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Poema "Si el fuego con el fuego no perece" de Francesco Petrarca

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Poema "Si el fuego con el fuego no perece" de Francesco Petrarca

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a. Biografía del autor Francesco Petrarca

(Arezzo, actual Italia, 1304 - Arqua, id., 1374) Poeta y humanista italiano.
Durante su niñez y su primera adolescencia residió en distintas ciudades italianas y francesas, debido a las persecuciones políticas de que fue objeto su padre, adherido al partido negro güelfo. Cursó estudios de leyes en Carpentras, Montpellier, Bolonia y Aviñón, si bien nunca consiguió graduarse.

Según relata en su autobiografía y en el Cancionero, el 6 de abril de 1327 vio en la iglesia de Santa Clara de Aviñón a Laura, de quien se enamoró profundamente. Se han hecho numerosos intentos por establecer la identidad de Laura, e incluso sus contemporáneos llegaron a poner en duda su existencia, considerándola una creación para el juego literario. Petrarca defendió siempre, sin embargo, su existencia real, aunque sin revelar su identidad, lo que ha inducido a pensar que quizá se tratara de una mujer casada. Sí que está comprobado, en cambio, que mantuvo relaciones con otras mujeres y que dos de ellas, cuyos nombres se desconocen, le dieron dos hijos: Giovanni y Francesca.

La lectura de las Confesiones de Agustín de Hipona en 1333 lo sumió en la primera de las crisis religiosas que le habrían de acompañar toda la vida, y que a menudo se reflejan en su obra, al enfrentarse su apego por lo terreno a sus aspiraciones espirituales. Durante su estancia en Aviñón coincidió con Giacomo Colonna, amistad que le permitió entrar al servicio del cardenal Giovanni Colonna. Para este último realizó varios viajes por países europeos, que aprovechó para rescatar antiguos códices latinos de varias bibliotecas, como el Pro archia de Cicerón, obra de la que se tenían referencias pero que se consideraba perdida.

Con el fin de poder dedicarse en mayor medida a la literatura, intentó reducir sus misiones diplomáticas, y para ello consiguió una canonjía en Parma (1348) que le permitió disfrutar de beneficios eclesiásticos. Posteriormente se trasladó a Milán, donde estuvo al servicio de los Visconti (1353-1361), a Venecia (1362-1368) y a Padua, donde los Carrara le regalaron una villa en la cercana población de Arqua, en la cual transcurrieron sus últimos años.

Bibliografía del autor

La obra de Petrarca
Su producción puede dividirse en dos grupos: obras en latín y obras en lengua vulgar. Las primeras fueron las que le reportaron mayor éxito en vida, y en ellas cifraba Petrarca sus aspiraciones a la fama.
Cabe destacar en este apartado el poema en hexámetros África (que dejó inacabado y en el que rescata el estilo de Tito Livio), las doce églogas que componen el Bucolicum carmen y la serie de biografías de personajes clásicos titulada De viris illustribus.
Reflejo de sus inquietudes espirituales son los diálogos ficticios con San Agustín recogidos en el Secretum.
Petrarca logró en vida una importante fama como autor latino y humanista, tal como prueba su coronación en Roma como poeta, en 1341.
Sin embargo, sus poemas en lengua vulgar recogidos en el Cancionero fueron los que habían de darle fama inmortal. Aunque Petrarca los llamaba nugae (pasatiempos), lo cierto es que nunca dejó de retocarlos y de preocuparse por su articulación en una obra conjunta, lo cual denota una voluntad de estilo que por otra parte resulta evidente en cada una de las composiciones, de técnica perfecta y que contribuyeron grandemente a revalorizar la lengua vulgar como lengua poética.

En la primera parte del Cancionero, las poesías reflejan la sensualidad y el tormento apasionado del poeta, mientras que, tras la muerte de Laura, acontecida según declara el poeta en 1348, su amor resulta sublimado en una adoración espiritual. Petrarca supo escapar a la retórica cortés del amor, transmitiendo un aliento más sincero a sus versos, sobre todo gracias a sus imágenes, de gran fuerza y originalidad. Su influencia se tradujo en la vasta corriente del petrarquismo, destinada a perdurar hasta el siglo XVII, y a cuya tradición pertenecen desde Ausiàs March, Garcilaso de la Vega o Francisco de Quevedo hasta Edmund Spenser y William Shakespeare.

