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Eugène Delacroix

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Eugène Delacroix è stato uno dei più grandi pittori del Romanticismo francese. I temi dei suoi dipinti sono la politica, il fascino dell'esotico ed il racconto del mito.

È considerato un vero maestro nell'uso del colore, impiegato con lo scopo di mettere in risalto i movimenti e la drammaticità della scena. Le opere di Delacroix sono fatte di pennellate intense e nervose proprio per evidenziare le figure e le loro turbinose e dinamiche azioni.

Forse non lo sapevi ma stile di Delacroix si basa su uno studio critico e attento.

Al centro c'è l'esaltazione e l'accostamento delle tinte secondo la teoria del contrasto luministico. Questa tecnica prevedeva l'uso di colori primari puri e dei loro complementari in modo da ottenere un forte contrasto tra luce e ombra. La sua arte si distingue chiaramente da quella di Ingres, il suo principale rivale, che invece era ancora legato al neoclassicismo e ricercava la perfezione e la definizione dei contorni.
Ma dove sono le sue opere più belle?
Essendo uno dei principali pittori francesi, le sue opere più belle e più famose si trovano ovviamente al Louvre. Qui troverai infatti il bellissimo dipinto raffigurante " La libertà che guida il popolo" ma anche " Dante e Virgilio che scendono all'inferno " e moltissimi altri.

Se ti trovi a Parigi e vuoi scoprire le opere di Delacroix, io ti consiglio di acquistare il biglietto salta fila per il Museo del Louvre. Sicuramente anche tu avrai notato le interminabili file all'ingresso del museo, in particolare presso la piramide. Bene, se vuoi risparmiare moltissimo tempo e dedicarlo alla visita di Parigi, qui puoi trovare il biglietto d'ingresso. Te lo consiglio.

Ma ora basta con i preamboli!
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Cose da fare a Parigi

Delacroix: periodo storico e biografia

Eugène Delacroix nacque il 26 aprile 1798 in una località vicino Parigi. Sua madre era figlia di un ricco commerciante e aveva sposato Charles-François Delacroix, un importante avvocato con una fiorente carriera politica all'interno del Direttorio.

Pur partendo da condizioni sociali molto avvantaggiata, l'infanzia di Delacroix non fu affatto semplice!

A soli 8 anni perse il padre e la famiglia si trasferì a Parigi dove Delacroix frequentò il liceo imperiale ed iniziò ad approfondire lo studio per le materie artistiche. Abbandonati gli studi, decise di coltivare il suo talento artistico come autodidatta studiando i capolavori conservati al Louvre. I pittori che lo influenzarono di più furono soprattutto Michelangelo, Raffaello e Tiziano.

Una delle esperienze più significative della vita di Delacroix fu l'incontro e la successiva amicizia con il pittore francese Théodore Géricault, incontrato all'Ecole des Beaux-Arts. Delacroix rimase talmente colpito dalla "Zattera della Medusa" che, non solo posò per la sua realizzazione, ma rese omaggio all'opera con "la barca di Dante" del 1822.

Scriveva a proposito del dipinto:

"Géricault mi permise di vedere La zattera della Medusa quando ancora ci stava lavorando. Fece una tremenda impressione su di me tanto che quando uscii dal suo studio cominciai a correre come un pazzo e non mi fermai finché non raggiunsi la mia stanza".

Tra le esperienze più formative per lo sviluppo delle sue opere, Delacroix fece numerosi viaggi in Africa settentrionale e nell'Europa meridionale, dove rimase incredibilmente affascinato dalle diverse culture.

La sua vivace intelligenza lo portò infatti ad indagare gli usi e i costumi locali, spingendolo persino all'interno di un harem, che riprodurrà in " ragazze di Algeri ".

Inoltre la sua passione per l'oriente fu alimentata dalla sua vasta cultura letteraria.

Opere e riconoscimenti

Per la sua prima commissione pubblica Delacroix dipinse la "Vergine delle messi" per la chiesa di Orcemont e, successivamente, la "Vergine del Sacro Cuore" per il vescovado di Nantes.

Ma è proprio con "La barca di Dante" che Delacroix venne ufficialmente ammesso per la prima volta al Salon di Parigi. Nonostante l'opera avesse suscitato un forte scalpore, e diviso la critica, venne acquistata dallo Stato Francese ed è oggi custodita all'interno del Louvre di Parigi.

Ma se conosci un minimo questo artista, saprai sicuramente che l'opera più famosa è un'altra!

Il vero capolavoro dell'arte di Delacroix è rappresentato infatti da "La Libertà che guida il popolo" del 1830. Il quadro non solo venne esposto al Salon ma l'artista ricevette addirittura la Legione d'Onore.

La fama di Delacroix crebbe talmente tanto che all'artista venne commissionato l'affresco della Galleria di Apollo al Louvre e perfino le pitture del Salone della Pace all'Hôtel de la Ville. Ma la produzione artistica di questo genio dell' arte romantica è enorme. Alla sua morte, avvenuta Parigi il 13 agosto 1863, vennero ritrovati centinaia di dipinti e migliaia di disegni preparatori.

Nonostante il successo e la fiorente carriera artistica, Delacroix visse una vita quasi in completa solitudine e non si sposò mai. Circondato da alcuni degli artisti più importanti della sua epoca, ebbe una grandissima influenza anche sugli artisti delle generazioni successive proprio per il suo stile e l'uso del colore.

Delacroix: la Libertà guida il popolo

"La libertà che guida il popolo" di Delacroix fu ispirato dai moti rivoluzionari del 1830, quando i parigini insorsero contro le politiche autoritarie di Carlo X di Borbone. Durante le tre gloriose giornate tra il 27 e il 29 luglio, Parigi alzò barricate e combatté contro le guardie del re, fino a costringerlo a revocare le riforme e ad abdicare.

