Lernerinnen und Lerner zu einem von Ihnen geplanten Ziel bringen soll. Dabei reicht die Spannbreite von lehrerzentriert bis offen. Man spricht von lehrergesteuerten Methoden, wenn Sie als Lehrkraft den Lernen für Ihre Schülerinnen und Schüler von vorneherein festlegen."

https://www.forrefs.de/grundschule/unterricht/unterricht-vorbereiten/ablaeufe-des-unterrichts/methodenvielfalt-im-unterricht-wer-die-wahl-hat-hat-die-qual.html

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- Dialogisches Lernen
- Differenzierung
- Entdeckendes Lernen
- Mehrdimensionales Lernen
- Ganzheitlichkeit
- Handlungsorientierung
- Inklusion
- Kooperatives Lernen
- Lernen durch Lehren
- Zielorientierung
- Lernorientierung
- Prozessorientierung
- Selbstbestimmtes Lernen
- Selbsttätigkeit

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- Programmorientierter Unterricht (Unterrichtsgestaltung)
- Projektorientierter Unterricht (Arbeit in Projekten)
- Projektunterricht (Projektgedanke im Vordergrund)

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- Blitzlicht
- Debatte
- Diskussion
- Erlebnispädagogik
- Fantasiereise
- Gruppenpzzle
- Learning by Doing
- Lernen durch Lehren
- Mind Map
- Portfolio
- Referat
- Rollenspiel
- Rückmeldung/Feedback
- Sationenlernen
- Training
- Übung

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- Einzelarbeit
- Frontalunterricht
- Gruppenarbeit
- Partnerarbeit
- Plenum

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https://lehrerfortbildung-bw.de/u_mks/sport/gym/bp2004/fb2/03_kriterien/04_meth/01_hand/

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Kunst Bremer Bildungsplan für die Oberschule (Sek I)

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Kunst Bremer Bildungsplan für die Oberschule (Sek I)

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https://www.lis.bremen.de/schulqualitaet/curriculumentwicklung/bildungsplaene/sekundarbereich_i-15226

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Kunst Bremer Bildungsplan für das Gymnasium (Sek I)

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Kunst Bremer Bildungsplan für das Gymnasium (Sek I)

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Kunst Bremer Bildungsplan für das Gymnasium (Sek II)

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Kunst Bremer Bildungsplan für das Gymnasium (Sek II)

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In Arbeit

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Voraussetzungen der Lehrkraft und der Schüler*innen

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Voraussetzungen der Lehrkraft und der Schüler*innen

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In Arbeit

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Gruppe 4: Ravza, Doreen, Eline, Raphaela

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Gruppe 4: Ravza, Doreen, Eline, Raphaela

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Ton hören-- Assoziationen wahrnehmen-- Vertonung/ verbindlichen in Produkt

Welche Erfahrungen machen Schüler*Innen?
Was fällt schwer ?
Welche Medien werden genutzt ?
Können Schüler*Innen erklären welche Assoziation sie hatten und warum ?

Probleme:

Forschungsfrage:
Inwieweit kann eine künstlerische Auseinandersetzung mit Müll den Nachhaltigkeitsgedanken fördern oder Vermitteln.

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Inwiefern beeinflusst der Sound die SuS und ihr Projekt?

Motiviert die Musik Schüler_innen im Arbeitsprozess?

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"Sound Art. Klang als Medium der Kunst"
ZKM | Medienmuseum, Karlsruhe, 17.3.2012 - 6.1.2013

Als im frühen 20. Jahrhundert sich in der Musik allmählich die Einsicht durchsetzte, dass die traditionelle Sprache der neuzeitlichen europäischen Musik, die Tonalität, sich erschöpft hatte - sie war sowohl kombinatorisch als auch ästhetisch an ihr Ende gekommen -, gab es vier aufeinander folgende und zunehmend radikale Reaktionen darauf; Reaktionen, die den Bereich der Musik zu erweitern versuchten. Schon im späten 19. Jahrhundert hatten vor allem französische Komponisten (Maurice Ravel, Claude Debussy), von der späten Romantik beeinflusst, neue Tonleitern benützt; teilweise exotische oder antike Tonleitern, teilweise völlig neu konstruierte (wie etwa die Ganztonreihe). Eine zweite Reaktion war der Vorschlag, die bestehenden 12 Halbtöne der Oktave weiter zu unterteilen, also Vierteltöne, oder sogar auch Drittel- und Sechsteltöne einzuführen. Ferruccio Busoni hatte 1907 diesen Vorschlag gemacht und eine Reihe von Komponisten hatte ihn aufgegriffen (Charles Ives, Dmitrij Schostakowitsch, Ivan Wyschnegradsky). Eine dritte Reaktion war die Ablösung der Musik von der Rücksichtnahme auf das tonale Hören mit seiner Unterscheidung von Konsonanzen und Dissonanzen: die Zwölftontechnik, die Arnold Schönberg nach einer Zwischenphase der freien Atonalität ab 1923 anwandte.

Die vierte, radikalste Lösung aber wurde interessanterweise nicht innerhalb der Musik formuliert, sondern innerhalb der ersten provokativ-performativen Avantgardegruppe der Moderne: der Futuristen. Luigi Russolo forderte 1913 in seinem Essay „Die Geräuschkunst" das Aufsprengen aller musikalischen Systeme durch das Hineinnehmen von Geräuschen in die Musik. Die Vorstellung, der Bereich der Musik ließe sich immer weiter ausdehnen, leitete eine Reihe von Musikern, bis hin zu John Cage, bei dem mit „Variations I", 1958, für eine beliebige Anzahl von Spielern jeden denkbaren Klang erzeugend, Musik endgültig alle Geräusch- oder Klangereignisse der Welt umfasste. Und erneut zogen die deutlichsten und weitest reichenden Konsequenzen aus dieser extremen Ausweitung des Kunstgattungsbegriffs „Musik" nicht Komponisten, sondern die führende provokativ-performativen Avantgardegruppe der zweiten Krise der Moderne, Fluxus.