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Tambien llamada La Gioconda, es una obra del Renacimiento pintada al óleo sobre tabla durante  el siglo XVI  por Leonardo da Vinci
Es uno de los retratos más emblemáticos de la historia de la pintura

Entró a las colecciones de la corte de Francia para finalmente formar parte de las obras de Arte exhibidas en el museo del Louvre en París, Francia.

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¿Porqué es la pintura más famosa del mundo?

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¿Porqué es la pintura más famosa del mundo?

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1.  El realismo extremo de Leonardo da Vinci al usar métodos matemáticos para medir las proporciones humanas

2. La técnica del sfumato que también transmite un realismo muy avanzado para la época.

3. La revolución que generó en las dimensiones y en las formas de retratar, considerada la base de todos los retratos occidentales.

4. La suma de los misterios de la pintura; desde la identidad de la modelo hasta el porqué Leonardo da Vinci nunca entregó el encargo.

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Composición: Un retrato de medio cuerpo, o de tres cuartos, sobre un paisaje que se divide en dos atmósferas, una más fría (la superior) y otra más cálida con colores terrosos (la inferior)

La postura de la mujer : Deriva de la “pirámide” usada para representar a las madonnas sentadas, es decir, que se trata de una geometrización triangular

Sus manos: Al estar cruzadas forman la base de la forma piramidal antes mencionada

El centro del cuadro: Es el pecho de la mujer y está alineado con el ojo izquierdo y los dedos de la mano derecha. Esto acentúa la presencia del personaje en la composición.

La cabeza: Está cubierta por un velo que simboliza la castidad, frecuente en los retratos de esposa. También se atribuye el uso de este tipo de velo a las mujeres embarazadas o en período post-parto.

Algo relevante es que no presenta joyas ni signos particulares de mayor rango  económico o de poder.

El rostro : No tiene cejas. La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática o ambigua. Esto se debe a que la mirada, el cuerpo y las manos están dirigidas a ángulos sutilmente diferentes, sumado a la ilusión que crea la técnica del sfumato.

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Su nombre, La Gioconda (la alegre, en castellano, deriva de la tesis más aceptada acerca de la identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, que realmente se llamaba Lisa Gherardini, de donde viene su otro nombre: Mona (señora, en el italiano antiguo) Lisa. El Museo del Louvre acepta el título completo indicado al principio como el título original de la obra, aunque no reconoce la identidad de la modelo y tan solo la acepta como una hipótesis.

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Nacio  el 15 de Abril de 1452 , en Toscana y  murió el 02 de Mayo de 1519.
Aunque más conocido como pintor, Leonardo fue un notable polímata del Renacimiento italiano que destacó en diversas áreas como la arquitectura, escultura, filosofía, ingeniera, anatomía, ciencias en general, música y poesía entre otras muchas.
Sus inicios fueron en 1466 donde asistió al taller de Andrea del Verrocchio , quien fue su mentor.

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La técnica  del sfumato, que se uso para pintarla fue innovadora para la época
Consiste en superponer varias capas de pintura delicadas para suavizar o diluir los contornos de la figura y lograr la sensación de naturalidad y volumen, lo que permite percibir que las figuras se integran al resto de la composición.

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La expresión "Mona Lisa" significa 'señora Lisa'. Mona es un diminutivo del italiano madonna, y Lisa sería el nombre de la modelo identificada por Giorgio Vasari, pintor, arquitecto y escritor del renacimiento que publicó el libro Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos, donde dio testimonio del cuadro.

