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Museo Ghirli – Presentation by Elisa Soranna

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Ferrara fiorì durante il rinascimento anche soprattutto grazie alla presenza di famiglie e privati che fecero da mecenati ad artisti, grazie ai quali riuscirono a trasformare la città. tra queste si ricorda soprattutto la famiglia d'Este e, in particolarmodo il duca Ercole I e suo fratello borso che si affidadarono all'architetto Biagio Roselli per il progetto della cosidetta "Restaurazione Erculea", che portò ad un quasi raddoppiamento della città, e facendo diventare il quattrocento il secolo di maggiore splendore della pittura a ferrara .

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La corrente mostra, allestita da poco all’interno del nostro museo, si propone di guidare l’ospite in un veloce e alternativo viaggio attraverso il fenomeno del mecenatismo principalmente rinascimentale. Contemporaneamente si andrà ad indagare, opera per opera, il rapporto che legava l’artista al suo committente.             Quando si parla di mecenatismo si intende il sostegno di attività artistiche e culturali che siano e, più nello specifico, nei confronti degli stessi artisti coinvolti in tali attività. Colui che sostiene queste attività è definito mecenate. Il termine mecenate deriva dal nome di Gaio Cilnio Mecenate (68 a.C.-8 a.C.), stretto collaboratore dell'imperatore romano Ottaviano Augusto, che si contraddistinse per il suo sostegno nei confronti dei giovani letterati, come i poeti latini Virgilio e Orazio. In cambio dei favori del mecenate, l’artista metteva a servizio le proprie opere così da aumentare il prestigio della corte.  Durante questo percorso andremo ad analizzare come è cambiata la rappresentazione del committente all’interno delle opere nel tempo, partendo da ritratti veri e propri, per arrivare a semplici accenni e riferimenti.

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Lenbachhaus

Storie di artisti e mecenati.

2. Dittico dei duchi di Urbino

3. Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi

4. Tondo Doni

5. Pala Baglioni

1. Pala di Brera

dal 20 Aprile 2022 al 19 Giugno 2022

Home

La corrente mostra, allestita da poco all'interno del nostro museo, si propone di guidare l'ospite in un veloce e alternativo viaggio attraverso il fenomeno del mecenatismo principalmente rinascimentale. Contemporaneamente si andrà ad indagare, opera per opera, il rapporto che legava l'artista al suo committente. Quando si parla di mecenatismo si intende il sostegno di attività artistiche e culturali che siano e, più nello specifico, nei confronti degli stessi artisti coinvolti in tali attività. Colui che sostiene queste attività è definito mecenate. Il termine mecenate deriva dal nome di Gaio Cilnio Mecenate (68 a.C.-8 a.C.), stretto collaboratore dell'imperatore romano Ottaviano Augusto, che si contraddistinse per il suo sostegno nei confronti dei giovani letterati, come i poeti latini Virgilio e Orazio. In cambio dei favori del mecenate, l'artista metteva a servizio le proprie opere così da aumentare il prestigio della corte. Durante questo percorso andremo ad analizzare come è cambiata la rappresentazione del committente all'interno delle opere nel tempo, partendo da ritratti veri e propri, per arrivare a semplici accenni e riferimenti.

Piero della Francesca, Sacra conversazione (Pala di Brera), 1472-74, tempera e olio su tavola, 248 x 170 cm, Milano, Pinacoteca di Brera.

PALA DI BRERA

+ info

Quest'opera, commissionata da Federico da Montefeltro, duca di Urbino, non lo vede ritratto in primo piano, ma in un angolo sulla destra. Viene rappresentato di profilo, poiché si dice che avesse perso un occhio durante una giostra e di conseguenza si fosse fatto tagliare anche il naso. Questa sua particolare posizione di subordinazione nei confronti del sacro, che domina la scena, è data soprattutto dal suo stare in ginocchio; tuttavia si può notare che viene vestito con un'armatura di ferro, la quale riflette la luce e serve a conferirgli importanza. Al centro, in una posizione privilegiata troviamo invece la Madonna in trono con il bambino dormiente. È stato però ipotizzato che la posizione precaria dell'infante e la collana di corallo rosso sangue siano collegate alla perdita di un figlio da parte dei duchi stessi. Si può dedurre quindi che lo scopo di questa tavola fosse quello di sottolineare il legame profondo e stretto tra la chiesa e Federico. Infine si può notare un uovo di struzzo, che pende da una conchiglia capovolta sul soffitto, simbolo di fecondità.

2. Dittico dei duchi di Urbino

3. Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi

4. Tondo Doni

5. Pala Baglioni

1. Pala di Brera

Piero della Francesca, Dittico con i ritratti di Battista Sforza e Federico da Montefeltro, 1465-72, olio su tavola, 47 x 33 cm ciascuno, Firenze, Galleria degli Uffizi.

DITTICO DEI DUCHI DI URBINO

+ info

In questa tavola, sempre realizzata da Piero della Francesca, il soggetto rappresentato è il medesimo della Pala di Brera, tuttavia si nota ad un primo sguardo come esse siano estremamente diverse. Prima di tutto in quest'ultima non viene ritratto solo il marito, ma anche la moglie, Battista Sforza. Alla maniera dell'opera precedente entrambi sono di profilo sempre per lo stesso motivo, al quale però se ne aggiunge un altro. Lo scopo di quest'opera era esaltare i committenti e, di conseguenza, ritrarli di profilo rimandava immediatamente alle immagini stampate sulle monete, il che conferiva loro particolare importanza. Se si vogliono invece analizzare le differenze, innanzitutto qua i protagonisti sono messi in primo piano, non ritratti in un angolo, e sono gli elementi dominanti di tutta la scena. Battista Sforza incarna l'emblema delle donne aristocratiche dell'epoca, le quali si facevano radere la parte alta della fronte, per sembrare più intelligenti. Ella indossa inoltre tanti gioielli. In entrambi i casi i ritratti sono alquanto realistici: basti pensare che la moglie è tanto pallida, poiché al tempo era malata, se non già deceduta, mentre l'uomo presenta una faccia piena di rughe e la pelle pigmentata. Alle loro spalle sono dipinte le campagne di Urbino, prospere per la presenza degli stessi duchi. Infine, nella parte inferiore si possono notare due carri allegorici.

2. Dittico dei duchi di Urbino

3. Ritratti di Agnolo Doni e MAddalena Strozzi

4. Tondo Doni

5. Pala Baglioni

1. Pala di Brera

Raffaello Sanzio, Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi, 1506 ca, olio su tavola, 65 x 46 cm, Firenze, Palazzo Pitti, Galleria Palatina.

RITRATTI DI AGNOLO DONI E MADDALENA STROZZI

+ info

Si possono notare parecchie somiglianze tra l'opera appena analizzata di Piero della Francesca e quest'ultima di Raffaello, tanto che, se uno le guarda, parrebbero essere quasi speculari. In entrambi i casi i soggetti sono posti in primo piano e dominano la scena, con lo scopo di esaltare e celebrare le figure e l'importanza dei due sposi. Troviamo alle loro spalle uno sfondo di dolci colline e un vasto cielo. Ma ancora più importante è la non perfezione dei due protagonisti. I coniugi, diventati ricchi commerciando con i tessuti, sono stati dipinti entrambi ornati di preziosi gioielli, per esempio gli anelli di Agnolo Doni e la perla della donna. Oltre a ciò, proprio per il loro successo nel mercato dei tessuti è stata prestata una grande attenzione nei confronti di quest'ultimi, che sono estremamente raffinati in tutti e due i ritratti. Le mani hanno sicuramente sentito dell'influsso leonardesco in quanto estremamente curate. Come era stato visto precedentemente nell'opera di Piero, anche in questo caso i soggetti sono realistici, in quanto si notano diversi capelli uscire dalla treccia della moglie, la quale, per di più, ci appare nella pienezza delle carni e con i lineamenti un poco grossolani. Diversa invece è la posizione degli sposi, non messi di profilo, ma ripresi a mezzo busto e di tre quarti, con lo sguardo rivolto verso l'osservatore.

