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Apartamento e showroom de Ricardo Benucci

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Quadro Deu Ruim

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Sobre a Benucci Products
Benucci Products é uma marca criada por Ricardo Benucci, um designer de produto formado pela Universidade Belas Artes de São Paulo. Com um viés artístico, Ricardo sempre acreditou que o design e a arte estão intrinsecamente ligados.

O sonho de morar sozinho em um apartamento no centro de São Paulo foi o ponto de partida para a criação de Benucci Products. Ao perceber que muitos dos móveis e objetos de arte que desejava eram caros ou inexistentes no Brasil, Ricardo começou a produzir suas próprias peças para decorar seu espaço. Após receber elogios dos visitantes, que afirmavam estar entrando em sua mente, ele sentiu a necessidade de compartilhar suas criações com outras pessoas.

Assim, a ideia de criar uma marca com peças únicas e acessíveis ganhou forma, e após meses de dedicação e produção criativa, Benucci Products finalmente se concretizou em junho de 2021. As peças da marca destacam-se pela alta qualidade, irreverência e inovação no design, com a missão de "deselitizar" o design e a arte, tornando-os acessíveis a todos.

Atualmente, além de seu portfólio de peças autorais, Benucci Products oferece serviços de locação de material, espaço, projetos de cenografia e interiores. Através de sua marca, Ricardo expressa sua gratidão ao universo, devolvendo criações únicas e icônicas para o mundo.

“A natureza nos criou. A forma que eu encontrei de ser grato ao universo foi devolvendo outras criações”.

Ricardo Benucci

Sobre a obra “Os opostos se atraem”

A obra de arte "Os Opostos se Atraem" consiste em dois quadros: um apresenta uma caixa de cigarro com batatas fritas do McDonald's que nunca se estragam, enquanto o outro mostra a embalagem das batatas fritas com cigarros dentro. A obra simboliza a dualidade da natureza humana, explorando a contradição entre prazeres momentâneos e comportamentos autodestrutivos. Ao combinar elementos aparentemente opostos, a obra convida o espectador a refletir sobre suas escolhas e hábitos, questionando a busca por satisfação imediata e a consciência sobre as consequências a longo prazo.

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Abaporu, de Tarsila do Amaral, 1928

Qual a narrativa da imagem? A obra Abaporu é considerada importante pelos críticos por ter-se tornado o símbolo do movimento modernista brasileiro e por colocar o nosso país no mapa dos acontecimentos artísticos mais importantes da época, a tela foi pintada por Tarsila do Amaral em 1928.
Na obra, foi representado um homem com traços exagerados, em uma técnica conhecida como gigantismo, as cores predominantemente verde e amarela podem dar o indício da busca pela identidade nacional.  Acredita-se ainda que a figura do Abaporu possa ser uma crítica social.
As mãos e pés grandes junto a cabeça pequena pode fazer alusão às formas de trabalho da época, enquanto a cabeça pequena pode dizer que falta mais pensamento e consciência.
Há ainda quem acredite que a figura no quadro de Tarsila não seja totalmente humana. Para essas pessoas, a união dos pés e mãos, claramente humanos, com a cabeça pequena e o rosto quase totalmente apagados podem revelar um ser humanoide.

A sobrinha-neta de Tarsila, Tarsilinha do Amaral, detentora dos direitos sobre os trabalhos da tia-avó, fez observações sobre a inspiração do Abaporu. Para ela, a pintura pode ser um autorretrato. Ela comenta que a tia-avó pode ter se inspirado na própria figura sentada, nua e de frente ao espelho.

O que moveu a sua escolha? Gosto muito da obra, marcou minha infância.

Período:
A obra pintado nos anos 1920, um período especial para o país que vivia o encerramento da República Velha.
Em termos artísticos, 1922 foi um ano chave para os intelectuais brasileiro. Em fevereiro de 1922, o o Teatro Municipal de São Paulo abrigou a Semana de Arte Moderna, um evento que reuniu pintores, escultores, compositores, músicos e escritores. O evento havia sido planejado desde o final do ano anterior - 1921 - por Di Cavalcanti e Marinette Prado (esposa de Paulo Prado).

