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La Formation Musicale, qu'est ce que c'est ?

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La Formation Musicale, qu'est ce que c'est ?

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La formation musicale est née en 1978 sur les cendres d’une discipline très controversée et très française : le solfège !

L’appellation « Formation Musicale » est le signe d'une volonté de former des musiciens et non d’en rester à l’apprentissage de la « solmisation », lecture plus théorique , basée essentiellement sur des exercices et des dictées musicales spécifiques.
Cette nouvelle discipline se donne pour support le répertoire d’œuvres au sens large : il s’agit d’apprendre la musique en la faisant !
En chantant , en jouant, en improvisant, en écoutant et en comprenant des partitions pour se donner les moyens de les interpréter, de se les approprier.  Qu’avons nous à donner aux enfants pour compléter leur pratique instrumentale ou chorale ?
La première graine à cultiver chez le futur musicien est l’écoute. L’instrumentiste s’écoute, le choriste également, et notre rôle va consister à renforcer et compléter cette écoute par la compréhension des parties d’accompagnement, par l’interprétation de toutes les voix d’une polyphonies (non seulement la sienne) etc… la polyphonie est importante pour trouver sa voix, sa justesse, sa place dans le groupe ou simplement le duo… Apprendre à épeler un alphabet à toute vitesse et dans n’importe quel sens n’aidera jamais à lire une phrase et encore moins à l’entendre ! Une note n’est pas une syllabe !!! mais un son, une fréquence ! et cela dès le premier abord ! Une tierce , une quinte , etc… ne sont pas des calculs, mais des couleurs, des images , des sensations auditives ; une mélodie n’est pas sans direction, elle donne ses inflexions, ses questionnements, suspension, conclusion…
La mémoire est le fondement de la formation du musicien ; Les musiciens de toutes les traditions l’ont toujours cultivée. On ne retient profondément que ce qu’on ressent, comprend. Le lecteur ne peut être musicien que s’il entend déjà en lui ce qu’il lit : la notation ne servant que de support à une audition intérieure où la mémoire auditive est en action. Pour être à même de jouer, d’interpréter la musique, il est nécessaire qu’elle soit envisagée comme une langue vivante, que chacun pratique, parle, avec ses moyens et ses envies : Nul n’envisagerait d’apprendre une langue sans vouloir s’exprimer avec ! (N’ayant que le souci de répéter ce que d’autres ont inventé !) D’où l’importance de jouer avec les sons, les modes, les harmonies , par l’improvisation comme n’importe quel enfant aborde le premier langage…
Le corps du musicien est le réceptacle des sensations et des émotions musicales. Il est l’instrument premier, celui qui va permettre d’être en rythme, en phase, en harmonie. Dès l’éveil musical, et pendant toutes les études, la rythmique corporelle, la respiration, le chant, le geste instrumental, la pulsation et la battue, la dissociation corporelle sont à explorer.

Le cours de Formation Musicale tente d’être le lieu où l’enfant va découvrir la musique, comme un nouveau langage, universel et si diversifié, qui lui permettra d’exprimer sa sensibilité, sa créativité, ses goûts, sa curiosité, en apprenant ses codes, ses notations, et l’impliquera dans une pratique corporelle, vocale et instrumentale, seul mais aussi beaucoup avec les autres !

(inspiré par  Caroline Chauveau)

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Do ré mi la perdrix - Chansons et comptines avec Pinpin et Lili

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Les comptines de Pauline et Astrid Bâty - Au gré du vent (dans le port de Lorient)

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Les comptines de Pauline - Dans mon petit potager

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Les comptines de Pauline - Dans mon petit potager

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Le tour du monde en musique: Chine - Ensemble classique pékinois

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Conservatoire de Rouen - Théâtre - Musique - Danse

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Découverte instrumentale #11 - La Flûte à bec

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Chanson « une colonie de feuilles mortes »

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Chanson « une colonie de feuilles mortes »

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Cette chanson peut se chanter en canon

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J'ai ramassé des champignons, une adorable chanson d'automne   !

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Bruit-collage : atelier des apprentis bruiteurs | L’Automne | Philharmonie des enfants & Bayam

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Dérouler et écouter la 1ère version chant et accordéon

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Chanson à chanter partout | Maison de la radio et de la Musique

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« Bonjour les enfants »

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Rameau « danse des sauvages » (les Indes galantes)

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Rameau « danse des sauvages » (les Indes galantes)

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Sur cette musique tu peux frapper le rythme écrit sur la feuille dans tes mains; bien respecter les soupirs

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53 seconds · Clipped by Frédérique Soyer · Original video “Ars Lyrica presents Dancing at the Palais: Suites from Les Indes galantes - Entrée les Sauvages” b…

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Comment ça marche

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Ecole Municipale de Musique : présentation du piano

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Ce matin dans la rue || Paroles et Illustrations

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Didier Jeunesse - Des comptines et des histoires

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Didier Jeunesse - Des comptines et des histoires

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Relaxation pour les petits - Au bord de la rivière - Issue du livre musical Tout Doux

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Didier Jeunesse - Des comptines et des histoires

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Relaxation pour les petits - La Montagne - Issue du livre musical Tout Doux

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Classées par périodes

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" Chut ! " dépoussière les clichés et l'élitisme associés à la musique classique pour mettre la gra...

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Séance d' éveil musical n°3 : Sons forts, sons faibles-www.valeriesabbah.com

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Lucie Horsch, Amsterdam Vivaldi Players - Concerto ‘Per Flautino’

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Capsule pédagogique: la famille des bois

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Chorégraphie Rythmique - Beethoven Contredanses, WoO 14_ No. 5

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Bureau Arts & Culture Mission Musique DSDEN 68

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Magnifique chant dans une langue qui n’existe pas !

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Chorégraphie Rythmique - Elvis Presley - Jailhouse Rock

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Pour la première fois dans l'histoire de l'opéra, Carmen de Bizet présente une histoire évoquant passion, violence et se terminant tragiquement. L'opéra choque le public à sa création en 1875.