2. Dittico dei duchi di Urbino

3. Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi

4. Tondo Doni

5. Pala Baglioni

1. Pala di Brera

Michelangelo Buonarroti, Sacra Famiglia con san Giovannino (Tondo Doni), 1504-07, tempera su tavola, diametro 120 cm, Firenze, Galleria degli Uffizi.

TONDO DONI

+ info

Questa composizione fu eseguita da Michelangelo e fungeva da regalo di nozze per il ricco mercante fiorentino Agnolo Doni e Maddalena Strozzi. È possibile capire quindi che i committenti sono esattamente gli stessi trovati nei ritratti di Raffaello sopra spiegati. In questo caso la rappresentazione degli sposi è alquanto strana e sicuramente indiretta. Non vengono dipinti loro in prima persona, ma una scena religiosa, che dovrebbe augurare la nascita di una bella famiglia come quella raffigurata, ricca di amore e fede. Innanzitutto nella cornice è presente Cristo, dei piccoli fauni, simbolo dei Medici, e delle mezzelune, emblema della famiglia Strozzi. Si notano poi sul prato tanti piccoli trifogli, rappresentanti la trinità e da un lato san Giovannino, colui che battezzerà in seguito Gesù. La scena, che presenta colori parecchio sgargianti, si sviluppa su due livelli: sullo sfondo è rappresentata la realtà prima della venuta di Cristo, mentre in primo piano il mondo dopo la venuta di Cristo. Abbiamo quindi la Madonna, identificabile con la moglie Maddalena, tutt'altro che una figura esile. Non si capisce se lei stia passando il figlio al marito o viceversa, tuttavia grazie ad una straordinaria torsione, l'autore fa in modo che ella riesca a coprire la nudità del bambino. Infine è presente la raffigurazione di sibille (pagane) e profeti (cristiani), che prevedono il futuro.

2. Dittico dei duchi di Urbino

3. Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi

4. Tondo Doni

5. Pala Baglioni

1. Pala di Brera

Raffaello Sanzio, Trasporto del Cristo morto (Pala Baglioni), 1507, olio su tavola, 184 x 176 cm, Roma, Galleria Borghese.

PALA BAGLIONI

+ info

Per concludere in bellezza il nostro itinerario vi mostreremo un'ultima opera, sempre dipinta da Raffaello. Essa è estremamente particolare poiché unisce in maniera perfetta le due diverse rappresentazioni che abbiamo analizzato: quella diretta e quella indiretta. Fu commissionata da Atalanta Baglioni, nel periodo immediatamente precedente il soggiorno di questo artista a Roma. Il tema del dipinto voleva commemorare la recente uccisione del figlio della donna tramite la realizzazione di una deposizione. Ci si può soffermare sui dettagli che sono riconducibili ad un particolare influsso di Michelangelo. Primi fra tutti la torsione e i colori sgargianti, direttamente e quasi sicuramente ripresi ed elaborati dal Tondo Doni.Inoltre notiamo come il braccio del Cristo morto ricordi in tutto e per tutto la tecnica utilizzata da Michelangelo nella Pietà. In un primo momento la figura messa in risalto, che sostiene le gambe di Gesù, doveva essere un uomo con la barba, in seguito l'autore ha preferito raffigurare il giovane morto da poco. Dicevamo quindi che si tratta di una rappresentazione diretta poiché la persona in questione si trova all'interno dell'opera, tuttavia non è posta in primo piano e in una posizione di rilievo. Inoltre si può parlare di rappresentazione indiretta perché c'è la possibilità che allegoricamente il Cristo sia in realtà il ragazzo e Maria sia la madre, addolorata per la perdita del figlio amato.

2. Dittico dei duchi di Urbino

3. Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi

4. Tondo Doni

5. Pala Baglioni

1. Pala di Brera

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Lenbachhaus Storie di artisti e mecenati. 2. Dittico dei duchi di Urbino 3. Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi 4. Tondo Doni 5. Pala Baglioni 1. Pala di Brera dal 20 Aprile 2022 al 19 Giugno 2022 Home La corrente mostra, allestita da poco all'interno del nostro museo, si propone di guidare l'ospite in un veloce e alternativo viaggio attraverso il fenomeno del mecenatismo principalmente rinascimentale.

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ELABORAZIONE DEL TEMA

Nonostante la vastità di artisti presente nel periodo rinascimentale, in questa mostra si vogliono prendere in esame tre di questi grandi artisti.
Si sta parlando della famosa triade del Rinascimento italiano: Leonardo Da Vinci, Michelangelo e Raffaello.
In particolare si vuole analizzare il rapporto che ognuno di loro ebbe con i vari committenti. Difatti, nonostante vengano spesso associati tra di loro, furono caratterizzati da tre personalità molto differenti, che li hanno portati ad avere un diverso approccio e rapporto con la committenza.

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ARTE di PROPAGANDA: Storie di artisti e mecenaticome muta il rapporto di committenza da artista ad artista?Ariel Peritore 2°M Liceo M.Minghettielabora

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FM

By francesc musumeci

April 19, 2022

Present

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Arte di propaganda: storie di Artisti e Mecenati

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Arte di propaganda: storie di Artisti e Mecenati Nel Rinascimento Italiano il mecenatismo rappresenta il fenomeno della magnificenza, e la tendenza a favorire le arti e le opere di letteratura attraverso il sostegno economico di importanti famiglie. L'esempio di mecenatismo per

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Benvenuti a tutti nel museo virtuale “Irene Golinelli” curato da Irene Golinelli. La mostra di oggi sarà interamente guidata  e curata da Irene Golinelli e verterà sui committenti e il loro rapporto con l’artista, e nello specifico sull'uso delle commissioni e quindi dell’arte come strumento di potere e ostentazione della ricchezza e della potenza. Alla fine del nostro percorso ci sarà un piccolo extra che avrà modo di darci più spunti per una riflessione.

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arte

START

di propaganda

San Pietro - Donato BramanteTomba di Lorenzo de' Medici - Michelangelo BonarrotiDama con l'ermellino - Leonardo Da VinciRitratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi - Raffaello Sanzio

indice delle opere

arte di propaganda

storie di artisti e mecenati

Abstact

Indice

1

san pietro

Autore: Bramante, Michelangelo, Raffaello (e altri)Titolo: Basilica di San PietroData: 1506-15014Tecnica: Architettura (barocca e rinascimentale)Materiali:Dimensioni: circa 24.000 m2Ubicazione: Città del Vaticano

Lunghezza massima esterna: 218 mLunghezza interna: 186,36 mLunghezza dell'atrio: 71 mAltezza delle volte: circa 45 mAltezza della cupola: 133,30 m (136,57 m secondo alcune fonti)Altezza del baldacchino: 28 mAltezza della facciata: 45,44 m (48 m con le statue)Altezza dell'atrio: 19 mLarghezza della navata centrale: 26 mLarghezza del tamburo della cupola: 41,50 mLarghezza della facciata: 114,69 mSuperficie dell'edificio: 23 000 m² (di cui calpestabili 15 160)Numero gradini alla salita della cupola: 537

Donato bramante

+Info

Nota anche come la più grande chiesa cattolica, la Basilica di San Pietro fu commissionata da papa Giulio II della Rovere a Donato Bramante. Il mecenate richiese all'architetto marchigiano un'opera che fosse l'emblema

la dama con l'ermellino - ritratto di cecilia gallerani

leonardo da vinci

2

+Info

L'opera è stata realizzata su commissione di Ludovico Maria Sforza, detto il Moro. L'Arbitro d'Italia commissionò a Leonardo la realizzazione di un ritratto per la sua amante Cecilia Gallerani.