Os artistas se reuniram com o desejo de travar o rompimento radical com a arte em vigência, que consideravam conservadora. Em comum, os intelectuais traziam uma bagagem cultural repleta de ensinamentos aprendidos na Europa. Uma boa parcela dos artistas havia passado temporadas no velho continente e, após regressarem à casa, desejavam por em prática as novidades que haviam visto.

Apesar de ter um nome único, o modernismo englobou uma série de correntes que muitas vezes eram compostas de obras com significados e estilos completamente distintos, mas sempre com algumas características comuns como a valorização de uma postura experimental, a crítica às tradições, a valorização da vida cotidiana e a busca pela identidade.

Tarsila do Amaral e suas obras:
Algumas das cartas da autora demonstram sua preocupação no período em se tornar uma “pintora brasileira”, após ter estudado da Espanha e na França (onde conheceu Picasso), Tarsila falou sobre a busca de retratar o seu país e suas felizes memórias da infância vivida em uma fazenda.

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Vários estudos foram realizados para identificar o sentimento por trás do seu sorriso, alguns utilizaram sistemas de computador que reconhecem emoções humanas por meio de fotografias.
Embora surjam outros resultados como medo, angústia ou incômodo, a maior percentagem (86%) dos traços, visíveis nas rugas de expressão em torno dos olhos e na curva dos lábios parecem indicar felicidade. De qualquer forma, o mistério do sorriso de Mona Lisa permanec
Sorriso ambíguo de Mona Lisa é, sem dúvida, o elemento do quadro que mais chama a atenção de quem o observa. Potenciou diversas leituras e teorias, inspirando textos, músicas, filmes, entre outros.
Contrastando com a imprecisão do seu sorriso, o olhar da mulher exibe uma expressão carregada de intensidade. A obra produz um efeito de ótica que resulta na impressão de que os olhos inquisitivos e penetrantes de Mona Lisa nos seguem, de todos os ângulos.
Postura corporal
A mulher está sentada, com o braço esquerdo encostado no apoio da cadeira e mão direita pousada sobre a esquerda. Sua postura parece combinar algum conforto com solenidade e formalidade, deixando evidente que posa para o retrato.
Enquadramento
A pintura apresenta uma mulher sentada, mostrando apenas a parte superior do seu corpo. Ao fundo, uma paisagem que mistura a natureza (as águas, as montanhas) e a ação humana (os caminhos).

A obra foi produzida por Leonardo da Vinci em Florença entre os anos de 1503 e 1506. Existe três  hipóteses sobre quem é a pessoa na pintura: Lisa del giocondo, Isabel de Aragão  ou o próprio da vinte em roupas femininas .Está  exposta no museu do Louvre, em Paris, na França
Sua pintura foi iniciada em 1503(terminando-a três  ou quatro anos mais tarde) e é nesta obra que o artista melhor concebeu a técnica do sfumado. O quadro representa uma mulher com expressão introspectiva  e um pouco tímida, o sorriso restrito é sedutor, ao mesmo que um pouco conservador

LEONARDO DA VINCI
Foi um dos mais importantes  pintores do renascimento Cultural e um dos humanistas mais completos do período. É considerado um gênio, pois se mostrou um excelente anatômica,engenheiro, matemátic, músico, arquiteto, urbanista, filósofo, botânico, inventor e escultor.

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Nela, o artista retrata a última ceia de JESUS CRISTO ao lado de seus apóstolos momento em que Cristo aponta seu traidor,  momentos antes dele ser crucificado.

