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Ostinato : Motif Rythmique ou mélodique qui se répète en boucle dans un extrait musical.

Boléro : Rythme de danse d'origine hispanique.

Jazz : Style de musique qui apparait aux États-Unis au début du XXème siècle.

Rythme asymétrique : Rythme qui ne sont pas divisible par 2 (ex : 5 temps, 7 temps...).

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Chorégraphie de Maurice Béjart

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Maya Plisetskaya - Bolero (choreography by Maurice Béjart)

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Learningapps

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Associez par deux les éléments en les superposant. Un point orange doit trouver sa correspondance avec un point bleu. N'oubliez pas de vérifier vos réponses en cliquant sur le rond bleu en bas à droite.

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Dave Brubeck (1961)

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Les colonnes de Daniel Buren

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Œuvres d’art contemporain exposées dans des lieux historiques

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Les Deux Plateaux de Daniel Buren est une installation que l'on trouve dans la cour du Palais Royal à Paris. Généralement appelée les " colonnes Buren ", cette œuvre fût commandée par le Ministère de la Culture en 1985, sous Jack Lang, et achevée un an plus tard. Première commande publique en France de l'artiste, elle occupe 3000m ² de la cour avec 260 colonnes de marbre blanc, zébrées de noir et de tailles variées. Dès le montage du projet, Les Deux Plateaux dût faire face aux réactions du public mais est aujourd'hui devenue une installation populaire ancrée dans le paysage urbain de la capitale.

Daniel Buren est depuis les années 80 un artiste sur le devant de la scène internationale. Né en 1938 à Boulogne-Billancourt, après des débuts dans l'univers cinématographique, il est formé à l'atelier de Peinture et décoration générale de l'Ecole des métiers d'arts de Paris de 1957 à 1960. Le célèbre motif rayé est employé pour la première fois en 1965 par l'artiste, inspiré par une toile de store rayée, à l'occasion d'une commande de mosaïques pour un hôtel de Sainte-Croix dans les Caraïbes. Les œuvres de Daniel Buren sont marquées par un travail in situ avec la répétition d'un même motif qui a une fonction " d'outil visuel ". Seul le matériau change, et avec ce motif, l'attention du spectateur est rejetée sur l'environnement qui accueille l'installation. (En savoir plus sur l'ensemble des oeuvres de l'artiste)

Une œuvre controversée

Les " colonnes Buren ", mises en place afin de remplacer le parking qui prenait place dans la cour d'honneur, connurent une vive opposition dès l'élaboration du projet. Elles représentent la rencontre discutée entre l'art contemporain et le patrimoine, tout comme le Centre Pompidou en 1977 ou encore la Pyramide du Louvre en 1989. Près de 225 articles dans 45 journaux différents sont dédiés à l'installation sous les titres "L' Affaire des Colonnes " ou encore " La Moderne bataille d'Hernani ". Des pétitions sont mises en place par la population afin de s'y opposer, et l'installation fait l'objet de vandalisme, tels que des graffitis. Par exemple, au début de l'année 1986, les travaux sont stoppés suite à un procès verbal par les agents de la Ville de Paris. A cela s'ajoute les riverains et l'Association pour la protection des paysages et de l'esthétique de France qui saisissent le tribunal administratif de Paris. Le 2 mai, Daniel Buren assigne le ministre au tribunal sur le sujet du droit moral de l'artiste sur son œuvre et François Léotard cède sur cet argument, ordonnant l'achèvement des travaux. Dans l'ensemble, les détracteurs reprochent aux Deux Plateaux de défigurer un lieu historique, demeure de la famille d'Orléans depuis le XVIIème siècle.

Une oeuvre devenue populaire

Aujourd'hui l'éclairage initial et le plan d'eau au sous-sol, reflétant visuellement et de façon sonore le niveau supérieur, n'existent plus. L'oeuvre a rencontré des problèmes de conservation et fût dans ce cadre rénovée en 2010. Cependant, nous pouvons noter un réel succès populaire. En effet, petits et grands viennent s'y amuser ou se reposer. La cour d'honneur est devenue un réel espace ludique de rencontres. Aujourd'hui, l'installation de Buren fait réellement partie du paysage urbain de Paris. Elle est devenue une visite incontournable en elle-même, notamment par les touristes, du fait de son originalité et du contraste qu'elle propose face au patrimoine, mariage controversé à ses origines.

Objet de curiosité pour certains, simple lieu de passage pour d'autres, Les Deux Plateaux peut être vue comme une réelle initiation du grand public à l'art contemporain. Par son accessibilité et sa facture unique, elle permet en effet à tous un premier contact avec cet univers, souvent considéré comme ésotérique. Sa confrontation directe avec l'architecture du Palais-Royal emmène subtilement le " spectateur " a s'interroger sur le patrimoine et l'art en général, tout en l'invitant à se pencher sur l'art contemporain.