Ein wesentlicher Grund dieser produktiven Rezeption des Konzepts des Geräusches in der Kunst war, dass die Fluxuskünstler die Probleme und Widersprüche dieser Ausweitung präzise sahen. Russolo hatte 1913 geschrieben: „Die futuristischen Komponisten müssen den Bereich der Töne immer mehr erweitern und bereichern. ... Dieses Bedürfnis und diese Tendenz können nur dadurch befriedigt werden, dass die Geräusche zu den Tönen treten und sie ersetzen. ... Das Geräusch unterscheidet sich nämlich vom Ton nur dadurch, dass die Vibrationen, die es hervorrufen, sowohl im Takt wie in der Stärke verworren und unregelmäßig sind. Jedes Geräusch hat einen Ton, manchmal auch einen Akkord, der in der Gesamtheit seiner unregelmäßigen Vibrationen vorherrscht." Auf diese Weise werden Geräusche den Tönen und Klängen angeglichen, wird vermieden, den grundlegenden Bruch der Wahrnehmungsweise oder der Einstellung wahrzunehmen, der Geräusche und Klänge trennt. Auch der Terminus `Sound´ lebt davon, dass er Töne, Klänge und Geräusche ohne Differenzierung umfasst und damit eine ihnen gemeinsame Wahrnehmungsweise impliziert.

Den Künstlern der sechziger Jahre, den Künstlern des Minimal und Post Minimal, des Fluxus, des Happenings und später der Performance, war sehr deutlich bewusst, dass sie nicht einfach den Bereich oder den Begriff der Kunst ausgeweitet hatten, sondern dass sie mit wesentlichen Kategorien der Moderne gebrochen hatten: dem Kunstwerk, der ästhetischen Immanenz, der ästhetischen Einstellung, sogar der Autorschaft. Wenn beispielsweise Bruce Naumann in der Installation „6 Day Week - Six Sound Problems" von 1968 jeden Tag ein anderes einfaches Geräusch, das in der Galerie aufgezeichnet worden war, vom Tonbandgerät abspielen ließ, war die Konfrontation mit jedem Begriff von Kunstwerk, das in der Galerie zu erwarten wäre, offensichtlich. Und so wie Gemälde und Skulpturen sich nicht einfach zu Objekten und Installationen erweitern lassen, sondern eine ästhetische Einstellung voraussetzen, die von einer sich ausdehnenden funktionalen Einstellung verdrängt wurde, so lassen sich Töne oder Klänge nicht einfach durch Geräusche erweitern: Geräusche werden auf den Ort und die Quelle ihrer Entstehung hin wahrgenommen, sie gehen also im Rahmen der funktionalen Einstellung auf die Identifikation von Gegenständen und deren Ort; Töne und Klänge dagegen beziehen sich immer nur auf andere Töne und Klänge, innerhalb des (oder eines) sprachartigen musikalischen Systems. Alle Geräusche können, mit Russolo, als Töne oder Klänge gehört werden; und alle Töne oder Klänge sind, mit Duchamp, faktisch Geräusche, materiell-energetische Realitäten in der materiellen Welt. Aber sie stehen unauflösbar im Gegensatz zweier miteinander unvereinbarer Einstellungen.

Durch den Gebrauch des Tonbandgeräts (in dem zuerst, in den späteren dreißiger Jahren, ein Draht magnetisiert wurde) wurde es möglich, Geräusche aufzuzeichnen und beliebig zusammenzustellen, vor allem zu rhythmisieren - was vorher immer nur in der Weise möglich war, dass Geräusche komponiert hergestellt wurden, etwa bei Eric Satie. Die musique concrète schnitt seit den späten vierziger Jahren Geräusche zusammen, die auf diese Weise sowohl eine stark suggestive Wirkung besaßen - da sie als Geräusche (indexikalisch) auf ihre Quellen, auf Gegenstände und Bewegungen in der Welt, verwiesen, als auch in ihrem Rhythmus geplant und komponiert waren. Aber auch das Kanalrauschen der analogen Geräte konnte als vorelektronische Quelle von nichtindexikalischen Geräuschen (also eher Sounds) verwendet werden.

Seit der Erfindung des Synthesizers etwa 1960 wurden elektronisch erzeugte Sounds (und als deren Pseudoquellen auch Lautsprecher) besonders interessant: denn diese sind dazu fähig, weder Geräusche noch Klänge zu sein; sie können erzeugt werden, ohne sich auf ein musikalisches System zu beziehen und ohne eine Quelle (des Geräusches) zu besitzen. Sie können gewissermaßen sowohl von der Musik als auch vom Geräusch gereinigt werden (so können auch Geräusche elektronisch `gereinigt´ werden).

Sobald also auf diese Weise Geräusche und elektronischer Sounds in die Kunst eingewandert waren, konnte das ganze Feld möglicher funktionaler Anwendungen akustischer Phänomene erprobt und entwickelt werden: akustische Raumwahrnehmung und Raumerzeugung (durch Reflexion der Schallwellen, quasi ein Echolot), akustische Ortserschaffung durch Schallquellen, Imagination von Räumen oder Landschaften durch suggestive Geräusche (zum Beispiel Geräusche von Insekten), wandernde Geräusche oder Sounds, Verknüpfungen von Raum und Zeit, Verkopplungen von Sounds und wahrnehmendem oder agierenden Körper durch taktil erfassbare Vibrationen, Kopplungen von Sound und Licht.

Die Ausstellung umfasst Werke von 90 KlangkünstlerInnen, davon rund 30 Neuproduktionen der letzten Jahre.

Zur Ausstellung wird ein Katalog erscheinen.

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Klang, Geräusch, Sound - www.kunstforum.de

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Johannes Meinhardt Klang, Geräusch, Sound "Sound Art. Klang als Medium der Kunst" ZKM | Medienmuseum, Karlsruhe, 17.3.2012 - 6.1.2013 Als im frühen 20. Jahrhundert sich in der Musik allmählich die Einsicht durchsetzte, dass die traditionelle Sprache der neuzeitlichen europäischen Musik, die Tonalität, sich erschöpft hatte - sie war sowohl kombinatorisch als auch ästhetisch an ihr ...

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Abgabe und Präsentation des Lehr-/Lernvideos

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Abgabe und Präsentation des Lehr-/Lernvideos

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04.02.

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11.02. und 18.02.

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19.03.

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Besprechung der Forschungsminiatur mit Moritz Masuch 

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Besprechung der Forschungsminiatur mit Moritz Masuch 

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26.01. um 15:00 Uhr

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Blockveranstaltung am 12.02/13.02. und 19.02. von 10:00 bis 15:00 Uhr

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12.03.