"La libertà che guida il popolo" rappresenta una donna, Marianne, che avanza incitando la folla e sventolando il tricolore.

La donna è il simbolo della Libertà: mostra il seno nudo e indossa il cappello frigio, simbolo della rivoluzione del 1789. In una mano porta la bandiera francese e con l'altra una baionetta simbolo della lotta per la libertà.

Intorno a lei sono rappresentate tutte le classi sociali: un ragazzino con le pistole, rappresenta il coraggio dei giovani, un manovale che incede dietro ad un ricco signore con il cappello simboleggiano la classe operaia e borghesia.

Da un punto di vista compositivo, l'opera di Delacroix si ispira chiaramente a " la zattera della medusa" dell'amico Gèricault. La struttura piramidale è molto simile, così come la drammaticità dei corpi in primo piano. Da notare anche il particolare del piede con il calzino parzialmente sfilato, chiara citazione del dipinto dell'altro pittore.

Non a caso, al Louvre, queste due splendide tele sono esposte a poca distanza l'una dall'altra!

Contesto storico

Delacroix fu sempre circondato da grandi artisti o da persone influenti della sua epoca. Pensa che il maestro di Eugène Delacroix fu Guèrin, un importante esponente del neoclassicismo.

Oltre a l'amico Géricault, Delacroix iniziò a frequentare assiduamente anche i poeti romantici tra cui Hugo, Stendhal e Dumas. Appassionato di letteratura, studiò assiduamente ai testi classici di Dante, Shakespeare, Goethe e soprattutto Byron. Proprio da uno dei suoi libri si ispirò per il quadro " morte di Sardanapalo ".

Nella maturità si avvicinò molto alla musica classica frequentando Chopin e la drammaturga e scrittrice George Sand (pseudonimo di Amandine Dupin).

Uno dei pittori che stimò maggiormente fu Constable, da cui trasse l'ispirazione per l'uso del colore. Grazie ai suoi taccuini e diari di viaggio, pieni di schizzi e acquerelli, sappiamo molto anche della sua vita. " Constable mi fa un gran bene " annotò durante un soggiorno in Inghilterra.

Maturità e morte di Delacroix

Come spesso accade nel campo dell'arte, la bravura di Delacroix fu riconosciuta solo in tarda età, quando gli furono commissionati degli importanti cicli di affreschi al Luxembourg, sede del Senato francese, a Saint-Sulpice, al Louvre e a Palais Borbon.

Il lavoro lo affaticò molto fisicamente, tuttavia non smise mai di dipingere sino alla sua morte, il 13 agosto 1863.

Oggi la tomba di Delacroix si trova al al cimitero Père Lachaise di Parigi così come quella del suo amico Géricault.

Commenti su Delacroix

Delacroix fu uno dei più grandi artisti del romanticismo francese e le sue opere continuano a parlarci dei suoi ideali di libertà e della sua vasta cultura.

Tu cosa ne pensi? Quel è la tua opera preferita?

Scrivimelo qui sotto nei commenti!

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Scopri i segreti della vita e dell'arte di Eugène Delacroix, il pittore del romanticismo francese

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Sapevi che ne "la zattera della medusa" di Gèricault è ritratto anche Delacroix? Che la sua passione per l'oriente lo porto' ad infiltrarsi in un harem algerino? Vieni a scoprire tutti i segreti del più grande artista del romanticismo francese!

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Francesco Hayez

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Francesco Hayez è stato il massimo esponente del Romanticismo in Italia. Scopriamo la sua vita, le sue opere principali, il suo stile.

Francesco Hayez (Venezia, 1791 - Milano, 1882) è il massimo esponente in Italia della pittura romantica, vissuto nell'epoca di passaggio tra la cultura neoclassica e quella romantica, ponendosi come il principale pittore italiano di quest'ultima corrente. Non solo: con alcune sue opere altamente simboliche e di elevato valore patriottico, come il famoso Bacio, dipinto in tre versioni ( leggi qui un approfondimento su quest'opera), Hayez è anche pittore simbolo dell' Unità d'Italia, considerato in pittura come Alessandro Manzoni è considerato in letteratura. Le sue ricostruzioni storiche veritiere, gli accenti sentimentali dei suoi dipinti romantici, il sentire politico dei suoi quadri sono elementi paragonabili a quelli delle opere letterarie di Manzoni. L'arte di Francesco Hayez, sebbene a lungo ancora impostata su valori formali di carattere neoclassico, dimostrava una sensibilità nuova in Italia nell'affrontare soggetti di carattere storico o politico, come i Vespri siciliani, dipinto ispirato a un fatto della storia d'Italia, o I profughi di Parga, che raccontava invece un fatto d'attualità. La sua arte si configurò pertanto, come ha scritto Giulio Carlo Argan, come una combinazione di "soggetto di storia medievale o romanza" e "correttezza del disegno ingresiano".

Nonostante la nascita a Venezia (e nonostante molti contassero su di lui per ripristinare la gloriosa tradizione della pittura veneta: leggi qui per un approfondimento su questo tema), trascorse quasi interamente la sua carriera a Milano: nella città lombarda, si pose non soltanto come grande artista di soggetti a contenuto storico, ma anche come sublime ritrattista, tanto da far arrivare lo scrittore Carlo Castellaneta a sottolineare che proprio nella produzione di ritratti Hayez diede il meglio di sé: "è qui", ha scritto Castellaneta, "che egli tocca i suoi vertici, quando il discorso romantico si fonde col realismo, o meglio con una sorta di fisionomismo interiore che dà al modello un'insolita anatomia. Se dobbiamo credere alla fedeltà dei dipinti, pur concedendo all'autore di avere forse aggraziato qualche difetto, è indubbio che i ritratti possiedono un fascino a cui è difficile sottrarsi. Essi ci raccontano un mondo scomparso, immobile nelle sue barriere di classe, ma nel quale l'aristocrazia aveva un ruolo non indifferente verso l'arte e la cultura. Mi chiedo se un conte Ninni o una Belgioioso o una contessa Vitali dei nostri giorni riuscirebbero a esprimere tanta inquietante maestà, una tale consapevolezza di sé".

