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Armijos, S. (2015). La escultura informalista como
fundamento para una propuesta escultórica. Ecuador: Universidad Nacional de Loja. Recuperado de
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Arnaldos, M. Piezas Informalistas. Cartagena: Indice general de Enciclopedia Mercabá de Historia. Recuperado de https://mercaba.org

Blog Aquí y Ahora. (2018). Germaine Richier. Aquí y ahora: Arte en general. Recuperado de https://aquicoral.blogspot.com

Fernández, T., Ruiza, M. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Alberto Giacometti. Barcelona: Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de

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Fernández, T., Ruiza, M. y Tamaro, E. (2004). Biografía de Eduardo Chillida. Barcelona: Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de

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Galeria MC. (2018). Louise Nevelson. Notas de biografía. Cannes: Galerie Michelle Champetier. Recuperado de https://www.mchampetier.com

López, A. (2020). Barbara Hepworth, la brillante escultora de los agujeros. Madrid: El País. Cultura. Recuperado de https://elpais.com

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La escultura informalista tuvo la capacidad de expresar las ideas centrales de la existencia humana, que se resumían en los sentimientos y emociones producidos en su mayoría a partir de la Segunda Guerra Mundial. Se trató de una escultura gestual, donde las manos se convirtieron en la herramienta esencial del artista, siguiendo las leyes del azar y abandonando la armonía de colores para dejarle el protagonismo al muestrario de materiales.
Los escultores informalistas empleaban por lo general, un lenguaje abstracto y no figurativo. Trataban de evitar los bocetos, para darle paso a la confianza creativa, el impulso vital y el gesto espontáneo; dejando así, una huella personal única e irrepetible en cada una de sus obras.

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Entre los artistas que se acercaron a esta tendencia, se pueden destacar Alberto Giacometti en Suiza; Germaine Richier y Jean Dubuffet en Francia; Eduardo Chillida, Pablo Serrano y Martin Chirino en España; Arnaldo y Giò Pomodoro en Italia; Henry Spencer Moore, Barbara Hepworth, Reg Butler, Lynn Chadwick, Bernard Meadows y Kenneth Armitage en Inglaterra; y Louise Nevelson y John Chamberlain en Estados Unidos.

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Armitage, K. (1950). People in the wind. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Meadows, B. (1958). Fallen Bird. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Chadwick, L. (1955). Winged Figures. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Butler, R. (1950). Study for Woman Resting. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Moore, H. (1952). King and Queen. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Chirino, M. (1956). Herramienta poética e inútil. [Escultura]. Hierro. España, Fundación de Arte y Pensamiento Martin Chirino. Recuperada de http://www.fundacionmartinchirino.org

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Serrano, P. (1958). Drama del objeto. [Escultura]. Cobre soldado. Zaragoza, IAACC Pablo Serrano. Recuperada de https://artsandculture.google.com

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Giacometti, A. (1950). Homme qui chavire [Escultura]. Bronce. Francia, Musée Granet, Aix-en-Provence. Recuperada de https://www.fondation-giacometti.fr

Para el nivel primario, en una clase de sexto grado, elegiría como tema el trabajo en escultura del artista Alberto Giacometti. Pienso que sería interesante empezar a estudiar la figura humana a partir de su obra y su manera de estilizar y desproporcionar armoniosamente los cuerpos. Los materiales a utilizar serían alambre para la estructura, y trozos de cinta para sujetar las extremidades; y para darle volumen y textura sugeriría cubrirlo con la técnica de papel maché.

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Nevelson, L. (1959). Black Wall. [Escultura]. Madera pintada. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

Para el nivel secundario, tomaría el trabajo en escultura de Louise Nevelson para crear una clase. El objetivo a partir de su obra sería crear reciclando cajas de diferentes tipos y tamaños, aprendiendo a apilarlas de manera en la que el resultado sea armonioso y equilibrado. En su interior, propondría a los estudiantes que coloquen una selección de objetos que los identifiquen, es decir, que las personas que observen la obra terminada puedan reconocer la esencia de quien la hizo. Estos pueden ser objetos ya realizados, o pueden armar nuevas figuras a partir de cartones, tapas, palillos, etc. El color sería uno solo para la totalidad de la obra, y sería elegido de acuerdo al significado que le asigne cada uno.