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Problemstellung: Offener Kunstunterricht/Nachhaltig verschiedene Kunst produzieren/ Einfluss der Musik

Fragestellung: Inwieweit gelingt es den SuS mit den gegebenen Ressourcen nachhaltig Kunst zu produzieren? Und welchen Einfluss hat die Musik dabei?

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In Arbeit

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In Arbeit

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Hinweise zur Erstellung der "Forschungsminiatur"

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Hinweise zur Erstellung der "Forschungsminiatur"

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Gruppe 4 (Tomma, Gizem, Saskia und Arzu)

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Gruppe 4 (Tomma, Gizem, Saskia und Arzu)

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Dieter Roth

1930 geboren in Hannover, Deutschland
1998 gestorben in Basel, Schweiz

Dieter Roth

1930 geboren in Hannover, Deutschland
1998 gestorben in Basel, Schweiz

Persönliche Daten

Dieter Roth war ein Künstler mit deutschen Wurzeln, schweizerischer Jugend und isländischer Wahlheimat. Er wird bisweilen als Universalkünstler bezeichnet, weil sein Werk fast alle erdenklichen künstlerischen Medien umfasst. Einer breiteren Öffentlichkeit bekannt wurden seine Werke mit verderblichen Materialien wie Schokolade und Käse, seine Künstlerbücher und Editionen sowie seine grafischen Arbeiten. Jedoch schuf er auch wesentliche Werke in den Medien Poesie, Musik, Malerei, Skulptur, Installation, Fotografie und Video. Seine Arbeit wucherte immer wieder in unerwartete Richtungen und durch diese Komplexität scheint es schwer, Hauptwerke zu identifizieren und andere unter den Tisch fallen zu lassen. Jedoch ziehen sich einige Themen konsequent durch mehrere von Roths Schaffensphasen.
Durch Roths Editionen, wie zum Beispiel der Buchreihe „bok" und den „Gesammelten Werken" in 26 Bänden, offenbart sich eine Neigung zum Sammeln und Archivieren. Die zahlreichen Künstlerbücher Roths erschienen auf unterschiedliche Weise - einige sind Unikate, andere sind handgefertigte Editionen mit kleiner Auflagenzahl, wieder andere wurden zu tausenden gedruckt. Das ungestüme Experiment mit der Typographie, der Grafik, der Schriftsprache und der Präsentationsform eint alle von Roths Büchern. In anderen Werken kommt der Gedanke der Aufbewahrung noch stärker zum Tragen. 1973 sammelte Roth ein Jahr lang jedes Stück Hausmüll, welches er selbst produziert hatte und nicht dicker als drei oder vier Millimeter war. Er führte diese Stücke zusammen in der Installation „Flacher Abfall" (1975/76) und präsentierte sie mit Klarsichthüllen in chronologisch sortierten Ordnern. Dieter Roth versteht seine Werksammlung „Flacher Abfall" auch als eine Art Tagebuch oder sogar als Selbstporträt über die Dauer eines Jahres.

In dieselbe Kerbe schlägt auch die Video-Installation „Solo Szenen", die 1997/98 entstand. Während eines Rekonvaleszenz-Aufenthaltes in Island und Basel filmte Roth mit einer fix angebrachten Kamera sein häusliches Leben und man erhält einen sowohl intimen wie auch banalen Einblick in seine täglichen Aktivitäten. Man sieht den Künstler beim Essen, Lesen, sich Waschen - und teilweise ist er gar nicht im Bild zu sehen aber das Band läuft dennoch weiter. Auf 128 Videobildschirmen in drei Holzgestellen wird das Filmmaterial präsentiert und es fällt ob des Überangebotes schwer, mit den Augen bei einem Monitor zu bleiben. Das Anhäufen von Materialbergen spielt hier ebenso eine Rolle wie das Aufbrechen der Grenze zwischen Kunst und Leben. Die Opposition zwischen dem Besonderem und dem Trivialen wird zur Synthese geführt.
Aber in seinem Bestreben nach Archivierung versucht Roth nicht unbedingt, die Zeit zu überdauern. Im Gegenteil, er schuf zahlreiche Arbeiten die scheinbar auf die eigene Zersetzung hinarbeiten. Mit organischen Materialien, hauptsächlich Lebensmitteln, kreierte Roth Kunstwerke die in den ersten Monaten und Jahren nach ihrer Entstehung noch stark schimmelten und faulten. Erst nach Austrocknung trat eine fragile Permanenz ein. Die Verwesung hat ihren eigenen ästhetischen Wert und man sollte ihr laut Roth nicht mit restauratorischen, sondern höchstens mit konservatorischen Maßnahmen begegnen.
Der Gedanke des Sammelns kommt auch in Roths Materialcollagen zum Tragen, drei solcher Objekte befinden sich in der Sammlung Essl. „Südliches Vergnügen" von 1979/80 zum Beispiel zeigt zahlreiche Musikgeräte die chaotisch auf Holzplatten montiert wurden. Man sieht unter anderem Keyboards und Aufnahmegeräte mit grellem Farbanstrich. Durch das Material und den Titel möchte man an eine wilde Jamsession denken. Tatsächlich musizierte Roth öfter mit seinen drei Kindern und stellte dabei das eigene „Nichtkönnen" in den Vordergrund. Die Betonung liegt auf dem Tun, nicht auf der konventionell korrekten Ausführung.
Die Improvisation pflegte Roth jedoch nicht nur in der Musik, sondern auch in Kollaborationen mit Künstlerkollegen. Besonders intensiv arbeitete er mit Richard Hamilton und Arnulf Rainer zusammen. Gemeinschaftsarbeiten von Roth und Rainer befinden sich ebenfalls in der Sammlung Essl. Die beiden nannten Teile ihrer gemeinsamen Arbeit „misch- & trennkunst" und bewegten sich hauptsächlich auf dem Feld der Malerei, Grafik und Fotografie. Durch diese Kollaborationen sowie durch Werke wie die Gartenskulptur, die sich mit der Zeit und Einwirkung Dritter verändern, wird Folgendes deutlich: Die partielle Aufgabe der eigenen Gestaltungshoheit ist ein wesentlicher Teil von Roths künstlerischer Strategie.

Benjamin Rowles

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1930 geboren in Hannover, Deutschland1998 gestorben in Basel, Schweiz Dieter Roth 1930 geboren in Hannover, Deutschland 1998 gestorben in Basel, Schweiz Persönliche Daten Dieter Roth war ein Künstler mit deutschen Wurzeln, schweizerischer Jugend und isländischer Wahlheimat. Er wird bisweilen als Universalkünstler bezeichnet, weil sein Werk fast alle erdenklichen künstlerischen Medien umfasst.