Data: 1489-90Tecnica: olio su tavolaMateriali: pigmenti in polvere mescolati con oli siccativiDimensioni: 55x40,5 cmUbicazione: Cracovia (Polonia), Czartoryski Museum

γαλέη= termine greco che indicava l'ermellino.Leonardo raffigurò tra le braccia di Cecilia un'ermellino, il cui nome in greco richiama il cognome della donna.

3

michelangelo bonarroti

Tomba di lorenzo de' medici

Data: 1524-31Tecnica: SculturaMateriali: MarmoDimensioni: 650x470 cmUbicazione: Sagrestia Nuova

+Info

La tomba medicea commissionata per Lorenzo il Magnifico è caratterizzata da un generale senso di tristezza; infatti, sia Lorenzo è raffigurato malinconico e riflessivo nelle vesti di generale romano, sia Aurora e Crepuscolo sono cupi e rassegnati.

L'opera è stata realizzata su commissione di Lorenzo de' Medici, detto il Magnifico. Lorenzo è stato per Michelangelo il suo primo protettore. Fra le tombe medicee quella di Lorenzo è stata la prima ad essere realizzata.

Trasporto del cristo morto (Pala baglioni)

raffaello sanzio

4

+Info

Data: 1507Tecnica: olio su tavolaMateriali: pigmenti in polvere mescolati con oli siccativiDimensioni: 184x176 cmUbicazione: Galleria Borghese, Roma

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Arte di propaganda by beatricemariagiorgetti on Genially

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arte START di propaganda San Pietro - Donato BramanteTomba di Lorenzo de' Medici - Michelangelo BonarrotiDama con l'ermellino - Leonardo Da VinciRitratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi - Raffaello Sanzio indice delle opere arte di propaganda storie di artisti e mecenati Abstact Indice 1 san pietro Autore: Bramante, Michelangelo,

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"Se un mecenate acquista da un artista che ha bisogno di soldi (bisogno di soldi per comprare gli strumenti, il tempo, il cibo), il mecenate allora si mette alla pari dell'artista, sta costruendo dell'arte nel mondo; egli crea " Ezra Pound

Dal nome del patrizio romano Gaio Cilnio Mecenate (69 ca.-8 a.C.), fondatore della più importante cerchia di letterati e artisti di Età Augustea, il termine mecenate è passato ad indicare tutti coloro che, mettendo a disposizione i propri mezzi e il proprio capitale, proteggessero e garantissero il lavoro degli artisti. Più spesso però il mecenate è andato oltre il ruolo di semplice benefattore, diventando piuttosto un vero e proprio committente, che pretende opere realizzate sulla misura delle proprie necessità e richieste.

Il rapporto tra mecenate-committente e artista si è evoluto nelle direzioni più disparate a seconda del contesto storico, culturale, regionale, ma anche particolare delle singole personalità della storia dell'arte. E' così che tra il '400 e il '500 il fenomeno del mecenatismo ha modo di svilupparsi nelle corti e negli ambienti italiani in maniera del tutto personale e caratteristica per ognuno di essi.

Si può presentare, dunque, una condizione di dipendenza e sudditanza dell'artista, sempre più forte e tipica nel corso del cinquecento, come poteva essere per Piero della Francesca nei confronti di Federico da Montefeltro o per Botticelli nei confronti dei Medici: l'artista deve scendere a compromessi con il proprio finanziatore ed è obbligato a piegare il proprio estro per soddisfare le esigenze del committente. Anche una mente indisciplinata come quella di Leonardo fu costretta alle dipendenze di un signore, ma fortunatamente trovò alla corte di Ludovico il Moro un ambiente che sapesse apprezzare e addirittura necessitasse della sua personalità poliedrica e del suo approccio scientifico. Unica è poi la sensibilità artistica di Borso ed Ercole I, che alla corte estense avviano un' "officina" dal carattere innovativo e raffinato. Coloro i quali, invece, avessero avuto bisogno di autoaffermarsi nel panorama politico, tentando di consolidare un'autorità neo acquisita, avrebbero visto nella figura dell'artista il perfetto "instrumentum regni" in grado di celebrarli e accrescere il loro prestigio: è il caso dell'Alberti nella costruzione del Tempio Malatestiano, la cui navata, tappezzata di simboli e iscrizioni che rimandano a Sigismondo, è la perfetta esaltazione del suo signore. Si arriva infine ad un rapporto quasi paritario, in cui l'artista è intraprendente, forse spregiudicato nell'avanzare le proprie richieste su capitali e compensi, mentre il mecenate compartecipa all'attività creativa proponendo la propria idea estetica. E' dalle perfette sinergie tra mecenate e artista, come quella instauratasi tra Michelangelo e Giulio II, che nel '500 nasceranno opere straordinarie, protagoniste indiscusse della storia dell'arte.

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trinita'

01

PALA DI BRERA

02

GOOD HEALTH AND WELL-BEING

03

Quality Education

04

POLITTICO ROVERELLA

06

tempio malatestiano

03

Tomba di giulio ii

08

la dama con l'ermellino

07

Camera degli sposi

04

05

Life on Land

15

Peace and Justice Strong Institutions

16

MAECENAS

MUSEUM

adorazione dei magi

Camilla Fiorenzi

"Se un mecenate acquista da un artista che ha bisogno di soldi (bisogno di soldi per comprare gli strumenti, il tempo, il cibo), il mecenate allora si mette alla pari dell'artista, sta costruendo dell'arte nel mondo; egli crea"Ezra PoundDal nome del patrizio romano Gaio CilnioMecenate(69 ca.-8 a.C.), fondatore della più importante cerchia di letterati e artisti di Età Augustea, il termine mecenateè passato ad indicare tutti coloro che, mettendo a disposizione i propri mezzi e il proprio capitale, proteggessero e garantissero il lavoro degli artisti. Più spesso però il mecenate è andato oltre il ruolo di semplice benefattore, diventando piuttosto un vero e proprio committente, che pretende opere realizzate sulla misura delle proprie necessità e richieste.Il rapporto tra mecenate-committente e artista si è evoluto nelle direzioni più disparate a seconda del contesto storico, culturale, regionale, ma anche particolare delle singole personalità della storia dell'arte. E' così che tra il '400 e il '500 il fenomeno del mecenatismo ha modo di svilupparsi nelle corti e negli ambienti italiani in maniera del tutto personale e caratteristica per ognuno di essi.Si può presentare, dunque, una condizione di dipendenza e sudditanza dell'artista, sempre più forte e tipica nel corso del cinquecento, come poteva essere per Piero della Francesca nei confronti di Federico da Montefeltro o per Botticelli nei confronti dei Medici: l'artista deve scendere a compromessi con il proprio finanziatore ed è obbligato a piegare il proprio estro per soddisfare le esigenze del committente. Anche una mente indisciplinata come quella di Leonardo fu costretta alle dipendenze di un signore, ma fortunatamente trovò alla corte di Ludovico il Moro un ambiente che sapesse apprezzare e addirittura necessitasse della sua personalità poliedrica e del suo approccio scientifico. Unica è poi la sensibilità artistica di Borso ed Ercole I, che alla corte estense avviano un' "officina" dal carattere innovativo e raffinato. Coloro i quali, invece, avessero avuto bisogno di autoaffermarsi nel panorama politico, tentando di consolidare un'autorità neo acquisita, avrebbero visto nella figura dell'artista il perfetto "instrumentum regni" in grado di celebrarli e accrescere il loro prestigio: è il caso dell'Alberti nella costruzione del Tempio Malatestiano, la cui navata, tappezzata di simboli e iscrizioni che rimandano a Sigismondo, è la perfetta esaltazione del suo signore. Si arriva infine ad un rapporto quasi paritario, in cui l'artista è intraprendente, forse spregiudicato nell'avanzare le proprie richieste su capitali e compensi, mentre il mecenate compartecipa all'attività creativa proponendo la propria idea estetica. E' dalle perfette sinergie tra mecenate e artista, come quella instauratasi tra Michelangelo e Giulio II, che nel '500 nasceranno opere straordinarie, protagoniste indiscusse della storia dell'arte.

