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Forma, madera y metal

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Adriana Miranda Gil

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A partir de 1916, en un contexto de guerra mundial y conmociones sociales Torres García experimenta un cambio vital y artístico que se ha llamado "la crisis del 17". La ciudad, la gente y el ritmo de las calles se tornan protagonistas de su obra y se relaciona con artistas de vanguardia como Rafael Barradas y Salvat Papasseit. En 1920 se muda con su esposa e hijos a Nueva York. En su obra de entonces aparecen la tipografía y elementos gráficos que resuenan al ritmo visual de la moderna metrópolis.

Cuando en 1926 Torres García se instala en París, se integra plenamente a las vanguardias y crea el grupo "Cercle et Carré". En sus obras constructivas estructura el espacio plástico en líneas ortogonales trazadas en base a la sección áurea, desplegando en él signos de resonancia universal. Se trata pues de encontrar un equilibrio entre la razón y la intuición.

En 1934 vuelve a Montevideo para radicarse allí definitivamente con la intención de generar un movimiento artístico apoyado en las ideas del Universalismo Constructivo, que trasciende los límites de la teoría estética para constituirse en un modo de entender el arte y la vida. Dicta numerosas conferencias, edita revistas y libros, realiza audiciones radiales. En 1935 crea la Asociación de Arte Constructivo y en 1942 se consolida el Taller Torres García. Cuando fallece en 1949, Torres García es guía y mentor de una pléyade de jóvenes pintores.

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A partir de 1916, en un contexto de guerra mundial y conmociones sociales Torres García experimenta un cambio vital y artístico que se ha llamado "la crisis del 17". La ciudad, la gente y el ritmo de las calles se tornan protagonistas de su obra y se relaciona con artistas de vanguardia como Rafael Barradas y Salvat Papasseit.

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Título: Arte constructivo
1943
Universalismo constructivo

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Título: El Grito
1893
Expresionismo

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Paleolítico
Arte Rupestre

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Título: La noche estrellada
1889
Expresionismo

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Título: Comendiante
2019
Obra contemporánea

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Mas info sobre "Comendiante" Maurizio Cattelan

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Mas info sobre "Comendiante" Maurizio Cattelan

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"Comediante", del artista italiano Maurizio Cattelan: una banana pegada a la pared con un trozo de cinta plástica se vendió por 120.000 dólares (Télam)

La obra de arte llamada Comediante y consistente en una banana pegada con cinta adhesiva a una pared que ideó el artista italiano Maurizio Cattelan y fue vendida por 120.000 dólares en una feria de arte el año pasado, será ahora parte de la colección del Museo Guggenheim de Nueva York después de que la institución lo aceptara de un donante anónimo.

"Somos agradecidos receptores del regalo de Comediante, una demostración más de la hábil conexión del artista con la historia del arte moderno -sostuvo Richard Armstrong, director del museo, al periódico New York Times-. Más allá de lo cual, ofrece poco estrés a nuestro almacenamiento", acotó.

La creación -que dio lugar a dos iteraciones que se vendieron por 120.000 dólares cada una y una tercera por 150.000 dólares- había llamado la atención del mundo del arte durante Art Basel Miami Beach en diciembre pasado, cuando durante su exhibición en la feria dentro del espacio de la galería Perrotin generó debates entre críticos, así como un montón de memes de Internet y tuits enojados de usuarios de la red que estaba desconcertados por su precio.

David Datuna se come la banana en el Art Basel de Miami Beach, en 2019 (Ronn Torossian via REUTERS)

La feria se vio obligada a instituir medidas de control de multitudes mientras los espectadores obstruían los pasillos, acudiendo en tropel para ver la fruta que iba madurando lentamente. El artista David Datuna elevó el circo mediático al comerse luego la obra sin ceremonias.