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PERCUSSIONS SUR TABLE Cycle 2 sur Minoesjka

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Percussion avec balle de tennis : French CanCan - Géraldine CAMUSAT

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Rythme corporel et notion legato/staccato

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Rythme corporel et notion legato/staccato

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Jeu rythmique avec balle - Staccato   Legato / Géraldine Camusat

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Lecture relative et ordonnance des notes

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Lecture relative et ordonnance des notes

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Comment Lire les Partitions - Présolfège et compréhension du processus de lecture (Partie 1)

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Percussions corporelles  sur la marche turque de Mozart

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Percussions corporelles  sur la marche turque de Mozart

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Chorégraphie Rythmique - Mozart "Marche Turque"

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Chorégraphie Rythmique - Beethoven Contredanses, WoO 14_ No. 5

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🏀 Ejercicios musicales con Pelotas de baloncesto 🏀

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Orchestre National de Bretagne | Saison 2024 - 2025

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Le vendredi 18 mars 2022, l'Opéra de Rennes vous accueille pour assister au concert scolaire L'histoire du soldat du compositeur Igor Stravinsky. Au delà du format de concert, nous pouvons parler d'un spectacle, puisqu'il s'agit d'une histoire contée (avec en narrateur Jean-Philippe Lafont, qui interprètera également les voix du Diable et du Soldat). La mise en scène, dans l'esprit du théâtre forain (présent à la création de la pièce en 1918) est confiée à Richard Dubelsky. Côté danse, la chorégraphe Stefany Ganachaud sera sur scène avec Noah Mgbélé Timothée et Sanja Kosonen, danseuse sur fil et artiste de cirque. Sans oublier, évidemment, sept instrumentistes de l'Orchestre National de Bretagne dirigés par Grant Llewellyn.

Ce spectacle pluridisciplinaire donne aussi lieu à une formation à destination des enseignants (je remercie la Délégation à l'Action Artistique et Culturelle de l'Académie de Rennes pour son soutien).

Vous trouverez sur cette page des ressources pédagogiques, destinées à préparer votre venue à l'Opéra de Rennes. Elles reprennent en partie le formidable travail mené il y a quelques années par Nathalie Ronxin (qu'elle en soit ici aussi remerciée!). Des guides d'écoute vous permettent également de vous plonger dans le cœur de l'œuvre. N'hésitez pas à me contacter pour toute question ou suggestion...

Bonne lecture, bon concert!

Hugo Crognier

Enseignant Conseiller relais
hugo.crognier@ac-rennes.fr

Le compositeur, Igor Stravinsky

Acteur majeur de la musique du XXème siècle, Igor Stravinsky lui aura imprimé sa marque, tout au long de sa vie, en épousant tour à tour les orientations esthétiques phares successives de la modernité, sans jamais renoncer à la singularité de sa créativité, lui qui ne fonda aucune école, ne forma aucun disciple. Son œuvre protéiforme, résiste à un classement homogène, et l'on évoquera plus volontiers à son sujet, à l'instar de l'œuvre d'un Pablo Picasso, son alter ego dans le domaine des arts visuels, différentes périodes de production, attachées à un foyer géographique, changeant au gré des pérégrinations de l'artiste, et identifiables à ses partis pris esthétiques, dont seul il sut concilier l'apparence contradictoire : luxuriance de l'orchestration russe, clarté des lignes néoclassiques, ascèse sérielle de l'après-guerre.

"Antiromantiques l'un comme l'autre, constructeurs de formes, montreurs, [Stravinsky et Picasso] sont faits pour se comprendre. La réalité est leur domaine - une réalité réinventée à partir de ses propres lignes de force et de ses matériaux concrets, sonores ou picturaux : elle est à la fois leur source d'inspiration et le point de mire de leurs spéculations. Car spéculateurs, ils le sont tous deux : mais non théoriciens [...] On les a maintes fois rapprochés- et c'est justice- comme deux Protées... S'ils connaissent des " périodes ", c'est pour les traverser- et les dépasser. "
André Boucourechliev, dans Igor Stravinsky, Editions Fayard, Paris, 1989, page 152

Période de jeunesse (1882)‐1901
Né en 1882 à Oranienburg de parents musiciens, il passe son enfance à Saint-Pétersbourg où son père chante sur la scène de l'opéra impérial. Malgré des débuts prometteurs d'improvisateur plutôt que de pianiste véritablement, ses parents l'orientent vers des études de droit. Cependant, son rapprochement, sur les bancs mêmes de l'université, avec le fils du compositeur Rimsky-Korsakov, lui permet de rencontrer ce dernier dont il sera l'élève six années durant, et sa fréquentation des milieux artistiques d'avant-garde l'incitent toujours plus à embrasser une carrière musicale.
Période russe 1902‐1914
À L'aube du XXème siècle, Saint-Petersbourg bouillonne d'activité culturelle, et Stravinsky entre dans le mouvement, encouragé sur cette voie par celle qu'il épouse en 1906, sa cousine Catherine Nossenko. En 1907, il dédie à Rimsky-Korsakov, son Maître, sa première symphonie en mi bémol majeur, encore fortement tributaire de son art de l'orchestration qui fait alors la renommée de l'école russe. Lorsque ce dernier décède, il honore sa mémoire d'un chant funèbre et sa fantaisie orchestrale Feu d'artifice sera créée aux côtés du Scherzo fantastique de son mentor lors d'une soirée qui sera cruciale pour sa carrière puisqu'y assiste le célèbre impresario Serge de Diaghilev, créateur des ballets russes. C'est pour cette formation qu'il lui demande d'ailleurs d'orchestrer deux pièces de Chopin, qu'il intégrera au ballet Les sylphides, créé à Paris en 1909.

Il lui commande ensuite un ballet entier : ce sera L'oiseau de feu, pour lequel il travaille de concert avec le chorégraphe Michel Fokine. Le triomphe de la première représentation en 1910 à l'opéra de Paris rend Stravinsky mondialement célèbre du jour au lendemain. Son ballet suivant Petrouchka, porté par la danse incandescente de Vaclav Nijinsky, sera lui aussi ovationné. Enfin, la trilogie russe est couronnée par le tumultueux Sacre du printemps, apothéose et tournant radical de cette période compositionnelle, mais également de l'histoire de la musique en général. Divisant les spectateurs dans un violent affrontement, il impose une violence rythmique inouïe. La chorégraphie choquera particulièrement les fidèles du ballet traditionnel en faisant surgir sur scènes les rites païens les moins policés. Du Sacre, Debussy, éminent contemporain, dira qu'il s'agit d'une " musique de sauvage avec tout le confort moderne ".