1

Trinita'

In quello che è l'ultimo capolavoro della sua carriera, Masaccio rinnova il tradizionale soggetto della Trinità attraverso due particolari soluzioni che d'ora in avanti saranno tipiche della tradizione rinascimentale.Il primo espediente inedito consiste nell'architettura dipinta, la quale, grazie alla prospettiva, crea uno spazio ipotetico capace di illudere lo sguardo dello spettatore. Da essa traspare un forte gusto classico, poichè nella sua costruzione Masaccio si ispirò alla volta del Pantheon.La seconda innovazione riguarda invece la rappresentazione dei personaggi: Masaccio stravolge infatti la consueta gerarchia, rappresentando per la prima volta committenti e personaggi sacri secondo un realistico rapporto proporzionale.La proporzione simbolica medievale viene così abbandonata per sempre a favore di una rappresentazione razionale e naturalistica. Non meno notevole è il realismoriservato alla raffigurazione dei volti dei due mecenati

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Goal 2

Home

di Masaccio

- 1427- affresco- 667 x 317cm- Firenze, Chiesa di Santa Maria Novella

2

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PALA DI BRERA

Goal 3

Goal 1

Piero della Francesca

L'inserimento della figura del committente all'interno del soggetto sacro si raffina con Piero della Francesca. Nelle proprie opere urbinate Piero riesce sempre a includere i Montefeltro attraverso sottili citazioni e riferimenti simbolici. L'esempio più sobrio e astratto di questa celebrazione può essere forse la Flagellazione di Cristo, mentre in questo caso ci troviamo davanti ad un elegantissimo stratagemma che probabillmente si ispira alle invenzioni dela pittura fiamminga. Infatti l'armatura indossata da Federico riflette la luce dell'ambiente, catturando inevitabilmente lo sguardo dello spettatore.

- 1472-1474- tempera e olio su tavola- 248 x 170cm- Milano, Pinacoteca di Brera

3

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Tempio malatestiano

Già il nome è indicativo della particolare storia di questa cattedrale, consacrata piuttosto ad un signore che non al culto cristiano.Nata infatti come piccola cappella intorno al IX secolo e ricostruita come chiesa gotica verso la metà del '200, sotto la signoria di Sigismondo Pandolfo Malatesta fu nuovamente restaurata, a partire dal 1447. Sigismondo ambiva a rendere l'edificio il mausoleo della famiglia Malatesta e, in particolare, a trasformarlo nel proprio luogo di culto: un vero e proprio tempio dedicato alla celebrazione della sua persona.Sebbene il progetto non sia mai giunto a conclusione, Alberti riesce a ricreare perfettamente l'atmosfera classica del tempio antico ricoprendo la struttura originale in cotto di un involucro marmoreo bianco, che si sviluppa in aperture ad arco a tutto sesto.

Goal 4

Goal 02

Leon Battista Alberti

- 1447- marmo bianco- Rimini

4

Camera degli sposi

In quella che doveva essere la stanza più rappresentativa e celebrativa della famiglia Gonzaga, Mantegna affresca il suo grande capolavoro.Integrando perfettamente gli elementi architettonici già esistenti, Mantegna crea continuità tra spazio reale e fittizio attraverso incredibili illusioni prospettiche. L'opera si distingue per l'estremo realismo, cui contribuisce anche la ricchezza dei dettagli. Se ci si concentra in particolare sull'affresco della parete nord, raffigurante la corte dei Gonzaga, si può percepire come Mantegna si sia fatto attento osservatore, capace di cogliere gli aspetti più peculiari della quotidianità della famiglia, lasciando trasparire anche una certa ironia.

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Goal 05

Andrea Mantegna

Goal 03

- 1465-74- affresco- Castello di San Giorgio, Mantova

5

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ADORAZIONE DEI MAGI

Nella sua Adorazione Botticelli rivisita il soggetto cristiano, rivouzionandone i canoni attraverso una lettura più laica e simbolica. La capanna non è più un ambiente idillico, ma un rudere inserito in mezzo a rovine classiche. La struttura lineare lascia spazio ad una costruzione piramidale dove la Vergine e il Bambino si trovano alla sommità. Ai loro piedi si distribuiscono gli spettatori, i quali sono in realtà i più celebri esponenti della famiglia Medici.Ecco allora che il committente si trova più che mai vicino al soggetto sacro, perfettamente incluso e inserito nell'ambiente, facendo quasi da protagonista.Tra i presenti, però, con lo sguardo rivolto verso il pubblico, si trova anche Botticelli stesso.Questa novità ci permette di condurre importanti osservazioni sul rapporto tra artista e signore committente: Botticelli infatti si ritrae a margine, abbigliato con vesti semplici e monocromatiche, a sottolineare la distanza dalla famiglia Medici e la propria posizione di sottoposto.Insomma, il rapporto è già quello tipico della corte cinquecentesca.

Goal 06

Goal 04

Sandro Botticelli

- 1475- tempera su tavola- 111 x 134 cm- Galleria degli Uffizi, Firenze

6

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POLITTICO ROVERELLA

L'Officina ferrarese del '400 si distinguerà sempre dalle produzioni artistiche delle altre corti italiane per l'originalità con cui vengono applicate le lezioni rinascimentali e il gusto per la stravaganza e l'eccesso.Le opere di Tura non sono caratterizzate da equilibrio e serenità, ma al contrario sono pervase da un'atmosfera inquieta.Il particolare della Madonna in trono, pannello centrale del Polittico Roverella, è il perfetto esempio della novità di Tura, capace di trasformare, con colori sgargianti e forme insolite, un tema sacro in scena fiabesca. Ma è anchedimostrazione di vero mecenatismo da parte del signore, che protegge il lavoro dell'artista permettendogli di impiegare pienamente il proprio estro, sfruttandone tutte le potenzialità.

Goal 7

Goal 5

Cosmé Tura

- 1470-74- olio su tavola- 132 x 268cm- Musée du Louvre, Parigi

7

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La dama con l'ermellino

Alla corte di Ludovico il Moro la personalità eclettica di Leonardo potè finalmente trovare sfogo applicandosi in diversi campi: dall'ingegneria, militare e idraulica, alla regia di feste e cerimonie, oltre che alla produzione artistica.La dama con l'ermellino costituisce uno dei più famosi esempi della ritrattistica leonardesca, racchiudendo in sè tutte le innovazioni che l'artista ha apportato a questo genere. La giovane cortigiana -che è in realtà Cecilia Gallerani, personalità molto vicina a Ludovico- emerge dal fondo nero, ripresa a mezzo busto in un moto "rotatorio" che accentua molto di più la posizione di tre quarti già usata da Antonello da Messina. Il marchio di fabbrica di Leonardo sta però nell'espressione del volto, come sempre enigmatica e complessa. Il risultato è raggiunto anche grazie alla tecnica dello sfumato che addolcisce i contorni e mescola le forme.Nel sorriso diviso tra innocenza e malizia, Leonardo riesce forse a rappresentare l'atmosfera e il sentire di un'intera corte.

Goal 08

Goal 06

Leonardo Da Vinci

- 1489-90- olio su tavola- 55 x 40,5 cm- Czartoryski Muzeum, Cracovia

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tomba di giulio ii

Si narra che dietro alla realizzazione di quest'opera si siano susseguite diverse vicissitudini, legate ad un presunto litigio scoppiato tra Michelangelo e il Papa.In poco tempo infatti Michelangelo era riuscito a conquistare Giulio II e a farsi mettere a disposizione un grande capitale, salvo poi averlo speso per investimenti personali. Questo aveva causato una notevole frattura, ma i due avevano animo e gusti troppo affini per non ritornare sui propri passi e riconciliarsi.La loro collaborazione rese di nuovo grande il prestigio di Roma. Nella loro incredibile intesa si realizza la forma più alta di rapporto tra artista e mecenate, finalmente posti su uno stesso piano e pronti a lavorare, con uno sforzo concorde, al raggiungimento di un obiettivo condiviso.