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Nevelson, L. (1959). Lunar Landscape. [Escultura]. Madera pintada. Texas, Amon Carter Museum of American Art. Recuperada de https://www.cartermuseum.org

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Hepworth, B. (1956). Curved Form (Trevalgan). [Escultura]. Bronce y madera. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Se observa una figura tridimensional, con un eje vertical predominante respecto a la base de madera. La obra se caracteriza por su volumen y forma orgánica simulando un óvalo hueco y abierto en la parte superior. También se puede encontrar un pequeño espacio hueco en la mitad de la obra.
La textura es visual y subordinada, al igual que el color dado por el material empleado. La forma en la que este mismo fue moldeado, de manera curva, hace que la obra genere zonas de luminosidad y sombras. La obra es asimétrica, aunque al ser las dos líneas de fuerza que se elevan hacia arriba, muy similares y de igual altura, se genera una sensación de equilibrio.

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La obra en primera instancia me transmite calma, quizás por la simpleza de la figura y la forma en la que la artista trabajó sutilmente las curvas que protagonizan la obra. Lo orgánico en ella me recuerda a la naturaleza, y el pequeño hueco que surge del centro me hace pensar en el corazón de esa naturaleza.

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Louise Berliawsky nace en 1899 en Kiev, Rusia, y emigra con su familia a los Estados Unidos en 1905. Se casa en 1920, pasando a nombrarse Louise Nevelson, y comienza ese mismo año a aprender dibujo, canto y arte dramático. A final de los años 20, Louise toma clases en el Art Students League de Nueva York y en 1931 comienza a trabajar con Hans Hofmann en Munich, para posteriormente hacerlo en Nueva York y México con Diego Rivera, siendo su asistente en algunos proyectos.
A partir de 1933, Nevelson expone grabados y pinturas y enseña por primera vez su trabajo de escultora en 1936. Entre 1949 y 1950, estudia el arte de la terracota, del aluminio y del bronce en el Sculpture Center.
Para los años 50, es una de los primeros escultores norteamericanos en presentar ensamblajes. La artista empotraba en cajas apiladas reliquias de piezas de madera de varias clases, construyendo de este modo arquitecturas abstractas, monumentales y barrocas. Estas piezas sugieren un mundo imaginario y poético. Sus primeras esculturas están pintadas de un negro mate, aunque más tarde comenzaría a realizarlas más luminosas y líricas, blancas o doradas.

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Nevelson, L. (1959). Black Wall. [Escultura]. Madera pintada. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Nevelson, L. (1959). Lunar Landscape. [Escultura]. Madera pintada. Texas, Amon Carter Museum of American Art. Recuperada de https://www.cartermuseum.org

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Barbara Hepworth nació el 10 de enero de 1903 en Wakefield, en el condado británico de West Yorkshire. Entre 1921 y 1924 se especializó en escultura en el Colegio Real de Arte de Londres. A pesar de su juventud, junto a Moore y otros estudiantes del colegio, realizó viajes ocasionales a París, donde estudió sobre las tendencias de la época. Más tarde, Barbara obtuvo una beca de un año en el extranjero y viajó a Italia. Se estableció en Florencia, donde pasó los primeros meses estudiando arte y arquitectura romana y del Renacimiento.

La progresión de su obra se caracteriza por los espacios huecos que introdujo dentro de las esculturas. La mayoría de estas adquieren un sentido voluble, en el que, a pesar de sus sencillas formas, el hueco que contiene se convierte en el pulmón de la escultura.
La artista no trabajaba con esbozos previos, sino por la intuición que le transmitían los materiales; es por eso que el resultado siempre fueron obras lisas, redondeadas y pulidas por los materiales usados de la piedra y la madera. La técnica que empleaba se conoce como talla directa, por la cual el proceso de escultura está influenciado por las cualidades de las materia prima más que por un modelo preconcebido de la obra.

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Eduardo Chillida fue uno de los escultores españoles mas importantes del siglo XX. En 1943 se trasladó desde su ciudad natal a Madrid para comenzar la carrera de arquitectura, y aunque nunca acabó dichos estudios, algunos de los preceptos aprendidos, tales como la relación entre volúmenes y espacio, tendrían una importancia decisiva en la ideación conceptual de sus posteriores trabajos escultóricos.
En 1948 se trasladó a París y fue allí donde sintió una especial fascinación por la escultura arcaica griega del Louvre. En esa primera y efímera etapa realizó en yeso y terracota una serie de esculturas influenciadas por la tradición figurativa.
En 1951 se instaló en el País Vasco y aquel mismo año, Chillida realizó su primera escultura abstracta; una austera y primitiva estela de hierro que supuso un antes y un después en su trayectoria artística ya que en ella se asentaban, aunque de modo todavía incipiente, conceptos constitutivos de su obra posterior como el espacio, la materia, el vacío o la escala.
A lo largo de sus más de cincuenta años de trayectoria creativa, Chillida exploró conceptos como los de vacío y volumen, luz y sombra, límite e infinitud. El material del que estaban hechos sus trabajos no fue para él un fin en sí mismo, como tampoco lo fueron esas formas austeras y arcanas tan definitorias de su trabajo. Más allá de la materia y la forma, lo que quiso expresar Chillida a través de sus obras fue una concepción ética, mística y trascendental de la existencia.