Segundo a Bíblia, a obra retrata o momento em que Jesus revela seu traidor. A passagem é de João 13:21

Tendo Jesus dito isto, turbou-se em espírito, e afirmou, dizendo: Na verdade, na verdade vos digo que um de vós me há de trair.
Então os discípulos olhavam uns para os outros, duvidando de quem ele falava.
Ora, um de seus discípulos, aquele a quem Jesus amava, estava reclinado no seio de Jesus.
Então Simão Pedro fez sinal a este, para que perguntasse quem era aquele de quem ele falava.
E, inclinando-se ele sobre o peito de Jesus, disse-lhe: Senhor, quem é?
Jesus respondeu: É aquele a quem eu der o bocado molhado. E, molhando o bocado, o deu a Judas Iscariotes, filho de Simão.
E, após o bocado, entrou nele Satanás. Disse, pois, Jesus: O que fazes, faze-o depressa.
E nenhum dos que estavam assentados à mesa compreendeu a que propósito lhe dissera isto.”

Minha escolha foi movida pelo momento que o cristianismo vive

Onde o Cristãos não  traem JESUS por 30 moedas de prata
Mais trai JESUS por uma festa, por um copo de bebida, por amigos, por a série por um filme pelo conforto de suas casas
Esquecendo de todo sacrifício feito por nós.

Período e Produção

A Última Ceia foi produzida entre os anos de 1495 e 1498.
obra foi feita na parede de uma igreja em Milão, na Itália.

Com 460 por 880 cm, A Última Ceia de Leonardo Da Vinci começou a ser pintada pelo artista em 1495. Existem divergências sobre o tempo que ela levou para ficar pronta, mas acredita-se que tenha sido entre um e três anos.

A Última Ceia de Leonardo Da Vinci faz parte do Renascimento, mais precisamente inaugura a Alta Renascença (ou Alto Renascimento), que foi o ponto alto do estilo. A obra já passou por algumas reformas e perdeu muito da sua originalidade, mas ainda se encontra de pé e disponível para visitação na Igreja e Convento Santa Maria Delle Grazie, em Milão, Itália.

Motivação
Encomendada por Ludovico Sforza, também chamado de Ludovico Il Moro, A Última Ceia de Leonardo da Vinci foi pintada na Igreja de Santa Maria delle Grazie, que também é um convento. A igreja fica em Milão, na Itália.

A obra foi feita nesse local, pois ali o nobre, duque de Milão na época, construiria um mausoléu para a sua família. Leonardo Da Vinci foi protegido e realizou muitos trabalhos para Ludovico Sforza por muito tempo.

Análise da Obra

Com grande realismo, simetria e perfeição, Da Vinci usou a técnica do ponto de fuga, que causa profundidade na obra. Essa técnica esteve muita difundida no Renascimento, sendo uma das suas principais características.

Jesus está no centro da mesa e em cada lado da figura estão seis de seus apóstolos, totalizando os doze: Pedro, João, Tiago (filho de Zebedeu), Tiago (Filho de Alfeu), André, Mateus, Bartolomeu, Simão Zelote, Felipe, Tomé, Judas Tadeu e Judas Iscariotes.

Na extensa mesa encontram-se água, vinho, laranja, pão e peixe. No entanto, o Santo Graal, o cálice sagrado de Jesus, não aparece, embora seja um artefato importante na cena.

A despeito de ter sido um retrato do momento em que Jesus aponta seu traidor (Judas Iscariotes), no rosto dele podemos notar certa serenidade.

Já em relação aos apóstolos podemos ver o contrário, ou seja, uma indignação e desordem. Isso é perceptível pelos gestos e movimentos de cada um deles.
Sendo assim e mediante grande maestria do artista, Da Vinci conseguiu revelar todas as reações emocionais e físicas de cada um dos personagens

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Menina com uma brinco de pérola.  (c. 1665) - Johannes Vermeer. Talita 

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Menina com uma brinco de pérola.  (c. 1665) - Johannes Vermeer. Talita 

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Menina com uma pérola Brinco, pintura a óleo sobre tela, originalmente pintada (c. 1665) por artista holandês Johannes Vermeer, um de seus trabalhos mais conhecidos.retrata uma jovem imaginária em um vestido exótico e um brinco de pérola muito grande.O trabalho reside permanentemente no Mauritshuis museu em Haia.

