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Bueno yo elegí esta imagen ya que creo q representa bien las caras de los seres humanos, en la foto se ve que el señor tiene dos caras una feliz que es la que muestra a la cámara y otra triste,apagado que es la que esta de perfil dando a entender q algunas veces no nos mostramos como nos sentimos y ponemos nuestra mejor cara aunque no es esa.

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PERFORMANCE - Ranucchi, Valentín 4to Eco

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PERFORMANCE - Ranucchi, Valentín 4to Eco

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CASACUERPO
El cuerpo como espacio formativo' es una muestra desarrollada por  Miguel Braceli, arquitecto y artista venezolano que ha venido desarrollado una investigación sobre las construcciones efímeras del paisaje a partir de las relaciones entre territorio, espacio y cuerpo.

Este último trabajo entiende al cuerpo como nuestra primera casa, el límite entre nosotros y el mundo. Es una investigación sobre nuestras formas de origen y nuestras formas de morar para ser fusionadas en un mismo sistema: la amplificación de la caja del cuerpo desplazando sus límites para habitar en él.

Esta puesta resulta muy interesante dado que expone de forma explícita aquello que siempre se dice de que el cuerpo es como tu casa: el respeto y los cuidados que uno vuelca en su casa, de alguna manera serán como uno cuida su cuerpo y viceversa.

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Obra de 1921 hecha por Man Ray, llamada Regalo "(de boda, según su propio autor), refiere a su ruptura de las normas sociales en donde la broma y la ironía (y en su mayor grado, la pura provocación) sustituyen a la educación y las buenas maneras"

El artista recalco y detallo en un discurso una breve reflexión; cómo objetos cotidianos pueden resultar extraños y perturbadores con tan sólo una leve alteración de su aspecto, desafiando las leyes de la lógica y rompiendo la conexión entre palabras y objetos. Por ejemplo, esta plancha, pierde su utilidad al llevar adherida una fila de 14 pinchos en su superficie, dando lugar a un objeto nuevo y sin nombre.

Es interesante remarcar el hecho de que una pieza corriente puede alzar tantas preguntas a base de cosas cotidianas.

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Este performance consiste en; La gente en el video trajo una gran cantidad de objetos, y empezaron a apilarlos, si se llegaban a caer, ellos tenían que volver a intentar apilarlos.

Yo siento que lo que transmite esta obra es, primordialmente, la perseverancia, ya que cada uno cada vez que falla, lo vuelve a intentar, incentivando ese sentimiento de aprender de las caídas.

Un significado bastante simple, pero, como el performance solo se basa en eso, no hay mucho mas que se pueda decir del mismo, o al menos es lo que yo siento.

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https://youtu.be/0dqPPDmftMI

Con respecto a esta performance me gustaría decir que es una verdadera exposición expresiva hacia la reprensión de la mujer, representada en una serie de actuaciones las cuales deslumbran un público y en lo personal a mi también, se llegan a entender todos los conceptos básicos del tema en cuestión.
El IES Henri Matisse les rinde homenaje con esta performance dirigida por Paula Muñoz en la que participaron representantes de toda la comunidad educativa

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44 - Performance contra la violencia de genero

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Siento que esta obra de arte conceptual representa para mí una manera de decir que el significado del arte lo da uno mismo porque a pesar de que para algunos sea una obra ridícula para el autor y para el público que lo aprecia es una verdadera obra de arte para significados propios de cada persona.
En lo general hecho por un autor Mauricio Cattelan me genera simpatía con su manera de expresión retro expectativa del año 2012

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En esta imagen , representada por cildo meireles un artista muy reconocido , decidio representar con botellas de coca-cola el transcurso de la vida y como se va vaciando la misma , desde el inicio al final

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esta performance siento que muestra lo que es la memoria, pero en este caso seria algo que se olvida, cosas irrelevantes como la historia que habría que volver a leerlas o contarlas para mantenerlas en nuestra memoria o también algún trauma psicológico porque los recuerdos de traumas emocionales están almacenados en nuestro cuerpo.

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esta obra presentada por Tracey Emin que hizo despues de un viaje a New York que representa que se sentia patetica y abatida.
Yo siento que muestra la soledad y la tristeza, ya que se ve una persona que esta como cansada y que se esta dando un momento de soledad para calmarse y repensar sus cosas.

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https://youtu.be/uwkMqWomPeQ

Me parece que es un video muy profundo en el cual se expresa como el artista crea su obra, pero a la vez que la crea va transformando su propia persona (por eso se va manchando de a poco las manos), a medida que que avanza en la creacion de su obra, es como si hubiera un lenguaje entre los dos.
Tambien se observa que en muchas ocaciones los pintores mantienen un dialogo con su propio cuadro, formando cierta relacion. En el medio del proceso se sigue transmitiendo lo que siente, por eso queda pintada ella, donde la vemos que ella esta muy al natural.

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¿Quién crea a quién? - Videoarte - Performance

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La performance dice es una acción artística, una muestra escénica interpretativa cuyo fin es transmitir una idea o concepto generando una reacción en el espectador.
Es un género que atraviesa todos los intereses del ser humano. Si algo forma parte de la vida, es susceptible de ser objeto de una performance.

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Yo decidí encararlo desde el lado del espectáculo eligiendo este performance realizado por Karol G para la ceremonia de apertura de los Lattin Grammys del 2022
https://youtu.be/d1-phvI7IEo

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Karol G Performance Latin Grammy 2022 4K

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Obra de Pablo Reynoso
Es una manera de expresarse, donde interactuan los distintos sentimientos del autor. Por medio de ella, manifiesta un mensaje, una sensacion, un estado animico.
Lo que interpreto de esta imagen es la soledad, la supuesta perdida de un ser querido.
el banco es el objeto principal ya que indica que pudo esperar mucho tiempo a alguien y ese alguien no apareció. Su tristeza ante la ausencia es representado por un banco que se esta desarmando

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Lo que interpreto de este performance son los lazos con personas que estamos obligados a mantener o simplemente nos obligan, por ser familia,amigos,etc. Ya que veo dos personas que no se pueden ni mirar a la cara y aun asi se encuentran unidos sin querer estarlo, ademas, estan como tirando cada uno para su lado lo que hace que se tensifique mucho mas esta situacion.

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Elegi esta imagen de arte conceptual ya que siento que representa muy bien la idea de como la mente nunca para de crear y imaginar cosas constantemente, como una rueda, que no para de girar y de moverse en todo momento. Me gusta esta cosa de representar esto ya que pensandolo lo considero muy cierto y que nuestro cerebro esta constantemente en movimiento produciendo diferentes cosas en nosotros, como puede ser una rueda de auto o bicicleta que se puede mover en todo momento pero no solo en una direccion, sino para adelante o para atras, logrando progresos como así retroceso en nuestros pensamiento.

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Esta foto siento que representa el peso que es el tener que cuidar de si mismo, en como nosotros dependemos de nosotros mismos.
Es una carga que no es fácil y tenés que saber valorar la vida para poder seguir de pie y no caer, así como en la foto, hasta el día que estemos cansado y no podamos seguir cargando ese peso.