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50+ Müll Müll Müll Kunst-Ideen in 2021 | kunst, kunstproduktion, urbane kunst

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07.01.2021 - Erkunde Sarah Loschers Pinnwand „Müll Müll Müll Kunst" auf Pinterest. Weitere Ideen zu kunst, kunstproduktion, urbane kunst.

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Der US-amerikanische Künstler Christopher Fennell erbaut architektonische Skelette aus Müllobjekten. Zum Beispiel verwandelte er alte Scheunenbretter in einen überdimensionalen Kiefernzapfen...

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Alles Müll! Oder etwa nicht? Was unsereins achtlos wegwirft, kann man verwandeln - in Kunst oder Gebrauchsgegenstände. Seht selbst, was aus ausrangierten Baseballschlägern, alten Blechdosen oder...

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Klinger und Brahms: Ausstellungseröffnung und Konzert am 31. Mai in der Universität Jena

Der in Leipzig geborene Max Klinger (1857-1920) ist im Laufe des 20. Jahrhunderts etwas in Vergessenheit geraten, zählt um 1900 aber zu den einflussreichsten Künstlern im deutschsprachigen Raum. Besonders bekannt ist er für seine Monumentalbilder "Das Urteil des Paris" (Belvedere, Wien) und "Christus im Olymp" (Museum der bildenden Künste, Leipzig) sowie für seinen polylithen "Beethoven" (ebenfalls Leipzig).

Klinger ist aber vor allem durch seine innovativen Grafikzyklen bekannt. Einer der umfangreichsten dieser druckgrafischen Zyklen ist die "Brahms-Phantasie Rad.-Opus XII" aus dem Jahr 1894. Vom 31. Mai bis 15. Juni wird ein Exemplar der Brahms-Phantasie im Ausstellungskabinett des Jenaer Uni-Hauptgebäudes (Fürstengraben 1) präsentiert. Zur Ausstellungseröffnung werden außerdem von Klinger ausgewählte Kompositionen von Johannes Brahms am 31. Mai um 18.30 Uhr in der Uni-Aula zu hören sein. Der Eintritt zu Konzert und Ausstellung ist frei.

Am Scheideweg der Moderne

Ausstellung und Konzert sind der abschließende Höhepunkt der Internationalen Tagung "Zeitordnungen um 1900. Max Klinger und das Musikalische", die das Seminar für Kunstgeschichte und Filmwissenschaft vom 30.-31. Mai an der Friedrich-Schiller-Universität Jena ausrichtet. Die Tagung widmet sich der Rolle der Musik im bildkünstlerischen Schaffen Max Klingers. Seine Grafikfolgen sind nicht nur Meisterwerke der Kunst des Symbolismus, sondern haben auch auf die Künstler des späteren Surrealismus einen entscheidenden Einfluss gehabt. Klinger selbst steht am Scheideweg der Moderne und seine Werke zeichnen sich durch einen innovativen Umgang mit klassischen Motiven aus, die er mit den Augen des Menschen der Moderne befragt.

" Die 'Brahms-Phantasie' gehört zu den komplexesten Grafikfolgen Klingers und ein Exemplar befindet sich im Bestand der Thüringer Universitäts- und Landesbibliothek Jena", sagt Max Pommer, der Tagung und Ausstellung organisiert hat. " Da dieses Werk noch nie öffentlich in Jena gezeigt wurde, sicher aber zu den herausragenden Werken der grafischen Kunst um 1900 gehört, wollen wir es einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich machen", erzählt der Jenaer Kunsthistoriker.

Auf 41 Stichen, Radierungen und Lithografien hat Klinger ausgewählte Werke von Johannes Brahms kommentiert, darunter das berühmte Schicksalslied Op. 54. Doch die Brahms-Phantasie ist nicht nur eine Hommage an den vom Künstler verehrten Komponisten. " Der Grafikzyklus ist vielmehr ein komplexes Gesamtkunstwerk, in welchem Klinger nicht allein Schicksalsfragen des modernen Menschen mithilfe klassischer Mythen verhandelt, sondern auch das Verhältnis von Bild und Musik reflektiert", so Pommer, der auf viele Besucher von Ausstellung und Konzert hofft.

Das Konzert beginnt am Donnerstag um 18:30 Uhr in der Aula des Universitätshauptgebäudes (Fürstengraben 1). Nach einer Einführung durch Max Pommer musizieren Uwe Schenker-Primus (Bass), Anne Hoff, Thomas Steinhöfel, Sebastian Krahnert (Klavier) sowie der Universitäts- und Studentenchor der Friedrich-Schiller-Universität. Aufgeführt werden von Johannes Brahms: Am Sonntag Morgen op. 49, Nr. 1; Sehnsucht op. 49, Nr. 3; Alte Liebe op. 72, Nr. 1; Feldeinsamkeit op.86, Nr. 2; Kein Haus keine Heimat op. 94, Nr. 5 sowie Schicksalslied op. 54.

Die Ausstellung "Max Klinger: Brahms-Phantasie Rad.-Opus XII" ist vom 31. Mai bis 15. Juni 2018 im Ausstellungskabinett (R. 025) im Universitätshauptgebäude zu sehen. Geöffnet ist sie Montag bis Freitag von 14.00 bis 17.00 Uhr, Samstag von 13.00 bis 16.00 Uhr. Jeden Samstag um 14 Uhr wird eine öffentliche Führung angeboten.

Kontakt:
Max Pommer
Seminar für Kunstgeschichte und Filmwissenschaft der Universität Jena
Fürstengraben 18, 07743 Jena
Tel.: 03641 / 944178
E-Mail:

Meldung vom: 2018-05-29 08:03

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Klinger und Brahms: Ausstellungseröffnung und Konzert am 31. Mai in der Universität Jena Der in Leipzig geborene Max Klinger (1857-1920) ist im Laufe des 20. Jahrhunderts etwas in Vergessenheit geraten, zählt um 1900 aber zu den einflussreichsten Künstlern im deutschsprachigen Raum.

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Anliegen dieser Ausstellung ist es nicht, das gesamte druckgrafische Werk Klingers - rund 400 Arbeiten - zu präsentieren sondern dem französischen Publikum zum ersten Mal die 1894 veröffentlichte Brahmsphantasie, eine beeindruckende, sechsundzwanzig Meter lange Partitur, zu zeigen. Der Erfindungsreichtum und die meisterhafte Technik Klingers treten hier deutlich zutage.