• História e ficção se misturam, imperceptíveis, neste brilhante romance sobre sensibilidade artística e despertar da sensualidade por meio dos olhos da jovem que inspirou um dos mais famosos quadros de Vermeer, considerado por muitos especialistas em arte a obra-prima do pintor. No Delft, no século 17, reina uma ordem social rigorosa, separando ricos e pobres, católicos e protestantes, patrões e criados. Quando Griet, de 16 anos, vai trabalhar de criada na casa do mais importante pintor da cidade, espera-se que ela saiba o seu lugar. Mas na casa de Vermeer, dominada por sua esposa de gênio instável e pela sobra dominadora, a jovem logo desperta a atenção do patrão. Cativado pelo seu jeito quieto, intuição e fascínio pela arte, Vermeer leva-a ais poucos para o seu mundo – um lugar calmo, de cor exótica e luz ofuscante, sombras que mudam e uma beleza inimaginável.

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Louis Charles Verwée- Preparando para o baile.

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Louis Charles Verwée- Preparando para o baile.

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A narrativa da imagem gira em torno de duas damas se preparando para um baile.

Eu gosto de obras ricas em detalhes e cores, e essa obra me atraiu bastante nesta questão são tons e detalhes diversos e muito belos. Desde os vestidos muito bem decotados até o fundo com móveis antigos e bem luxuosos.

Foi um pintor belga conhecido por suas cenas interiores, cenas de gênero e retratos glamorosos da sociedade. Suas cenas de gênero mostram intrigas românticas e jovens damas da sociedade.

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Lygia Clark. Planos em superfície modulada 1 1957

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Em 1957, Lygia Clark fez um grupo de pinturas chamado Superfície Modular, usando essa ideia de espiral ou giro em torno de algum eixo central para iniciar o movimento em sua pintura.

E o que é interessante sobre isso é que ela se move através de ideias sobre movimento, sobre transformação, sobre reflexividade, sobre reflexão, sobre preto e branco, sobre binários, todos esses diferentes tipos de formas de iniciar composições geométricas nesses estudos e pinturas. Quase podemos senti-la começando a se frustrar com os limites da pintura com os limites da geometria da superfície pintada!

“Através da outra pessoa, o indivíduo pode perceber o seu próprio sentido, conhecer-se a si mesmo.”

Lygia Clark foi uma artista brasileira nascida em Belo Horizonte em 1920, mudou-se para o Rio de Janeiro, em 1947, iniciou seu aprendizado artístico com Burle Marx (1909-1994). Entre 1950 e 1952 passou a viver em Paris, onde estudou com Fernand Léger (1881-1955), Arpad Szenes (1897-1985) e Isaac Dobrinsky (1891-1973).

❤️ Gosto das formas rígidas e das cores sóbrias, as formas retas e bem definidas.

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A persistência da memória - Salvador DaLí

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A persistência da memória - Salvador DaLí

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Os relógios que se derretem representam um tempo que passa de forma diferente. Ao contrário dos relógios normais, que marcam com precisão a passagem dos segundos, estes relógios de Dalí possuem marcações diferentes pois seus ponteiros estão derretidos e trazem uma noção distorcida dos segundos.

Dalí estava indisposto para ir ao cinema com sua mulher e amigos e, nesse tempo que ficou em casa, pintou um dos quadros mais famosos da história da arte. A obra está exposta no Museu de Arte Moderna (MoMa), em Nova York, desde 1934.

O surrealismo é uma escola artística que nasce na literatura e que prega uma grande liberdade na criação. Afastando-se do formalismo e buscando no inconsciente, no que foge à realidade, a sua matéria-prima.

O termo foi cunhado por André Breton e se encontra no contexto dos movimentos modernistas europeus. Com forte influência das teorias psicanalíticas de Freud, o surrealismo tenta se afastar da lógica e da razão nas produções artísticas.

O resultado é uma arte simbólica, cheia de elementos que saem da racionalidade, despindo objetos cotidianos de sua lógica normal.

Interpretação e significado

As obras de cunho surrealista dão margem à diversas interpretações já que são carregadas de simbolismos e possuem poucas representações diretas da realidade. A Persistência da Memória nos fala sobre a noção da temporalidade e da memória.