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Elegí esta foto porque para mi representa la adicción a los cigarrillo y como están en un revólver y son muchos, da a entender que si fumas te mata, y mucho peor si lo que haces está mal y es algo adictivo.
Por eso Insinúa que es igual de peligroso fumar mucho que un revólver (en la foto)

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perdon la tardanza:/
yo interprete esta imagen como dos cosas, la bipolaridad o como uno finge y eso lo lleva a colapsar, la imagen supuestamente representaba la bipolaridad, pero a mí me llego más un mensaje de falsedad y enojo con uno mismo por no poderse mostrar como uno realmente es.

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yo elegí este arte ya que me provocó un sentimiento muy cercano y familiar, me gusto mucho que relacionase la mente con el corazón y también la velocidad, yo interpreté eso y me gustó que se haya juntado esos temas ya que uno siempre piensa mucho a mucha velocidad pero no muchas veces uno piensa desde la lógica y no considera sus sentimientos por culpa de decidir "a tiempo"

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(1) ¿Quién crea a quién? - Videoarte - Performance - YouTube

Proyecto: Territorios Fértiles

“Quien crea a quien?-Videoarte-Performance-

-Me llamo la atención esta performance ya que lo interpreté como un videoarte muy personal, una mujer comienza a pintar a un hombre que es todo blanco, y se lo muestra triste, sentí que la mujer comenzaba a llenar de color a esta persona, y se fusionaban, así completándose y “ayudándose” al otro. Simplemente se fusionan entre ellos donde no hay límites y nadie se cuestiona quién es quién.

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“Yellow“ (Amarillo)
Escultura contemporánea Arte LEGO con Ladrillos de plástico, 28x35x19 in – 71x89x48 cm.

Este arte conceptual fue hecho por Nathan Sawaya dejó abogacía y comenzó a tener éxito en internet con sus grandes esculturas artísticas con ladrillos de LEGO. Su exposición “The Art of the Brick“, lo llevó por todo el mundo, dejando en cada lugar nuevos seguidores y fanáticos de su trabajo artístico.

Este arte conceptual me llamo la atención ya que muestra como las personas nos podemos llegar a lastimar a nosotros mismos, y somos el mayor causante de nuestros problemas, es una persona en forma de lego desgarrándose el pecho, demostrando como nos dejamos doler por si mismos, cuando deberíamos aprender a amarnos y valorarnos.

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LA MUERTEE
En este arte entiendo que la muerte no es solo el dejar de vivir es la perdida de una vida entera, sus recuerdos, sus seres queridos y todo
Por eso siento miedo a morir, no por dejar de vivir, si no por dejar todo atrás.........

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En este arte entendi que estan todos iguales por el estatus que impone la sociedad algo que me hace enfadar un poco ya que nadie busca hacer algo distinto, ser distinto, todos somos rigidos y hacemos lo que nos imponen son chistar
Es un poco triste

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En este arte lo relaciono con la confianza, la confianza es ciega podés confiar en alguien y puede traicionarte cuando menos te lo esperes y en este arte se ve reflejado
Por eso es mejor ser solitario.....

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Acá por lo que entendí es una referencia al ciclo de la vida lo cual es muy interesante, me pone feliz ver arte tan bien representado ya que pude reconocer rápidamente su significado

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el concepto q tome de este arte es q todas las personas estamos formados por muchas partes, ya sean momentos, personas, características, etc

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este arte me hizo reflexionar xq no entendía su significado, eso me llevó a interesarme en este en específico hasta que le tome un propio significado q creo q es el correcto, en el que dos personas estas dentro de su burbuja personal como si ellos solos existieran y nadie mas

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Esta imagen nos muestra un trabajo de estudiantes que dentro de la materia plástica decidieron conmemorar el día de la violencia de género con esta distinguida obra. Aquí tomaron siluetas que representan víctimas de dicha violencia y luego las marcaron de otro color representando así el abuso que impacta en cada cuerpo.
A mi parecer cumple con el mensaje que buscan brindarnos de una manera muy completa y de fácil comprensión. Me parece un tema demasiado interesante para verlo reflejado en una obra.

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Decidí escoger esta obra bastante reconocida, trabajada con ladrillos de Lego, realizada por el artista Nathan Sawaya, el cual se dedica a realizar esculturas tridimensionales (personalizadas) y mosaicos de alta magnitud. Su principal objetivo en sus obras es añadir ciertas emociones que varían según el trabajo.

Mi interpretación de cierta escultura tridimensional es que busca enseñar a un individuo que de manera brusca se abre así mismos para que el que lo vea observe lo que contiene dentro.

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En esta imagen podemos ver a una mujer cargando a un esqueleto

me pareció interesante esta imagen ya que siento que quiere representar que la vida es fragil y que nadie sabe cuando puede ser la hora en la cual esta se nos termine y que es algo muy valioso qué hay que cuidar

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bueno en esta obra se puede ver un árbol con forma de dos pulmones en un campo

siento que el artista de esta foto quizo representar que los gracias a los árboles nuestros pulmones pueden funcionar correctamente ya que nos brindan el oxígeno para vivir y me gusto mucho la verdad

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En esta performance hecha ,por la escultora, ilustradora y artista de performance palestina/libanesa Mona Hatoum, podemos verla a ella con los cordones de unas botas de policia atados a sus tobillos.

El mensaje que nos quiere decir la obra es el hecho de como las personas a pesar de ser reprimidas y subyugadas siguen adelante luchando por lo que estas consideran lo mejor aun con esa carga sobre estas

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Esta obra presentada durante la exhibición de arte conceptual de Emiliano Miliyo y Eduardo Costa nos muestra a un ojo fusionado con una bombilla.

En mi opinión, lo que nos quiere decir esta obra es como las tecnologías revolucionaron nuestro mundo y vidas a tal grado de que estas se vuelven parte de la vida y de nosotros

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Arte performance - Thomás Ricotta - 4to Com

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Arte performance - Thomás Ricotta - 4to Com

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Se puede ver una señora con botas rojas y una calavera, abiertas de piernas y al rededor de velas. El artista parece estar en un estado de trance. Hay velas, hay botas que solo cuentan con color, calavera, etc.. Creo que su objetivo es demostrar la divinidad de la brujería y de lo místico. Me provoca rareza e incomodidad, lo podemos relacionar con el terror y lo extraño.

Firma: Thomás Ricotta

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 Creo que esta obra representa como el ser humano abusa de la naturaleza, al igual que en la fotografía, como la exprime, como la corrompe.                     

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Arte conceptual - Thomás Ricotta - 4to Com 

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Arte conceptual - Thomás Ricotta - 4to Com 

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La idea principal que subyace en este tipo de arte es que la verdadera obra no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial.

Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un modo de existencia objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia, porque experiencias y obras pueden “encarnarse” en varios objetos o porque su recepción puede entenderse más allá de la presencia de los objetos.

Esta obra está hecha con una flor, un vaso, liquido amarillo, un fondo blanco y una mano humana.

Me provoca desconfianza sobre el por venir de la humanidad, ya que esta obra me deja ver lo que hacemos, insolito.

Creo que esta obra representa como el ser humano abusa de la naturaleza, al igual que en la fotografía, como la exprime, como la corrompe.

Deja ver la realidad de la humanidad, la basura que somos y lo complicado que es el progreso y avance humano.

Firma: Thomás Ricotta.