Artista dalla lunga carriera, attraverso diverse epoche: fu pittore dell' Italia napoleonica, artista in grado d'interpretare le istanze del Risorgimento (ma al contempo di godere anche della stima del governo austriaco, fatto che gli attirò numerose critiche: non era del resto un pittore rivoluzionario), apprezzato da Mazzini che lo riteneva "il capo della scuola di Pittura Storica, che il pensiero nazionale reclamava in Italia", e fu poi pittore che visse nei primi anni dell'Unità d'Italia. E di sicuro è stato uno dei maggiori artisti italiani del XIX secolo.

Biografia di Francesco Hayez

Francesco Hayez nasce a Venezia il 10 febbraio 1791 da Giovanni, pescatore originario di Valenciennes in Francia, e Chiara Torcellan, di Murano. La famiglia è molto povera, ragion per cui nel 1797 il piccolo Francesco viene affidato allo zio Giovanni Binasco, ricco mercante d'arte genovese. Troviamo il pittore, giovanissimo, a bottega da Francesco Maggiotto nel 1798, mentre nel 1803 inizia a frequentare l'Accademia di Belle Arti di Venezia (nel 1806 è allievo del corso di pittura di Teodoro Matteini. Nel 1809, Hayez vince una borsa di studio che gli consente di passare alcuni anni di studio a Roma, e si trasferisce nella capitale dello Stato Pontificio l'anno successivo: qui, conosce Antonio Canova (Possano, 1757 - Roma, 1822). Nel 1812, con il suo Laocoonte, vince il Gran Premio di Pittura dell'Accademia di Milano, a cui aveva partecipato su suggerimento di Canova e del conte Leopoldo Cicognara, dal 1808 presidente dell'Accademia di Venezia. Nel 1813 vince il titolo di miglior allievo dell'anno dell'Accademia di Venezia e apre il suo primo studio a Roma. Successivamente, nel 1814, si trasferisce a Napoli dove lavorerà per Gioacchino Murat (l'anno seguente realizzerà per lui l' Ulisse alla corte di Alcinoo).

Nel 1817, Francesco Hayez si sposa con Vincenza Scaccia e nel 1820 comincia a frequentare Milano: soggiorna nella città lombarda e conosce Alessandro Manzoni, di cui diventerà buon amico. Nel 1822 ottiene una cattedra di supplenza all'Accademia di Brera a Milano: si trasferirà definitivamente in città l'anno seguente. Risale al 1823 uno dei suoi principali capolavori, l' Ultimo bacio tra Romeo e Giulietta. Nel 1831 viene nominato socio corrispondente dell'Accademia di Belle Arti di Napoli mentre cinque anni dopo, nel 1836, soggiorna a Vienna dove viene ricevuto dal cancelliere Klemens von Metternich, che lo introduce all'imperatore Ferdinando I. Nel 1840 compie un nuovo soggiorno a Napoli dove lavora per il principe di Sant'Antimo (in occasione del suo secondo soggiorno nel 1844 dipingerà il ritratto della principessa di Sant'Antimo). Rientrato a Milano, nel 1841 esegue una delle sue opere più famose: il Ritratto di Alessandro Manzoni.

L'artista continua a mietere numerosi successi e a essere uno degli artisti preferiti della ricca committenza milanese, ma il suo nome è ben noto anche fuori dai confini del Lombardo-Veneto, tanto che nel 1849 riceve l' Ordine dei Santi Maurizio e Lazzaro, alta onorificenza assegnata da casa Savoia. Nel 1850 viene nominato professore di pittura all'Accademia di Brera e nel 1852 torna a Vienna dove consegna il ritratto all'imperatore, ricevendo da quest'ultimo l'onorificenza della Corona di Ferro. L'anno seguente torna nella sua città natale e poi in Piemonte. Dopo aver eseguito altri importanti lavori, nel 1859 dipinge la prima versione del famoso Bacio. Nel 1860 diventa ordinario dell' Accademia di Belle Arti di Bologna e nello stesso anno assume la direzione dell'Accademia di Brera diventandone Presidente: l'incarico gli viene affidato da Massimo d'Azeglio e durerà fino all'anno successivo. Nel 1863 dona un suo autoritratto alla Galleria degli Uffizi. Nel 1869 si spegne la moglie Vincenza e Francesco Hayez entra poco dopo in una fase di declino: negli anni Settanta si affievolisce la sua produzione artistica. Nel 1875 farà un nuovo viaggio a Napoli e prima di tornare a Milano si soffermerà a Roma, a Pisa e a Genova. Gli ultimi anni trascorrono senza lavori di rilievo e l'artista muore a Milano il 21 dicembre del 1882.

Francesco Hayez, Pietro Rossi a Pontremoli (1818-1820; olio su tela; Milano, Pinacoteca di Brera)