Sur ce sujet, je vous invite à consulter l'ouvrage L'art contemporain exposé aux rejets: études de cas (2012) de Nathalie Heinich. L'étude de cas des Deux Plateaux est consultable en ligne.
M.R. Sources

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Les Deux Plateaux de Daniel Buren: entre polémique et succès populaire

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Les Deux Plateaux de Daniel Buren est une installation que l'on trouve dans la cour du Palais Royal à Paris. Généralement appelée les " colonnes Buren ", cette œuvre fût commandée par le Ministère de la Culture en 1985, sous Jack Lang, et achevée un an plus tard.

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Warhol, Ten Lizes, 1963,  musée moderne de Paris

Présentation  : Cette œuvre, datée de 1963, mesure 5m67 x 2m01. Elle présente 2 bandes horizontales de 5 portraits  de l'actrice américaine Elizabeth Taylor, surnommée "Lize". Ils sont  identiques, en noir sur fond gris blanc métallisé.

La technique utilisée ici est  la sérigraphie : La reproduction d'une photographie par sérigraphie nécessite d'agrandir l'image par des clichés successifs pour obtenir un grand film tramé qui servira à impressionner (faire une impression sur) l'écran . Les contrastes de l'image peuvent être alors volontairement  changés. L'écran de sérigraphie est constitué d'un tissu synthétique (avant en soie), aux mailles plus ou moins serrées selon l'effet désiré, qui est tendu sur un cadre. Le tissu est enduit d'un produit photo sensible. Le film tramé, représentant la photographie agrandie, est tendu sur cet écran et le tout est exposé à une lumière très vive. L'écran est ensuite lavé à l'eau et seule l'image négative du film apparaît : les parties noires de l'image, non impressionnées,  se dissolvent et libèrent les mailles de l'écran tandis que les parties blanches durcissent et  obstruent les trous des mailles de l'écran. Après séchage, l'écran est positionné à plat sur une toile ou un papier. De l'encre est versée puis étalée sur l'écran. A l'aide d'une raclette l'encre est ensuite pressée fermement, elle traverse ainsi les mailles libres du tissu et donne donc une image positive sur le support final. L'écran peut servir un grand nombre de fois.

Pour Ten lizes, le peintre a fabriqué un cadre d'environ 1m de côté, il a choisi comme support une longue toile horizontale en coton et lin. Il la couverte d'un pigment blanc argenté (surement à l'aide d'une bombe de peinture pour carrosserie de voiture). Puis, il a appliqué 10 fois son cadre de sérigraphie sur cette surface. Il a joué avec les hasards de la technique : l'écran de sérigraphie et la raclette qu'utilisent l'artiste provoquent des bavures, des superpositions décalées, des excès de peinture ou au contraire des transparences. Le cadre de cette sérigraphie resservira ultérieurement pour une série de portraits d'Elizabeth Taylor cette fois en couleurs.

Rauschenberg, Collage, 1970

Andy Warhol : appartient au courant artistique du  Pop Art américain. Jusqu'en 1960, il est graphiste dans la publicité. Soudain, les collages de Rauschenberg lui ont donné envie de devenir peintre et célèbre alors qu'il ne sait pas peindre. Warhol aimait l'argent et rêvait de devenir riche. La sérigraphie sera pour lui le moyen idéal pour le devenir en produisant rapidement et en grande quantité.

Warhol, Marilyn, 1960

Il commence sa carrière de peindre en agrandissant  de vulgaires publicités par projection d'une photo sur lune toile  : bouteille de Coca Cola, pochoirs à l'acrylique de boites de soupe Campbell.

Août 1962, Marylin Monroe meurt. A. Warhol a l'idée de choisir une photographie de Marilyn qu'il recadre et décide pour la 1ere fois d'utiliser la sérigraphie pour la reproduire en série en déclinant plusieurs variantes.  Le visage de l'actrice rendra Warhol célèbre.  Conscient du pouvoir de l'image dans la société, Warhol va dorénavant s'emparer des plus célèbres. Il s'intéresse ainsi à Elizabeth Taylor, dont tout le monde parle à l'époque. Peintre journalistique, portraitiste et autoportraitiste, Il met en avant dans ce tableau la réussite du modèle américain.  A partir de 1962, il travaille dans son atelier, la Factory. Ce nom d'"usine" convient tout à fait au travail de l'artiste. Ses œuvres sont faites "à la chaîne" et forment des séries, qui s'inscrivent complètement dans la consommation de masse de la société américaine. Dans ce tableau Ten Lizes, les imperfection des portraits apparaissent comme celle des objets moulés en série.  La quantité a pris le pas sur l'unicité. Dans ses œuvres, tout est objet et  Warhol détruit le côté exceptionnel de l'image en la répliquant . Du modèle à la photographie, de la photographie à la sérigraphie et enfin de la sérigraphie à la toile, Warhol dépersonnalise à la fois le sujet et annihile (détruit) le geste du peintre. En effet, pochoir, photographie, sérigraphie relève cette même démarche, celle de mettre à distance le peintre, d'en éliminer son style et sa touche personnelle.

