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“GEORGIA O´KEEFFE” Disponible en: http://www.georgiaokeeffe.org/es/

“HENRIETTA SHORE” Disponible en: http://womenoutwest.blogspot.com/2013/10/henrietta-shore-western-progressive.html

“LIGA DE ESTUDIANTES DE ARTE DE NUEVA YORK” Disponible en: https://es.wikipedia.org/wiki/Liga_de_estudiantes_de_arte_de_Nueva_York#/media/Archivo:Art_Students_League_215_West_57th_Street.jpg

“JIMSON WEED” Disponible en: https://soloart-onlyart.blogspot.com/2017/05/jimson-weed-pintura.html

“BLACK IRIS” Disponible en: https://www.metmuseum.org/art/collection/search/489813

“CRÁNEO DE VACA: ROJO, BLANCO Y AZUL”  Disponible en: https://www.metmuseum.org/es/art/collection/search/488694

“ORQUÍDEA BLANCA” Disponible en: http://biografiasarte.blogspot.com/2015/11/henrietta-shore.html

“MONTE WILSON” Disponible en: http://www.artnet.com/artists/henrietta-shore/mount-wilson-1GqZIwNd8qj9WMRqAgu-gA2

“TREE OF LIFE” Disponible en: https://www.bonhams.com/auctions/22391/lot/133/?category=list

“UNTITLED [CYPRESS TREES, POINT LOBOS]” Disponible en: http://www.artnet.com/artists/henrietta-shore/untitled-cypress-trees-point-lobos-qAHo2dXnUMIWlG60nKFm8w2

“CARIBBEAN” Disponible en: https://150ans150oeuvres.uqam.ca/en/artwork/1925-caribbean-by-henrietta-shore/#description

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En este óleo aparece trazado un tallo verde o nuevo brote visto desde lo que sería la tierra en la que se encuentra plantado, simbolizando la vida, la esperanza y la regeneración.

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Además, Point Lobos, podría hacer referencia a la Reserva Natural de California con el mismo nombre, lo que concuerda por su fecha con su mudanza a ese estado para entrar en contacto con la naturaleza.

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Su denominación hace referencia a los cipreses, lo que da a pensar que los troncos presentes en esta pintura con colores vivos son de dichos árboles.

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Por su título se puede intuir que la mujer representada es nativa de las Antillas, y pertenece a una serie de cuadros con la misma temática.

Esta obra, que presenta a una joven realizada con superficies pulidas, formas simples y colores llamativos, puede plantear el tema de la imaginería colonialista.

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Pintura donde se observa a un grupo de ciervos en un paisaje surrealista, una de sus obras más destacadas.

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Cronología: 1931
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 76, 2 x 71,12cm
Ubicación: Colección privada en San Francisco

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Cronología: 1930
Técnicas: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 76.8 x 66.7cm
Ubicación: Steve Turner Gallery, Los Angeles

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Cronología: 1925
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 43.2 x 35.6cm
Ubicación: Colección Jeri L. Waxenberg Wolfson

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En este contexto, el modernismo estadounidense marcó el comienzo del arte de Estados Unidos como algo distinto y autónomo del gusto europeo, rompiendo las convenciones artísticas que se habían formado según las tradiciones europeas hasta entonces.

El modernismo americano se benefició de la diversidad de cultural de sus inmigrantes, inspirandose en culturas populares africanas, caribeñas, asiáticas y europeas e incorporando estos estilos exóticos en sus obras.

En síntesis, el movimiento modernista estadounidense fue un reflejo de la vida en dicho país durante el siglo XX.
(Sembach, 2014)

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Henrietta se sintió enormemente atraída por la pintura y la naturaleza a una edad temprana, un día comentó: "Estaba camino a casa desde la escuela y me vi reflejada en un charco. Era la primera vez que veía mi imagen completamente rodeada de naturaleza, y de repente tuve una sensación abrumadora de pertenecer a él, de ser parte de cada árbol y flor. Estaba llena de un deseo de contar lo que sentía a través de la pintura".
El comienzo de una pasión de por vida.