En medio de la polémica, Perrotin se las arregló para vender las tres ediciones de la pieza, incluso subió el precio a 150.000 dólares por la copia final. A pesar de los muchos interesados, incluyendo al conocido artista Damien Hirst, la galería optó por conservar dos pruebas de artista.

Los propietarios de la obra son responsables de suministrar su propio plátano y cinta adhesiva, y de llevar a cabo la instalación. Lo que el precio de compra de seis cifras compra en realidad es un certificado de autenticidad y un manual de instrucciones adjunto que especifica el ángulo y la altura exactos - 37 grados, unos 68 pulgadas sobre el suelo - con los que se puede fijar la fruta a una pared.

Maurizio Cattelan

Pocas obras de arte vendidas en los últimos años han llamado tanto la atención como Comediante, por el precio de 150 mil dólares al que se vendió uno de sus ejemplares, y por la ironía del concepto detrás de la obra, el de una banana que se pega a una pared.

Comediante de Cattelan dio en el clavo, como una obra que reflexiona sobre el comportamiento humano y social, contando al mundo entero cómo una simple banana de treinta y tantos puede cambiar por completo su significado y valor si se cambia el contexto que la rodea.

Un hombre posa para una foto junto a 'Comediante' (REUTERS / Eva Marie Uzcátegui)

La sencillez de la idea choca ahora con la cuestión -según informa el New York Times- de su conservación , ya que se trata de materia orgánica perecedera . Sobre todo ahora que la obra del artista italiano será exhibida en el Museo Guggenheim de Manhattan, que la ha aceptado en su colección como resultado de la donación anónima.

En el mismo famoso museo estadounidense también se encuentran otras obras de Cattelan, entre ellas el famoso y provocador inodoro dorado presente en la obra titulada América. El Guggenheim volverá a abrir al público después del cierre del 3 de octubre. De momento aún no se sabe cuándo el museo mostrará la obra de arte, sin embargo sus voceros dejaron saber que tienen la situación bajo control.

El inodoro de 18 quilates, titulado "América", de Maurizio Cattelan en el baño del Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York (Foto AP)

De hecho, el problema de la conservación de este tipo de obras de arte es más grave de lo que parece a primera vista, porque el propósito de los museos es preservar una pieza el mayor tiempo posible. Pero, ¿qué pasa cuando los protagonistas son materiales orgánicos que se vuelven perecederos como una banana?.

A las preguntas de los reporteros del New York Times, el Guggenheim respondió con prontitud, reiterando que no creen que haya protocolos particulares a seguir o que "haya algo prescrito que diga de dónde obtener la banana o en relación con su tamaño. La idea es que es una banana. Por eso vamos a comprar una banana". ¿Dónde? "A la tienda más cercana", dijeron.

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Un museo de EE.UU. exhibirá la polémica banana pegada con cinta a una pared, que se vendió por USD 120 mil

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"Comediante", del artista italiano Maurizio Cattelan: una banana pegada a la pared con un trozo de cinta plástica se vendió por 120.000 dólares (Télam) La obra de arte llamada Comediante y consistente en una banana pegada con cinta adhesiva a una pared que ideó el artista italiano Maurizio Cattelan y fue vendida por 120.000 dólares en una feria de arte el año pasado, será ahora parte de la colección del Museo Guggenheim de Nueva York después de que la institución lo aceptara de un donante anónimo.

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Título: La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo”
1991
Obra contemporánea

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Mas info sobre Damien Hirst

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Damien Hirst ante sus obras. Londres (2012).
Damien Steven Hirst, más conocido como Damien Hirst, es un artista británico nacido en Bristol en 1965. Estudió Bellas Artes en Goldsmisth -Universidad de Londres- y siendo estudiante trabajó a tiempo parcial en una morgue, una experiencia que influyó posteriormente en su elección de temas y materiales.

Podría decirse que la muerte es uno de los tema centrales de su trabajo, y bajo esta premisa destacaremos tres series u obras clave que serán imprescindibles para hablar del artista y de su relación con el mercado.