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La Mona Lisa, como también se conoce a la obra de Da Vinci, pertenece a Francia desde que acabara en manos del rey Francisco I, que la compró por 4.000 coronas de oro. En diciembre de 1962 la Gioconda realizó una gira itinerante por diversos museos de Estados Unidos, por lo que fue asegurada por 100 millones de dólares para evitar un robo como el que se produjo en 1911. Tras la inflación de todos estos años, la pintura tendría un valor cercano a los 700 millones de dólares, muy por encima de las obras pictóricas mas caras vendidas hasta la fecha.

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La misteriosa sonrisa de la Mona Lisa era un truco del artista, una técnica posiblemente empleada por Leonardo Da Vinci a la que denominaron como “sonrisa inalcanzable”.
“Como la sonrisa desaparece tan pronto como el espectador trata de atraparla, hemos llamado a esta ilusión óptica sonrisa inalcanzable, afirmó un grupo de expertos de las universidades británicas de Sunderland y Sheffield.
El efecto se logra mediante una técnica de difuminado llamada “sfumato”

La media sonrisa no acompaña al resto del gesto y las facciones de la modelo, que son serios, lo que consigue que parezca que el retrato aporte diferentes expresiones para el espectador”

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Qué motivo a Leonardo Da vinci a Pintar la Mona Lisa

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Qué motivo a Leonardo Da vinci a Pintar la Mona Lisa

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El genio renacentista Leonardo Da Vinci se inspiró en dos modelos para realizar el célebre retrato de la Gioconda: la noble florentina Lisa Gherardini y su pupilo predilecto, Gian Giacomo Caprotti, más conocido como Salai.
Según el presintente del comité, Vinceti Silvano,dice que La Gioconda es Gherardini dice que una verdad a medias, porque la enigmática obra de Leonardo incluye también rasgos El Salai, por lo cual que se detecto una gran similitud entre la nariz y de la frente de Gioconda y la obra comparada. Se investigo un parecido en la sonrisa de Gioconda y las obras que salia presente Salai como modelo en la obras.

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El Renacimiento italiano creó una verdadera revolución en la pintura. Italia fue el foco primero y principal del Renacimiento en todas sus manifestaciones, del siglo XV al XVI. Un directo antecesor de esta nueva sensibilidad fue Giotto, maestro que rompió con el estilo bizantino. Sustituyó el típico fondo dorado por escenarios naturales.

Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su inmediata antecesora, la pintura medieval.

·         Evocación de lo antiguo, cuya belleza idealizada pretendían tomar como ejemplo.

·         Observación viva de la naturaleza. Los cuadros se sitúan en paisajes naturales que se intentan recrear con fidelidad, o en marcos arquitectónicos, en los que columnas, frontones, palacios y templos sirven de excusa a alardes de perspectiva.

·         La figura humana se convierte en centro y medida de todas las cosas. El estudio de la anatomía, incluso la realización de autopsias, ayuda a los artistas a comprender la realidad del cuerpo humano y sus mecanismos de movimiento, de manera que lo representan de forma más realista pero normalmente, idealizada.

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Asi luce actualmente el sitio donde se encuentra la pintura exhibida dentro del Museo del Louvre en París
Se encuentra colgada en un muro erigido especialmente para ella en la sala de La Gioconda (Salle des États), dedicada a la pintura italiana.

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·         Ruiza, M. (2004). Leonardo da Vinci. Recuperado de

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/leonardo.htm

·         Molina, P. (2918). Mona Lisa, los enigmas de la obra maestra de Leonardo da Vinci. Recuperado de

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/mona-lisa-enigmas-obra-maestra-leonardo-da-vinci_12799/1

·         Vargas, Sofía. (2019). La historia y el legado de la misteriosa ‘Mona Lisa’ de Leonardo da Vinci. Recuperado de

https://mymodernmet.com/es/leonardo-da-vinci-mona-lisa-datos/

·         Luca, A. (2000). La Gioconda. Recuperado de https://es.wikipedia.org/wiki/La_Gioconda#:~:text=El%20Retrato%20de%20Lisa%20Gherardini,renacentista%20italiano%20Leonardo%20da%20Vinci.