Die Originalpartituren von Brahms, die Klinger als Inspirationsquelle dienten, geben Aufschluss über die einzigartige Beziehung, die die beiden Künstler verband: Ihre Beziehung hat sich ganz allmählich im Laufe von zwanzig Jahren entwickelt. Als letzte Ehrung widmete der Komponist Klinger die Vier ernsten Gesänge ein Jahr vor seinem Tod.

Max Klinger, ein ausgezeichneter Amateurmusiker, hegte für den vierundzwanzig Jahre älteren Brahms tiefe Bewunderung. Brahms war von seinen ersten Radierversuchen nicht überzeugt. Doch angesichts der Probedrucke der Brahmsphantasie schrieb der Komponist an Klinger: „Ich sehe die Musik...ohne es zu bemerken, erfüllen mich Ihre Zeichnungen; wenn ich sie betrachte, ist mir, als klinge die Musik unendlich weiter und als drücke sie alles aus, was ich sagen wollte, nur ist es hier klarer und doch immer noch geheimnisvoll.
Bisweilen beneide ich Sie um die Klarheit Ihres Bleistifts.
Bisweilen bin ich froh, dass ich es nicht bin. Doch letztendlich denke ich, dass jede Kunst dasselbe ist und sich mittels derselben Sprache ausdrückt". Brahms hatte verstanden, dass Klingers Arbeit weit über die reine Illustration hinausging. Es war dem Radierer seiner eigenen Auffassung nach gelungen, "die Musik zu erhellen, fortzusetzen und zu ergänzen", summa summarum ", die Musik unter einem Blickwinkel zu präsentieren, der über die Gefühle hinausreicht".

Parallel zu den Radierungen von Klinger werden Manuskripte von Brahms (seltene Porträts, mit Anmerkungen versehene Partituren von Kammermusik, der ausführliche Briefwechsel mit seinem Verleger Fritz Simrock) präsentiert, die einen Überblick über das Leben von Brahms vermitteln. Sein Werk für Saiteninstrumente ohne Klavier wird im Rahmen des "Festival Brahms" im Museum gespielt werden.

Für diese Ausstellung stellten das Museum der bildenden Künste von Leipzig, das den Großteil des Künstlerbestands aufbewahrt, und die Gesellschaft der Musikfreunde von Wien großzügigerweise kostbare, außergewöhnliche Leihgaben zur Verfügung.

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Klinger/Brahms Radierung, Musik und Fantasie

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Anliegen dieser Ausstellung ist es nicht, das gesamte druckgrafische Werk Klingers - rund 400 Arbeiten - zu präsentieren sondern dem französischen Publikum zum ersten Mal die 1894 veröffentlichte Brahmsphantasie, eine beeindruckende, sechsundzwanzig Meter lange Partitur, zu zeigen. Der Erfindungsreichtum und die meisterhafte Technik Klingers treten hier deutlich zutage.

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Was für ein Messie, dachte ich, als ich sein Haus in La Franqui erblickte. Im seitlichen Zugang standen ausgediente Markierungsstangen der Fischer, rostiges Blech und aufgerissene Fender.

Der Balkon war übersät mit Schwimmbojen, Plastikflaschen, Treibholz und Netzen. Und auch im Garten stapelten sich Dinge, die für mich eher in den Müll gehörten.

"Mein Fundus", lacht Patrick Chappert-Gaujal. Schwungvoll öffnet er die Tür und deutet auf Boxen, Kästen und Tüten: "Hier sammle ich den Kleinkram, den ich auf meinen Spaziergängen am Mittelmeer finde: Korken, Flaschenverschlüsse, Stofffetzen. All das inspiriert mich ungemein zu meinen Werken. 2014 habe ich viel mit alten Seekarten gearbeitet."

Ein Kind der Region

1959 in Bédarieux im Département Hérault geboren, ging Patrick 1975 nach Perpigna n, um an der dortigen Haute École des Beaux-Arts bis 1980 Kunst zu studieren. Danach zog es ihn in den hohen Norden. Viele Jahre lebte er in Schweden, teilte sich mit anderen Künstlern ein Atelier.

Dort wurde er von Siwert Bergström entdeckt. Er forderte ihn auf, seine Kunst doch nicht zu verstecken, sondern öffentlich zu zeigen. Und zwar in seiner Galerie. 1988 begann mit der ersten Ausstellung bei GKM für Patrick Chappert-Gaujal die langjährige Zusammenarbeit mit der Galerie aus Malmö.

Schweden als Sprungbrett

Bereits zwei Jahre später war Patrick auf der Lundbiennalen in der schwedischen Unistadt Lund mit dabei, 1990 auf dem Stockholm Art Fair vertreten und Vertreter der "Révolution Française" der Smålands Konstarkiv Värnam im gleichen Jahr.

Bis heute zählt Skandinavien zu den Stammmärkten von Chappert-Gaujals Schaffen. Daneben zeigt der Künstler längst auch seine Arbeiten in den Vereinigten Staaten, Afrika und Asien.

Der internationale Durchbruch kam mit den Trophäen, die Patrick für den Alpin-Weltcup 2009 für Val d'Isére entwarf, und der Teilnahme an der Foire Internationale d'Art Contemporain (Fiac) im Grand Palais von Paris.

Sie rückte Patricks Recycling-Kunst aus der Nische ins Lampenlicht.

Die neuen Projekte von Patrick

Jetzt experimentiert Patrick auch mit Licht. Wo alte Telefonhäuschen oder Leuchtkästen entsorgt werden, sammelt er sie ein und verwandelt sie in leuchtende Exponate, monochrome Studien in Schwarzweißtönen.

Neben monumentalen Werken - beispielsweise für das Château de Lastours im Corbières-Örtchen Portel - reizt ihn auch die kleine Form. Unzählige Miniaturen hat er schon aus kleinsten Resten erdacht und in seine Setzkästchen gestellt.

Oder an die Wand gehängt. "Irgendwann ergaben all diese Minis auch wieder etwas Monumentales", schmunzelt er.
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Weiterlesen

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Patrick Chappert-Gaujal: der Recycling-Künstler - Mein Frankreich

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Was für ein Messie, dachte ich, als ich sein Haus in La Franqui erblickte. Im seitlichen Zugang standen ausgediente Markierungsstangen der Fischer, rostiges Blech und aufgerissene Fender. Der Balkon war übersät mit Schwimmbojen, Plastikflaschen, Treibholz und Netzen. Und auch im Garten stapelten sich Dinge, die für mich eher in den Müll gehörten.