Période suisse 1914‐1920
La première guerre mondiale et les évènements de Russie font de Stravinsky un exilé en Suisse, où le souvenir de son pays natal hante sa création. Les recueils de chants populaires russes ramenés de son dernier séjour à Kiev, alimenteront son œuvre, notamment Noces et Renard. Cette période le voit rencontrer Gide, Picasso, Prokofiev, mais surtout Ramuz, avec lequel il composera L'histoire du soldat, dans une situation matérielle précaire. Rompant avec les orchestres monumentaux et chatoyants de la période russe, le compositeur se tourne, par nécessité, vers des ensembles plus restreints qui révèlent une autre facette de son rapport à son pays d'origine : moins rutilante et séduisante, plus âpre et essentielle. La fin de la guerre voit la renaissance des ballets russes et Diaghilev se tourne à nouveau vers Stravinsky, dont Pulcinella, basé sur les esquisses d'un compositeur italien du XVIIIème siècle, Pergolèse, inaugure la période néo-classique du compositeur.

Période parisienne 1920‐1939
Son œuvre se nourrit à présent de techniques et formes du passé, plus particulièrement celles des époques baroque et classique (XVIIème et XVIIIème siècles), qu'il réactualise toujours avec cette distance qui caractérise son empreinte personnelle. Mavra, parodie l'opéra-bouffe, l' Octuor pour instruments à vent, rend hommage au contrepoint, de J.S. Bach, tandis qu' Oedipus-Rex, austère oratorio renoue avec le hiératisme du latin. Apollon musagète constituera la dernière collaboration de Stravinsky avec Diaghilev qui disparaîtra peu de temps après. Naturalisé français en 1934, il partage son activité entre la composition, la direction d'orchestre et l'interprétation au piano, au cours de fréquentes tournées à l'étranger. Il noue notamment déjà des contacts fructueux aux Etats-Unis où il est invité comme chef pour une tournée de deux mois, et reçoit commande du Dumbarton Oaks Concerto de riches mécènes.

Par trois fois sa famille est touchée par la tuberculose : il perd ainsi en moins d'un an sa fille, sa femme et sa mère. Ebranlé par ces pertes, à la veille de la seconde guerre mondiale, il émigre à nouveau, aux Etats-Unis cette fois, s'étant vu proposer, par l'intermédiaire de la grande pédagogue Nadia Boulanger, un poste de chaire poétique à l'université d'Harvard.

Période américaine 1939‐1971
Très sollicité et au faîte de sa gloire, il mène une vie dense qui ajoute à ses activités antérieures, celle de conférencier. Il se remarie et embrasse la nationalité américaine en 1945. L'influence du jazz, présente dès la période suisse, rejaillit à nouveau sur sa musique et il compose l' Ebony concerto pour l'orchestre de Woody Hermann. Les années de guerre influenceront en outre la majeure Symphonie en trois mouvements. Sa période néoclassique s'achève avec le brillant exercice de style du Rake's Progress.

Sous l'impulsion de Robert Craft, son jeune assistant chef d'orchestre, il entame un nouveau virage stylistique pour se lancer dans l'aventure de la musique dodécaphonique et sérielle. Sans renier le style qui lui appartient en propre, il emprunte le chemin ascétique dont Anton Webern qu'il admirait, avait montré la voie. A près d'un demi-siècle du scandale du sacre, il parvient à nouveau, à plus de soixante-quinze ans, à dérouter le public nombreux venu à l'occasion de la création à Venise de Canticum sacrum.

Stravinsky ne retournera en Russie qu'en 1962, pour y être accueilli en grand homme à l'occasion de son quatre-vingtième anniversaire. Partout acclamé c'est pourtant dans la plus stricte rigueur qu'il continue de composer, comme en témoigne sa dernière grande œuvre Requiem canticles.

Contexte de composition et de création

Hiver 1917-1918. Stravinsky est alors en exil en Suisse, dans la petite ville de Morges, dans une condition matérielle et financière difficile (les ressources qui lui parvenaient de Russie sont gelées suite à la révolution bolchévique). Il se lie d'amitié avec le chef d'orchestre Ernest Ansermet qui lui présente un jeune poète, Charles Ferdinand Ramuz. Ramuz et Stravinsky nouent alors un lien d'amitié fort et durable (photo ci-dessous). Le poète l'aide à traduire du russe au français deux œuvres vocales ( Les noces et Renard). En compagnie du peintre et décorateur suisse René Auberjonois, ils projettent de créer un spectacle de poche, "un petit théâtre ambulant, avec des moyens limités au maximum, que l'on pourrait facilement transporter d'un endroit à un autre et présenter dans des locaux modestes"...

Stravinski montre à Ramuz le recueil de contes populaires russes d'Alexandre Afanassiev. Ils choisissent une histoire bien connue, celle d'un soldat déserteur qui pactise avec le Diable et finit par perdre son âme... Ramuz se met à la tâche et rapidement un livret prend forme comprenant une suite de scène destinées à être lues, jouées, dansées.

La première représentation de L'Histoire du soldat a lieu le 28 septembre 1918, quelques mois seulement avant la fin de la guerre, au théâtre municipal de Lausanne. L'Orchestre de la Suisse Romande est dirigé par Ernest Ansermet, les décors et les costumes sont créés par René Auberjonois et la mise en scène du spectacle est signée Georges Pitoëff. Malgré le succès rencontré par l'œuvre auprès du public, la tournée prévue à travers la Suisse doit être annulée en raison de l'épidémie de grippe qui sévit en Europe.

L'argument

C'est l'histoire de Joseph Dupraz, un pauvre soldat en permission, qui rentre chez lui à pied. Il marche. Il marche et s'accompagne au violon. Son chemin croise celui du Diable, sous les traits d'un vieil homme. Séduit, notre soldat ignorant sacrifie son violon en échange d'un livre qui divulgue les cotations en Bourse avec trois jours d'avance. Attiré par tant de richesses assurées, le soldat vend son âme au diable! Mais quand l'argent lui devient facile, il ne sait pas comment dépenser tous ses billets de banque; il découvre qu'il lui manque l'essentiel. " Ce n'est pas la nourriture qui compte, mais l'appétit". Le soldat enivre le diable au cours d'une partie de cartes et parvient à reprendre le violon, avec lequel il charme une princesse. Devenu prince, mais toujours insatisfait, il veut revoir son village natal. Mais " un bonheur est tout le bonheur, deux, c'est comme s'ils n'existaient pas ". Le pauvre soldat perd tout. Le diable triomphe.

Instrumentation et espace scénique

Il existe quatre versions de l'Histoire du soldat:

1918 : Histoire de Soldat, " lue, jouée et dansée ", création pour l'effectif orchestral détaillé ci-dessous.

1918 : Histoire du Soldat, transcription pour piano seul

1919 : Histoire du Soldat, Suite pour clarinette, violon et piano (version uniquement instrumentale). Cette adaptation, de Stravinsky lui-même, comporte 5 titres (contre 13 dans l'œuvre originale).