Lo stile e le opere principali di Francesco Hayez

I primi dipinti di Hayez sono opere di stretta osservanza neoclassica. Tra i dipinti giovanili occorre citare per esempio il Laocoonte, col quale l'artista riuscì a vincere il Gran Premio di Pittura organizzato dall'Accademia di Brera a parimerito con Antonio De Antoni, allievo di Andrea Appiani (Milano, 1754 - Milano, 1817), mentre Hayez era appoggiato da Canova e anche da Leopoldo Cicognara. Proprio Canova e Cicognara avevano spinto Hayez a partecipare al concorso (è Hayez che lo racconta nelle sue memorie). Il Laocoonte propone un tema molto frequentato nell'arte classica: protagonista del racconto è l'eroe troiano che, dopo l'arrivo del Cavallo di Troia in città, ammonì i suoi concittadini esortandoli a non fidarsi del cavallo, pronunciando la famosa frase "Timeo Danaos et dona ferentes" cioè "Temo i greci anche quando portano i doni", e per punirlo gli dèi che parteggiavano per i greci mandarono due enormi serpenti che uscirono dal mare e avvinghiarono a morte Laocoonte e i suoi figli: nel dipinto si osservano i due rettili che stringono Laocoonte e i figli accanto a lui (uno dei quali è già a terra esanime). Hayez risolve il tema con una composizione molto misurata, con un dramma composto tipicamente neoclassico. Altro importante dipinto giovanile, del 1814, è il Rinaldo e Armida ( scopri di più sull'amore nell'opera di Hayez): si tratta della prima opera di Hayez in cui compare un nudo femminile (i nudi femminili saranno molto ricorrenti nella sua arte), e in questo caso si tratta di un nudo di evidente derivazione canoviana, molto delicato: è ancora una composizione misurata e bilanciata, con i due amanti che quasi non ispirano erotismo nonostante il tema potesse portare il pittore a creare una rappresentazione dalla grande carica erotica (di cui poi saprà dar prova in certi suoi disegni: il disegno, peraltro, fu un mezzo molto adoperato da Hayez, e sulla nostra rivista è possibile leggere un approfondimento su questo tema).

La svolta romantica di Hayez si verifica con un dipinto del 1820, Pietro Rossi a Pontremoli: il protagonista del dipinto, Pietro Rossi, era un condottiero di origini parmigiane che nel Trecento cercò di difendere Pontremoli dall'assedio degli Scaligeri che stavano tentando di espandere i loro domini ed erano riusciti a impossessarsi di quasi tutti i domini di Pietro. Mentre difendeva Pontremoli, un messaggero della Repubblica di Venezia lo raggiunse e gli portò il messaggio del senato veneziano, che gli chiedeva di assumere il comando dell'esercito della Serenissima per sconfiggere il comune nemico veronese, con la promessa di rientrare in possesso di Parma in caso di vittoria. Il condottiero è raffigurato in armatura e in piedi, al centro della scena, con il messo di Venezia al suo fianco, e con la sua famiglia, la moglie e le figlie che inginocchiate lo implorano e gli chiedono di non partire. Tuttavia, il protagonista, posto dinnanzi alla scelta tra la famiglia e il dovere verso la patria, si risolve per quest'ultimo. Il dipinto presenta diversi punti di rottura con la tradizione neoclassica: innanzitutto il fatto che il quadro sia di ambientazione medievale e non classica, il fatto che il dipinto miri a suscitare emozioni nell'osservatore (anche attraverso l'utilizzo di una gamma cromatica piuttosto cupa), nonché la veridicità della composizione e della narrazione storica. Il messaggio di questo dipinto è ben chiaro: Pietro Rossi è visto come un eroe che antepone la patria alla famiglia, che combatte contro il nemico straniero, lottando contro fino all'ultimo per liberarsene: tutti temi di grande attualità nel momento in cui il dipinto fu realizzato. Il dipinto fu esposto per la prima volta a Milano nel 1820 e suscitò un certo scalpore, proprio in virtù della sua novità. Dello stesso tenore sono i Vespri siciliani: altro dipinto ambientato nel Medioevo (nel 1282, per l'esattezza), seppur raffigurato con accenti ancora neoclassici, e con ulteriori richiami di attualità, legati ai moti del 1821 che scoppiarono anche in Sicilia.

Hayez creò anche opere ispirate a fatti contemporanei: tra queste, I profughi di Parga del 1831, ispirato a un poemetto di Giovanni Berchet, pubblicato nel 1823 e che racconta di una città greca, Parga, che finì sotto i turchi nonostante gli abitanti avessero lottato fino alla fine per salvare la patria. Con la sua pittura, Hayez si poneva l'obiettivo di rappresentare il vero storico, come egli stesso ebbe a scrivere nelle sue memorie: a suoa vviso, il compito del pittore è la "ricerca del bello nel vero", e "l'artista deve tremare davanti al vero", anche se l'immagine del quadro deve essere formata nella fantasia.

Infine, quanto alla ritrattistica di Hayez, è possibile citare alcuni importanti ritratti come quelli di Alessandro Manzoni, Cavour e Massimo D'Azeglio, che dànno anche idea di quanto il pittore veneto fosse tenuto in considerazione dai personaggi di spicco dell'epoca. Il primo fu realizzato nel 1841: stando a quello che riportò lo stesso pittore, il ritratto fu realizzato in una villa di proprietà dei conti Stampa a Lesa, sul lago Maggiore, località dove Manzoni soggiornò diverse volte in estate a partire dal 1839. La notizia è confermata anche da Giacomo Beccaria, cugino di Manzoni, che scrisse che il letterato gli mostrò il suo ritratto eseguito da Hayez in occasione di un loro incontro. Molti esponenti dell'aristocrazia milanese furono ritratti da Francesco Hayez, e il ritratto di Alessandro Manzoni non è che un esempio di questa copiosa produzione. Per quanto riguarda il ritratto di Cavour, si tratta di un'opera che risale al 1864 e che gli fu commissionata dal consiglio dell'Accademia di Brera. È un ritratto postumo, perché Cavour morì nel 1861 a pochissimi mesi di distanza dalla proclamazione dell'Unità d'Italia, che avvenne il 17 marzo del 1861. Il ritratto fu quindi eseguito a partire da una maschera di gesso, al contrario del ritratto di Manzoni che invece fu eseguito dal vero. Infine il ritratto di Massimo d'Azeglio, del 1860, è conservato alla Pinacoteca di Brera ed è stato eseguito prendendo spunto da una fotografia. Quello che accomuna tutti questi ritratti è la grande precisione, l'alta fedeltà, l'elevato realismo che fecero riportare ad Hayez grandi successi di critica e grandi lodi da parte della committenze. Sono numerosi anche i ritratti femminili di Hayez, come quello della principessa di Sant'Antimo, di datazione incerta ma risalente agli anni Quaranta, e quello di Antonietta Negroni Prati Morosini: in questi dipinti occorre notare in particolar modo la delicatezza con cui vengono raffigurati i volti delle donne ritratte e la grande attenzione e cura per il dettaglio che Hayez dedica alla raffigurazione del loro abbigliamento.