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Goal 07

Michelangelo Buonarroti

- 1505-45- marmo- 10 m- Chiesa di San Pietro in Vincoli, Roma

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trinita' 01 PALA DI BRERA 02 GOOD HEALTH AND WELL-BEING 03 Quality Education 04 POLITTICO ROVERELLA 06 tempio malatestiano 03 Tomba di giulio ii 08 la dama con l'ermellino 07 Camera degli sposi 04 05 Life on Land 15 Peace and Justice Strong Institutions 16 MAECENAS MUSEUM adorazione dei magi

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Tra la fine del 400 e i primi del 500, Roma diventa meta di pellegrinaggi di studio. Schiere di artisti percorrono la città antica, interrogandone le rovine, testimonianze di formidabile impatto, anche emotivo, della grandezza della civiltà greco-romana. L'architettura del 500 nasce proprio da questa formidabile tensione verso l'antico. Il grande processo di maturazione dell'architettura rinascimentale, iniziato a Firenze con Brunelleschi e Alberti, compie dunque la sua svolta decisiva a Roma con Bramante, Raffello e Michelagelo, per poi completarsi altrove. La Roma dei primi 20 anni del 500, durante i pontificati di Giulio ii e Leone X, vuole fortemente tornare ad essere il centro di un potere universale: si assiste così alla Renovatio Urbis, ispirata al modello della Roma Imperiale. I due artisti chiamati a svolgere il grande compito sono entrambi di Urbino: Donato Bramante e Raffaello. Allo stesso tempo cambia radicalmente la concezione dell'architetto , che ora si occupa anche di urbanistica, di apparati teatrali ed effimeri, di pittura, persino di letteratura.

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a cura di Marianna Dimarco

storie di artisti e mecenati

Tra la fine del 400 e i primi del 500, Roma diventa meta di pellegrinaggi di studio. Schiere di artisti percorrono la città antica, interrogandone le rovine, testimonianze di formidabile impatto, anche emotivo, della grandezza della civiltà greco-romana. L'architettura del 500 nasce proprio da questa formidabile tensione verso l'antico. Il grande processo di maturazione dell'architettura rinascimentale, iniziato a Firenze con Brunelleschi e Alberti, compie dunque la sua svolta decisiva a Roma con Bramante, Raffello e Michelagelo, per poi completarsi altrove. La Roma dei primi 20 anni del 500, durante i pontificati di Giulio ii e Leone X, vuole fortemente tornare ad essere il centro di un potere universale: si assiste così alla Renovatio Urbis, ispirata al modello della Roma Imperiale. I due artisti chiamati a svolgere il grande compito sono entrambi di Urbino: Donato Bramante e Raffaello. Allo stesso tempo cambia radicalmente la concezione dell'architetto , che ora si occupa anche di urbanistica, di apparati teatrali ed effimeri, di pittura, persino di letteratura.

Leonardo da Vinci inventore alla corte di Ludovico il Moro

È il 1482 quando Leonardo, allora trentenne, lascia Firenze per recarsi al servizio di Ludovico Sforza, detto il Moro, signore di Milano. Qui a Milano esplode la sua passione per la progettazione. A Milano, Leonardo si appassiona all'ingegneria in tutti i suoi ambiti di applicazione, alcuni davvero futuristici, infatti tra i tanti suoi progetti condotti a Milano troviamo in uno dei suoi manoscritti tutti i suoi studi sulla città ideale fatta di meccanismi all'interno dei palazzi. Ma se è vero che tutti questi progetti rispondono in qualche modo a una richiesta di mercato, esiste una ampia parte di studi leonardeschi che si sottrae alla logica della committenza e ci svela Leonardo, uomo del futuro. Leonardo fu un inventore alla corte di Ludovico il Moro, ma più che come inventore o artista in senso stretto, lo Sforza in un primo momento lo impiegò soprattutto come regista, scenografo e costumista, incaricandolo di allestire per lui feste e spettacoli. I primi mesi richiesero un periodo di adattamento nel quale Leonardo ebbe bisogno di tempo per prendere confidenza con una lingua che non gli era familiare, perche nell'italia di quegli anni non esisteva ancora una lingua nazionale, ma si parlavano dialetti. Leonardo approfondì i suoi interessi nel campo delle lettere, della scienza e della tecnica.

autore: Leonardo da Vincidata: 1489-1490tecnica: olio su tavolaubicazione: museo nazionale di CracoviaLa dama con l'ermellino è stata realizzata durante la permanenza di Leonardo a Milano tra il 1482 e 1499. L'opera della quale si ignorano le circostanze della commissione viene datata poco dopo il 1488 quando Ludovico il Moro, patrono di Leonardo da Vinci e altri artisti dell'epoca, ricevette il prestigioso titolo onorifico di cavaliere dell'ordine dell'ermellino dal re di Napoli, probabile quindi che l'opera facesse parte di una delle tante committenze del duca di Milano. Misteriosa è anche l'identità della donna raffigurata che grazie a una scritta in alto a sinistra ci porta a pensare che la donna sia madame Ferron, amante di Francesco i di Francia, ma potrebbe anche trattarsi della giovane Cecilia Gallarani, amante di Ludovico il Moro e l'ermellino che cinge tra le braccia un riferimento alla purezza e onestà della donna. La donna volge lo sguardo verso destra esattamente come fa l'animale creando una similitudine come se i due fossero in simbiosi, sorride appena con una leggera piega delle labbra che riporta alla mente il sorriso accennato dalla Gioconda.

la dama con l'ermellino

autore: Leonardo da Vinci data: 1510-1513 tecnica: olio su tavola ubicazione: museo del LouvreL'opera è stata commissionata a Leonardo dalla confraternita dell'immacolata concezione per la chiesa di San Francesco Grande a Milano, questa pare che non sia mai stata consegnata ai committenti poichè c'era stata una diatriba di tipo commerciale, infatti era stato stipulato tra Leonardo, i committenti e altri pittori che lavoravano con lui al tempo, un contratto in cui era previsto che ci sarebbe stato un pagamento supplettivo nel momento in cui l'opera fosse stata completata, ma che Leonardo non ritendolo idoneo lascierà incompleta. Tra gli artisti e la confraternita si scatenò una contoversia che si protrasse per molti anni e che giunse a conclusione soltanto nel 1506, quando Leonardo aveva gia fatto ritorno a Firenze. Nel frattempo il pittore realizzò una nuova versione del dipinto, che terminò più o meno durante il secondo soggiorno milanese e che fu destinata a sostituire quella originaria.L'opera si distingue dalle altre viste finora poichè noi siamo abituati a vedere la vergine rappresentata sul trono, solitamenete in uno spazio chiuso, qui invece viene raffigurata all'aperto, circondata da rocce le quali fanno rifermento alla sua passione naturalistica e il suo amore per la geologia e la scena descrive il leggendario incontro avvenuto nel deserto tra il Cristo bambino e il piccolo San Giovanni Battista. I tre espedienti tecnici contenuti nell'opera sono: lo sfumato, il contrapposto e la prospettiva aerea.

La vergine delle rocce

Nel 400 Roma e i suoi ruderi di età classica continuano ad esercitare un fascino irresistibile per gli artisti e per la loro formazione. Tuttavia, in questo secolo la città deve necessariamente lasciare a Firenze il primato della sperimentazione e quello della realizzazione sul campo dei maggiori capolavori del Rinascimento. All'inzio del secolo successivo, però qualcosa cambia. Nel 1503 a Roma viene eletto papa il cardinale Giuliano Della Rovere, che sale al soglio pontificio con il nome di Giulio ii e passerà alla storia come il papa guerriero. Il nuovo papa è anche uno dei più grandi mecenate di tutti i tempi, e il suo ingresso in Vaticano permette a Roma di rriprendersi il posto che gli spetta di diritto nella storia dell'arte: Giulio ii vuole scolpire per sempre il suo nome nelle pietre e nella gloria della città eterna. Per mettere in atto uno dei programmi artistici più ambiziosi di sempre chiama alle sue dipendenze i più grandi artisti dell'epoca: Donato Bramante, Raffaello Sanzio e MichelangeloBuonarroti. I tre, grazie alle numerose commissioni ricevute dal papa della Rovere, diventano ricchissimi. Il denaro che i tre maestri ricevono non è che l'aspetto materiale di un nuovo modo di concepire la figura dell'artista e riconoscere il valore della sua opera.