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Ha trabajado distintas técnicas y pintado retratos, paisajes y flores. Sus pinturas se caracterizan por lo estilizado de las figuras humanas y la delicadeza de sus flores y paisajes. Su estilo, dando preferencia y privilegiando a la naturaleza, la aproxima a Georgia O´Keeffe.
(Starr/Vure/Moure, 2000)

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Técnica: Óleo sobre lienzo
Cronología: 21 x 33 cm.
Ubicación: The Irvine Museum

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Uno de las pinturas más características de Henrietta son las flores, en particular las orquídeas, cercanas a un punto de abstracción, símbolizando la pureza y la sofisticación.

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Para su representación la autora dará gran importancia a la superficie desgastada del hueso, la utilización de los colores primarios que le aportarían belleza al cuadro y las mandíbulas rotas. Además, también le dará gran importancia a la utilización del blanco en sus obras, tanto florales como animales, que aportaran un brillo matizador y suavidad a las formas. Además, utiliza los colores azul, rojo y rojo por la bandera estadounidense.
(Katton Rich, 2013)

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La obra tendrá una gran monumentalidad y un destacado sentido simbólico para la artista, Georgia O´Keeffe ofrecia a la calavera de una vaca el simbolismo de la fortaleza que tenía el espíritu americano. Junto a esto también simbolizaba la belleza que para ella tenía el desierto. Respecto a la franja negra central se dice que tiene connotaciones religiosas. La representación del cráneo tiene la parte superior lisa y plana y la inferior se compone de pináculos y huecos irregulares. Las verticales rojas forman un gran contraste de colores con el hueso blanco en su azul frio. El área pintada en azul cuenta con pliegues que se asemejan a una tela drapeada.

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Durante varios años la artista decidió irse de Nueva York con su esposo realizando varios viajes para poder ampliar su conocimiento y su inspiración, y al llegar al sureste del país fue cuando se interesó por su paisaje fauna y flora. En ese instante fue donde la artista empezó a pintar escenas del desierto como es en este caso la calavera de una vaca. Durante esta estancia la artista acumulo objetos y especímenes que después formarían parte de sus cuadros, y la mayor parte de estas obras pueden verse en su casa de Nuevo México. Tal era su admiración por los huesos que en uno de sus catálogos escribió: "Para mí, los huesos son tan hermosos como cualquier cosa que conozco. Son extrañamente más vivos que los animales que caminan. Los huesos parecen cortarse bruscamente en el centro de algo que está muy vivo en el desierto a pesar de ser vasto, vacío e intocable ".

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Esta obra se aleja de las pinturas florales de pintores impresionistas como Vincent van Gogh al caracterizarse por sus abstracciones y ampliaciones, asociándose a términos ginecológicos dándosele a la flor una interpretación feminista. La intención de la autora al crear este cuadro era la de aumentar la flor más allá de las proporciones del tamaño natural de tal manera que resultase irreconocible y consiguiese transmitir al espectador una sensación de suave voluptuosidad. De esta manera la persona que este observando la obra podrá apreciar los detalles mas pequeños que de otra forma podría pasarse por alto.

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La utilización de esta flor y no otra es por el abundante simbolismo que presenta en el mundo occidental, por lo que durante mucho tiempo diversos expertos en la Historia del Arte comenzaron a darle interpretaciones y simbolismos a la obra que Georgia más tarde desmentiría. Por un lado, las hojas de esta planta son parecidas a las espadas y se emplean como símbolo del sufrimiento de María, dándole al cuadro una ideología cristiana. Esta metáfora pictórica se debía a la educación católica y parroquial de O'Keeffe.  Por otro lado, muchos expertos determinaban que había una clara unión entre botánica y anatomía en la que se representaba la unidad del orden femenino y natural. A pesar de esto O'Keeffe afirmo que esto era una interpretación del espectador rechazando la noción de sus flores como metáforas sexuales. Esta teoría fue dada por la historiadora del arte Linda Nochlin que durante muchos años trabajo en esta interpretación. Sin embargo, la autora afirma que la finalidad de la obra no era otra que la de empujar al espectador observar y contemplar las diferentes formas de ver de las personas. De esta forma la finalidad última de la obra era la de resaltar la importancia del arte de mirar, no solo refiriéndose al arte sino también a la vida.