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Me parecio muy interesante esta obra, ya que en ella se puede observar diversos carteles llenos de mensajes y personas observando los mismo. Ademas de que se incluyen tocadiscos de epocas anteriores.
Me deja pensando que quizas estos textos podrian llegar a contestar las preguntas q en general uno mismo se cuestiona interiormente.
O mismo dejarles un mensaje para concientizar .

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Esta es la obra más famosa de arte conceptual del artista irlandés Michael Craig-Martin, profesor emérito de Bellas Artes en Goldsmiths de la Universidad de Londres.
Esta obra consta de una repisa de vidrio donde hay un vaso de agua apoyado. La obra está acompañada de un texto, donde el artista afirma convertir un vaso de agua en un roble, además algunos espectadores le hacen algunas preguntas (extracto):
P. Para empezar, ¿podría describir este trabajo?

R. Sí, por supuesto. Lo que he hecho es convertir un vaso de agua en un roble adulto sin alterar los accidentes del vaso de agua.

P. Parece un vaso de agua.

R. Por supuesto que sí. No cambié su apariencia. Pero no es un vaso de agua, es un roble.

P. ¿Fue difícil efectuar el cambio?

R. Para nada, ningún esfuerzo. Pero me tomó años de trabajo darme cuenta que podía hacerlo.

P. ¿Considera que transformar el vaso de agua en un roble constituye una obra de arte?
R. Sí.

P. ¿Qué es precisamente la obra de arte? ¿El vaso de agua?

R. Ya no hay vaso de agua.

P. ¿El roble?

R. Sí. El roble.

P. ¿Cuánto tiempo seguirá siendo un roble?

R. Hasta que lo cambie.

Es una obra muy llamativa la cual te deja con el cuestionamiento de como es que el vaso con agua se podria llegar a convertir en un roble, ya q claramente lo vemos imposible

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interesante esta performance ya que tenemos que pensar que si bien la tecnología es una de las herramientas más importantes y utilizadas en la actualidad existen límites.

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una escultura blanca que representaba a una mujer con rasgos africanos en forma de esfinge, pero también incluía otras quince esculturas.

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Esta es una obra de la artista Tania Bruguera la cual es una artista política que mediante su arte critica la maldad e injusticias del mundo basándose en su propia experiencia de haber sufrido por años la corrupción del regimen Cubano; tema el cual da especial atención en sus obras, estando pensadas tomando en cuenta y criticando las acciones cometidas por el estado Cubano en contra de su ciudadanía.

Aquí se nos presenta una imagen que, gracias a la posición de la mujer y la forma de las manchas en la pared, congeniadas con sus manos, nos transmite una ilusión de sufrimiento que provoca una empatía en el espectador que lo hace sentir eufórico y rebelde, logrando finalmente tener un efecto lo suficientemente grande en el mismo como para que el mensaje de conciencia transmitido, sea recibido y compartido por el espectador. La obra es melancólica, sufrida y rebelde; siendo una representación adecuada de los sentimientos de aquellas victimas que conocen la maldad del mundo.

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Mona Hatoum nació en Beirut en el seno de una familia palestina en 1952. Vive en Londres.

Hatoum desafía los movimientos del surrealismo y el minimalismo , realizando obras que exploran los conflictos y contradicciones de nuestro mundo. Sus estudios en la Slade School of Art coincidieron con el desarrollo de ideas en torno al género y la raza, y comenzó a explorar la relación entre la política y el individuo a través de la performance .

A fines de la década de 1980 comenzó a realizar instalaciones y esculturas en una amplia gama de materiales. Estos a menudo usan la cuadrícula o formas geométricas para hacer referencia a los sistemas de control dentro de la sociedad. Ha realizado una serie de obras utilizando objetos domésticos que se amplían o modifican para hacerlos familiares pero extraños.

De esa época es Road Works (Performance Still), una de sus primeras y más conocidas performances. Desarrollada en 1983 en las calles de Brixton (Reino Unido), precisamente en un barrio obrero de mayoría inmigrante, en esta acción de una hora de duración Hatoum recorría las calles descalzas, con un par de pesadas botas Doctor Marten amarradas a sus tobillos, pisándole los talones. La imagen de sus pies, frágiles y delicados, en contraste con la dureza de las botas que les perseguían (las cuales eran parte del atuendo característico tanto de la policía como de las cabezas rapadas) resultaba enormemente sugerente. La pieza se editó en 1985 en un video en color de seis minutos y se mostró en exposiciones posteriores en un monitor de televisión bajo el título Road Works. Diez años después, Hatoum sacó una foto del video, recortó la imagen y la imprimió como una fotografía en blanco y negro. El trabajo resultante fue Performance Still (1985-95), obra adquirida por el Tate Modern y que siempre se muestra directamente en el suelo, apoyada en una pared. Con esta obra Hatoum cuestionaba el sistema, pues se presentaba como una persona marginal al evidenciar la literalidad de estar descalza, convirtiendo el movimiento en algo dificultoso. Una acción en la que el acto de desplazarse se convertía en objeto y materia de Revista Estudió, artistas sobre otras obras. ISSN 1647-6158 e-ISSN 1647-7316. 8, (19), julho-setembro. 88-95. 92 creación al mismo tiempo y que, sin duda, tenía que ver el hecho de que ella misma fuese una emigrante en el exilio. El potencial narrativo que reside en la idea de alejamiento y desorientación es, en este sentido, un elemento activo dentro la obra de Hatoum. Obviamente, la experiencia migratoria causó en ella un fuerte impacto vital, lo que detonó la necesidad de investigar en torno a la identidad y al modo en el que ésta se construye bajo la influencia de determinadas circunstancias socio-políticas.

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Obra de León Ferrari sobre el Arte conceptual 

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León Ferrari, fue un artista plástico argentino. Gran parte de sus obras de arte están destinadas y orientadas a denunciar los abusos de poder y la intolerancia en la sociedad. Nació en Buenos Aires, el 3 de septiembre de 1920 y murió el 25 de julio de 2013.

La obra de León Ferrari ha sido objeto de polémica y controversia, sus trabajos, realizados en collages, instalación, pinturas, esculturas sonoras, tallas y modelados en materiales diversos y ensamblajes, se centran en conceptos de denuncia y crítica social donde la guerra, la religión, el poder y el sexo ocupan un lugar destacado. Su fuerte crítica a la Iglesia católica causó gran controversia en la Argentina, generando un intenso debate sobre arte y libertad de expresión en el que estuvo involucrado el Papa Francisco I, Jorge Bergoglio, en aquel momento Arzobispo de Buenos Aires.

1965: La civilización occidental y cristiana, la cual consiste en un Cristo crucificado sobre un avión de guerra estadounidense, de los que en ese momento eran utilizados en la guerra contra Vietnam. La pieza mide 2.20 m. Además, en la exposición presentó tres cajas. Una representa un bombardero sobre una escuela vietnamita y en las otras, catorce aviones se despliegan dando lugar al título: “catorce votos en la OEA”.

La escultura retrata a Cristo crucificado sobre un avión F-105 de las fuerzas armadas de los Estados Unidos, busca transmitir en alusión y denuncia a la Guerra de Vietnam por la que murieron más de un millón y medio de personas.