1920 : Histoire du Soldat, Grande suite, pour l'effectif original (version uniquement instrumentale), en 9 titres.

Dans la première version (celle que vous allez entendre à l'Opéra), Igor Stravinsky opte pour un ensemble restreint de sept musiciens où toutes les familles instrumentales sont représentées dans l'extrême grave et aigu: les cordes (violon, contrebasse), les bois (clarinettes, basson), les cuivres (cornet, trombone) et une percussion.
"Autre chose me rendait l'idée extrêmement attrayante, c'est l'intérêt que présente pour le spectateur la visibilité de ces instrumentistes ayant chacun à jouer un rôle concertant. Car j'ai toujours eu horreur d'écouter la musique les yeux fermés, sans une part active de l'œil (...) Ce sont ces idées qui m'incitèrent à placer mon petit orchestre bien en évidence d'un côté de la scène, tandis que de l'autre côté se trouvait une petite estrade pour le lecteur. Cet agencement précisait la jonction des trois éléments essentiels de la pièce: au milieu, la scène et les acteurs flanqués de la musique d'un côté et du récitant de l'autre."
Nous retrouvons la disposition scénique que décrit Stravinsky sur la photo suivante, prise par Freddy Bertrand lors de la représentation de l'Histoire du soldat au Grand Théâtre de Genève le 9 février 1945...

Structure de l'œuvre

Première partie
Marche du Soldat (1)
Petits airs au bord du ruisseau (1)
Marche du Soldat (2)
Pastorale (1)
Pastorale (2)
Petits airs au bord du ruisseau (2)

Deuxième partie
Marche du Soldat (3)
Marche Royale
Petit concert
Trois danses : tango, valse, ragtime
Danse du Diable
Petit choral
Couplets du Diable
Grand choral
Marche triomphale du Diable

Au cœur de l'œuvre

Les extraits audio utilisés dans les guides d'écoute proviennent d'une version de référence, le disque publié en 1962 chez Philips (Jean Cocteau en narrateur, Peter Ustinov dans le rôle du diable, Jean-Marie Fertey dans celui du soldat, Igor Markevitch à la direction d'orchestre).

Première partie La marche du soldat
"Entre Denges et Denezy, un soldat qui rentre chez lui" ... Denges et Denezy font référence à deux villages situés en Suisse. Le décor et l'action sont posés d'emblée par le narrateur. La marche du soldat impose au narrateur lui-même son pas, dont le rythme est incarné par la pulsation régulière de la contrebasse alternant temps fort et faible. Chaque contre-temps est rehaussé par une petite dissonance (intervalle de septième mineure) qui " fausse " le caractère martial. Elle lui confère l'aspect un peu criard, un peu approximatif d'une batterie fanfare de fortune...

En alternant écoute exclusive de la contrebasse et écoute exclusive des instruments à vent, on peut sentir que les unités métriques varient entre trois et six croches, combinées de façon à générer des entités asymétriques, tandis que la contrebasse reste obstinément ancrée dans son mouvement de balancier, créant une polyrythmie complexe. Stravinsky magicien du rythme apparaît ici dans tout son art!
Musique de la première scène- Petits airs au bord du ruisseau
La contrebasse ouvre ce deuxième morceau en pizzicato (en pinçant les cordes avec les doigts, comme on jouerait de la guitare). Elle répète en boucle quatre notes (ostinato), tandis que le soldat au violon joue une musique rustique, très rythmique, en double cordes, aux accents de musique populaire russe...

Le diable apparaît, interrompant brusquement le violoniste, et finit par le persuader d'échanger son violon (son âme) contre le livre qui prévoit le futur et donne la richesse, avant de l'embarquer pour trois jours / trois ans, abolissant le temps et le détournant de son
but initial : le retour au pays pour retrouver sa mère et sa fiancée. Reprise de la marche.
Musique de la deuxième scène- Pastorale
Le terme pastoral renvoie aux pasteurs, aux bergers. Genre poétique, il est aussi employé en peinture pour désigner des toiles représentant des troupeaux de moutons, dans des paysages sereins et aux vastes horizons... L'atmosphère est champêtre, bucolique, et l'élément naturel y tient une place essentielle.

En musique, une pastorale privilégie les vents, et plus spécifiquement les bois. C'est le cas dans cette deuxième scène (dialogue entre clarinette et basson). Cependant, le climat n'est pas vraiment serein. Le soldat, comprenant enfin qu'il a vendu son âme, est désespéré. C'est donc une pastorale troublée, teintée de mélancolie que nous donne à entendre Stravinsky...

Le diable déguisé en marchand de bétail se présente et manipule Joseph. (Reprise de la Pastorale). Le soldat, au fil de la lecture, s'enrichit, vend des choses, puis use des autres comme son livre qui prévoit l'avenir. Tout ce que l'on peut posséder il le possède. " Tout ? Rien. ". Il réalise enfin qu'en gagnant tout, il a perdu l'essentiel. (Reprise de Petits airs au bord du ruisseau). Joseph se lamente de tout avoir et d'être cependant devenu le plus malheureux des hommes.
"Les bonnes vieilles choses alors. Les choses vraies, à tout le monde, celles qu'on n'a plus... les seules qui comptent. Les choses du dedans, les seules qui fassent besoin. Ils n'ont rien ? ils ont tout ! et moi qui ai tout, je n'ai rien ! rien !"

Deuxième partie
Reprise de la Marche du soldat. Joseph abandonne toutes ses richesses et reprend la route. Apprenant que la fille du Roi sera donnée à celui qui la guérira, il tente sa chance.
Marche royale:
Inspirée d'un paso doble entendu par Stravinsky à Séville par un petit orchestre de corrida, dont Stravinsky rapporte qu'il avait subitement disparu, noyé par l'arrivée d'un grand orchestre de cuivres jouant l'ouverture de Tannhaüser de Richard Wagner.

Nous retrouvons du paso-doble l'allure martiale, le tempo vif, les percussions d'inspiration militaire et la part belle donnée aux cuivres. La référence au modèle est ici beaucoup plus franche que dans la Pastorale. Un solo de trombone ouvre cette Marche royale, dans un univers plus proche du cirque que celui d'une corrida! Le cornet à piston prend bien vite la relève, en développant une mélodie hispanisante avec des fioritures en cascade...