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Plastikspielzeug, Wasserflaschen, Zahnbürsten - sie alle müssen irgendwohin, wenn sie nicht mehr verwendet werden können. Oft genug findet man sie an Stränden oder im Meer wieder.

Ein strengerer Umweltschutz steht mittlerweile auch auf der Agenda der Europäischen Kommission, die auf die Reduktion von Plastikprodukten setzt. 2014 beschloss die EU, dass im Jahr 2017 nur noch die Hälfte der Plastiktüten und bis 2019 nur noch 20 Prozent hergestellt werden. Ab 2030 sollen alle Kunststoffverpackungen auf dem EU-Markt recyclingfähig sein.

Diese Woche hat sich die EU-Kommission außerdem dafür ausgesprochen, noch drastischer gegen Plastikmüll vorzugehen. Kaffeestäbchen zum Umrühren, Strohhalme oder Plastikbesteck sollen verboten werden. Diese typischen Einmalartikel, die oft nur für fünf Minuten in Verwendung sind, brauchen 500 Jahre, um zu verrotten. Sie sollen künftig durch recyclebares Material ersetzt werden.
Kreativer Umgang
Aber was passiert mit dem Plastik, das jetzt schon überall herumliegt? Künstler und Designer weltweit haben in den letzten Jahrzehnten kreative Umgangsformen entwickelt. Umweltbewusstsein bewies sogar schon der katalanische Surrealist Joan Miró (1893-1983), der in seinen letzten Lebensjahren auf Mallorca lebte und für einige seiner Skulpturen herumliegendes Strandgut aufsammelte und verwendete.

Fünfzig Jahre später nennt sich der 1967 in Ghana geborene Künstler Ed Franklin Gauva die "Stimme des Abfalls". Er verwandelt Müll in Masken.

In unserer Bildergalerie stellen wir einige innovative Methoden des künstlerischen Recyclings vor.

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Schluss mit der Wegwerfgesellschaft: Kunst aus Plastik | DW | 01.06.2018

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Plastikspielzeug, Wasserflaschen, Zahnbürsten - sie alle müssen irgendwohin, wenn sie nicht mehr verwendet werden können. Oft genug findet man sie an Stränden oder im Meer wieder. Ein strengerer Umweltschutz steht mittlerweile auch auf der Agenda der Europäischen Kommission, die auf die Reduktion von Plastikprodukten setzt.

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Nur echt mit Goldkante von der Goldküste: Monumentale Wandbehänge aus Metall machten den Ghanaer El Anatsui weltberühmt. Das Haus der Kunst präsentiert seine bislang größte Werkschau - er verwandelt Recycling-Schrott in ein Fest fürs Auge.

Einladung nach Eldorado: Auf dem Ausstellungsplakat blinkt und bauscht sich verführerisch viel Gold- und Silberglänzendes, dazwischen kleine Farbtupfer. Was genau zu sehen ist, bleibt unbestimmt: Die schillernden Schuppen-Teilchen könnten Pailletten einer Galarobe sein, oder der Edelmetallbeschlag einer Kostbarkeit - oder auch dicht gedrängte Hüttendächer im Gegenlicht aus der Luft. Jedenfalls lässt sich in München, das mehr als jede andere deutsche Stadt dem schönen Schein zugetan ist, kaum ein besserer Blickfang denken.

Info
El Anatsui -
Triumphant Scale
08.03.2019 - 28.07.2019

täglich 10 bis 20 Uhr,

donnerstags bis 22 Uhr

im Haus der Kunst, Prinzregentenstraße 1, München
Weitere Informationen
13.03.2020 - 21.06.2020

täglich außer montags

10 bis 17 Uhr,

dienstags bis 21 Uhr

im Kunstmuseum Bern, Hodlerstraße 8-12, Schweiz
Weitere Informationen
17.07.2020 - 01.11.2020

im Guggenheim Museum, Bilbao, Spanien

Goldvorkommen aus; die Erlöse aus dem Goldhandel ermöglichten ihm den Aufbau eines mächtigen Reiches, das erst um 1900 von den Briten erobert wurde.
Ghanas virtuose Bronzegießer

Noch heute ist Ghana in ganz Westafrika bekannt für seine prächtigen Gelbguss-Arbeiten. Vor allem rund um die frühere Aschanti-Hauptstadt Kumasi formen virtuose Handwerker filigrane Gebilde aus Wachs; sie werden anschließend mit einer hellen Bronzelegierung ausgegossen. Solche golden schimmernde Kunstwerke dürften El Anatsui häufig begegnet sein, als er von 1965 bis 1969 an der Universität von Kumasi studierte.

1975 ging der Künstler an die Universität von Nsukka in Nigeria, wo er 39 Jahre lang als Lehrkraft tätig war und bis heute lebt. An der ersten Hochschule, die nach Nigerias Unabhängigkeit 1960 von Schwarzen gegründet wurde, wird insbesondere das kulturelle Erbe der Region gepflegt, etwa überlieferte Zeichensysteme wie die Uli-Muster der Ibo in Ostnigeria oder die Adinkra-Symbole der Aschanti - sie sind keine Schriften, sondern eher mit Piktogrammen vergleichbar.

Impressionen der Ausstellung

Deko-Zierteller + Bruch-Keramik

El Anatsui begann, solche Zeichen und Muster auf hölzerne Scheiben zu übertragen. Sie gleichen den Präsentations-Platten, auf denen ghanaische Händler ihre Waren arrangieren, und können ihre Herkunft kaum verleugnen: An der Wand ähneln sie Deko-Ziertellern. Zu eigenständigeren Ausdrucksformen fand der Künstler, als er sich der Keramik zuwandte. Seine „Broken Pots" („Zerbrochene Töpfe") sind schrundige und zugleich komplexe Terrakotta-Plastiken mit reich verzierten, aber zertrümmerten Oberflächen und undurchschaubar verstrebtem Innenleben.