·         Imaginario, A. (2018). Cuadro Mona Lisa o La Gioconda de Leonardo da Vinci. Recuperado de

https://www.culturagenial.com/es/cuadro-mona-lisa-o-la-gioconda-de-leonardo-da-vinci/

·         Domínguez, N. (2010). La Gioconda, ¿cuál es el valor de la obra más misteriosa de la historia del arte? Recuperado de

https://www.tinsa.es/blog/arte/la-gioconda-cual-es-el-valor-de-la-obra-mas-misteriosa-de-la-historia-del-arte/

·         Fuentes, H. (2016). El misterio de la enigmática sonrisa de la “Mona Lisa”. Recuperado de

https://www.guioteca.com/mitos-y-enigmas/el-misterio-de-la-enigmatica-sonrisa-de-la-mona-lisa-que-secretos-oculta/

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La Piedad o Piedad del Vaticano es una obra escultórica del Renacimiento italiano creada por artista florentino Miguel Ángel Buonarroti en el año 1499, cuando tenía apenas 24 años de edad. La obra se encuentra actualmente en la capilla del Crucifijo, de la basílica de San Pedro del Vaticano, en Roma, Italia

La escultura Piedad fue un encargo del Cardenal de Saint-Denis, Jean Bilhères de Lagraulas, cuyo propósito era colocarla en la basílica de San Pedro en Roma. El contrato, firmado en el año 1498, especificaba el material, el tema, el tamaño, los plazos y el precio del encargo, que sería de 450 ducados. La obra sería de mármol, y representaría en escala natural a la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo Jesucristo muerto.

La Piedad está hecha a partir de un solo bloque de mármol blanco, extraído de las montañas de Carrara, famosa por la gran calidad de su mármol. (Anónimo, s.f)

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Miguel Ángel Buonarroti de nacionalidad Italiana, escultor, pintor y arquitecto italiano fue un hombre solitario, iracundo y soberbio, constantemente desgarrado por sus pasiones y su genio. Nació el 6 de Marzo de 1475 y murió el 18 de Febrero de 1564. 
Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias. La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura en el taller de Domenico Ghirlandaio y escultura en el jardín de los Médici, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.

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Se encontró con un tema de origen gótico, la Piedad del vaticano , que sub refleja el momento exacto  en el que la virgen recoge en sus  brazos el cuerpo de su hijo muerto, tras bajar de la Cruz.

Claramente podemos ver que la obra es clásica del Renacimiento en su momento de mayor expresión. Tanto el exquisito trabajo sobre el mármol elaborado por el mismísimo Miguel Ángel como su interés repetido por la búsqueda del equilibrio y belleza idealizada nos hablan de una obra temprana. Durante este periodo del renacimiento las diversas artes llegan a un periodo de plenitud tras toda la experimentación generada durante el Quattrocento.

“El grupo escultórico forma un triángulo equilátero sobre una base elíptica, que otorga equilibrio y estabilidad a la imagen. Es notable la influencia neoplatónica sobre el escultor, que da como resultado el idealismo renacentista que hace que la belleza predomine sobre el sufrimiento.” ( Chacon,S.F,Parr.3)

VALOR ARTÍSTICO:

Es una de las principales obras de Miguel Ángel en un etapa que fue uno de los principales artistas de la historia en el tiempo del renacimiento y destacó por el hecho de sus obras de arte tenían un nivel de perfección bastante alto , porque sus esculturas y sus obras fueron conforme a sus creencias y reinventó sus forma de pensar en el renacimiento, el valor artístico como tal Es un obra súper importante para la religión cristiana , tanto que se encuentra en sí en el vaticano y tiene un valor inmenso para la humanidad , no solo por su artista sino también por su historia.

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Donatello (1386-1466)
El arte del renacimiento se divide en dos grandes periodos: el Quattrocento y el Cinquecento. Estos nombres distinguen el arte creado en el siglo XV y en el XVI, respectivamente.

Si hay un nombre que destaca durante la primera etapa es el de Donatello. Nacido en Florencia en 1386, este escultor fue un auténtico innovador en la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves.