Dove vedere le opere di Francesco Hayez

Le opere di Francesco Hayez sono conservate in diversi musei in tutta Italia. Le più famose si trovano alla Pinacoteca di Brera di Milano, che conserva il Laocoonte, una delle tre versioni de Il Bacio, il ritratto di Alessandro Manzoni e altri dipinti importanti. Sempre a Milano si trovano opere di Hayez alla GAM, come il ritratto di Antonietta Negri Prati Morosini e la Maddalena penitente. Altre opere si trovano a Roma, alla Galleria Nazionale d'Arte Moderna, alle Gallerie dell'Accademia di Venezia, e poi ancora al Museo di San Martino a Napoli, alla Pinacoteca Tosio Martinengo di Brescia, alla Galleria d'Arte Moderna di Palazzo Pitti di Firenze.

L' Ultimo bacio tra Romeo e Giulietta si trova invece a Tremezzo, a Villa Carlotta, mentre la famosa Meditazione è conservata alla Galleria d'Arte Moderna di Verona, e al Mart di Rovereto è possibile ammirare la famosissima Venere che scherza con due colombe, il famoso ritratto di Carlotta Chabert ( leggi qui un approfondimento su questo dipinto). Ancora, per vedere opere di Hayez si possono visitare l'Accademia Carrara di Bergamo, il Museo Correr di Venezia, il Museo Nazionale di Capodimonte a Napoli, il Poldi Pezzoli di Milano e diversi altri istituti che conservano importanti raccolte di arte dell'Ottocento.

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Francesco Hayez, vita e opere del grande pittore del Romanticismo italiano

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Francesco Hayez è stato il massimo esponente del Romanticismo in Italia. Scopriamo la sua vita, le sue opere principali, il suo stile. Francesco Hayez (Venezia, 1791 - Milano, 1882) è il massimo esponente in Italia della pittura romantica, vissuto nell'epoca di passaggio tra la cultura neoclassica e quella romantica, ponendosi come il principale pittore italiano di quest'ultima corrente.

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Caspar David Friedrich, pittore di spicco del Romanticismo, fu rivoluzionario per la pittura di paesaggio. La vita, lo stile, le opere principali.

Caspar David Friedrich (Greifswald, 1774 - Dresda, 1840) è stato il pittore più significativo del Romanticismo tedesco, celebre per la resa di vasti e misteriosi paesaggi nordici che esprimono il sentimento di stupore e impotenza dell'uomo di fronte alla forza misteriosa della natura. Le sue opere contribuirono a stabilire l'idea estetica del "sublime" come questione centrale del Romanticismo e a rivoluzionare il genere pittorico del paesaggio tradizionale. Friedrich partecipò infatti, come uomo e come artista, alla rivoluzione romantica e in rottura con la pittura paesaggistica neoclassica, introdusse nelle scene dipinte la ricchezza dei suoi sentimenti, la coscienza della fragilità mortale dell'uomo, l'angoscia di fronte alla grandezza e infinitezza degli elementi e degli accadimenti naturali.

Non una riproduzione oggettiva degli scenari con temi e motivi canonici, ma piuttosto un'interpretazione degli stessi, affascinato dal potere simbolico e allegorico degli ambienti terreni visti come una emanazione religiosa. Questa elevazione del genere pittorico del paesaggio ebbe un impatto nazionale e internazionale. Scenari montuosi e marini, panorami di luce solare e distese nebbiose, con poche ed essenziali presenze umane per lo più rivolte di spalle all'osservatore, aprirono a modalità in gran parte sconosciute, come includere il pubblico nel processo di immedesimazione e interpretazione. Un combinazione in cui alla natura monumentale si aggiungono simboli nascosti, messaggeri di religiosità e misticismo, legati alla solitudine, la morte e la speranza di salvezza.

Con l'incalzare a metà dell'Ottocento della nuova tendenza del Realismo in pittura, il suo lavoro andò dimenticato, per poi essere riscoperto all'inizio del XX secolo. La sua personalità ed espressione solitaria e malinconica ha determinato l'immagine dell'artista per eccellenza in epoca romantica. L'olio su tela Il viandante nella nebbia del 1818, conservato alla Hamburger Kunsthalle di ‎Amburgo, è il dipinto che più di altri è diventato iconico del Romanticismo europeo.