"Natural History", serie inicia por Damien Hirst en 1991.
En primer lugar hablaremos de la serie de obras "Natural History", más conocida como Historia Natural, en las cuales animales muertos -tiburones, ovejas, cabras, vacas, caballos...- son preservados, a veces diseccionados, en formol. De esta serie quizás podríamos destacar la obra "La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo"[1], un título bastante lírico para un tiburón tigre de 4,3 metros de largo sumergido en una vitrina con formol. Sin entrar en demasiados detalles, podemos dialogar brevemente sobre el proceso de realización de la serie de Historia Natural. Estos animales son cazados -por unas personas que no son Hirst- y posteriormente se les inyecta formol. Una vez hecho esto, los animales son disecados y posteriormente incluidos en las vitrinas que veíamos con anterioridad.

" Me gusta la idea de una cosa para describir un sentimiento. Un tiburón es terrorífico, mucho más grande que nosotros, en un medio desconocido para nosotros. Parece vivo cuando está muerto y muerto cuando está vivo ". -Damien Hirst.
Proceso de creación de una de las obras de Hirst, titulada "La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo".
Y con esto nos preguntamos, ¿dónde se lleva a cabo este proceso? El artista Damien Hirst ha creado una enorme fábrica nueva para poder producir sus masterpieces, conteniendo su propio estudio de formol para convertir animales sacrificados en obras lucrativas. Esta fábrica hoy día se encuentra en Gloucestershire, Inglaterra, a pesar del descontento de los vecinos.

Dependencias de la fábrica de Damien Hirst. Fuente: Dailymail.
Debido a la descomposición del tiburón tigre, éste fue remplazado en 2006. A pesar de ello, esta "obra de arte" se vendió por 12 millones de dólares -algo más de 9 millones de euros-, haciendo de Hirst el artista vivo mejor cotizado del mundo. Este tiburón, nombrado por Hirst como un elemento para describir un sentimiento, ha permanecido como un icono simbólico del arte moderno británico.

La serie de Historia Natural que comenzó Hirst hacia 1991 tenía como objetivo crear un zoológico de animales muertos, empleando cajas de cristal para definir el espacio de la obra, al mismo tiempo que expresa la fragilidad de la existencia. Este zoológico fue el que le proporcionó fama internacional, así como le valió su primera nominación al Premio Turner en 1992[2].
"For the love of God", obra de Damien Hirst (2007).
"Por el amor de Dios" será la siguiente creación que comentaremos de este artista. En este caso el tema de la muerte sigue perenne en su obra, pues Hirst se valió de una calavera humana auténtica para recubrirla de 8.601 diamantes. En este caso, la pieza fue realizada por un conocido joyero londinense, siendo Hirst el que aporta la idea -concepto- y sus asalariados los que las producen. En este caso, la obra no es más que la representación de una vanitas barroca; en el mejor de los casos, la obra puede ser vista como una oportunidad para hablar sobre la muerte y la transitoriedad o sobre el hecho de que el lujo no conduce a la felicidad, especialmente si nos espera la muerte. Esta calavera también puede empujarnos a reflexionar sobre el regreso del culto de las reliquias en la forma de objetos de lujo venerados. En esta ocasión, la "calavera de Hirst" -como muchos la llaman- superó la venta anterior del tiburón, alcanzando los 50 millones de libras -unos 74 millones de euros-, pagados por un grupo inversionista del cual no se quiso revelar su identidad[3].
Damien Hirst junto a una de las obras realizadas con mariposas reales (2012).
Por último, pero no por ello menos controvertido, hablaremos de las obras que Hirst realiza a partir de mariposas reales. Por un lado, realiza obras pictóricas a partir de estas mariposas; y por otro lado, en 2012 realizó una exposición en la Tate Modern de Londres en las que las mariposas volaban por toda la sala, chocando contra los visitantes y mezclándose con el público. Esta exposición, titulada "In and Out of Love", duró 23 semanas, durante las cuales murieron más de 9.000 mariposas. Los activistas de los derechos de animales protestaron contra la práctica artística del británico, pues cada fin de semana el museo soltaba 400 nuevas mariposas para remplazar las que ya habían muerto. Esta exposición fue una de las más visitadas de la Tate Modern en ese año.