Alla corte di Giulio ii

autore: Michelangelo Buonarrotidata: 1505-1545materiale: marmoubicazione: Basilica di San Pietro in VicoliSi pensa che Giulio ii venne a conoscenza delle straordinarie capacità di Michelangelo tramite Giuliano da Sangallo, il quale informò il papa circa i grandiosi successi che il giovane scultore stava ottenendo a Firenze, dove aveva da poco ultimato il David. Intorno al 1505 Michelangelo fu convocato a Roma dal papa, che gli commissionò la realizzazione del suo monumento funebre nella tribuna della nuova basilica di San Pietro.Il grandioso progetto diche aveva in mente Micheangelo incontrò subito i gusti del papa, che lo autorizzò a reacrsi a Carrara per la scelta dei marm. Stando alle fonti dell'epoca, durante l'assenza Michelangelo fu vittima di un complotto da parte degli artisti della corte pontificia, che convinsero il papa ad abbandonare il progetto della tomba. Al suo ritorno da Carrara , nel 1506, Michelangelo scoprì che il suo lavoro era stato accantonto i favore dei lavori della basilica di Sn Pietro. Non riuscendo a ricevere udienza , Michelangelo , contrariato dal comportamento di Giulio ii, tornò a Firenze, dove riprese i progetti lasciati in sospeso. Dopo ripetute e insistenti richieste del Papa, Michelangelo accettò una riconciliazione. In seguito alla morte di Giulio ii, il successo di Raffaelo ridusse le commissioni per Michelangelo, che così ebbe il tempo di riprendere i lavori accantonati, tra cui quello del monumento funebre.Nel 1513, morto il papa, gli eredi per volontà testamentaria del papa , firmarono un nuovo contratto con Michelangelo, che riprese il lavoro della tomba. Il progetto venne però modificato e il monumento , invece che isolato, fu immaginato addossatoa d una parete.

Tomba di Giulio 11

MOSè

risalgono a questo periodo le prime statue scolpite per il monumento:

SCHIAVO RIBELLE

SCHIAVO MORENTE

Nel 1508 el papa Giulio II decise di dare un aspetto nuovo alla Cappella Sistina e con questa idea affidò al genio di Michelangelo il compito di realizzare una nuova decorazione sulla superficie della volta. Dopo un primo progetto semplificato, il maestro propose un ciclo molto complesso. L’artista tenne conto degli affreschi quattrocenteschi alle pareti e decise di aggiungere gli episodi della Genesi biblica che a essi si integravano. Michelangelo dipinse un’imponente struttura architettonica che si sovrappose alla volta reale inquadrando le scene. Si tratta di una griglia architettonica che crea un’illusione di spinta verso l’alto e sfondamento. Non solo, serve anche a racchiudere i soggetti nelle varie fasce. Probabilmente fu lo stesso Giulio a suggerire la raffigurazione di figure umane dentro un organica struttura architettonica. Tuttavia su questo originario programma figurativo, Michelangelo sollevò diverse perplessità. Allora il papa diede carta bianca all'artista che sviluppò così un opera originale e colossale. La volta della cappella Sistina fruttò all'artista la stima dei contemporanei tra cui Raffaello e lostesso pontefice. Michelangelo attraverso grandi difficoltà nel realizzare gli affreschi della volta, poichè tutto uesto lavoro lo affronò co pochi aiuti, in un quotidiano confronto tra genio dell'artista e i limiti fisici dell'uomo.L'inaugurazione avvenne il 1 novembre del 1512 alla presenza di Giulio ii.

La cappella sistina

Basilica di San Pietro

Versione completa della pianta degli Uffizi se Bramante avesse progettato un edificio a pianta centrale

Il destino di Donato si lega indissolubilmente a Roma e alla figura di Giulio ii. Bramante è totalmente coinvolto dal papa Della Rovere nella realizzazione dei suoi ambiziosi progetti in Vaticano. Al tempo, la basilica costantiniana- storico edificio di culto realizzato dall'imperatore Costantino nel IV secolo a.c.- costituiva il tempio della cristianità, sorgendo sul luogo in cui era stato sepolto San Pietro. Soltanto un papa visionario e temerario come Giulio ii poteva decidere di abbatterla per rimpiazzarla con una grande e sfarzosa opera: la nuova basilica di San Pietro. Il suo atteggiamento, quasi sacrilego, era in realtà confortato dalla realtà dei fatti: la vecchia basilica presentava dei notevoli problemi statici ed essendo costruita in legno era spesso e volentieri soggetta ad incendi. Bramante inizia a lavorare al progetto della nuova basilica nel 1505. I due muoiono quando i lavori per il nuovo tempio sono praticamente appena iniziati: intorno al 1505 sono stati realizzati soltanto le fondamenta dei piloni principali e i massicci archi di collegamento. Tra i capomastri succeessivi di Bramante, soltanto Michelangelo riproporrà l'idea classica della pianta centrale.

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storie di artisti e mecenati by mariannadimarco04 on Genially

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Discover more about storie di artisti e mecenati ✌️ - Presentation

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Cosa c’è dietro alle opere d’arte?Spesso, ammirando la bravura di un artista, ci possiamo dimenticare i motivi della sua commissione trascurando la figura del mecenate oltre la dimensione artistica. In questa mostra verranno presentate note opere dei tre artisti della “maniera moderna”, i cui rapporti con i mecenati sono stati a lungo studiati, ma sposteremo l'attenzione sui motivi che hanno portato a richiedere il loro lavoro e sui lati del loro carattere che essi rivelano.

Mostreremo i risultati dei desideri che ancora oggi condividiamo con gli uomini del Cinquecento: innanzitutto ostentare la propria ricchezza e importanza, ma anche celebrare un'impresa o una nuova unione, ricordare chi si ama e chi si ha amato ma perduto, oppure essere onorato per l'eternità. Verranno accostati mercanti che aspirano al potere, e papi che hanno influito grandemente sulla storia europea, perché, condividendo la nazionalità italiana, attraverso queste commissioni hanno raggiunto i musei di tutto il mondo.

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DIETRO ALLE OPERE

ARTE di PROPAGANDA: Storie di artisti e mecenati

Nuova Mostra Temporanea

Cosa c'è dietro alle opere d'arte?Spesso, ammirando la bravura di un artista, ci possiamo dimenticare i motivi della sua commissione trascurando la figura del mecenate oltre la dimensione artistica. In questa mostra verranno presentate note opere dei tre artisti della "maniera moderna", i cui rapporti con i mecenati sono stati a lungo studiati, ma sposteremo l'attenzione sui motivi che hanno portato a richiedere il loro lavoro e sui lati del loro carattere che essi rivelano.Mostreremo i risultati dei desideri che ancora oggi condividiamo con gli uomini del Cinquecento: innanzitutto ostentare la propria ricchezza e importanza, ma anche celebrare un'impresa o una nuova unione, ricordare chi si ama e chi si ha amato ma perduto, oppure essere onorato per l'eternità. Verranno accostati mercanti che aspirano al potere, e papi che hanno influito grandemente sulla storia europea, perché, condividendo la nazionalità italiana, attraverso queste commissioni hanno raggiunto i musei di tutto il mondo.