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Se trata de una monumental pintura de flores, una de las primeras obras de O'Keeffe. Exhibida por primera vez junto con las obras que formaban parte del conjunto en la Intimate Gallery, Nueva York, del 11 de enero al 27 de febrero de 1927, donde fue catalogada como DARK IRIS. Hacerse con este tipo de flor era muy difícil, ya que solo podía encontrarse durante determinadas épocas del año en ciertas floristerías de Nueva York.

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Cronología: 1931
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 101.3 x 91.1 cm
Ubicación: Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

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Cronología: 1926
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 9.4 x 75.9 cm
Ubicación: Museo Metropolitano de Arte de Nueva York

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El nombre original de esta planta seria Datura stramonium. Forma parte de la familia de las solanáceas y del género Datura. Esta hermosa flor blanca atrajo a múltiples artistas. Fue incluso utilizado como medicamento, pero puede ser toxico al utilizarlo de una manera poco apropiada. Con el cuadro, la autora pretendía representar la floración de la jimson weed o estramonio. Para su composición la autora presenta el motivo central en primer plano dándole incluso la apariencia de un encuadre fotográfico.

Fue encargado por el magnate de los cosméticos Elizabeth Arden para uno de sus Salones en la ciudad de Nueva York. y finalmente se vendió por cuarenta y cuatro millones cuatrocientos cinco mil euros.

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El cuadro representa cuatro flores de estramonio en forma de molinete, se pueden apreciar cabezas de flores que están superpuestas sobres las hojas de la planta, y su fondo está realizado en azul y blanco. Para su elaboración se contó con una paleta muy reducida de colores una alternancia de luces y sombras rítmicas. Utilizará principalmente colores suaves y transparentes y destacará por la severidad de las líneas. A diferencia de otras representaciones de la artista, como puede ser el Black Iris, se utilizan más cabezas juntas en vez de una que ocupase todo el cuadro. Sin embargo, estas son lo suficientemente grandes aun así para poder apreciar nuevamente cada uno de sus detalles. Con ello la autora intenta que se aprecien incluso el interior de la propia flor.

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Georgia O'Keeffe era una gran entusiasta de la jardinería y por ello utilizaba estas representaciones de naturaleza muerta de su jardín para convertirlas en arte intentando renovar siempre e innovar con nuevos tipos de flores para poder luego representarlos. Lo que hizo que esta obra resaltase fue  que representó de forma más cercana solo dos cabezas de las flores para que así el espectador pudiese ver sus detalles individuales de una manera jamás vista hasta entonces. Este acercamiento e interés por los pequeños detalles marcaran el estilo de sus obras.

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Cronología: 1936
Técnica: Óleo sobre lino
Medidas: 180 x 212cm
Ubicación: Museo de Arte de Indianápolis

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O´Keeffe se caracterizó por su amplia temática, ya que esta iba evolucionando junto con sus conocimientos, pero entre sus pinturas más relevantes destacan las  escenas del desierto y las florales.
(Eldregde, 1993)

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La Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York 

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La Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York 

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Escuela de bellas artes ubicada en la calle West 57th de Manhattan, Nueva York, fundada en 1875 con el objetivo de que hubiera una mayor variedad y flexibilidad en la formación ofrecida a los artistas.