Dans la scène quatre, le diable surgit à nouveau brandissant le violon, et nargue le soldat en affirmant pouvoir le doubler dans la course à la main de la princesse. Joseph le défie aux cartes. Enivré par l'alcool et les gains, le diable finit par s'écrouler, laissant Joseph récupérer son violon.
Petit concert
Partie centrale de l'œuvre, elle fait office de synthèse en brassant les matériaux déjà entendus, variés, combinés, permutés d'un instrument à l'autre dans un joyeux vertige. On y entend principalement des éléments de la Marche du soldat initiale, comme des flash-backs. Le soldat a repris son violon au diable, et c'est avec allégresse qu'il s'en va guérir la princesse...

Stravinsky affirme que le seul matériau nouveau, se combinant à cet entrelacs, serait issu d'un rêve, joué par une gitane. De fait, il a quelques affinités rythmiques avec le thème de la première danse roumaine de Bartok, contemporaine de L'histoire du soldat et initialement intitulée Danse hongroise (la Hongrie étant considérée comme terre d'élection de la musique tsigane).

Cinquième scène- Trois danses: Tango, Valse, Ragtime Le rideau se lève. Lumière éclatante. La chambre de la princesse. Elle est couchée tout de son long sur son lit et ne bouge pas. Le soldat entre et se met à jouer.
Le soldat guérit la princesse en jouant du violon, et tous deux se débarrassent du diable qui revient promettre de reprendre le pouvoir sur ceux qui franchiraient les frontières de son territoire.
Tango
Le soldat commence par jouer une mélodie au violon, accompagné discrètement par des percussions (grosse caisse, caisse claire et une cymbale qui semble intervenir de façon aléatoire). Il s'agit d'un tango (sans bandonéon ni piano!), la formule rythmique est caractéristique et Stravinsky s'emploie à la décaler légèrement dans le temps, comme pour brouiller les pistes... La princesse se lève du lit. La clarinette entre en scène. Elle danse!

Viennent ensuite une valse, décalée, "déglinguée", avec sa mesure à trois temps caractéristique, puis un ragtime. Littéralement, "time" (temps), et "rag", (déchiré, en lambeaux). Le ragtime est à l'origine un genre musical pianistique joué par les noirs américains dans le dernier quart du XIXème siècle. Ce style intervient d'une manière fondamentale dans la gestation de ce qu'on appellera bientôt le "jazz". Sans le blues, sans le gospel, mais aussi sans le ragtime, point de jazz... Un des ragtimes les plus connus est The entertainer, composé par Scott Joplin (1868-1917). Citons encore deux autres compositeurs de ragtimes, James Scott (1885-1938) et Joseph Lamb (1887-1960).

Bien évidemment, les ressemblances avec Scott Joplin ne sont pas frappantes (pas plus qu'avec Astor Piazzola dans le Tango précédent). Comme souvent chez Stravinsky, il y a une source d'inspiration, une référence à un modèle, et une distance délibérément prise par rapport à ce modèle. Le compositeur assimile le modèle à son style musical. Que l'idée de départ soit pastorale, paso doble, tango, valse ou ragtime, le résultat est signé Stravinsky, et cela s'entend, se reconnaît.

La Danse du diable revisite de façon plus démoniaque et tourbillonnante le matériau initial (arpèges de cornet égrenés plus rapidement à la clarinette) dans une fausse fin qui débouche sur le Petit choral auréolant les épousailles du soldat et de la princesse.

Émanant de l'aire culturelle germanique, les chorals sont nés avec la réforme de Luther, dans le but d'impliquer d'avantage le fidèle en le faisant participer activement à l'office, par le chant de mélodies de choral (ce qui correspondrait ici à la partie supérieure de la polyphonie) aux contours simplifiés à dessein pour lui. La mélodie d'un choral est divisée en plusieurs parties que l'on appelle " périodes ". Chaque période se termine sur une note tenue (longue), en guise de pause, de respiration musicale, avant passer à la suivante. Les mélodies des chorals sont donc simples, leur rythme est régulier et lent (des noires et des blanches principalement).

Surgissement du sacré dans ce conte profane, ce Petit choral emprunte donc aux hymnes protestants, caractère solennel, voire hiératique, homorythmie généralisée (rythmes identiques à toutes les voix), grands blocs d'accords, simplicité hymnique de la mélodie et des rythmes, périodes entrecoupées de grandes respirations.

De même que tout compositeur pouvait alors s'emparer d'une mélodie de choral devenue " lieu commun " de l'expression de la piété, et l'arranger à sa guise, Stravinsky reprend, en le distanciant par des tremolos de violon, le modèle d'un des plus connus d'entre eux, Ein feste Burg ist unser Gott de Luther lui-même (1523), déjà abondamment illustré jusqu'au XIXème siècle (Mendelssohn dans sa Symphonie n° 5 Réformation, ou encore Meyerbeer dans son grand opéra historique Les huguenots).

Scène six, Grand choral et Marche triomphale du diable
Où l'on apprend qu'on ne peut être à la fois qui on est et qui on était : la princesse, voulant en savoir plus sur le soldat son mari, l'entraine à franchir la limite qui leur fera tout perdre.

Le Grand choral reprend le matériau du choral précédent, entrecoupé, lors de chaque respiration, de commentaires à la façon d'un avertissement du destin, lui conférant un caractère plus tragique.

La Marche triomphale du diable reprend les matériaux initiaux dans un formidable travelling sonore. La figure du soldat, via son attribut musical, le violon, s'efface peu à peu, sous les coups de boutoir d'une percussion de plus en plus impérieuse. Dépouillement ultime de la matière sonore qui se délite dans le néant, laissant seule la percussion glacée.