Su obra más famosa es el David de bronce que realizó por encargo de Cosme de Médici, uno de los mecenas más importantes de Italia. Donatello se inspiró en la obra de Praxíteles, uno de los escultores más importantes de la antigua Grecia.

Donatello trabajó casi siempre con mármol, terracota, bronce y madera, realizando obras para mecenas de diferentes ciudades. Regresó a Florencia en 1459 para realizar unos relieves para la Basílica de San Lorenzo y murió mientras trabajaba en ellos en diciembre de 1466.

Otras de sus obras destacadas son el púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la figura de María Magdalena penitente y la escultura de Judith y Holofernes, ambas en Florencia.

Durante el Quattocento se introdujeron grandes novedades en el campo de la pintura, como la perspectiva o la corporeidad de las figuras (sensación de volumen y realismo). Entre los pintores que más destacaron están Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Fra Angelico y Sandro Botticelli.

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Otro gran artista de la época fue Leonardo da Vinci, que representa el arquetipo del hombre renacentista interesado tanto por el arte como por la ciencia.

Nacido en Florencia el 1452, Da Vinci exploró nuevos estilos de pintura, investigó el ser humano y la naturaleza e imaginó nuevas máquinas e inventos. Fue arquitecto, pintor, científico, escritor, escultor, filósofo, inventor, músico y poeta.

Da Vinci es el autor de dos de las obras más famosas de la historia del arte: La Gioconda, actualmente en el Museo del Louvre, y el fresco de la Santa Cena , que puede visitarse en el convento de Santa María delle Grazie de Milán.

La obra de Da Vinci muestra una curiosidad infinita por el conocimiento en todos los ámbitos, artes y ciencias por igual. Estuvo tomando notas de forma constante a lo largo de sus viajes y de toda su vida y se conservan más de 13.000 páginas de sus escritos.

En la mayoría de los casos, aprendió de forma autodidacta. Le bastaba con contemplar los fenómenos naturales para elaborar sus propias teorías.

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Durante el siglo XVI Florencia fue la capital del arte, pero cada vez más artistas de trasladaban a Roma para trabajar al servicio de los papas y otros poderosos mecenas. Este fue el caso de Michelangelo Buonarroti, también conocido como Miguel Ángel.

Nacido en Roma en 1475, vivió una vida larga y muy productiva: fue arquitecto, escultor y pintor durante casi setenta años.

Miguel Ángel realizó sus grandes obras para la familia Médici de Florencia y para diferentes papas de Roma. Precisamente, el papa Julio II le encargó la que sería su obra más famosa y ambiciosa: los frescos que decoran la bóveda de la Capilla Sixtina.

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Anónimo. (s.f). Cultura Genial. Obtenido de https://www.culturagenial.com/es/escultura-piedad-de-miguel-angel

Chacón,M (S.F).La piedad.Historia.Arte. Recuperado de https://historia-arte.com/

Judith Vives. (2019). Los grandes artistas del Renacimiento. 10/04/2020, de La Vanguardia Sitio web: https://www.lavanguardia.com/vida/junior-report/20200409/48389546956/grandes-artistas-renacimiento.html#:~:text=Leonardo%2C%20Miguel%20%C3%81ngel%2C%20Donatello%20y,los%20siglos%20XV%20y%20XVI&text=Este%20mes%20de%20abril%20conmemoramos,artistas%20m%C3%A1s%20importantes%20del%20Renacimiento

Ruiza, M., Fernández, T. y Tamaro, E. (2004). Biografia de Miguel Ángel. En Biografías y Vidas. La enciclopedia biográfica en línea. Barcelona (España). Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/miguel_angel.htm el 8 de julio de 2020.

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Tendencia Arquitectónica: La Pietá, Miguel Angel.

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Tendencia Arquitectónica: La Pietá, Miguel Angel.

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Se adjunta presentación creada por el grupo G:

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Se adjunta presentación creada por el grupo G:

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Hola compañeros, les adjunto el enlace para que escuchen esta obra de Johannes Ockeghem.
Consta de 5 partes:
I. Introitus.
II. Kyrie.
III. Graduale.
IV. Tractus.
V. Offertorium.