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El artista argentino David Lamelas está presentando su primera muestra individual en el Eli and Edythe Broad Art Museum de la Michigan State University. Curada por Carla Acevedo-Yates y titulada Fiction of a Production, la exhibición presenta una selección acotada de esculturas, instalaciones de sitio específico y un video, que fueron creados en los 60, 90 y 2000, e investigan las (siempre cambiantes) relaciones entre tiempo, lugar y espacio.

Me llamo la atención ya que trata de explicar algo qué pasa habitualmente en la sociedad y en la vida. Sea en relaciones amorosas o de amistad.

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Esta obra me llamó la atención ya que la podemos interpretar de muchas formas una puede ser por ejemplo como confiamos ciegamente en alguien sabiendo que vamos a salir lastimados entre otros.

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Marcel Duchamp es la rueda de bicicleta que se exhibe en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA)
Si bien a mi no me gusta este tipo de obras ya que no les encuentro sentido o interés considero que todo puede ser arte y que siempre va a haber alguien que lo aprecie.

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Es una perfomance de Yoann Bourgeois, se llama "El exito no es lineal".
El artista para hacer esta perfomance se sube usando una cama elastica y se deja caer por las escaleras. A mi parecer representa que en la vida vas a tener que fallar varias veces antes de lograr tu objetivo y en el camino te vas a llenar de diferentes experiencias. Tambien puede signifar la variedad de caminos para llegar a un mismo objetivo.

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una persona carga con el peso de la culpa  y responsabilidades, • tiene dependencia emocional• se siente cansada y desolada • tiene mucho peso encima (frustr

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Valentina dellano Valentina Méndez

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en el arte conceptual lo que podemos ver es: te podes explayar libremente con las personas que tengas a tu al rededor. Te explayas demasiado que nadie se quiere

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Valentina dellano y Valentina Méndez

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El autor de esta obra es de apellido Klein, representa simplente el vacio, para mi con esto quiso abrir un debate popular de ¿que es arte? Ya que puede representar muchas cosas en un lugar que no hay nada.

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William Kentridge, Refuse de Hour. 2011

Eleji esta foto ya que me gusto visualmente

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"Cebra, fondo negro / Zebra on Black", Guido Daniele
Esta imagen muestra a una cebra creada con las manos y dice q para hacer arte conceptual no se necesita algo profecional, sino unas manos y creatividad

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El vacío. Yves KleinEste artista dijo que “nada será una obra de arte porque yo lo decido” para reforzar la idea y el cuestionamiento sobre quién decide qué es

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Esta obra de arte de performance lo es tal porque ambos artistas Warhol y Minujin le ponen el cuerpo a una actitud, una puesta en escena que permite una comunidad instantánea con el público que hasta a veces ni se da cuenta que está frente a una obra de arte. Sin embargo es arte porque interpela al espectador, lo provoca. Y otra de sus características es que está obra se despega de todo principio de representación

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Museo: MoMA, Nueva York (Estados Unidos)
Técnica: Escultura (129.5 x 63.5 x 41.9 cm.)
(Obra original perdida. Versión de 1951)

Duchamp crea su primer Ready Made, que viene a ser ese objeto sacado de su contexto original, desfuncionalizado y convertido en arte. Es decir en vez de ser un objeto creado por el artista, es el artista «robando» uno ya fabricado. Después de todo, no conozco un solo artista que no robe. Algunos incluso a mano armada…

El arte se convertía así en algo que reside básicamente en el espectador y que no tiene que poseer necesariamente las cualidades estéticas tradicionales. Puro reciclaje, y además un nuevo concepto, original e irreverente que sabotea deliberadamente lo que hasta entonces se entendía por arte. Le cayeron hostias, lógicamente, era una idea que abría demasiadas puertas, pero a la larga se convirtió en la piedra angular del arte realizado en el siglo XX.

Un concepto tan influyente que todavía se usa como algo nuevo y rompedor en cientos de galerías y museos de arte contemporáneo del mundo, a pesar de que tiene ya más de 100 años.

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La performance puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración, es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: TIEMPO, ESPACIO, EL CUERPO DEL ARTISTA Y UNA RELACIÓN ENTRE ÉSTE y el PÚBLICO

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es un collage de materiales editado en tiempo real, creando una composición diferente cada vez que se performa. La objetivación de sus cuerpos y movimientos multiplica los desencadenantes y las posibilidades de combinación de los materiales con los que juegan.

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es el título de una obra del polémico artista conceptual Piero Manzoni, expuesta por primera vez el 12 de agosto de 1961, en la Galleria Pescetto, de Albissola Marina, Italia.[1]​[2]​

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Este conjunto artístico blanco se compone de un tablero, treinta y dos piezas, dos sillas y una mesa que transmiten un potente mensaje de unidad. La artista expone su postura y responsabilidad activista creando esta pequeña obra en la que nos muestra un mundo en igualdad de condiciones

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One and Three Chairs (Una y tres sillas) se considera una de las primeras obras conceptuales que el artista concibió, siguiendo un criterio que él mismo calificó como «antiformalista» y que, con un sentido tautológico, se aproxima a una misma reflexión desde tres persepectivas diversas: mediante el objeto (la silla)

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El impacto de la obra de Miliyo en forma y escala resalta la sofisticación de las obras más silenciosas pero igualmente juguetonas e imprevistas de Costa.

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El propósito del arte conceptual se puede explicar como despojar a la experiencia estética de la elaboración artística, o sea: alcanzar la potencia del arte sin necesidad de “hacer” una obra, o al menos no en el sentido tradicional.

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El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el sentido por el que la obra se creó

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El mes de la mujer continúa en el Bellas Artes con la presentación de "Impermanencia", un ciclo de performances, dirigido por Victoria Keriluk, que propondrá un diálogo coreográfico con las obras de las artistas mujeres exhibidas en el Museo, con el objetivo de visibilizar su trabajo frente al desequilibrio que existe en la representación según los géneros.

Con curaduría de Adriana Barenstein, habrá ocho presentaciones de "Impermanencia", que se realizarán del jueves 22 al domingo 25 de marzo, y del jueves 29 al 1 de abril, siempre a las 18, con entrada libre y gratuita.

La performance pondrá en escena, en diversas salas del primer piso del Museo, a los bailarines Natacha Berezan, Luciana Demichelis, Antonio Elmar, Victoria Keriluk, Emilia Pujadas, Rodrigo San Sebastián y Mauricio Zmud. El hilo conductor de las diversas acciones coreográficas es la mirada puesta en la obra de mujeres de la colección permanente. Los bailarines trabajarán la fuerza cinética y dramática en un recorrido que pone en relación las piezas, la arquitectura y los cuerpos, escuchando lo que las obras dicen. El resultado es una construcción colectiva en red, con énfasis en el cruce artístico intergeneracional entre mujeres creadoras.