La vita di Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich nacque a Greifswald, cittadina della Pomerania svedese (al tempo dentro ai confini tedeschi) affacciata sulla costa baltica, il 5 settembre del 1774 in una famiglia luterana. Sua madre morì nel 1781, quando Friedrich aveva solo 7 anni e questo fu il primo di altri lutti familiari che ebbero impatto sulla sua vita personale: nel 1787 morì il fratello, Johann Christoffer, nel tentativo di salvare Caspar David caduto in acque gelide mentre pattinava su un fossato ghiacciato. Poco più che adolescente Friedrich iniziò a prendere lezioni di disegno da Johann Gottfried Quistorp, artista e docente presso l'Università di Greifswald, la cui facoltà d'arte prende oggi il nome proprio di "Caspar David Friedrich Institut". Nel 1794, Quistorp gli procurò un posto presso la Royal Danish Academy of Fine Arts di Copenaghen, conosciuta come l'accademia più progressista d'Europa in quel momento. Nella capitale danese gli furono aperte le porte dello Statens Museum for Kunst, dove ebbe modo di studiare l'importantissima collezione di dipinti dei paesaggisti olandesi del Seicento. Fino al 1796 Friedrich frequentò prima i corsi di disegno a mano libera e poi quelli di scultura. I suoi maestri furono alcuni tra i migliori pittori danesi del tempo: il paesaggista Christian August Lorentzen, il ritrattista e paesaggista Jens Juel, fautori dello Sturm und Drang e punto d'incontro fra Neoclassicismo e Romanticismo, e il pittore di storia Nicolai Abildgaard. Tuttavia, l'Accademia di Copenaghen non offriva un corso di pittura e nel 1798 Friedrich si trasferì a Dresda, iscrivendosi all' Accademia d'Arte dove l'anno successivo espose per la prima volta. I suoi primi lavori sono incisioni, acquerelli e disegni a seppia, con due dei quali nel 1805 ottenne un premio della Weimar Art Society, presieduto dal celebre Johann Wolfgang von Goethe e da Heinrich Meyer, e si affermò come artista.

Dresda a parte i lunghi soggiorni nella sua città natale Greifswald, divenne una seconda casa per il resto della vita. Da qui partiranno le sue ripetute escursioni in giro per i boschi della Pomerania, il Riesengebirge (Monti dei Giganti), sulle montagne dello Harz e sull'isola di Rügen. Immersioni nella natura che ebbero un grande rilevanza sulla sua interpretazione artistica della pittura di paesaggio. Molti dei suoi dipinti sono stati modellati su schizzi e studi dei luoghi panoramici scoperti durante i viaggi. Già nei primi dipinti, La croce in montagna detta anche Pala di Tetchen (1807-1808) e Nebbia mattutina in montagna (1808), Friedrich sposò gli ideali romantici stabilendo il suo stile, caratterizzato da un senso di immobilità e isolamento, e da un simbologia religiosa tratta dalla natura. Nascono così i primi capolavori che trovarono un pubblico ammirato.

Nel 1810 ottenne ulteriore fama diventando un membro esterno della Accademia d'Arte di Berlino e due opere Il monaco in riva al mare (1808-1810) e L'abbazia in un bosco di querce (1809-1810) lì esposte, furono acquistate dal principe ereditario prussiano e oggi conservate all'Alte Nationalgalerie di Berlino. Ottenuto rapidamente il riconoscimento come uno dei leader del movimento Romanticismo in Germania, fu eletto nel 1816 membro all'Accademia di Dresda. Durante gli anni dell'impero e fino alla caduta di Napoleone nel 1815, Friedrich da anti-francese dichiarato, covava risentimento per l'occupazione francese della Pomerania e nelle sue opere espresse anche dei significati politici, raffigurando siti tipicamente tedeschi, estratti della cultura e della mitologia che comunicavano simbolicamente il senso di orgoglio d'appartenenza al paese e una volontà di indipendenza dal dominio straniero. Dal 1817-1818 il motivo delle figure umane per lo più viste di spalle, iniziò ad avere un ruolo crescente nei suoi dipinti. Ne è un mirabile esempio il famoso Il viandante nella nebbia, divenuto tra i più rappresentativi della sua epoca culturale.

Nel 1818, all'età di quarantaquattro anni, sposò la giovane Caroline Bommer dalla quale avrebbe avuto tre figli e iniziò a raffigurarla, accompagnando al suo motivo ben consolidato, della figura solitaria immersa nel paesaggio, anche un'altra figura a formare una coppia. Friedrich continuava anche a esprimere sottilmente le sue convinzioni liberali, per esempio rappresentando uomini vestiti dei tradizionali costumi patriottici tedeschi a quel tempo vietati (come proprio ne Il viandante nella nebbia o Due uomini che contemplano la luna del 1819 o La tomba di Hutten, una confessione politica che dipinse anni dopo (1823-1824). Alcune su opere furono più tardi adottate e abusate dal regime nazista come testimonianze dell'intenso nazionalismo tedesco. Sostanzialmente reinterpretate per adattarsi a nuove intenzioni politiche.

Friedrich tra gli anni Venti e Trenta dell'Ottocento aveva guadagnato l' attenzione e l'appoggio di importanti figure internazionali, come lo zar di Russia Nicola I, suo acquirente che ne finanziò l'attività, e Alessandro II che gli commissionò opere fino al 1830. Negli anni a venire l'interesse per il suo lavoro andò a diminuire, anche per via delle posizioni politiche liberali, e visse alcuni contraccolpi, dovuti al crescente interesse critico che si manifestava per il realismo e il naturalismo nell'arte tedesca. La fedeltà di Friedrich ai paesaggi romantici "passò di moda". Già nel 1924 gli era stata negata la docenza di pittura di paesaggio all'Accademia di Dresda. Insieme alla notorietà diminuirono anche i committenti. Inoltre, la sua salute iniziò a peggiorare culminando in un ictus nel 1835 che lo rese parzialmente paralizzato e andando incontro a crescenti difficoltà finanziarie. Tuttavia questi ultimi anni della sua vita furono produttivi, vedendo la realizzazione di opere importanti come Le fasi della vita (1834-1835). Impossibilitato a lavorare con la pittura a olio, limitò la sua produzione artistica ai disegni color seppia, per poi rinunciarvi del tutto. Prima della sua morte, nel maggio del 1840, subì un secondo ictus. Fu sepolto nel cimitero della Trinità di Dresda.