Prolongement 1 : du conte d'Afanassiev au livret de Ramuz

L'Histoire du soldat est un mélodrame, dans lequel, récit parlé et musique alternent et se chevauchent. Voici exposées les situations initiales, tirées respectivement du recueil source d'Afanassiev et de l'adaptation de Ramuz :

Extrait de Les contes populaires russes d'Afanassiev, édités par L. Gruel Apert, Maisonneuve et Larose, 1992, volume 1, p.331:

Un soldat demanda un congé, fit ses préparatifs et prit la route. Il marcha, marcha. Il avait besoin d'eau pour tremper ses biscuits secs, mais il n'en trouvait pas et il avait le ventre creux. Tout à coup, il aperçut un ruisseau. Il s'approcha, tira de sa besace trois biscuits qu'il mit à tremper. Ce soldat avait aussi un violon ; il en jouait pour passer le temps. Une fois assis près du ruisseau, il prit son violon et se mit à jouer. Soudain, on ne sait d'où, apparut l'impur, sous la forme d'un vieillard, un livre à la main. " -Bonjour mon brave !- Bonjour bon homme ! " Le diable se contracta en s'entendant appeler bon. " Ecoute, l'ami, faisons un échange : je te donne mon livre ; toi, donne-moi ton violon ! -Qu'est-ce que tu chantes le vieux ? Je n'ai pas besoin de livre. Il y a dix ans que je suis à l'armée et je n'ai pas encore réussi à apprendre à lire et à écrire. Alors maintenant, c'est un peu tard ! -Qu'à cela ne tienne, mon brave ! J'ai un livre tel qu'on a pas besoin de savoir lire pour le lire ! -Ah alors donne que j'essaie. "
Livret de Ramuz:
Entre Denges et Denezy,
Un soldat qui rentre chez lui...
Quinze jours de congé qu'il a,
Marche depuis longtemps déjà.
A marché, a beaucoup marché.
S'impatiente d'arriver,
Parce qu'il a beaucoup marché.
Voilà un joli endroit...
Si on se reposait un moment ?
Mais le fichu métier qu'on a !
Toujours en route, jamais le sou...
C'est ça ! Mes affaires sens dessus dessous !
Mon Saint-Joseph qui est perdu !
(C'est une médaille en argent doré
Avec saint Joseph, son patron, dessus)
Non, tant mieux !...
Va toujours fouillant,
sort des papiers avec des choses dedans,
des cartouches, sort un miroir,
(tout juste si on peut s'y voir)
mais le portrait, où est-ce qu'il est ?
(un portrait de sa bonne amie
qui lui a donné son portrait)
Il l'a retrouvé, il va plus profond,
il sort de son sac un petit violon.

LE SOLDAT
On voit que c'est du bon marché :
il faut tout le temps l'accorder...

(Le soldat se met à jouer : musique.
Entre le diable qui s'approche du soldat par
derrière.)
-Donnez-moi votre violon.
- Non !
-Vendez-le-moi
-Non !
-Changez-le moi contre ce livre !
-Je sais pas lire !
-Pas besoin de savoir lire, c'est un livre, je
vais vous dire, c'est un livre...un coffre-fort.
On n'a qu'à l'ouvrir, on tire dehors des titres,
des billets, de l'or !
-Faudrait m'le montrer d'abord !
-Je suis parfaitement d'accord, dit le vieux
en tendant le livre.
Le soldat ouvre le livre -.. à terme ... à vue ...
cours des changes. Pas moyen d'y rien
comprendre ! je lis c'est vrai, mais je ne
comprends pas !
-Allez-y toujours, ça viendra (...)

Prolongement 2 : Diables et démons dans la musique

Le Jardin des délices : L'Enfer (détail), peinture de Jérôme Bosch, entre 1480 et 1490 (Museo del Prado).

Le Diable hante les récits sacrés et folkloriques, les contes fantastiques, les poèmes médiévaux ou romantiques. Ange du mal qui charme et manipule les faibles humains pour les attirer à lui, on l'appelle aussi Satan, Lucifer, Belzébuth, Méphistophélès, le Malin ou le Démon... Mais quels que soient son nom et sa forme, de tous temps, le Mal a entretenu un rapport étroit avec la musique.

Voici un lien vers une page Eduthèque du site de la Philharmonie de Paris:
https://edutheque.philharmoniedeparis.fr/diables-et-demons-dans-la-musique.aspx

Documentaire L'histoire du soldat- Pierre Boulez

Bibliographie Webographie

Bibliographie
André Boucourechliev, Stravinsky, Fayard 1982

Igor Stravinsky, Chroniques de ma vie, 1935 (Denoël 1962)

Abécédaire Stravinsky, Récits et témoignages, Editions La Baconnière, 2018
Webographie https://edutheque.philharmoniedeparis.fr/0745393-histoire-du-soldat-stravinski.aspx https://www.maisondelaradioetdelamusique.fr/sites/default/files/asset/document/onlineDOSSIERpedagoHISTSOLDAT.pdf

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Dossier pédagogique- L'Histoire du soldat- Igor Stravinsky | Orchestre National de Bretagne

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Le vendredi 18 mars 2022, l'Opéra de Rennes vous accueille pour assister au concert scolaire L'histoire du soldat du compositeur Igor Stravinsky. Au delà du format de concert, nous pouvons parler d'un spectacle, puisqu'il s'agit d'une histoire contée (avec en narrateur Jean-Philippe Lafont, qui interprètera également les voix du Diable et du Soldat).

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A Petits Pas - Canon de Noël- Julie Hutin BG

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LES CLÉS DE LA REUSSITE EN FM

5 règles à suivre pour que votre enfant réussisse son année de FM :

- Arriver à l’heure en cours

- Venir en cours avec ses affaires : une trousse (crayon à papier, gomme, taille crayon, stylo, au moins trois crayons de couleur) et le livre de FM dont les références vous ont été envoyées par mail. S’ajoutent à ces affaires de base des demandes particulières de chaque professeur (cahier avec portée, porte-vue…) qui vous sont communiquées directement par le professeur.

Ces affaires sont à prendre à chaque cours.

- Être attentif en cours. Les professeurs sont bien conscients que la journée est parfois longue pour vos enfants, ils en tiennent compte durant le déroulé du cours, mais l’apprentissage de la musique demande un minimum de concentration…

- Poser des questions en cours. Il n’y a rien de pire dans un apprentissage que de laisser passer une notion ou une technique non comprise.

Les professeurs sont à l’écoute de leurs élèves et sont là pour réexpliquer ce qui doit l’être.

- Pratiquer à la maison. La FM étant en partie l’apprentissage de la lecture de la musique, comme toute lecture, elle ne peut s’acquérir en profondeur que par une répétition fréquente et régulière. Or, contrairement à l’apprentissage de la lecture et de l’écriture à l’école, nous ne disposons que d’un seul cours hebdomadaire pour former vos enfants… Ils auront donc des exercices à faire à la maison chaque semaine. Nous leur conseillons de travailler trois fois dix minutes dans la semaine. À vous d’instaurer avec lui ou elle les jours qui seront les mieux adaptés pour réviser.

- En tant que parent, votre rôle principal est ici de faire en sorte que votre enfant ait bien révisé trois fois dans la semaine.

Si vous avez des notions de musique vous pouvez évidemment l’aider, mais si ce n’est pas le cas, ce n’est pas grave. Si votre enfant est « bloqué » sur un exercice, il faudra simplement qu’il en parle à son professeur en début de cours suivant, et le professeur prendra le temps de réexpliquer.