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el retrato de ross Milagros Byrne 4to eco

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el retrato de ross Milagros Byrne 4to eco

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el retrato de ross es una obra creada por félix gonzález torres en 1991. se elaboró en Estados unidos, Nueva York. el artista era gay y murió de sida a los 37 años en 1996 luego de que su pareja, Ross, falleciese el mismo año de la publicación de la obra por la misma enfermedad. en la obra, solo se utiliza una torre de caramelos que pesan 175 libras, el peso de ross cuando estaba vivo. es una obra interactiva en la que cuando las personas la visitan, se los incentiva a tomar un caramelo y comérselo
a simple viste no parece una obra muy pensada y algunos no le encuentran sentido, pero tiene un trasfondo muy triste y desgarrador. esta obra conmemora a su pareja, Ross, teniendo su mismo peso exacto. la obra habla del dolor de una pérdida, habla de su vida privada, de lo que él sufrió antes de morir. cuando la gente toma un caramelo y se lo come, el peso de la obra va disminuyendo hasta que desaparece haciendo referencia a la enfermedad, la cual no mata directamente sino que lo hace de a poco. representa como antes de morir perdía a su pareja, se iba enfermando hasta así morir definitivamente. la obra causa conmoción una vez que se entiende su significado

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violencia de género, performance Milagros Byrne 4to eco

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violencia de género, performance Milagros Byrne 4to eco

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esta es una performace contra la violencia de genero dirigida por la profesora paula muñoz en 2017 tras el asesinato de 44 mujeres cometidos por sus parejas. el video lo hizo con la colaboración de sus alumnos. en este se ve como se levanta y cae reiteradas veces hasta que se lastima, representando la violencia que recibieron estas mujeres, hasta que en un momento cae sobre una hoja blanca y las personas comienzan a acercarse de a una y espolvorean tierra sobre su cuerpo y dejando papelitos con nombres de las mujeres asesinadas, al final del video la mujer que estaba acostada sobre la hoja se levanta dejando la forma de su cuerpo en ella y los papeles son quemados.
el mensaje que da la performance es de concientizacion acerca de la violencia de género, es un homenaje a esas 44 victimas. nos provoca tristeza e impotencia por ya no poder hacer nada por ellas, sino sólo conmemorarlas. la forma del cuerpo que queda en la hoja y las cenizas de los papeles quemados representan a las mujeres asesinadas.

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44 - Performance contra la violencia de genero

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Esta creada por Marina Abramović, es una artista serbia dedicada al arte del performance​ que inició su carrera a comienzos de los años 1970. Activa durante más de cuatro décadas, se ha descrito a sí misma como la "madrina del arte de la performance”
Esta fue presentada entre el 10 de marzo y el 10 de mayo “Terra Comunal” ,Marina Abramovic , la mayor retrospectiva de la famosa artista del performance y el montaje público más ambicioso coordinado hasta la fecha por su Instituto, el Marina Abramovic Institute ,una suerte de spa cultural, donde los visitantes puedan conectar, además de contemplar obras de performance de larga duración, experimentar con el Método Abramovic, un conjunto de actividades pensadas para desconectarnos del ritmo frenético de nuestros días y reconectarnos con nosotros mismos y los que nos rodean.
La retrospectiva reúne tres instalaciones de inmersión que representan las performances más importantes de Marina Abramović en los últimos doce años, una selección especial de videos de todas las fases de su carrera, y un espacio destinado a Objetos Transitorios creados con minerales y otros materiales orgánicos del Brasil, y que dan cuenta de la relación permanente y productiva que ha mantenido la artista serbia con este país desde 1989.

”Terra Comunal” es una forma revolucionaria de sentir la experiencia de la obra de Abramovic. El público será introducido a su Método a la par de su obra histórica, lo que permitirá un acercamiento directo entre la artista y el espectador.

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Esta obra llamada “Vaso medio lleno” es del artista cubano Wilfredo Prieto. Es un vaso medio lleno o medio vacío según quien lo mire, poniendo en juego su propia  valoración personal.  Realmente hace pensar en el optimismo de cada uno, ya que según qué visión se tenga de la vida, se verá la mitad llena o la mitad vacía del vaso, pero todo depende de cómo uno ve su propia vida y cuán alta es su  propia autoestima.

Me llamó la atención el mensaje que quería transmitir el artista, y como con un simple vaso medio lleno o medio vacío puede hacer replantear tantas cosas de la vida de cada persona; y según la visión de cada uno, se puede adaptar su concepto y contenido. Si uno lo ve medio lleno, tiene una mirada positiva de la vida, ve lo bueno en los demás, y es agradecido con todo lo que tiene. En cambio, si uno lo ve medio vacío, puede representar algún dolor interno, la falta de algo, el sentiste vacío internamente.

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Cada 19 de Octubre se conmemora el Día Internacional contra el Cáncer de mama. A través de esta performance organizada por el Ministerio de Salud Pública de San Juan, en las inmediaciones del Parque de Mayo, llamada “Corramos Juntas”, se realizó una maratón de 2,3 km para crear conciencia, visibilizar y prevenir esta enfermedad mediante controles. De esta actividad participaron personas que padecen o han padecido esta enfermedad, acompañados por sus familias, como así también muchos sanjuaninos que están interesados en la difusión de la necesidad de la prevención como mecanismo de lucha contra el cáncer de mama. Luego de la maratón, soltaron globos rosas en representación a la superación del cáncer de mama.

Me llamó la atención ya que lograron emitir bien el mensaje con esta performance, siendo un tema delicado para las mujeres que luchan contra esta enfermedad, y ayudando a muchas otras a prevenirlo a tiempo mediante los controles periódicos, sin duda con esta maratón lograron tener un mayor alcance de previsión. Esta performance transmite alegría y orgullo al poder concientizar y ayudar a las mujeres que están pasando por esto, y también enorgullece el hecho de que busquen el bienestar de las mujeres y no minimicen el cáncer de mama.

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Joseph Kosuth (norteamericano) fue otro de los artistas pioneros que estuvo activo desde mediados de los años 50 en este tipo de arte. Kosuth, exploró nuevas ideas a partir de las que desarrolló Duchamp sobre el ready - made y su planteamiento fue el siguiente: el mundo está hecho de definiciones y conceptos sobre lo que existe, es decir, el objeto existe como materia pero no es hasta que no adquiere un concepto cuando tiene un verdadero significado, formando parte en el mundo de las ideas.

Entre sus obras más sobresalientes nos encontramos con Una y tres Sillas, en la que representaba al medio una silla de madera plegable, a un lado una fotografía de la misma, y al otro, la definición de la palabra silla.

Joseph Kosuth, a través de esta obra lo que nos quería era hacernos reflexionar sobre en cuáles de los tres medios que aparecían se encontraba la identidad del objeto y es que siempre una obra de arte será equivalente a una idea, subjetiva y, como tal, multitudinaria.
La imagen nos hace pensar en que cosas podemos denominar arte y nos pone a disposición de elegir cual creemos que identifica al objeto, por lo que es una obra que representa puramente la subjetividad del espectador.