Stile e capolavori di Friedrich

Caspar David Friedrich è considerato il più importante rappresentante del paesaggio simbolico nell'ambito del Romanticismo tedesco e europeo. Creò un'alternativa alla pittura tradizionale introducendo una novità, un nuovo linguaggio di evocazione piuttosto che di imitazione carico di simbologia e sentimento, concentrandosi soprattutto sulla resa della luce ambientale. Nelle sue opere giovanili, arrivato all'Accademia di Dresda, produsse molte incisioni con la tecnica dell' acquaforte e dell' intarsio. Fino al 1804 l'artista realizzò 18 acqueforti e ha 4 intarsi e iniziò a dedicarsi all' acquerello, che divenne la tecnica prediletta prima di realizzare i suoi grandi lavori su tela. L'unica eccezione ad olio di quel periodo fu Paesaggio con tempio in rovina del 1797.

Agli aquarelli e ai suoi suoi disegni color seppia, eseguiti con uno stile primitivo pulito e che gli valsero il premio della Weimar Art Society nel 1805, tornerà anche negli ultimi anni di vita. Il primo grande dipinto a olio risale all'età di 34 anni nel 1808. La croce in montagna suscitò polemiche e contemporaneamente un'ampia considerazione, in quanto per la prima volta nell'arte era un paesaggio a costituire il soggetto di una una pala d'altare religiosa. L'opera, anche conosciuta infatti come Pala di Tetchen, stabilì il suo stile maturo, caratterizzato da un suggestivo senso di immobilità e isolamento, tentativo di sostituire la tradizionale simbologia della pittura religiosa con una tratta dalla natura. Friedrich superò l'imitazione della natura classica, concepì uno spazio di contemplazione per sé e per lo spettatore, con temi e simboli ricorrenti. Realizzava alcuni studi en plein-air ma non dipingeva all'aperto, utilizzando le sue annotazioni per poi realizzare la composizione in studio attingendo anche dal ricordo e dall'immaginazione. Affermava infatti che il pittore deve dipingere ciò che vede dentro di sé e non solo ciò che ha davanti.

La maggior parte dei suoi capolavori presentano simmetrie e contrasti formali di elementi orizzontali e verticali e una resa coloristica perfetta degli effetti di luce negli ambienti naturali. Foreste, colline, porti, avvolti nella nebbia o tra giochi di nuvole nel cielo, albe e tramonti, comunque momenti del giorno in cui i fenomeni meteorologici e il rapporto tra luce solare e oscurità sottolineavano la maggior intensità emotiva. Usando prospettive drammatiche, Friedrich incoraggiava lo spettatore ad accettare il potere della natura come prova divina, fornendo l'opportunità di contemplare la presenza di Dio nel paesaggio.

La tavolozza di colori tenui e l'enfasi sulla luce creano un senso opprimente di vuoto che avrebbe influenzato l'arte moderna. Il minimalismo visivo dei suoi dipinti era insolito, paesaggi stilizzati in cui forniva più che dettagli soprattutto informazioni sensoriali di cui la rappresentazione della nebbia era un veicolo importante ( Nebbia mattutina in montagna, 1808). Come ha spiegato l'artista, "quando un paesaggio è coperto di nebbia, appare più grande, più sublime, e accresce la forza dell'immaginazione ed eccita l'attesa, un po' come una donna velata. L'occhio e la fantasia si sentono più attratti dalla lontananza nebbiosa che a ciò che è vicino e lontano davanti a noi".

Nelle opere poi divenute più importanti, è la costruzione della scena che determina l'emozione. I piani sembrano confondersi, tra i riferimenti in primo piano e quelli in lontananza, come si nota in modo esemplare nell'opera Monaco in riva al mare (1808-1810). Friedrich dipinse un vasto paesaggio vuoto dominato nei tre quarti superiori della tela da un cielo grigio-azzurro e il mare verde. In primo piano si trova una striscia irregolare di terra beige dove, a sinistra, si erge un uomo. Sebbene dia le spalle allo spettatore, è identificabile come un monaco dalla lunga veste scura. La tela è piena di grandi distese di colore, punteggiate da piccole pennellate di bianco per denotare alcune creste di onde e uccelli nel cielo. È un capolavoro di minimalismo e moderazione pittorica.

Il pittore aveva introdotto un motivo compositivo specifico e riconoscibile detto " Rückenfigur". Si tratta di una figura umana solitaria vista di spalle colta mentre contempla il panorama, un espediente che permette all'osservatore dell'opera di identificarsi con il personaggio che osserva il paesaggio. Uno dei modi chiave con cui il romanticismo tedesco si differenzia dal romanticismo francese e britannico. Degli stessi anni 1808-1810 sono anche opere come L'abbazia nel bosco di querce in cui l'artista includeva tracce dell'architettura gotica, qui sotto forma di rovine dell'abbazia. Ciò riflette un orgoglio nazionalista per i monumenti del passato gotico tedesco che furono particolarmente significativi durante gli anni dell'occupazione napoleonica.

I soggetti di Friedrich furono profondamente influenzati dalla costa baltica della Germania e dal profilo montano della Germania centrale. E sebbene si basasse su un'attenta osservazione del paesaggio dal vero, le sue opere erano colorate dalla sua risposta fantasiosa all'atmosfera delle montagne dell'Harz, le scogliere di Rügen, dei dintorni di Dresda e del fiume Elba. Secondo alcuni storici dell'arte il matrimonio produsse dei cambiamenti nella sua pittura. Infatti i quadri di questo periodo risultano più leggeri con colori più luminosi e meno drammatici e compiono figure femminili e di coppia. Le bianche scogliere di Rügen (1818), dipinto dopo la sua luna di miele, o Sulla Barca a Vela (1819) sono buoni esempio di questo sviluppo. I pittori modernisti avrebbero imparato dal suo uso del colore e dalla semplicità delle sue composizioni che trasmettevano il suo fatalismo rispetto alla natura tumultuosa e imprevedibile.

Da Il mare di ghiaccio, conosciuto anche come Il naufragio della speranza, del 1823-1824, in cui compare un relitto di una nave schiantata contro il ghiaccio e le rocce della riva, emerge il senso di impotenza dell'uomo, espresso da Friedrich, rispetto alla natura potente e spietata. In questo regno inospitale di mari ghiacciati, occorre che l'uomo ricorra alla sua forza spirituale.