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Otros exponentes de la música del Renacimiento

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Otros exponentes de la música del Renacimiento

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Adrian Willaert fue uno de los compositores más versátiles del Renacimiento. Escribió música sacra y profana.

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Clément Janequin, su fama se debe a la gran divulgación que tuvo su obra, que fue posible gracias a la invención de la imprenta y el desarrollo de la impresión musical.  En "Le chant des oiseaux" imita el canto de algunas aves.

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b. Figuras retóricas (figuras literarias y de construcción) clasificadas y justificadas mediante una cita textual (mínimo 2 de cada tipo). Intertextos presentes en la obra literaria, justificados con cita textual.

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b. Figuras retóricas (figuras literarias y de construcción) clasificadas y justificadas mediante una cita textual (mínimo 2 de cada tipo). Intertextos presentes en la obra literaria, justificados con cita textual.

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Figuras de construcción
La lectura muestra un hipérbaton, ya que se altera el orden de las palabras en la frase “si has siempre nuestras mentes gobernado,” (Petrarca, s.f., párr. 2), dónde lo indicado debería ser: si has siempre gobernado nuestras mentes.

Se muestra, además, un encabalgamiento que continúa la idea señalada en el siguiente verso “Tal vez igual que el Nilo que, cayendo / desde muy alto, su contorno atruena” (Petrarca, s.f., párr. 3)

Figuras de literarias
Respecto a las figuras literarias se presenta una personificación, donde le está dando al amor, alma y cuerpo “Amor -que un alma en dos cuerpos guarece-” (Petrarca, s.f., párr. 2)

Además, un Epíteto donde se antepone un adjetivo a un sustantivo “¿qué haces tú que, de moda desusado,” (Petrarca, s.f., párr. 2)

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c. Rima y métrica, justificadas mediante una cita textual

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c. Rima y métrica, justificadas mediante una cita textual

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●      Rima: es la semejanza entre las terminaciones de los versos que busca crear un efecto sonoro y particular.

Amor -que un alma en dos cuerpos guarece-,

si has siempre nuestras mentes gobernado,

¿qué haces tú que, de moda desusado,

con más querer, así el de ella decrece?

(Petrarca, s.f., párr. 2)

●      Métrica: es la medida de los versos, su estructura y cómo el autor los combina para conseguir un determinado poema y, con ello, una determinada forma de expresar su mensaje.

Tal vez i-gual que el Ni-lo que, ca-yen-do  (13)

des-de muy al-to, su con-tor-no a-true-na, (13)

o cual sol que, al mi-rar-lo, es-tá o-fus-can-do, (13)

(Petrarca, s.f., párr. 3)

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d. Cosmovisión presente en la obra literaria

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d. Cosmovisión presente en la obra literaria

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Cosmovisión: es la perspectiva, concepto o representación en la cual se interpreta la realidad.

En este poema se puede encontrar la cosmovisión de Naturalismo, en el cual el autor justifica su amor representado con párrafos con elementos de la naturaleza.

Si el fuego con el fuego no perece

ni hay río al que la lluvia haya secado,

(Petrarca, s.f., párr. 1)

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Cuento : "Los Calzones del Cura", Giovanni Boccaccio. 

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Cuento : "Los Calzones del Cura", Giovanni Boccaccio. 

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Cuento Los calzones del cura | Created using Powtoon - The Visual Communication Platform

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Wikipedia. (s.f.). Giovanni Boccaccio - Wikipedia, la enciclopedia libre [Imagen]. Recuperado de: https://www.google.com/search?q=giovanni+boccaccio+biografia&sxsrf=ALeKk02E_oG5giqUK-u4c7eRJpZ8wL_pXg:1594339038825&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=2ahUKEwiY473gr8HqAhWIVN8KHTMPBwMQ_AUoAXoECBcQAw&biw=1173&bih=757&dpr=2#imgrc=ek5-kJDwIEW1aM