Mit Kettensäge + Flammenwerfer

Als Stipendiat in den USA entdeckte El Anatsui 1980 ein neues Werkzeug: die Kettensäge. Damit begann er, vielteilige Reliefs und Stelen aus Holz herzustellen, die er aufwändig weiter bearbeitete. Der diesen Holzarbeiten gewidmete Saal ist einer der eindrucksvollsten der Schau: Mit verschiedenen Bohr-, Schleif- und Brenntechniken entlockt der Künstler dem organischen Material eine unglaubliche Vielfalt an Erscheinungsformen und Effekten.

Manche eng mit Kreisen oder Rechtecken bedeckte Flächen wirken, als seien sie bedruckt - ähnlich der kleinteiligen Muster auf den in Ghana beliebten Kente-Stoffen. Andere Partien sehen aus, als hätten Termiten oder Flammen sie zerfressen. Solche Spuren von schöpferischer Ordnung und chaotischer Zerstörung verflicht der Künstler zu fesselnden Vexierbild-Objekten - die sich auch noch, da aus beweglichen Elementen gefertigt, beliebig rekombinieren lassen.

Geknüpft von 100 Helfern

Zum Material seines Lebens fand El Anatsui jedoch, als er sich um die Jahrtausendwende für einen neuen Werkstoff entschied: Metall-Müll. Genauer: Schraubverschlüsse und Banderolen aus Aluminiumfolie auf Wein- und Schnapsflaschen. Da in Afrika fast alles wiederverwendet wird, fallen bei den Abfüllern große Mengen dieser Kleinteile an. Diese schneidet, rollt, verdreht oder quetscht der Künstler; dann verknüpft er Abertausende von ihnen mit Kupferdraht zu großflächigen Gebilden.

Oder eher: Er lässt verknüpfen. Inzwischen beschäftigt El Anatsui bis zu hundert Hilfskräfte, um seine Kunstwerke herzustellen. Mit ihnen wurde er binnen weniger Jahre zum weltweit bekanntesten zeitgenössischen Künstler aus Afrika; viele renommierte Großmuseen wie Tate Gallery, Centre Pompidou, Museum of Modern Art et tutti quanti kauften Arbeiten von ihm an. Was ihre Faszination ausmacht, vermittelt diese erste Retrospektive seines Œuvres in Europa äußerst anschaulich; sie wird im kommenden Jahr auch in Bern und Bilbao gezeigt.

Wandteppich, Relief oder Hängeplastik?

Dafür ist das Haus der Kunst genau der richtige Ort. Von seinen riesigen, streng rechtwinkligen Räumen werden viele Exponate oft erschlagen; oder sie verkümmern im Eiseshauch totalitären Geistes, der dieser Architektur nicht auszutreiben ist. Ganz anders die Arbeiten von El Anatsui: Sie verlangen geradezu nach derart hohen, kahlen Wänden; sie bedecken die Flächen, umhüllen sie und finden kaum genug Platz, um sich auszubreiten - wobei der Künstler jedes Exemplar einzeln modelliert, indem er rafft oder staucht.

Den treffenden Begriff dafür zu finden, fällt schwer: Sind es Wandteppiche - quasi Gobelins der Wegwerfgesellschaft? Sind es Reliefs - aber mit unzähligen Knüpfpunkten, so dass sie wie Kettenhemden jede beliebige Form annehmen können? Oder eher Hängeplastiken? Eingedenk der großen Tradition, in der dieser Künstler steht und arbeitet: Kein Kulturkreis hat mehr und vielfältigere Skulpturen hervorgebracht als der schwarzafrikanische.

Vertikale Landschaften durchmessen

Auch diese Variante könnte facettenreicher kaum sein: Je nach Lichteinfall und Betrachter-Position erscheinen die Wandbehänge in jedem Moment unterschiedlich. Das Auge mag sich kaum satt sehen an vertikalen Landschaften aus Hügeln, Tälern, gezackten Graten und sanft auslaufenden Wellen. Zugleich sorgen die bunt bedruckten Aluschnipsel für ständig changierende Farbtöne; El Anatsui verteilt sie so rhythmisch im Gewebe wie einst Wassily Kandinsky auf der Leinwand. Und immer wieder Gold und Silber, die Lichtreflexe von Luxus und Prunk.
Was paradoxer kaum sein könnte: Einst waren glänzende Edelmetalle untrügliche Insignien von Reichtum und Macht. Das hat sich in der Massenproduktion erledigt; diese Gehänge bestehen nicht einmal aus Talmi, sondern aus der letzten Schwundstufe: Abfall. Dennoch geht von ihnen unwiderstehliche Anziehungskraft aus - nicht aufgrund ihres Materialwerts, sondern wegen der Raffinesse ihres Arrangements. Wie bei vielen Arbeiten afrikanischer Bildhauer: Neuschöpfungen aus Second-Hand-Material sind ihre Domäne. El Anatsui hat ihnen nur voraus, dass er eine bislang nie gesehene Objektklasse erfand.
Fassade im Panzerplatten-Look

Das bewahrt ihn nicht vor dem Zwang des Kunstbetriebs zur Selbstüberbietung. Etwa bei den drei Auftragsarbeiten für diese Ausstellung: Der eine gesamte Saalwand füllende Vorhang „Rising Sea" („Steigender Meeresspiegel") überzeugt als Öko-Kritik noch durch seine dezent blaugrau-silberne Farbgebung; Form und Sujet passen zusammen.

Dagegen wirkt das Labyrinth aus geknüpften Stellwänden im Mittelsaal des Hauses wie ein monströses Spielzeug, als luftiger Nachfahre von Barock-Irrgärten. Und die Outdoor-Installation „Second Wave" sprengt endgültig jedes Maß. Diese Verkleidung der Außenfassade aus feldgrauen, verschweißten Druckplatten erinnert an Panzerplatten und Bombenschutz; das hätte den Bauherren vermutlich gefallen.

Keine Kunst ohne Spritverbrauch

Besser, man ignoriert das martialische Entrée und erfreut sich am schwerelosen Farb- und Lichterspiel im Inneren - das so wertvoll erscheint, obwohl sein Rohstoff praktisch wertlos ist. Bleibt zu hoffen, dass trotz des berückenden Bling-Bling die Besucher auch ein paar Gedanken an die Produktionsweise verschwenden: Für jeden herrlichen Wandbehang wurden zuvor mehrere Tankwagen-Füllungen von Alkohol ausgetrunken.