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Chillida, E. (1956). Hierros de temblor II. [Escultura]. Hierro. Bilbao, Museo de Bellas Artes de Bilbao. Recuperada de https://www.museobilbao.com

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Germaine Richier nació en 1902 en Grans, Francia. Comenzó a estudiar escultura en la École des Beaux-Arts de Montpellier en 1920 y en 1926 comenzó a trabajar con Antoine Bourdelle. Allí conoció a Alberto Giacometti, aunque los dos nunca fueron cercanos. Richier, por su parte, estaba más interesada en un enfoque clásico de la escultura, prefiriendo trabajar a partir de un modelo en vivo y luego volviendo a trabajar en el producto final.

Entre 1930 y 1933 hizo 8 desnudos y 26 bustos. Su primera obra fue una combinación de formas clásicas con híbridos humano-animales y representó criaturas como la araña y la hidra. Su estilo se convirtió en menos figurativo después de la Segunda Guerra Mundial; las deformaciones corporales que ella favorecía como tema se vieron más acentuadas en un intento de transmitir un mayor sentido de la angustia.

La artista ganó varios premios, entre ellos la medalla de honor por Méditerranée en la exposición internacional en París en 1937, y su trabajo fue incluido en la Feria Mundial de Nueva York en 1939.
La controversia mayor en torno a la obra de Richier se generó en 1949 cuando hizo un Cristo para la nueva Iglesia de Notre-Dame-de-Toute-Grâce en la meseta de Assy, que fue eliminada en 1951 cuando la población local desaprobó la modernidad de las formas de la obra. Este rechazo probablemente estaba relacionado con el hecho de que Richier era una mujer, lo que significa, según las órdenes religiosas, que no tenía acceso a la dimensión de lo sagrado. La escultura fue devuelta a su lugar público en 1971, después de lo cual se clasificó como monumento histórico.

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Nevelson, L. (1958). Sky Cathedral. [Escultura]. Madera pintada. Nueva York, MoMA. Recuperada de https://www.moma.org

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Hepworth, B. (1956). Curved Form (Trevalgan). [Escultura]. Bronce y madera. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Hepworth, B. (1956). Involute II. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Hepworth, B. (1958). Garden Sculpture (Model for Meridian). [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Hepworth, B. (1958). Torso II (Torcello). [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Giò Pomodoro, uno de los escultores más importantes del siglo XX, nació en Orciano di Pesaro el 17 de noviembre de 1930. En 1955 colaboró con su hermano mayor Arnaldo Pomodoro, también escultor, pero también con otros importantes artistas como Gastone Novelli, Giulio Turcato, Piero Dorazio, Tancredi, Lucio Fontana y Achille Perilli.
Se dedicó activamente a la investigación escultórica, comenzando desde muy joven con sus primeras experiencias informales sobre el Signo, para llegar a los grandes ciclos sobre la Materia y el Vacío.

En las obras de Pomodoro, que siempre prefirió las grandes áreas flotantes en bronce y los grandes bloques esculpidos en mármol o rígidamente cuadrados, suele haber espacios vacíos que permiten que la luz del sol se abra paso. El sol es un tema o símbolo recurrente en sus esculturas, incluso si no está representado explícitamente.

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Pomodoro, G. (1956). Crescita. Situazione vegetale. [Escultura]. Bronce. Milan, Museo del Novecento. Recuperada de https://artsandculture.google.com

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Pomodoro, G. (1958). Pietra dell' architetto. [Escultura]. Bronce. Milan, Museo del Novecento. Recuperada de https://artsandculture.google.com

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Richier, G. (1951). Shepherd of the Landes. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Richier, G. (1959). Chessboard, Large Version. [Escultura]. Yeso y metal. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Richier, G. (1953-54). Water. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Alberto Giacometti fue un escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura en la Academia de Grand Chaumière.