La difficulté est de parvenir à maintenir ces règles tout au long des quelques 35 semaines de cours que compte une année scolaire. Nous comptons sur vous !

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La trompette, comment ça marche ? Lucienne Renaudin Vary - Culture Prime

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La marche des rois - Bizet - Rhythm play along - Mad'Hameçon

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La harpe, comment ça marche ? Avec Émilie Gastaud - Culture Prime

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podcast original sur France Musique

Un groupe d'enfants débarque à l'Auditorium de la Maison de la radio et de la musique. Les musiciens de l'orchestre sont partis en pause et leurs instruments les attendent sagement sur scène. Soudain, ils s'animent et se mettent à parler ! Mais qui sont-ils vraiment ?

Comment souffler dans une clarinette sans la vexer ? La trompette est-elle un agent secret ? Pourquoi Loulou le clavecin craint-il les flammes ? Que signifie Ukulélé en hawaïen ? Pourquoi Gudule fait-elle autant de jaloux parmi les instruments ? Pony l'harmonica a-t-il déjà mis les pieds sur la lune ? Et la voix, que devient-elle quand elle prend froid ? Vous le saurez en écoutant Les Zinstrus**, le nouveau podcast de France Musique.**

Florence Foresti, Benoît Poelvoorde, Laure Calamy, Didier Bourdon, Laetitia Dosch, Alex Vizorek, Laura Felpin, Jean-Pascal Zadi, Barbara Schulz, Panayotis Pascot, Emma de Caunes, Augustin Trapenard, Marie-Anne Chazel et Virginie Hocq incarnent les instruments dans les Zinstrus.

🎧 Découvrez à l'aide d'un simple casque ou des écouteurs, 5 épisodes des Zinstrus en son immersif : le clavecin, la voix, le saxophone, l'harmonica et le Ukulélé.

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Les Zinstrus : podcast et émission en replay | France Musique

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Un groupe d'enfants débarque à l'Auditorium de la Maison de la radio et de la musique. Les musiciens de l'orchestre sont partis en pause et leurs instruments les attendent sagement sur scène. Soudain, ils s'animent et se mettent à parler ! Mais qui sont-ils vraiment ?

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Dvorak la symphonie du nouveau monde (interactive)

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Dvorak la symphonie du nouveau monde (interactive)

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La symphonie n°9 "du nouveau monde"

"Je l'ai appelée symphonie "du Nouveau Monde", parce que c'est la toute première œuvre que j'ai écrite en Amérique. Selon moi, je pense que l'influence de ce pays (c'est-à-dire les chansons folkloriques nègre, indienne, irlandaise, etc ) y est sensible".

d'Anton DVORAK (1841-1904)

champ de questionnement principal : "Culture musicale et artistique dans l'histoire et la géographieThématique : mondialisation culturelle, diversité, relativité et nouvelles esthétiques

c'est par là

projet musical

Comment les musiques de différentes traditions culturelles ont-elle eu un fort impact sur l'évolution de la musique ?

le tube de l'année 1893

Un tchèque à New York. Qui suis-je ?

Une oeuvre cosmopolite

Vote la meilleure version

génie ou imposture : ouvrons le débat

les "remake" de la symphonie n°9

projet musical

1

1.

Un Tchèque à New York : qui suis-je ?

https://pad.philharmoniedeparis.fr/0035605-biographie-antonin-dvorak.aspx Philharmonie à la demande - Portrait de Antonín DvořákAntonín Dvořák (1841-1904) compose des œuvres où se mêlent musique slave et romantisme allemand. Reconnu et encouragé par Brahms, sa renommée s'étend...Philharmoniedeparis

2.

Le tube de l'année 1893

La symphonie n°9 "du nouveau monde"

Au fait c'est quoi une symphonie ?

viens me voir je vais t'expliquer pourquoi ma symphonie n°9 a eu tant de succès

3.

Une oeuvre cosmopolite

J'analyse le langage musical

1er mouvement

Play

Ecoute en cliquant sur play et réponds aux consignes en cliquant sur le cahier

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Play

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2ème mouvement

3ème mouvement

4ème mouvement

Une oeuvre cosmopolite ?Pourquoi ?

A l'aide de la méthodologie d'analyse dans la rubrique "lexique" de l'application du cours, analyse les caractéristiques du langage musical du 1er mouvement de la symphonie du nouveau monde et définis ce qu'est une polka . A la fin, représente l'apparition des 3 thèmes de ce 1er mouvement sous forme de schéma (musicogramme) Exemple de graphique (ou musicogramme) pour apprendre à schématiser une musique avec des codes couleurs ( ajout d'instruments, crescendo, decrescendo, solistes, aigus, grave, thèmes, transition, ...):

Analyse du thème du 2ème mouvement https://www.quiziniere.com/#/PartageExercice/5V9WX2JBVE

Antonin Dvorák, New York Herald Tribune, 15 décembre 1893 : Je pense que la musique des Noirs et celle des Indiens sont pratiquement identique aux modèles européens utilisés par Mendelssohn (Les Hébrides), les anciens modes ecclésiastiques, Félicien David dans sa Symphonie "Le Désert", Verdi dans Aïda et moi-même dans ma [7e] Symphonie en ré mineur. J'ai donc étudié attentivement un certain nombre de mélodies indiennes qu'un ami me donna, et m'imprégnais complètement de leurs caractéristiques --en fait de leur âme. C'est cet esprit que j'ai essayé de reproduire dans ma nouvelle symphonie. Je n'ai pas réellement utilisé ces mélodies. J'ai simplement écrit des thèmes originaux en incorporant les particularités de la musique indienne, et, en utilisant ces thèmes comme des sujets, les ai développés avec toutes les ressources des rythmes, de l'harmonie, du contrepoint et de la couleur orchestrale modernes. La symphonie est en mi mineur. Elle est écrite selon les modèles classiques et est en quatre mouvements. Elle débute par une courte introduction, un Adagio d'environ trente mesures. Celle-ci conduit directement à l'Allegro, qui incorpore les principes que j'ai exploités dans les Danses Slaves ; principes qui sont de préserver, traduire en musique, l'âme d'une race aussi distincte dans ses mélodies nationales que dans ses chants populaires. Le deuxième mouvement est un Adagio [Largo]. Mais il est différant des pages classiques de cette forme. C'est en réalité une étude ou une esquisse pour une oeuvre plus longue, soit une cantate, soit un opéra que j'ai l'intention d'écrire, et qui sera fondé sur le " Hiawatha " de Longfellow. Il y a longtemps que je caresse l'idée d'utiliser ce poème. J'en fis la connaissance il y a environ trente ans par l'intermédiaire d'une traduction en bohémien. Il suscita à l'époque très vivement mon imagination, et l'impression ne s'est seulement renforcée que depuis que je vis ici. Le Scherzo de la symphonie me fut suggéré par la scène de la fête dans " Hiawatha " où les Indiens dansent, et c'est également une tentative que j'ai faite dans le but de faire participer à la musique la couleur locale propre à l'hérédité indienne. Le dernier mouvement est un Allegro con feroce (sic!). Tous les thèmes précédents réapparaissent et sont traités de diverses manières. Les instruments sont seulement ceux que nous trouvons dans ce que nous appelons l'orchestre Beethoven", se composant des cordes, quatre cors, trois trombones, deux trompettes, deux flûtes, deux hautbois, deux clarinettes et timbales. Il n'y pas de harpe et je n'ai pas jugé utile d'ajouter de nouveaux instruments pour obtenir les effets que je voulais.