Raffaello Sanzio, 1507, olio su tavola, 184 x 176 cm, Galleria Borghese, Roma

PALA BAGLIONI

L'opera fu commissionata da Atalanta, vedova Baglioni, la quale aveva recentemente perso il figlio Grifonetto nelle lotte familiari. Il dolore della donna è dunque paragonato a quello della Madonna, sorretta da una donna michelangiolesca, mentre il figlio viene ritratto a trasportare il corpo di Gesù.

MONUMENTO FUNEBRE DI GIULIO ii

Michelangelo, 1505-1545, marmo, 10 m, Chiesa di San Pietro in Vincoli, Roma

Papa Giulio II aveva grandi progetti per Roma e ovviamente desiderava essere deposto in una tomba degna della sua impresa e della sua importanza. Tuttavia il maestoso progetto iniziale fu significativamente ridotto e non trovò neanche l'illustre collocazione pensata. Anche se la figura del papa ci è giunta distorta, Michelangelo ha dato splendore alla sua morte.

Progetto iniziale

Raffaello Sanzio, 1506,olio su tavola, 65 x 45 cm,Galleria palatina,Palazzo Pitti,Firenze

RITRATTO DIAGNOLO DONI &MADDALENA STROZZI

Agnolo Doni era un mercante che aveva sposato Maddalena Strozzi più che per il suo aspetto per la sua famiglia, una delle più importanti di Firenze, sperando di conquistare il potere fino ad allora detenuto dai Medici. Nel ritratto Raffaello riesce a trasmettere la ricchezza della coppia attraverso la resa dei tessuti e dei gioielli, ma non abbellisce i soggetti dipingendo con estremo realismo anche i dettagli più piccoli.

Michelangelo, 1504-1507, tempera su tavola, Galleria degli Uffizi, Firenze

TONDO DONI

L'unica commissione privata di Michelangelo fu per il regalo delle nozze di Maddalena Strozzi, apparentemente costata 70 ducati a un riluttante Agnolo Doni. Viene rappresentata una scena della sacra famiglia particolare per la torsione dei corpi. La cornice, anch'essa disegnata da Michelangelo, contiene i simboli della casa Strozzi.

SAGRESTIA NUOVA

Michelangelo Buonarroti, 1520-1534, Chiesa di San Lorenzo, Firenze

La cappella fu commissionata da papa Leone X per dare una degna sepoltura al fratello e al nipote. Il progetto venne portato avanti anche da Clemente VII il quale, però, fece aggiungere anche le tombe di Lorenzo il Magnifico e di suo fratello Giuliano in una scarsella rimasta incompiuta. I monumenti funebri completati descrivono i caratteri dei due medicei: Lorenzo è scolpito in una posa pensierosa, accompagnato dallele personificazioni dell'Aurora e del Crepuscolo , mentre Giuliano è vigile e deciso con le statue del Giorno e della Notte.Michelangelo, nonostante le critiche sulla somiglianza ai soggetti, riuscì ad onorare i due uomini.

Giuliano de'Medici duca di Nemours

Lorenzo de'Medici duca di Urbino

Raffaello Sanzio, 1514, affresco, 670 cm, Stanza dell'incendio di Borgo, Palazzi vaticani, Città del Vaticano

INCENDIO DI BORGO

Quando Giovanni de'Medici divenne papa col nome di Leone X, doveva ridare onore alla casata da tempo scacciata da Firenze: per questo si impegnò nella sua attività di mecenate. Uno degli artisti che preferì fu proprio Raffaello Sanzio che era stato incaricato dal suo predecessore (papa Giulio II) per affrescare gli appartamenti papali.Nella stanza dell'Incendio di Borgo, l'ultima completata dal pittore prima della sua morte, furono raffigurati gli episodi di due omonimi di Leone X, attraverso i quali vengono celebrate le sue imprese. In particolare nell'affresco principale Leone VI ha le sembianze di Giovanni de'Medici paragonando la benedizione che spense il fuoco, alla temporanea pace che aveva assicurato contro gli invasori francesi.

DAMA CON L'ERMELLINO

Leonardo da Vinci, 1489-1490, olio su tavola, 55 x 40,5cm Czartoryski Muzeum, Cracovia

BELLE FERRONIERE

Leonardo da Vinci, 1490-1495, olio su tavola, 63 x 45cm Musée du Louvre, Parigi

Non si è certi della vera identità della donna ritratta, ma molti ipotizzano che sia la duchessa Beatrice d'Este, moglie di Ludovico Sforza. Essa fu una personalità importantissima nell'arte e nella politica e, benchè il marito la tradisse spesso, la sua morte prematura lo addolorò moltissimo. Il ritratto in sè si distingue dagli altri di Leonardo per l'assenza delle mani: sono elementi centrali nella vita dell'uomo e dunque anche in tutti i lavori del pittore (che pone l'uomo al centro) tranne che in questo, la cui parte inferiore sembra essere stata eliminata.

Il soggetto è Cecilia Gallerani, amante di lunga data di Ludovico il Moro, da cui ebbe addirittura un figlio. Durante il suo soggiorno alla corte degli Sforza, Leonardo da Vinci potè ritrarre la donna con in mano un'ermellino simbolo del suo cognome (dal greco antico γαλῆ ) ma forse anche del suo rapporto con il signore di Milano, il quale era stato nominato cavaliere dell'Ordine dell'Ermellino. Possiamo notare come gli elementi esterni (animali o paesaggi) siano sempre in rapporto con i soggetti dei ritratti.

Fine

Elettra Di Legami - II M - 2021/2022

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MOSTRA "MET" by elettra.dilegami on Genially

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DIETRO ALLE OPERE ARTE di PROPAGANDA: Storie di artisti e mecenati Nuova Mostra Temporanea Cosa c'è dietro alle opere d'arte?Spesso, ammirando la bravura di un artista, ci possiamo dimenticare i motivi della sua commissione trascurando la figura del mecenate oltre la dimensione artistica.

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Benvenuti all'interno di questo museo. Oggi insieme a me tratteremo alcune opere commissionate alle tre punte del diamante del Rinascimento: Leonardo, Michelangelo e Raffaello. Che tra i tre non scorresse buon sangue è noto a tutti, ma tale rivalità non fu fine a se stessa, anzi, funse da pungolo ai loro già acuti ingegni, spingendoli a porre in pittura e in scultura il meglio di sè.

Il mecenatismo, termine derivante da Mecenate, fu una delle componenti principali nella fioritura delle arti classiche in epoca rinascimentale. Non è certo un caso se gran parte del nostro patrimonio artistico e culturale fu dato alla luce proprio nel Rinascimento. Mentre stati nazionali quali Germania o Inghilterra miravano ad investire il loro denaro in opere di politica, in Italia, invece, si preferì investire sulla cultura. La realtà rinascimentale si identificava con la vita di corte, tant'è che le diverse casate aristocratiche puntavano a celebrare la loro grandezza attraverso ciò che avrebbero lasciato ai posteri.

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"Arte di propaganda: storie di artisti e mecenati".

A cura di Martina Corradi

Benvenuti all'interno di questo museo. Oggi insieme a me tratteremo alcune opere commissionate alle tre punte del diamante del Rinascimento: Leonardo, Michelangelo e Raffaello. Che tra i tre non scorresse buon sangue è noto a tutti, ma tale rivalità non fu fine a se stessa, anzi, funse da pungolo ai loro già acuti ingegni, spingendoli a porre in pittura e in scultura il meglio di sè.Il mecenatismo, termine derivante da Mecenate, fu una delle componenti principali nella fioritura delle arti classiche in epoca rinascimentale. Non è certo un caso se gran parte del nostro patrimonio artistico e culturale fu dato alla luce proprio nel Rinascimento. Mentre stati nazionali quali Germania o Inghilterra miravano ad investire il loro denaro in opere di politica, in Italia, invece, si preferì investire sulla cultura. La realtà rinascimentale si identificava con la vita di corte, tant'è che le diverse casate aristocratiche puntavano a celebrare la loro grandezza attraverso ciò che avrebbero lasciato ai posteri.