Objetos

Os relógios “derretidos”

Os relógios que se derretem representam um tempo que passa de forma diferente. Ao contrário dos relógios normais, que marcam com precisão a passagem dos segundos, estes relógios de Dalí possuem marcações diferentes pois seus ponteiros estão derretidos e trazem uma noção distorcida dos segundos.

Quando olhamos para os relógios, reconhecemos este objeto, porém, ele nos causa estranheza, pois está destituído do seu formato e uso convencionais. Essa estranheza gera uma reflexão sobre o próprio objeto e a sua função.

As formigas no relógio

O único relógio que não está deformado é o que está virado para baixo e tem formigas sobre ele. Salvador Dalí não gostava muito de formigas e esse insetos estão relacionados à putrefação nas suas obras. Isso mostra como o objeto cotidiano é desprezado por Dalí e pela vanguarda surrealista. Muitos acreditavam que a arte representativa estava decadente e que a fotografia havia tomado o lugar de uma pintura realista.

A pintura abstrata é uma forma de superar e de dar sentido para as artes plásticas. A saída encontrada foi deslocar o objeto, deformá-lo, buscar modos novos de representá-lo. Esse recurso, além de ser uma outra forma de representar o objeto, promove a meditação e a reflexão sobre coisas que passam despercebidas no nosso cotidiano.

O relógio é um objeto banal que todos já vimos e provavelmente usamos. Geralmente não prestamos muita atenção nele, mesmo que seja responsável por marcar, dar o passo do nosso dia e dos nossos compromissos. Quando Dalí transfigura o relógio, ele nos faz perceber como esse pequeno objeto tem uma importância tão grande em nossa vida.

O tempo real e o tempo do inconsciente

A memória é uma forma de marcar o tempo, uma forma interna e subjetiva. O tempo da memória não é o mesmo do relógio comum: um momento que passou há muito pode ser lembrado como algo recente, e o dia anterior pode parecer como algo que aconteceu anos atrás.

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Boats and boating--Equipment and supplies

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• Qual a narrativa da imagem?
A obra retrata a primeira criação de Deus, Adão, e o encontro entre eles. O ponto principal dessa obra é o fato de as mãos dos dois personagens estarem quase se tocando, mas não se toca por falta de vitalidade do próprio Adão, visto que os dedos de Deus já estão todos esticados.

• O que moveu a escolha?
É uma obra que me chama atenção por identificação mesmo. Consigo adaptar para minha vida e, acredito que particularmente Deus esteja sempre com a mão estendida para nós, precisamos apenas estender a nossa também.

• Período: A obra foi criada por volta de 1511, por Michelangelo

• O que move o artista?
A obra integra um conjunto de pinturas de um projeto em que o artista representou várias cenas bíblicas, sendo "A criação de Adão"  o destaque entre elas. Onde ele conseguiu expressar todo o mistério, a espontaneidade e ao mesmo tempo, força divina.

• Estudo da obra: A composição transmite harmonia ao criar dois planos que o expectador percorre visualmente a partir do chão.Adão, segundo o livro bíblico, foi criado à semelhança de Deus. Na pintura, podemos constatar tal paridade e simetria. Os corpos de ambos são exibidos deitados de frente, com o mortal no ambiente terrestre, inicialmente sozinho; já o ser divino está envolto em um manto e rodeado de anjos.

Existem três pontos importantes:

1. O gesto de Deus: Os dedos das personagens, quase se tocando, são o ponto alto da composição. A mão de Adão ainda denota falta de vitalidade, que será conferida a ele através do toque de Deus. O criador exibe o dedo indicador esticado, em um gesto simples e direto, agraciando o homem com a vida. Segundo o historiador Ernst Gombrich, essa é considerada uma das maiores obras de arte já produzidas.