Warhol, Liz, 1964

Analyse : Comme nous l'avons vu, la technique utilisée  dans ce portrait est la sérigraphie. Dû à la dimension très allongée de cette toile, le spectateur est obligé de se déplacer pour la regarder. Il remarque alors que la peinture argentée passe du blanc au grisâtre.  L'éclairage fait varier les visages. Le mélange de la trame de la toile et celle de l'écran de sérigraphie créé une texture avec de multiples reflets.

Distanciation avec la sérigraphie :  le regard est loin

Le portrait peint classique a pour rôle premier de représenter fidèlement le physique du modèle et de faire transparaître le caractère, l'âme du sujet.  Ces 10 visages identiques à la photographie initiale de l'actrice respectent bien, comme le portrait classique, la fidélité du physique du sujet mais par l'utilisation de la sérigraphie, ne subsistent dans ces portraits que l'essentiel du visage. En effet la sérigraphie efface les modelés et les détails de l'expression de Lize. Il n'y a plus de carnation, pas de grain de peau ni de couleur de teint, donc pas de rayonnement ni d'étincelle de vie, juste une empreinte sans âme, qui, même si elle est répétée, ne la rend pas plus vivante.

Warhol, Joconde, 1962

Ces 10 reproductions de Lize forment une série, symbole de la consommation de masse et dénonciation de l'accumulation d'images et d'objets dans la société. Ici l'actrice est traitée comme un objet, à l'instar des boites de soupe Campbell ou des bouteilles de Coca Cola. Elle perd son identité dans sa multiplicité. L'actrice n'est plus une personne spécifique mais une image symbolique. Warhol sous entend ici, qu'à force d'être trop médiatisée, l'actrice perd son identité propre . Paradoxalement elle devient une icône aussi connue que la Joconde : en même temps qu'elle perd son identité intrinsèque elle gagne une identité universelle et devient immortelle.

LIENS

Emission Palette : Ten Lizes, en deux parties :

Pop Art : histoire d’un mouvement artistique toujours aussi tendance

L’histoire du mouvement artistique appelé Pop Art n’est pas banale. Ce nom vient de l'abréviation de « popular art » en anglais. Ce courant artistique, qui est toujours d’actualité et qui a touché le monde entier, a commencé en Angleterre.

La naissance du Pop Art anglais date de 1955 et est attribuée au groupe nommé « Independent group »constitué notamment par les peintres Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton et le critique d’art Lawrence Alloway.

L’independent group casse les codes de la peinture de l’époque et s’intéresse à un sujet peu représenté en peinture : la culture de masse. Il remet en question les points de vue traditionnels des beaux-arts.

I was a Rich Man's Plaything (1947)

Paolozzi et Hamilton font beaucoup parler d’eux à cause de leurs collages devenus très célèbres et considérés comme les premières œuvres représentatives de ce mouvement. Ils se fascinent tous deux pour la culture populaire et l’étroite relation qui s’est installée entre l’homme et l’industrie. A travers les photomontages de R. Hamilton qui traduisent l’imagerie des magazines américains, on retrouve, à travers humour et érotisme, l’époque des années 1950. C'est un collage de Paolozzi "I was a rich man's playing" qui inclut la 1ere utilisation du mot "pop", celui-ci apparaissant dans un nuage de fumée au bout d'un revolver.

Le Pop Art anglais est un mouvement proche de la société. En effet la peinture, trop souvent considérée comme un art de privilège réservé à l’élite auparavant, se démocratise grâce à ce courant artistique particulier.

L’utilisation de publicités, de symboles et de personnes connues dans différentes œuvres est l’une des caractéristiques principales qui définit ce mouvement. On assiste à l’explosion du Pop Art en Angleterre et aux Etats-Unis. Les gens se sentent directement concernés par cet art décalé qui caricature la société et qui réduit les hommes à de simples consommateurs.