Es bien sabido que Damien Hirst no hace sus obras: de ello se encarga un grupo de colaboradores, los cuales han plasmado, por ejemplo, los 25.781 topos de un milímetro sin repetir ni un solo color que componen una de sus piezas. Para Hirst, lo importante es la idea, no su materialización física.

Si hablamos del impacto de la obra de Hirst en el mercado artístico, podemos apuntar que se le calcula una fortuna superior a los mil millones de dólares, posicionándose como el artista mejor pagado de nuestro tiempo. Pero detrás de la fortuna de Damien Hirst siempre quedará la duda de si el público compra su arte porque lo admira o por mera inversión[4].

Evolución del mercado del artista Hirst en 2014. Fuente: Artprice.
Podemos contemplar la evolución del mercado de las obras de Hirst, viendo cómo su obra se localiza principalmente en Inglaterra, y que su cifra de negocios en 2014 supera los 14 millones de euros. Desde 1987 se han producido cerca de 80 exposiciones individuales sobre este artista alrededor del mundo y su obra ha sido incluida en aproximadamente 250 exposiciones colectivas. Su primera exposición individual fue a los 26 años, consiguió el Premio Turner a los 30 años, y la rápida cotización de su obra le llevó a establecer récords en las casas de subastas y a ser millonario a los 40 años.

Fuentes consultadas:

Graw, I. (2013). ¿Cuánto vale el arte? Mercado, especulación y cultura de la celebridad. Buenos Aires: Mardulce.

Pardo Skoug, E. (2011). De emergentes a sumergidos. Nuevos artistas y mercado del arte. ASRI: Arte y Sociedad. Revista de investigación, 0.

Quílez Llisterri, A. (2013). El mercado del arte: consideraciones generales. Ars & Renovatio, 1 (280-291).

Thompson, D. (2010). El tiburón de 12 millones de dólares: la curiosa economía del arte contemporáneo y las casas de subastas. Barcelona: Ariel.

https://www.youtube.com/watch?v=SHnPX36rrS4

http://elpais.com/elpais/2012/04/05/gente/1333644542_487559.html

http://www.lavanguardia.com/cultura/20121015/54353080768/damien-hirst-mata-mariposas-exposicion.html

http://www.abc.es/cultura/libros/20131127/abci-perez-reverte-hirst-201311271645.html

[1] Los títulos de sus obras, especialmente largos, suponen una prolongación de la misma, completando el significado visual a través de lo textual.

[2] Finalmente Hirst ganó el Premio Turner en 1995 por la obra "Mother and Child, divided", una vaca y su ternero doblemente divididos: se hallan separados en mitades y a la vez en vitrinas diferentes, con lo que Hirst quería transmitir al público el rompimiento del vínculo sagrado de una madre y su hijo.

[3] Se sospecha que este grupo inversionista estuviese formado por el propio Damien Hirst, su manager y uno de sus galeristas.

[4] El escritor indio Hari Kunzru sostiene que la cotización de este artista se basa más en su condición de celebrity que en el valor artístico de su trabajo.
(*) Las imágenes de este post fueron tomadas de Internet, y su autoría pertenece a sus respectivos dueños.

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Damien Hirst y los límites del Arte Contemporáneo - El Estudio del Pintor

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Damien Hirst ante sus obras. Londres (2012). Damien Steven Hirst, más conocido como Damien Hirst, es un artista británico nacido en Bristol en 1965. Estudió Bellas Artes en Goldsmisth -Universidad de Londres- y siendo estudiante trabajó a tiempo parcial en una morgue, una experiencia que influyó posteriormente en su