2. Adão despertando: Adão é apresentado como um homem que, preguiçosamente, desperta. Ele levanta o tronco na direção de Deus e apoia o cotovelo em seu joelho, a fim de aproximar-se do gesto divino. É como se ele acabasse de acordar de um sono profundo, pois podemos perceber seu corpo relaxado e sua feição acomodada. A propósito, a figura humana é muito bem representada anatomicamente em Adão, que está completamente nu e tem os músculos à mostra

3. A magnitude do criador: A figura de Deus é manifestada de forma vigorosa. Os longos cabelos grisalhos e barba volumosa transmitem a ideia de sabedoria. Sua vestimenta é representada de maneira fluida, o que permite a observação do corpo jovem e musculoso, como o de Adão. Essa maneira de representação do ser humano, valorizando a corporeidade, é característica da arte renascentista

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A tela acima, é profundamente ligada à vida da pintora e ilustra o seu sofrimento após uma cirurgia que se submeteu na coluna vertebral.

Na imagem vemos Frida sustentada por uma coluna grega que parece partida, fraturada, e a cabeça está apoiada no topo da coluna. Na pintura Frida apresenta um espartilho que de fato teria usado no período de recuperação da cirurgia.

No rosto da artista lemos a expressão de dor e sofrimento, embora contido, reconhecido apenas pela presença das lágrimas. Frida mantém um olhar austero e de perseverança. Ao fundo, na paisagem natural, vemos um campo seco, sem vida, assim como provavelmente se sentia a pintora.

Todo o corpo de Frida está perfurado por pregos, uma representação do sofrimento permanente que ela sentia.

Apesar de estarem espalhados pelo corpo, alguns pregos são maiores e aludem aos pontos onde Frida mais sentia dor. Vale frisar, por exemplo, a presença de um prego enorme  de todos posicionado bem perto do coração.

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Mulher com um guarda-sol - Madame Monet e seu filho

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Woman with a Parasol - Madame Monet and Her Son

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Woman with a Parasol - Madame Monet and Her Son

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Um passeio de mãe e filho em uma tarde ensolarada num campo de flores com cores vibrantes. Minha escolha se deve a imagem transmitir a sensação de sossego, a obra foi produzida em 1875, onde o artista pretendia que o trabalho transmitisse a sensação de um passeio familiar casual, em vez de um retrato formal.

Jamily ;)

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Amanda

O Velho Guitarrista é outra das composições tocantes de Pablo Picasso, retratando o momento de vida do pintor que, à época, levava uma vida de dificuldades extremas, compartilhando com o amigo Max Jacob um quarto e uma cama, usada em turnos. O primeiro dormia de dia e o segundo à noite.

É nessa época que Picasso trabalhou na sua “fase azul”, cor da tristeza, da desesperança e da solidão, tomando como modelo pessoas humildes e deserdadas da sorte, como os loucos, cafetinas, bebedora de absinto, mendigos, etc.

A figura que toca a sua guitarra mostra-se prostrada. Seu corpo é grande e desarticulado. A ossatura é longa e afiada. A cabeça curva-se, sem cair sobre o ombro. Seus olhos fechados não olham para a guitarra, como se ele se sentisse muito cansado. Suas pernas desajeitadas cruzam-se uma sobre a outra. O velho instrumento parece ser tudo que o velho guitarrista possui na vida. Somente a guitarra possui formas arredondas na composição.

Excetuando a guitarra, tudo no quadro é azul. A figura alongada remete-nos à pintura de El Greco.

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A obra O Beijo” fala sobre a relação entre tragédia e comédia e fala do lugar da arte durante a guerra. Fala de esperança e de como lutar contra a guerra com uma pintura que fala de amor.
A minha escolha da arte de Gustav, é estar mais próximo dos meus conhecimentos... Já foi referência para minha arte de amigos próximos.
A pintura de Gustav klimt, foi crianda no ano de 1907 a 1908. No movimento artísticos modernista.
incorporação  foi na escolhas de folhas de ouro em seu trabalho. Klimt desenvolveu antigas técnicas de douramento incorporando tinta a óleo, atualizando seus temas. Esse período foi marcado também pela utilização de formas geométricas, além da abundante decoração nas telas.
Com seu forte estilo decorativo e uso de formas geométricas, ele produziu retratos de mulheres seminuas e paisagens, repleto de detalhes, como flores e adornos. Além disso, uma característica marcante de suas obras