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En la obra “Cut Piece”, (1965), Ono permanecía arrodillada en el escenario e invitaba a los miembros del público a subir y a rasgarle la ropa con unas tijeras, cubriéndose los pechos con las manos a medida que las prendas iban cayendo. Deconstruyendo la relación supuestamente neutral sujeto/objeto entre el espectador y el objeto de arte. Ono presentaba una situación en la que el espectador se implicaba en el acto potencialmente agresivo de desnudar a un cuerpo pasivo. A esto había que sumar también los aspecto de género, ya que se trataba de un cuerpo femenino. Cut Piece también pone de manifiesto cómo la mirada inconsciente tiene el potencial de dañar e incluso destruir el objeto sobre el que se posa.
Me llamo la atencion ya que me parece alocado como Ono se presta para semejante cosa, prestarse asi para el artista ser esa obra de arte

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En este caso Duchamp representa un objeto normal sacado de su contexto original y desfuncionalizado, por eso esto se convirtió en arte, es decir que en vez de crear un objeto por el artista, es el artista “robando” un objeto ya fabricado.
el arte conceptual pretendió demostrar que se podía hacer arte sin necesidad de desembocar en cosas (artísticas)

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Entre las imágenes de obras artísticas no hay que dejan pasar los trabajos del artista y activista de origen chino Ai Weiwei, que ha orientado sus creaciones a una visión crítica basada en sus experiencias en los lugares donde residió.
Como ejemplo de ello se encuentra esta obra, donde se ve un impermeable con un agujero cubierto con un condón a la altura de la cintura, como una forma de manifestar la preocupación del artista ante la crisis del SIDA que el artista percibió durante su tiempo residiendo en Nueva York como estudiante de la Parsons School of Design. Cabe destacar que dentro de ese periodo de su vida (1981 – 1986), el artista asiático observó los trabajos de Jasper Johns, Andy Warhol y Marcel Duchamp, cuyas obras han sido determinantes en el desempeño de Weiwei a lo largo de su trayectoria.
Elegi esta obra ya que me intereso por ser algo tan simple como un impermeable y un condon podrian llegar a ser una obra de arte con un gran mensaje detras

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https://youtube.com/watch?v=uwkMqWomPeQ&feature=share
Videoperfomance que forma parte de un proyecto multidiciplinario en el cual intervienen pintura, fotografia y movimiento

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¿Quién crea a quién? - Videoarte - Performance

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"The Obliteration Room"- Yayoi Kusama, 2002.

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Por Gastón Rodríguez – 4to ECO

Video:

https://www.youtube.com/watch?v=LegJq5tNLyg

Organizada para que coincida con las vacaciones escolares de verano, esta  instalación de Yayoi Kusama (Japón, 1929) se llama ‘The Obliteration Room’

Ubicada en la Sala de Turbinas de la Tate Modern, permite a visitantes de todas las edades transformar y crear una obra de arte grupal, formada por stickers de colores brillantes en forma de puntos de color (los característicos “polka dots” empleados por Kusama en sus obras) pegados en las paredes, techo, suelo y mobiliario de una habitación completamente blanca.

De esta manera, la habitación blanca se va destruyendo poco a poco durante el transcurso de la exposición y el espacio cambia sensiblemente con el paso del tiempo, a medida que los puntos se acumulan como resultado de miles y miles de colaboradores de todas las edades.

Me gustó esta obra porque se puede crear algo artístico entre todos, sin importar la edad o el saber sobre arte.

Y se va viendo la transformación de ese espacio, de esa habitación originalmente blanca: se va llenando de vida y color a partir de pegar los stickers.

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la Academia de la Danza Mexicana (ADM) realizaron la jornada “Mi cuerpa al arte, no a tu placer” frente al Palacio de Bellas Artes el pasado viernes para protestar contra la violencia de género en su escuela por medio de diversas manifestaciones artísticas.
intenta demostrar diversas formas de tortura hacia las mujeres por parte de los hombres en este caso, luchando por las mujeres que ya no estan

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https://youtu.be/uwkMqWomPeQ

Nombre: "TERRITORIOS FÉRTILES"
El acto creativo como potencial de transformación interna y externa, íntima y social.

Idea: Lu Di Pietro
Bailan: Lu Di Pietro y Leonardo Sussarte
Realización audiovisual: Paula Herrera Vivas
Asistente de filmación: Mariana Dominguez
Mezcla de sonido: Andrea Burla

Lo que nos muestra esta performance en lo personal es como las relaciones y vínculos que tenemos con las personas como seres sociales nos afecta y transforma en muchos niveles, tanto en percepciones como en comportamiento.
Muestra como nos afecta el otro y como lo afectamos nosotros cambiando una parte de mi al igual que el otro, aprendiendo de la experiencia de ese vínculo que formamos y de los que formaremos a lo largo de nuestras vidas con diferentes personas aprendiendo un poco más cada día.

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¿Quién crea a quién? - Videoarte - Performance

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La obra más famosa de arte conceptual es la fuente que Marcel Duchamp presentó en una exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York. La idea se le atribuye a Elsa Von Freytag, bajo el pseudónimo R. Mutt, aunque su autoría se reconoció muchos años después de su muerte.
Aunque la exposición establecía que aceptaría todas las obras presentadas, La Fuente escandalizó tanto a los organizadores, que fue descartada y solo queda como testigo, esta fotografía de Alfred Stieglitz.

Un las décadas siguientes Marcel Duchamp encargó nuevas Fuentes que se exponen en más de 15 museos alrededor del mundo.

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En este caso, Koons realizó una serie de tanques para su primera exposición individual bajo el título "Equlibrium", en la galería de Nueva York - International With Monuments. Los tanques se componen de vitrinas de vidrio apoyadas sobre soportes de acero negro y fueron hechos con diferentes capacidades (para una, dos o tres pelotas). Los tanques están llenos de agua destilada y una mínima cantidad de reactivo de cloruro de sodio que ayuda a que las bolas estén suspendidas en el centro del líquido. Tiene una segunda versión titulada Tanques 50/50 en la que solo la mitad del tanque se llena con agua destilada, de tal forma que las pelotas flotan mitad dentro, mitad fuera del agua.

En mi opinión al ver esta obra pienso en que se trata del equilibrio que uno quiere lograr en su vida con las cosas cotidianas, planes, salud y bienestar. Y me da a entender que ese equilibrio se logra de manera pacífica y tranquila como se muestran las 3 pelotas en esa "pecera"

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es una obra de Joseph Kosuth.

Obra formada por una silla de madera, la fotografía de la silla y ampliación fotográfica de la definición de la voz «silla» en el diccionario
yo siento como se intenta demostrar la desmateralizacion de un objeto, de las diversas formas de entender lo que tenemos en frente, al ver esta obra el espectador se pregunta para que las 3 cosas si se sobre entiende que seria una silla para mi este seria el objetivo de la obra.Podría decirse que la obra se apoya en tres herramientas o instrumentos operativos: el objeto, la imagen y la palabra, es decir lo indicial, lo icónico y lo simbólico

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Esta es una obra de arte realizada por Nathan sawaya, quien realiza esculturas tridimensionales personalizadas y mosaicos a gran escala. Es mejor conocido por su trabajo con ladrillos de lego. Lo que busca el es poner emociones en sus esculturas. Yo puedo interpretar de esta obra es cuando alguien guarda sus emociones por mucho tiempo, las deja salir todas juntas.

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PERFORMANCE- Marielli Geraldine 4to eco 

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PERFORMANCE- Marielli Geraldine 4to eco 

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La Plaza de los Mártires en Toluca, frente al Palacio de Gobierno del Estado de México, se tiñó de rojo con 200 pares de zapatos de ese color que fueron colocados en memoria de las victimas de feminicidios en la entidad.
La acción nació de la artista mexicana Elina Chauvet, esta instalación de los zapatos rojos llevo a varios paises con el mismo fin de hacer conciencia, memoria y de concientizar a la sociedad sobre el sin fin de cantidades de mujeres que son victimas de femicidio. Este accionismo ayuda a captar la atención del sociedad ya que es una manera de ver la gravedad de la situación y es mas impactante por ahí si estas físicamente frente a la obra, ir caminando y cruzarte con esto y reflexionar que hay muchos casos los cuales suceden y no nos enteramos, reflexionar sobre la cantidad de mujeres que lo sufren por que ahí hay 200 pero son millones de millones de mujeres quienes lo sufrieron. Es muy buena la representación tomada pero también dolorosa.