"Adorazione dei magi".

1

Autore: LeonardoCollocazione: Galleria degli UffiziTecnica: olio su telaùDatazione: 1482

Quest'opera è stata commissionata a Leonardo dai monaci agostiniani per l'altare maggiore della Chiesa di San Donato a Scopeto.

L’episodio dell’adorazione di Gesù si svolge all’aperto invece che nella capanna della natività. La Vergine e il Bambino si trovano al centro della composizione e i Magi alla base di un ideale triangolo.Le figure sono disposte a semicerchio dietro alla Vergine, al centro del quale si trova una roccia con un albero di alloro, simbolo della Resurrezione. Dietro all’albero di alloro c’è una palma, simbolo della Passione di Cristo. Sul fondale a sinistra c’è un edificio in rovina, probabile allusione alla distruzione del Tempio di Gerusalemme. All’estrema destra del quadro, c’è un fanciullo che guarda verso l’esterno. Potrebbe trattarsi di un autoritratto giovanile di Leonardo.

"Tondo Doni".

2

Autore: MichelangeloCollocazione: Galleria degli UffiziTecnica: olio su tavolaDatazione:1504-07

Quest'opera è stata commissionata a Michelangelo dal ricco mercante fiorentino Agnolo Doni, in occasione delle sue nozze con Maddalena Strozzi.

L'opera salta immediatamente all'occhio per i colori sgargianti utilizzati. L'autore riprende un tema tradizionale rivoluzionandolo completamente e conferendogli dinamicità. In primo piano abbiamo la Madonna che copre le parti intime a Gesù, simbolo del rifiuto alla circoncisione ebrea. La Madonna è anche contorta in quanto Michelangelo si ispira a Laooconte. Ai suoi piedi abbiamo dei ciuffi di trifoglio, simbolo della Trinità. Sulla cornice ci sono, in basso due teste delle Sibille, le quali prevedevano il futuro. Ai lati due teste di profeti e, infine, in cima, c'è la testa di Cristo.

Cappella Sistina

3

Giulio II, mentre Michelangelo stava realizzando la sua tomba, nel 1506 cambiò idea e decise di fargli affrescare la Cappella Sistina. Michelangelo non rimase entusiasta da questa notizia in quanto preferiva l'attività scultorea.Il pontefice gli propose di ridipingerla seguendo un programma iconografico basato sulle Storie della Genesi, il primo libro della Bibbia che narra le origini dell'universo e dell'umanità. Questo era un compito particolarmente difficile poichè lo spazio da dipingere era vastissimo (oltre 500 metri quadri). Nonostante ciò Michelangelo riuscì straordinariamente nel suo intento, dipingendo tutto a mano.

"Ritratti di Agnolo Doni e Maddalena Strozzi".

4

Autore: Raffaello SanzioUbicazione: Palazzo PittiTecnica: olio su tavolaDatazione: 1506

I dettagli che saltano immediatamente all'occhio sono: il paesaggio luminoso, i gioielli di Maddalena per mettere in risalto lo status insieme ai tessuti raffinati che indossano entrambi i coniugi (sul collo di lei c'è una preziosa perla bianca).Infine i capelli di Maddalena non sono raccolti in un'acconciatura perfetta e quasi "finta" come eravamo sempre stati abituati a vedere, questa volta si notano capelli fuori posto che conferiscono al ritratto un senso di realismo.

"Trasporto del Cristo morto (Pala Baglioni)".

5

Autore: RaffaelloUbicazione: Galleria Borghese, RomaTecnica: olio su tavolaUbicazione: 1507

A commissionare quest'opera è stata la nobildonna Atalanta Baglioni per la cappella di famiglia nella Chiesa di San Francesco al Prato a Perugia.

Quando Atalanta gli commissiona quest'opera, Raffaello era già famoso e doveva sistemare Roma, ma viene interrotto da questa donna, la quale aveva da poco perso il suo bambino, e di conseguenza gli chiede di dipingere una deposizione. Questo perché considerava il suo dolore simile a quello della Madonna.Ci sono alcuni importanti dettagli da notare, tra cui: il braccio di Cristo alla michelangiolesca, lo sfondo con le tre croci (simbolo del sacrificio) e gli alberelli. Per quanto riguarda le figure, queste esprimono grande sofferenza e fatica dovuta al trasporto del corpo morto.

Fine.

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Arte di propaganda by Martina Corradi on Genially

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Discover more about Arte di propaganda ✌️ - Presentation

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Il Rinascimento mutò l'iconografia Italiana,fu un'eta di cambiamento e di scoperta e racchiude il patrimonio culturale che ci rende noti.  A braccetto con il Rinascimento nacque il fenomeno del Mecenatismo fondamentale per il sostentamento delle arti.Uno delle figure più importanti di questo periodo fu Papa Giulio II ,Giuliano della Rovere, sotto la sua influenza infatti il territorio Italiano ,ma soprattuto Roma ,subirono una totale restaurazione attraverso il lavoro dei più grandi artisti.                       Giulio II fu mecenate e commissionò opere ad artisti del calibro di Bramante, Michelangelo, Raffaello e Leonardo.

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storie di artisti e mecenati

Agata Chiarulli 2M

Il Rinascimento mutò l'iconografia Italiana,fu un'eta di cambiamento e di scoperta e racchiude il patrimonio culturale che ci rende noti. A braccetto con il Rinascimento nacque il fenomeno del Mecenatismo fondamentale per il sostentamento delle arti.Uno delle figure più importanti di questo periodo fu Papa Giulio II ,Giuliano della Rovere, sotto la sua influenza infatti il territorio Italiano ,ma soprattuto Roma ,subirono una totale restaurazione attraverso il lavoro dei più grandi artisti. Giulio II fu mecenate e commissionò opere ad artisti del calibro di Bramante, Michelangelo, Raffaello e Leonardo.

RAPPORTO TRA GIULIO II E GLI ARTISTI

Il rapporto tra Giulio II e Michelangelo fu tormnetato d'amore e odio ma nonstante cio il Papa gli commissionò il suo grandioso monumento funebre

Tomba di Giulio II1505-1545Basilica di San Pietro a Roma

inoltre commissionò a Michelangelo la Decorazione della Cappella Sistina

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Giudizio Universale

La Creazone di Adamo

L'artista preferito di Giulio II è senza dubbio Raffaello

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BASIC DARK PRESENTATION by Agata Chiarulli on Genially

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storie di artisti e mecenati Agata Chiarulli 2M Il Rinascimento mutò l'iconografia Italiana,fu un'eta di cambiamento e di scoperta e racchiude il patrimonio culturale che ci rende noti.

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Scoprire il patrimonio artistico appartenuto a Lorenzo de' Medici è l'obiettivo di questo itinerario. Molte delle opere della sua favolosa collezione sono oggi disperse nei musei di tutto il mondo, ma una parte cospicua è rimasta a Firenze.

Con questo itinerario, centrato su Lorenzo de' Medici, si ripercorrono i principali luoghi della sua vita e quelli in cui si possono ammirare le opere e i capolavori che facevano parte della favolosa collezione di famiglia.  Si potranno ammirare le opere di Botticelli, Michelangelo e altri celebri maestri rinascimentali. Il primo giorno dell'anno è associato alla figura di uno dei più grandi promotori dell'arte di tutti i tempi e in una delle principali città d'arte: Firenze. In questa città, infatti, il 1 gennaio del 1449, nacque Lorenzo de' Medici, detto il Magnifico, figlio di Piero il Gottoso. Dal 1469 succedette al padre, insieme al fratello Giuliano, come signore di Firenze e fu un grande mecenate, circondandosi di intellettuali e artisti.

Lorenzo continuò la tradizione di famiglia collezionando opere d'arte di altissimo livello. Per lui lavorarono i più grandi artisti dell'epoca, come Antonio del Pollaiolo, Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Andrea del Verrocchio, Luca della Robbia, Benozzo Gozzoli e altri.