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Galleux.ru. https://es.gallerix.ru/pedia/paintings-analysis--cows-skull-okeeffe/ . [Consultado el 21-3-2021; 21:34]

Georgiaokeefe,org. http://www.georgiaokeeffe.org/jimson-weed/ . [Consultado el 21-3-2021; 21:55]

JLW collection, Henrietta Shore (1880 - 1963) Canada / United States. http://jlwcollection.com/jlwcollection.com/Henrietta_Shore.html  [Consultado el 12 de Marzo de 2021]

Metmuseum.org. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/489813. [Consultado el 21-3-2021; 21:03]

"Modernismo Americano" HiSoUR Arte Cultura Historia https://www.hisour.com/es/american-modernism-34668/ [Consultado el 15 de Marzo de 2021]

"Modernismo" Másdearte.com  https://masdearte.com/movimientos/modernismo/ [Consultado el 15 de Marzo de 2021]

"150ans150oeuvres” https://150ans150oeuvres.uqam.ca/en/artwork/1925-caribbean-by-henrietta-shore/#description [Consultado el 16 de marzo de 2021]

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Años después la visitaron unos conocidos y por la situación en la que la encontraron la internaron en un centro de salud mental en San José, muriendo en 1963 a los 83 años. Tras su fallecimiento su reconocimiento fue olvidado, aunque sus obras están en colecciones de museos como el Museo de Arte del condado de Los Ángeles.
(Trenton, 1995)

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En 1913 se muda a California, sus cuadros triunfaron en este lugar pero pintaba de manera lenta y no le gustaba mucho vender sus obras. En 1920 vuelve a Nueva York donde expuso sus obras simultáneamente con Georgia O´Keeffe, y regresa a Los Ángeles en 1923 y en 1927 expone en el Museo de Arte de San Diego. El director de este museo la reconoció como una de las mejores artistas del país. En este mismo año conoció a Edward Weston, un gran amigo suyo con el que compartiría gustos artísticos. Tuvo que aceptar retratos y trabajos de docente por sus pocos ingresos, y  entorno a estos años se mudó a México. Allí conoció la obra Diego Rivera, la cual le influiría en algunas de sus futuras obras. Finalmente se instaló en 1930 en Charmel, California, para acercarse a la naturaleza, ayudando a su anonimato y su pobreza al recibir escasos encargos.

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Henrietta Mery Shore nació el 22 de enero de 1880 en Toronto, Canadá. Su madre le animó a seguir su interés por el arte. A través de una experiencia que tuvo con la naturaleza quiso empezar a transmitir lo que sintió mediante la pintura. Fue a estudiar a la Art Students League en Nueva York donde fue compañera de Georgia O´Keeffe, y prosiguió con sus estudios en la Escuela de Arte de Heatherly en Londres y Holanda.

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CHARLES C. ELDREDGE. Georgia O'Keeffe: American and Modern. New Haven: Yale University Press, 1993. ISBN 978-03-00055-81-8.

DANIEL KATTON RICH. Georgia O'Keeffe.  Literary Licensing, 2013. ISBN 978-12-58634-00-1.

KEVIN STARR,SARAH VURE,NANCY DUSTIN WALL MOURE. Circles of Influence: Impressionism to Modernism in Southern California Art,1910-1930. California: Orange County Museum of Art,2000. ISBN 978-09-17493-30-0.

KLAUS-JURGEN SEMBACH. Modernismo. Colonia: Taschen, 2013. ISBN: 978-38-22829-92-9.

PATRICIA GIL SALGADO. El desnudo fotográfico de Georgia O´Keeffe: un análisis de la(s) visión(es) masculina(s) del cuerpo femenino. Madrid: Universidad Complutense de Madrid, 2014. Trabajo Fin de Máster inédito.

PATRICIA GIL SALGADO. Vanguardias pictóricas durante la década de 1910 y 1920: Proyección de los roles de género en los estudios de caso de María Blanchard y Georgia O´Keeffe en: Mujeres en guerra / guerra de mujeres en la sociedad, el arte y la literatura. Madrid: Ardibel Editores, 2014. ISBN 978-84-15335-56-6.