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El Anatsui - Triumphant Scale: wundervolle Recyclingkunst-Ausstellung im Haus der Kunst, München | Kunst+Film

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Nur echt mit Goldkante von der Goldküste: Monumentale Wandbehänge aus Metall machten den Ghanaer El Anatsui weltberühmt. Das Haus der Kunst präsentiert seine bislang größte Werkschau - er verwandelt Recycling-Schrott in ein Fest fürs Auge. Einladung nach Eldorado: Auf dem Ausstellungsplakat blinkt und bauscht sich verführerisch viel Gold- und Silberglänzendes, dazwischen kleine Farbtupfer.

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Seit langem experimentieren Künstler, Designer und Amateure mit weggeworfenen Materialen und stellen damit die verrücktesten Werke her. Heutzutage ist die Recycling Kunst beliebt wie noch nie - nicht aus ästhetischen Gründen.

Bereits im 19. Jahrhundert dienten die Formen und Farben auf der Müllhalde dem Maler Vincent Van Gogh als Inspirationsquelle. Seine Faszination für die Ästhetik des Weggeworfenen drückte er in Bildern und Gedichten aus. Offensichtlich stellte für ihn und seine Zeit der Müll noch kein Problem dar. Das hat sich geändert. Heute setzen sich viele Künstler kritisch mit dem Thema auseinander und sehen im Abfall nicht nur ein Potenzial für ästhetisch anmutende Kunst, sondern auch ein grosses Problem für Umwelt und Gesellschaft.

Einer dieser engagierten Abfall-Künstler ist der Brasilianer Vik Muniz. Der Dokumentarfilm „Waste Land" (2010) zeigt sein Kunstprojekt in einer der weltgrössten Mülldeponien, dem "Jardim Gramacho" in Rio de Janeiro. An diesem Ort leben Hunderte von Menschen unter prekären Bedingungen. Sie suchen die Müllberge tagtäglich nach rezirkulierbarem Material ab und verdienen sich so ihren bescheidenen Lebensunterhalt. Muniz hat sich auf die Müllberge begeben und das Leben der Leute, die dort wohnen und arbeiten in Form von Foto-Portraits festgehalten. Anschliessend stellte er die Fotografien mit Materialen aus der Deponie nach ( Gallerie). Entstanden sind eindrückliche Werke, die uns daran erinnern sollen, dass die Art und Weise, wie wir konsumieren und wegwerfen die Welt formt - sozial und ökologisch.

Die Strukturen unserer Konsumgesellschaft und unseres Konsumverhaltens lassen sich weder vom Ökosystem, noch von uns Menschen getrennt betrachten.

Während Millionen von Menschen täglich unbeschwert grosse Mengen an Müll produzieren, mühen sich andere in den stinkenden Abfallbergen ab, um wiederverwertbare Bestandteile herauszupicken und sich so ihr tägliches Brot zu verdienen (siehe dazu den Artikel über den Elektroschrott in Ghana). Die grossen Mülldeponien belasten die Umwelt und die Gesundheit der Menschen. Muniz zeigt so mit seinem Projekt, dass sich die Strukturen unserer Konsumgesellschaft und unseres Konsumverhaltens weder vom Ökosystem, noch von uns Menschen selbst getrennt betrachten lassen. Heute haben sich in Rio dank seinem Projekt Recyclingfirmen den Müllbergen angenommen und die ehemaligen Müll-Arbeiter konnten neue, bessere Jobs finden.

Neben den vielen Künstlern und Designern, die sich mit dem Thema beschäftigen, hat sich die kreative Wiederverwertung von Abfall vielerorts auch regelrecht zum Volkssport entwickelt. In Brasilien und in anderen Ländern in Südamerika oder Asien ist die Recycling-Kunst schon seit langem im Trend. Slum-Kinder basteln sich ihre Spielautos aus Pet-Flaschen und die Rapper fertigen ihre Halsketten aus Aludosenlaschen. Was anfangs ein Mittel zum Zweck der unteren sozialen Schichten war, ist heute auch bei teuren Designerlabels gefragt. Paradoxerweise floriert die künstlerische Recycling-Praxis aber auch deshalb, weil in den betroffenen Ländern der Müll oft in sehr grossen Mengen und überall verfügbar ist. Er liegt auf den Strassen oder sammelt sich am Strand oder auf offenen Mülldeponien. Viele europäische Recycling-Künstler kaufen hingegen das gesuchte Material sogar bei Entsorgungsunternehmen auf. Dennoch wird auch hier viel mit dem alltäglichen Haushaltsabfall gearbeitet: Plastiktüten oder Aluverpackungen sind sehr beliebt. Einige Hobbykünstler aus England haben sich zum Ziel gesetzt, so viel wie möglich des Mülls, den sie produzieren, zu Kunst und nützlichen Gegenständen, wie z.B. Taschen oder Portemonnaies zu verarbeiten ( http://www.recyclingexpert.co.uk/theartofrecycling.html). Dabei sind sie jedoch sehr schnell an ihre Grenzen gestossen: Die Abfallberge waren schlicht zu gross, die räumlichen Kapazitäten zu klein.

Die künstlerische Praxis kann uns so helfen, zu realisieren, wie viel brauchbares Material wir jeden Tag wegwerfen. Durch die kreative Wiederverarbeitung wird der Abfall symbolisch (und praktisch) aufgewertet. Die Kunst deckt das grosse Potential auf, das in wertvollen Ressourcen steckt, die wir als Abfall abtun und auf Deponien oder in Verbrennungsanlagen „abschieben", wo sie die Umwelt schwer belasten. Natürlich kann die künstlerische Form von Recycling nicht mit der industriellen, grossflächigen und effizienten Recycling-Praxis konkurrieren, aber umso mehr dazu ermutigen, im Kleinen vieles zu bewirken. Auf eindrückliche Weise macht sie den „letzten Dreck" zum Wertgegenstand oder sogar zum edlen, teuren Kunstwerk und hinterfragt so die materialistischen Wertvorstellungen der Konsumgesellschaft.

Weitere Informationen:
Trailer „Waste Land" (2010)

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Seit langem experimentieren Künstler, Designer und Amateure mit weggeworfenen Materialen und stellen damit die verrücktesten Werke her. Heutzutage ist die Recycling Kunst beliebt wie noch nie - nicht aus ästhetischen Gründen. Bereits im 19. Jahrhundert dienten die Formen und Farben auf der Müllhalde dem Maler Vincent Van Gogh als Inspirationsquelle.

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Video unbearbeitet

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Ton unbearbeitet

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13.02. 14:00-14:25