En la capital francesa entró en contacto con el cubismo de Picasso y Braque, y más tarde, con el grupo surrealista de André Breton, del que formó parte de 1930 a 1935. En la producción de este período, sumamente personal, se perciben aportaciones de surrealismo, como el simbolismo de los objetos.

El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyó la llegada del artista a su estilo más singular y característico, que se desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940. Surgieron entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden aparecer solas o en grupo.

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Se observa una obra tridimensional, con un eje vertical predominante respecto a la base. La obra está conformada por varios elementos de madera cuadrados y rectangulares apilados. Estos tienen espacios huecos, y cada uno lleva en su interior  pequeñas figuras de madera. Las líneas rectas son las que predominan, aunque también se pueden encontrar figuras planas y curvas. Entre los cajones apilados se pueden observar pequeñas salientes, lo que genera el espacio para la entrada de luz, y en consecuencia, la presencia de sombras. La textura es visual y subordinada, y la función del color negro es determinante en esta obra.
Los elementos están distribuidos de manera armoniosa, de manera que aunque la obra no es simétrica, la composición da una sensación de equilibrio.

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Giacometti, A. (1956). Femme debout [Escultura]. Bronce. Italia, Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto. Recuperada de https://artsandculture

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Esta obra, así como la forma de trabajar de la artista, me genera una sensación de nostalgia. Los elementos apilados y los objetos en su interior me recuerdan a una especie de estantería con objetos valiosos y antiguos; de esos recuerdos que se conservan con el paso de los años y se trasladan intactos de generación en generación.

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Chillida, E. (1955). Elogio al fuego. [Escultura]. Hierro. Turin, Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea. Recuperada de https://artsandculture.google.com

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Giacometti, A. (1954). Grande tête mince [Escultura]. Bronce. Colección privada. Recuperada de https://www.fondation-giacometti.fr

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Tras la Segunda Guerra Mundial, la producción escultórica suscita una transformación como respuesta a la crisis y altercados de todo tipo que se dan en la sociedad, surgiendo así la necesidad de expresarse con un nuevo lenguaje para expresar las vivencias y emociones. De esta manera, nace el movimiento llamado Informalismo, en el cual los artistas tienen atracción por lo intuitivo y por la disposición libre de los materiales y signos poco formales.
Durante los años cuarenta y cincuenta, la escultura informalista no tuvo esa clara ruptura con el pasado como la que tuvo la pintura; aún se evidenciaban rastros o herencias de vanguardias pasadas. Sin embargo, se observaba la intención de esta por separarse y tomar su independencia, mediante pasos lentos pero seguros para su manifestación.

Así como en la pintura, se pueden diferenciar distintos tipos de manifestaciones dentro de la escultura, como el informalismo matérico y el gestual.
Dentro del Informalismo matérico, la materia tiene predominio sobre cualquier otro elemento que constituya la escultura. Se incorpora todo tipo de material, llegando a convertirse en protagonistas autónomos de la obra y abriendo el camino a nuevas experiencias críticas sobre las condiciones sociales, sobre la naturaleza y los comportamientos. Se trabaja hasta llegar a los valores táctiles mediante intervenciones como agujeros, cortes, superposición de materia, entre otras.

En el Informalismo gestual, existe una cierta evocación por constituir formas irregulares, las cuales presentan un gran dramatismo por la agresividad que pueden llegar a contener. La mayoría de las esculturas llegan a un estado en las que pareciera que aún no están terminadas. Esta modalidad del informalismo se caracterizó por el valor concedido al trazo, en ocasiones de tipo calcográfico, frente a cualquier otra forma de expresión y contenido abstracto.

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Giacometti, A. (1950). Homme qui chavire [Escultura]. Bronce. Francia, Musée Granet, Aix-en-Provence. Recuperada de https://www.fondation-giacometti.fr

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Chillida, E. (1951). Ilarik. [Escultura]. Hierro. Colección privada. Recuperada de https://elpais.com

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Richier, G. (1950). Diabolo. [Escultura]. Bronce. Londres, Tate Museum. Recuperada de https://www.tate.org.uk

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Barbara Hepworth – 'A New Form for Sculpture' | TateShots

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Alberto Giacometti – 'A New Way of Thinking About Humanity' | TateShots

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A Sculptural Symphony Of Germaine Richier

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Richier, G. (1959). Chessboard, Large Version. [Escultura]. Yeso y metal. Londres, Tate Museum.