4.

Les remake de la symphonie n°9

champ de questionnement principal : "Culture musicale et artistique dans l'histoire et la géographieThématique : mondialisation culturelle, diversité, relativité et nouvelles esthétiques

projet musical

Génie ou imposture : ouvrons le débat

2.

Lis la presse et donne ton avis en argumentant tes propos

La Symphonie du Nouveau Monde : quand génie et imposture se rencontrent aux Amériqueshttps://ops.polytechnique.org/2016/09/la-symphonie-du-nouveau-monde-quand-genie-et-imposture-se-rencontrent-aux-ameriques/ La Symphonie du Nouveau Monde : quand génie et imposture se rencontrent aux AmériquesCertains compositeurs meurent sans avoir connu le succès, ni même une renommée, aussi restreinte soit-elle. D'autres n'entendent jamais jouer leur...Orchestres du Plateau de Saclay

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La symphonie n°9 "du nouveau monde" "Je l'ai appelée symphonie "du Nouveau Monde", parce que c'est la toute première œuvre que j'ai écrite en Amérique. Selon moi, je pense que l'influence de ce pays (c'est-à-dire les chansons folkloriques nègre, indienne, irlandaise, etc ) y est sensible".

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Григорий Борисов

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Tim Mead - Antonio Vivaldi: Stabat Mater, Nisi Dominus

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« Le Beau Danube bleu » - Johann Strauss - Orchestre National du Capitole de Toulouse

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Schumann : 5 pièces dans le ton populaire op. 102 (Bertrand Chamayou, Sol Gabetta)

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Memory Rhythm Game (Fantasy Cup) - Ritmo con vasos

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Body Percussion (Believer) - Percusión corporal

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Body Percussion Ensemble - Percusión corporal en grupo

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oui je sais c'est très moche !

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A. Vivaldi: RV 49 / Sonata for flute & b.c. in D minor - [doubtful] / Conserto musico

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relevé 2 vx sonate pour flûte de Vivaldi

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relevé 2 vx sonate pour flûte de Vivaldi

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Franz Schubert - String Quartet No.6, D 74 (with score)

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Cantigas de Santa Maria, CSM 100: Santa Maria, strela do dia (Remastered)

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Handel - Water Music Suite No. 2 (Proms 2012)

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Juan del Encina "¿Qu'es de ti, desconsolado?"

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Des locutions italiennes sont fréquemment utilisées dans la notation musicale pour indiquer aux interprètes la façon d'exécuter un morceau de musique. Les compositeurs italiens ont commencé à les utiliser au XVIIe siècle et elles se sont depuis étendues au reste du monde.

Liste d'indications de tempo. Le nombre spécifique de battements par minute (BPM) n'est donné qu'à titre indicatif. Dans la musique moderne, l'indication métronomique précisant le nombre de BPM (tel que ♩= 120) peut compléter ou remplacer l'indication de tempo.

Modifications du tempo

Liste de termes représentant les modifications du tempo. Ceux qui désignent les modifications progressives peuvent être prolongés avec des tirets, et ce, pour indiquer la durée du changement comme, par exemple, " rit. _ _ _".

2. Les nuances

Liste de nuances. Les termes indiquent les différents degrés d'intensité du son, sans pour autant viser à des niveaux d'intensité spécifiques. Contrairement à d'autres indications italiennes, les nuances figurent le plus souvent au-dessous de la portée ou entre deux portées dans un système.

Modifications des nuances

Liste de termes désignant les modifications des nuances. Les soufflets ( ) s'appliquent à un petit nombre de mesures tout au plus, tandis que cresc. et dim. en modifient un plus grand nombre. Les termes représentant les modifications progressives peuvent être prolongés avec des tirets, et ce, pour indiquer la durée du changement.

3. Les techniques

Liste de termes se référant aux techniques de jeu. Il s'agit de techniques que l'exécutant doit utiliser afin d'obtenir le son désiré.

4. Le caractère

Liste de termes relatifs au caractère d'un morceau. Ces termes (avec les modifications du tempo, les nuances et l'articulation) représentent les indications d'expression dont l'exécutant a besoin pour saisir le caractère d'un morceau.

5. Les reprises

Liste d'instructions relatives aux reprises. Les termes montrent à l'exécutant le moment où il devra s'arrêter et la partie, déjà jouée, qu'il devra reprendre.

Liste de termes non spécifiques. Ils sont souvent employés conjointement avec d'autres termes comme, par exemple, allegro molto (très vif) et con amore (avec amour).

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Liste de locutions italiennes employées en musique pour désigner le tempo, les nuances, les techniques de jeu, le caractère d'un morceau et les reprises.

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Acciaccature Eléments d'harmonie - vidéo 2 : degrés I et V - 1e règle d'octave - Ph Gouttenoire

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Acciaccature Module II vidéo 7 - Les notes étrangères

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L'orchestre symphonique et ses familles d'instruments

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L'orchestre symphonique et ses familles d'instruments

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capsule pédagogique : les familles instrumentales et l'orchestre symphonique

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tout le monde veut devenir un cat les aristochats

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tout le monde veut devenir un cat les aristochats

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Tout le monde veut devenir un cat - Les Aristochats

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avec humour ...

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tout comprendre en 1 minute

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Dessine-moi LA FLÛTE ENCHANTÉE | 1 minute pour comprendre l'intrigue

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amaDeuS #08 | Le chiffrage des accords de 3 sons