PATRICIA TRENTON. Independent Spirits: Women Painters of the American West, 1890-1945. California: University of California Press, 1995. ISBN: 978-05-20202-03-0

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O'Keeffe se convirtió en un personaje relevante en la década de 1920, gracias a la exposición de sus cuadros y, en menor medida, a la gran cantidad de retratos que Stieglitz hizo de ella entre 1917 y 1937, afectando de manera significativa la reacción crítica a su trabajo. Tras varios viajes, innovaciones en su arte e importantes exposiciones y retrospectivas por Estados unidos, Georgia O’Keeffe fallece en Santa Fe, Nuevo México, el 6 de marzo de 1986.
(Patricia Gil Salgado, 2014)

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Después de cursar sus estudios en Madison High School de Wisconsin, y en Chatham Episcopal Institute de Virginia, en 1907 se une a la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1908, O'Keeffe se dio cuenta de que no podría financiar sus estudios superiores, su padre se había declarado en quiebra y su madre estaba gravemente enferma de tuberculosis. En el otoño de 1914, Georgia consiguió matricularse en la Escuela de Profesores de Columbia, para así poder sacarse el título de profesora en Bellas Artes. En ese mismo año conoció al que sería su futuro marido a partir de 1924, Alfred Stieglitz. Él, interesado en sus pinturas abstractas decidió exhibirlas por primera vez en 1916 en 291, la galería de arte que había inaugurada en 1902 en la Quinta Avenida.

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Georgia Totto O'Keeffe nació el 15 de noviembre de 1887 en la hacienda familiar de Sun Prairie, en Wisconsin. Sin embargo, su abuelo materno George Victor Totto, un conde húngaro que se exilió en Estados Unidos después de ser partícipe de la revolución húngara de 1848 contra Austria, llegó a Sun Praire casi diez años después que los O´Keeffe. Por su parte los progenitores de Georgia, Frank O´Keeffe, e Ida Totto, habían sido vecinos desde niños. Aunque su infancia y adolescencia transcurrieron en un entorno rural, desde que era joven fue consciente de su vocación artística y tuvo acceso desde la adolescencia a escuelas privadas de arte. Una parte importante de la formación de las niñas de clase media en el siglo XIX era el aprendizaje de determinados conocimientos en relación al dibujo y a la música. Aunque pronto vio que no tenía mucho futuro en el canto, aprendió a tocar el violín y el piano con notable destreza, por lo que le costó bastante tomar la decisión de dedicarse únicamente a la pintura.
(Patricia Gil Salgado, 2014)

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El modernismo estadounidense, al igual que el movimiento modernista en general, es una tendencia de pensamiento filosófico que surge de los cambios generalizados en la cultura y la sociedad en la era de la modernidad. El arte modernista tiene una tendencia a la abstracción, es innovador, estético, futurista y autorreferencial.
En los Estados Unidos comenzó a principios del siglo XX, con un período central entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. Al igual que su contraparte europea, el modernismo estadounidense surgió del rechazo del pensamiento ilustrado, que busca representar mejor la realidad en un mundo nuevo y más industrializado.

El progreso económico y tecnológico en los Estados Unidos durante los locos años veinte dio lugar a un utopismo generalizado, que influyó en algunos artistas modernistas, mientras que otros se mostraron escépticos sobre la adopción de la tecnología. Primera Guerra Mundial confirmó el estatus de los EE. UU. como jugador internacional y le dio a la gente confianza en sí misma y una sensación de seguridad.

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Reconocida por sus interpretaciones de la naturaleza, sus obras le daríam su lugar en la Historia del Arte, pero por una serie de circunstancias moriría olvidada.
(JLW collection)

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Nombrada una de las mujeres más inteligentes de su país por el New York World, O’Keeffe fue uno de los personajes más famosos de la “high culture” de Estados Unidos y considerada como la "madre del modernismo estadounidense".

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Se denomina modernismo a una amplia corriente artística y literaria que buscaba la renovación creativa a finales del siglo XIX y principios del XX.

Internacionalmente, el modernismo es conocido como Art Nouveau.

Se caracteriza por su rechazo al historicismo académico de finales del siglo XIX, así como por su voluntad de llevar el arte a todas las facetas de la vida. Sienten especial predilección por la línea y sus valores expresivos, a lo que añaden cierta tendencia a la abstracción.
El estilo modernista fue sobre todo decorativo y sus manifestaciones más características tuvieron lugar en el campo de las artes aplicadas.