Rauschenberg

Le Pop Art américain se développe vers la fin des années 50 en parallèle au Pop Art anglais. Il est issu du travail de Robert Rauschenberg et Jasper Johns, il se caractérise par un intérêt pour les objets ordinaires, l’ironie et par la confiance en la puissance des images. La culture de masse aux Etats-Unis était très développée et très présente dans la vie des Américains. Les artistes américains vont donc mettre en évidence le pouvoir de l'image par la publicité, les magazines, les bandes dessinées, et la télévision. Pour cela, ils vont sortir des objets ordinaires de leur fonction de bien de consommation pour en faire des œuvres d'art.

Lichtenstein, Hot Dog, 1963

Les plus connus de ces artistes américains sontAndy Warhol, Roy Lichtenstein et Jasper Johns.

Johns, Flag, 1954

Le Pop Art est simple et accessible. Les procédés utilisés par les artistes sont faciles et sont souvent de nouveaux produits qui sortent tout juste de cette société de consommation : peinture acrylique ou sérigraphie permettent à n'importe qui de reproduire correctement une image.

Ce mouvement artistique, qui n'oblige pas l'artiste à connaître les bases de la peinture classique pour s'exprimer, utilise des symboles populaires, ce qui permet à n'importe quel spectateur de reconnaître le sujet et de se sentir proche du tableau. En faisant cela, l'artiste désacralise l'œuvre d'art qui auparavant était réservée à d'une part, un artiste talentueux techniquement, et d'autre part à un spectateur averti, une élite et qui ne s'intéressait qu'à des sujets dit « importants ».

Le célèbre Warhol (1928-1987), de son vrai nom Andrew Warhola était surnommé le « pape du Pop ». Il est encore aujourd'hui considéré comme le père du pop art. Après une carrière réussie en tant qu'illustrateur commercial, Warhol est devenu célèbre dans le monde entier pour son travail en tant que peintre, réalisateur de films avant-gardistes, producteur de musique et auteur.

Il aborde le pop art comme un pur et simple objet de consommation (1960, Campbell soup, les bouteilles de Coca Cola). Pour cela, il utilisait la technique de la sérigraphie. Il rendait «artistiques » des produits fabriqués en masse. Grâce à cette technique , il met souvent en scène un seul visuel (photo) qu'il agrandit et met en couleurs vives, dévoilant par sa démesure sa particularité . Il utilise les photos de célébrités telle Marilyn Monroe ou Elizabeth Taylor. Il les reproduit des dizaines de fois, voir des centaines, retirant ainsi à l'œuvre d'art son caractère unique et rare. La sérigraphie n'était pas considérée comme proprement artistique, mais industrielle. En minimisant son rôle dans la production de son travail et en déclarant que n'importe qui pouvait faire de l'art et qu'il voulait être « une machine », Warhol a déclenché une révolution dans l'art. Son travail est rapidement devenu à la fois populaire et controversé.

On lui a notamment reproché d'être devenu simplement un "artiste d'affaires". En 1979, plusieurs commentaires défavorables ont été dits sur son exposition de portraits de personnalités des années 1970, les qualifiant de superficiels, faciles et commerciaux, sans profondeur ou sans indication de l'importance du sujet.

Avec le recul, cependant, certains critiques en sont venus à voir Warhol et la superficialité de la commercialisation comme « le plus brillant miroir de notre temps »,soutenant que « Warhol s'était emparé de quelque chose d'irrésistible dans la culture américaine dans les années 1970 ».

Le Pop Art fut un mouvement très apprécié pour sa simplicité, son esthétisme et ses couleurs dynamiques. Ce fut un vrai phénomène de société.

En France, le courant du Nouveau réalisme tire sa substance de l'émergence du Pop Art. Des artistes comme Arman, Jean Tinguely et Gerard Deschamps font partis de ce courant artistique.

Aujourd’hui encore on observe que le Pop Art et ses influences sont très présents dans la décoration actuelle. On retrouve toutes sorte de tableaux ou objets colorisés à la manière d’Andy Warhol.

Lien vidéo :

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Warhol, Ten Lizes , 1963, musée moderne de Paris genre : portrait P...

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Dirigé par Gustavo Dudamel

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Bande originale d'un reportage sur le sculpteur Mark Di Suvero

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Musique Minimaliste/Répétitive

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Pièce baroque composée par J. Pachelbel sur une basse obstinée

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Pachelbel Canon in D Major - the original and best version.

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Partition du début du "Canon" de Pachelbel

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Partition du début du "Canon" de Pachelbel

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Les deux premières mesures de la basse sont répétées : il s'agit d'une basse obstinée

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traditionnel africain

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Baga Giné