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Mediante esta perfomance se trata de concientizar la cantidad de femicidios ocurridos en Argentina a lo largo de los años. Detrás de las bailarinas se pueden ver los casos presentados en el noticiero.
Sin dudas considero que esta performance está muy bien hecha, no solo por lo bien que se representó el femicidio, sino también por los diferentes estilos de música utilizados que (a mi parecer) representan que la problematica estuvo presente a lo largo de las épocas.

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ARTE CONCEPTUAL- Marielli Geraldine 4to eco

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ARTE CONCEPTUAL- Marielli Geraldine 4to eco

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Este arte conceptual el cual su autor pertenece a Richard Sierra, nos permite percibir desde la sencillez a la complejidad por ejemplo y en este caso a través de ondas y espirales. Estas nos puede generar ver diferentes efectos en el movimiento y en la percepción para nuestra visión.
Esta obra a lo largo de esta galería y visualizándola físicamente puede generarnos una situación de "diversión" e "interés" al esta obra crear pasillos ya sean mas anchos u angostos en los cuales te tomarías el tiempo de disfrutar mas de cerca la obra, por eso es llamada "La materia del tiempo". Es una obra (materia) la cual tomarías un tiempo en disfrutar.
También puede generar una sensación de querer accionar sobre la obra ya sea desarmando el espiral o colocarse por dentro, además de interesarte por saber de que esta compuesto.

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En esta performance estas jóvenes buscan transmitir un mensaje muy importante. La violencia hacia la mujer y los femicidios diarios son un tema muy importante y ellas buscan transmitir el mensaje. Buscan demostrar y generar un impacto en la sociedad, tal vez para lograr la atención sobre el tema y que la gente tome conciencia de la gravedad del asunto. Me parece muy interesante como transmiten el mensaje porque capta la atención más rápidamente que un texto por ejemplo.

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El Vacío
Al presentar esta obra, su autor Yves Klein dijo "nada será una obra de arte porque yo lo decido".
A mi parecer, esta obra refuerza la idea y el cuestionamiento sobre quién decide qué es arte y por qué.

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JOSEPH KOSUTH – UNA Y TRES SILLAS
Se considera una de las primeras obras conceptuales que el artista concibió.
Está obra de arte conceptual nos muestra una simple silla, la foto de una silla y la definición de la palabra silla, nos muestra 3 perspectivas. En realidad quiere demostrarnos que no es una simple silla. Que tiene una identidad, que tiene un sentido en la vida. Me hace pensar que cada objeto tiene un uso para nuestra vida y me hace observar con más detalle cada uno de estos.

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Esta imagen es la portada del primer álbum de un proyecto conocido como "Everywhere at the End of Time". El cual en sus seis álbumes y a través de las canciones que los componen se expone a la demencia como conjunto de enfermedades, sus resultados en la perdida de memoria de sus pacientes y finalmente su desarrollo hasta la muerte del mismo, describiendo a cada álbum desde el primero como "etapas" por las cuales a medida que se avanza en la música, también se muestra el avance de la enfermedad.
Este proyecto no ayuda solo a concienciar sobre el peligro de este tipo de enfermedades, sino también nos hace empatizar, sin decir ni una palabra, hacia los enfermos y el terror que tienen que sufrir por ver sus recuerdos desvanecerse a medida que avanzan las etapas, y su realidad volverse difusa hasta que simplemente no queda nada.

Esta obra, al ser representativa de la primera etapa en la cual el paciente aun no puede reconocer su enfermedad, y atribuye sus síntomas de perdida de memoria a factores de baja gravedad; nos muestra una imagen sombría, algo confusa, pero nostálgica por demás. Se nos presenta con un objeto que se asimila mucho a algo que ya hemos visto, pero aun así no podríamos afirmar con seguridad completa que es lo que creemos que es. Al ser tan familiar pero no poder nombrar el objeto nos genera cierta confusión, pero mayor reminiscencia, apoyada por el aire sombrío y antiguo que emite la imagen que hace ver al objeto misterioso y efímero; pero no completamente distante ni desconocido como para hacernos creer que es algo que no hayamos visto antes o sea imposible llegar a reconocer.
Este arte llega a describir en solo unos cuantos trazos la etapa que se quiere mostrar en este primer Álbum: nostalgia, familiaridad y el inicio de la perdida y lo sombrío. Este álbum goza de una descripción, que aclara sobre la etapa de la demencia que esta siendo tratada, y da explicación a los sentimientos transmitidos por la imagen, he aquí la descripción:
"Aquí experimentamos los primeros signos de perdida de memoria. Esta etapa es más como una hermosa ensoñación. La gloria de la vejez y el recuerdo. Lo último de los grandes días."

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Las Abuelas de Plaza de Mayo son una organización no gubernamental creada en 1977, cuyo objetivo es localizar y restituir a sus legítimas familias todos los niños desaparecidos por la última dictadura argentina. Esta movida fue organizada para el jueves 22 de octubre, en el 43 aniversario de la organización. La propuesta consiste en escribir el propio nombre en la palma de las manos y subir a las redes sociales una foto, video, dibujo, canción para conmemorar el Día Nacional por el Derecho a la Identidad. Además etiquetar y/o mencionar a Abuelas para poder potenciar la campaña en las redes sociales. La iniciativa propone que quienes quieran también graben el momento en que se escriban las manos, se sacan las fotos solos o en familia, o bien contar la historia de su nombre.

Esta obra es llamada “Manos con Identidad” (Abuelas de plaza de Mayo), en la cual, se pueden ver manos de distintas personas con diferentes nombres. Estas personas dejaron mensajes en su cuerpo para manifestarse, para dar visibilidad a aquellos niños, y no ignorar el crimen que se cometió, continuar con la búsqueda. Yo creo que al hacerlo visible por las redes es mucho mejor, y más si es etiquetando a las Abuelas, ya que más personas lo van a ver, se va a viralizar más.

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El título de esta obra es “Pecera con balones en equilibrio total” (1986) su autor es Jeff Koons. Jeff Koons quiso alcanzar el equilibrio también con obras que presentaban balones de baloncesto flotando en el interior de tanques de agua en un delicado equilibrio que se puede ver alterado por cambios de temperatura o vibraciones. Su arte, explica él mismo, que tiene como objetivo revelar al espectador la "esencia de su potencial”.

En la obra se pueden ver tres pelotas de básquet, en una posición y distancia diferente. Tras esto, yo creo que representa como de distintas formas, podemos triunfar y conseguir lo que queremos, que en este caso, sería anotar un punto, y en ese momento, al llegar a eso que queríamos, encontramos un equilibrio en nuestra vida.

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"Rhyhtm 0", mejor conocido como "Ritmo 0" es una de las piezas de performance mas importantes de Marina Abramovic, debido a en que consistía la misma.

Esta consistía en que ella durante 6 horas, iba a ser un objeto el cual el publico podía interactuar como se le plazca, con el objetivo de demostrar hasta que limite puede llevarse el cuerpo humano y de que es capaz el publico. Ya que, en esas épocas, los artistas de performance eran mal vistos.

Lo que más me llama la atención es como la gente al final el performance, no tiene la cara para interactuar con la artista luego de todo lo que hicieron y simplemente corrieron del lugar.

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Marina Abramovic 'Rhythm 0' (1974) - SUBTITULOS EN ESPAÑOL

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Arte Conceptual - Emanuel Jordan 4to Com

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Arte Conceptual - Emanuel Jordan 4to Com

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Esta obra realizada por Vincent van Gogh en las orillas del rio Ródano, uno de los ríos mas importantes de Europa, que estaba en ese entonces cerca de la casa amarilla que alquilaba Van Gogh.

Esta obra además de los colores llamativos y gran técnica artística, es importante por lo que significaba para Van Gogh, en el momento de pintar la obra este lugar resultó ser ideal para Van Gogh, ya que se había interesado por los efectos de la luz. En particular, la iluminación artificial de las lámparas de gas por la noche.

En una de las cartas de Van Gogh, el relata de una forma implícita la cautelosa atención que le presta a las tonalidades de los colores en la realidad; "El cielo es aguamarina, el agua es azul real, la tierra es malva.” Y continúa: “La ciudad es azul y púrpura. El gas es amarillo y los reflejos son desde color oro rojizo hasta el bronce-verde”.

En palabras mas simples, su gran interés por reinterpretar los colores de la realidad en una obra son lo que le da un significado a esta obra. En lo personal, esta obra me hace pensar en lo vivo de la naturaleza y su gran variedad de tonalidades que pueden ser retratados en el arte, por eso elegí esta obra, es un ejemplo claro de esto.

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https://youtu.be/ZFFDJJDQpiU

Elegí este video a modo de concientización ya que muestra como debido a los residuos el medio ambiente se va deteriorando y atentando contra la vida de los animales y el medio ambiente lo que puede generar un gran problema para la humanidad a largo plazo

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https://youtu.be/1Yoy2R4gIzo

En la reflexión con respecto a esta performance siento que el objetivo es brindar o manifestar una idea con un trasfondo complejo, que para entenderlo hay que ir más allá de los vidriazos y los tarros de pintura. Sin embargo, no logro descifrar del todo el mensaje que busca dejar, pero creo que la referencia en mi opinión es en base al ser humano y los distintos problemas que puede atravesar, y que a pesar de todo debe resistir y ser perseverante más allá de los procesos que atraviese.

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Está obra me llama la atención ya que se muestra un hombre en el cual dentro de el en la zona donde se encontraría el cerebro hay una rueda de bicicleta en su lugar , con esto puedo interpretar que así como la rueda hace funcionar a la bicicleta el cerebro es la principal razón por la que funciona el ser humano

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En esta foto me llama la atención como el autor representa la naturaleza animal en la naturaleza humana. Siento que el objetivo de este arte de "manimales" es representar la situación animal y la naturaleza en general. Sus obras han sido utilizadas para gran número de campañas publicitarias, como las realizadas para AT&T (tal vez la más espectacular), WWF y otras.

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MICHAEL CRAIG-MARTIN – UN ROBLE (AN OAK TREE)
Esta es la obra más famosa de arte conceptual del artista irlandés Michael Craig-Martin, profesor emérito de Bellas Artes en Goldsmiths de la Universidad de Londres.
Esta obra consta de una repisa de vidrio donde hay un vaso de agua apoyado. La obra está acompañada de un texto, donde el artista afirma convertir un vaso de agua en un roble, además algunos espectadores le hacen algunas preguntas (extracto):

P. Para empezar, ¿podría describir este trabajo?

R. Sí, por supuesto. Lo que he hecho es convertir un vaso de agua en un roble adulto sin alterar los accidentes del vaso de agua.

P. Parece un vaso de agua.

R. Por supuesto que sí. No cambié su apariencia. Pero no es un vaso de agua, es un roble.

P. ¿Fue difícil efectuar el cambio?

R. Para nada, ningún esfuerzo. Pero me tomó años de trabajo darme cuenta que podía hacerlo.

P. ¿Considera que transformar el vaso de agua en un roble constituye una obra de arte?

R. Sí.

P. ¿Qué es precisamente la obra de arte? ¿El vaso de agua?

R. Ya no hay vaso de agua.

P. ¿El roble?

R. Sí. El roble.

P. ¿Cuánto tiempo seguirá siendo un roble?

R. Hasta que lo cambie

Esta obra me llamo la atención ya que habla que todo se puede transformar y convertir en arte si tenemos imaginación y creatividad. Porque tomando este ejemplo, el artista convirtió el vaso de agua en roble y cuando quiera lo cambia a otro objeto, a la gente le llamo la atención porque cambia cosas ya establecidas, si un vaso es un vaso, siempre va a ser un vaso, Craig decidió jugar con este tema

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Esta performance esta representada a través del baile. En este caso, Jimena Barón, una actriz, cantante y compositora argentina. Conocida por participar en varias telenovelas como Gasoleros, Los Roldán, Casi ángeles, Los únicos y Esperanza mía, entre otras. Eligió transmitir lo que puede sufrir una mujer, ya sea, violencia de genero, vender su cuerpo para ganar dinero, o el acoso que sufren cuando salen a la calle.
Me llamo la atención ya que esta muy bien logrado el objetivo, porque pudo transmitir emociones con un tema muy delicado, que personalmente, siento que es muy difícil, porque no es fácil representa la violencia hacia una persona. Además porque me atrapo y quería saber que seguía después de cada paso que hacia.
Por este motivo, me gusto la performance.

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¡Con un tremendo mensaje, Jimena Barón bailó su Ritmo Libre dedicado a las mujeres!

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Análisis Performance Yoko Ono: “Cut Piece” (1965)

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Análisis Performance Yoko Ono: “Cut Piece” (1965)

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Por Gastón Rodríguez – 4to ECO

Video:

https://www.youtube.com/watch?v=zbQBD06N0Hs&t=13s

En la obra “Cut Piece” de 1965, la artista japonesa Yoko Ono (1933) permanecía arrodillada y en silencio  sobre el escenario e invitaba al público a subir y a cortarle la ropa con una tijera. Lo hacían de a uno por vez. A medida que las prendas iban cayendo, Yoko Ono se cubría los pechos con sus manos. Se escuchan comentarios y risas durante el transcurso de la obra ante la mirada impasible de Yoko.

El espectador de esta obra deja de ser pasivo y destruye y vuelve a construir ese objeto de arte que está mirando. Es un cuerpo inmóvil que sufre la agresión de otro cuerpo, tanto en el acto de dejarlo desnudo como con las risas y comentarios. Al tratarse de un cuerpo femenino se manifiestan también aspectos de género.

“Los espectadores fueron recortando las partes de mí que no les gustaban. Al final sólo quedaba yo, firme como una piedra, pero ni siquiera eso les satisfacía: querían saber qué había en esa piedra“. (Yoko Ono, comentario de la artista, 1971)

Esto me genera sorpresa, inquietud, curiosidad, rechazo, varias emociones mezcladas.
Tiene que ver con el cuerpo de la misma artista, que es un objeto de arte y que puede ser contemplado, mirado y destruido al mismo tiempo.