Eredità di Friedrich

L'uso suggestivo di simboli, da parte di Friedrich, per implicare significati più profondi è stato un esempio importante per i simbolisti del XIX secolo e per i surrealisti del XX secolo, che hanno abbracciato la sua creazione di stati d'animo poetici. Inoltre, il suo minimalismo e gli ampi campi di colore sono stati fondamentali per l'espressionismo astratto. In anni più recenti, la riabilitazione dell'opera di Friedrich fornisce un esempio di forte eredità germanica mentre mostra anche silenziose evocazioni di assenza e perdita, temi importanti nella pittura europea del secondo dopoguerra, influenzando le nuove generazioni di artisti tedeschi moderni come Anselm Kiefer e Gerhard Richter.

Dove vedere le principali opere di Friedrich

Friedrich fu un artista molto prolifico e produsse più di cinquecento opere. Oggi i suoi dipinti sono esposti in molti importanti musei in tutto il mondo, La National Gallery di Londra, il Museo dell'Ermitage a San Pietroburgo, il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid o il Museo Oskar Reinhart di Winterthur in Svizzera, ma in particolare i grandi capolavori sono concentrati in Germania. A Berlino tra lo Schloss Charlottenburg e l'Alte Nationalgalerie, alla Galerie Neue Meister di Dresda come all'Hamburger Kunsthalle di ‎Amburgo, dove tra gli altri è possibile trovare i famosi Il viandante nella nebbia e Il mare di ghiaccio.

Ma anche al Niedersächsisches Landesmuseum di Hannover, che vanta un ciclo di opere suggestivo dedicato alle quattro fasi del giorno e di cui è particolarmente famosa la tela Mattino (1821). Così come alla Neue Pinakothek di Monaco di Baviera, e a Dusseldorf, Stoccarda, Colonia, fino a Lipsia, dove al Museum der Bildenden Künste spicca uno dei maggiori e ultimi capolavori dell'artista Le età della vita (1835).

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Caspar David Friedrich, il grande pittore romantico tedesco. Vita, opere, stile

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Caspar David Friedrich, pittore di spicco del Romanticismo, fu rivoluzionario per la pittura di paesaggio. La vita, lo stile, le opere principali. Caspar David Friedrich (Greifswald, 1774 - Dresda, 1840) è stato il pittore più significativo del Romanticismo tedesco, celebre per la resa di vasti e misteriosi paesaggi nordici che esprimono il sentimento di stupore e impotenza dell'uomo di fronte alla forza misteriosa della natura.

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Caspar David Friedrich

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William Turner

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Due minuti per raccontare la vita di uno dei più grandi artisti inglesi, capofila del romanticismo, conosciuto da molti come il "Pittore della luce".
William Turner è uno degli artisti che è riuscito a cogliere in pieno l'essenza del romanticismo. La paura dell'infinito, il rispetto per le forze ancestrali della natura, il fascino per ciò che l'uomo non riuscirà mai a comprendere è reso da Turner con un tratto delicato e fuggevole che rende le sue opere simili a sogni impressi su tela.

LA VITA E LE OPERE DI WILLIAM TURNER: RIASSUNTO IN DUE MINUTI (DI ARTE)

1. Joseph Mallord William Turner (Londra, 1775 - Chelsea,1851) è considerato uno dei più importanti artisti inglesi. È conosciuto come " Il pittore della luce " che lui considera "emanazione dello spirito divino".

2. William Turner appartiene al movimento romantico ma per la particolare resa della realtà nelle sue opere viene considerato uno dei precursori dell' Impressionismo.

3. Nelle sue opere Turner ritrae per lo più paesaggi, che diventano mondi onirici e allucinati grazie agli splendidi contrasti di luce e al sapiente uso dei colori che creano atmosfere rarefatte in cui la realtà si fonde con il sogno (come nell'opera Chichester Canal del 1828, in fondo alla pagina).

4. William Turner è affascinato dal potere maestoso della natura che ha un ruolo attivo nelle sue opere: tempeste, valanghe, naufragi, incendi sono i soggetti preferiti da Turner. La natura appare così come un ente supremo di fronte al quale l'uomo è piccolo e insignificante. (es. Bufera di neve: Annibale e il suo esercito attraversano le Alpi, 1812, sopra)

5. L'estetica di Turner è improntata sulla concezione romantica di " sublime ", ossia la paura per ciò che è infinito e ai limiti dell'umana comprensione (come i fenomeni naturali estremi), capace di terrorizzare e affascinare l'uomo che ne viene incomprensibilmente attratto.

6. Il 16 ottobre 1834, informato che il parlamento inglese sta andando a fuoco, Turner accorre immediatamente sul luogo della catastrofe armato di pennello a acquerelli per non perdere quella fonte di ispirazione. Così nasce l'opera Incendio delle Camere dei Lord e dei Comuni (1835).

7. Si dice che una volta Turner si sia fatto legare all'albero di una nave nel corso di una tempesta, per osservare da vicino quell'evento maestoso. Secondo molti però, questa è solo una leggenda.

8. William Turner, nonostante già in vita sia un artista riconosciuto e rispettato, non ha molti amici e preferisce trascorrere la maggior parte del tempo col padre che vive con lui per trent'anni, lavorando nel suo studio come assistente.

9. Con la morte del padre, Turner va incontro a un lungo periodo di depressione che porterà l'artista a isolarsi limitando al minimo ogni forma di comunicazione verbale.

10. Alla sua morte William Turner lascia parte della sua eredità per istituire un fondo di aiuto per "gli artisti in disgrazia". Decide inoltre di donare le sue opere allo stato britannico, perché le custodisca tutte insieme in una galleria a lui dedicata. Ciò non accade e le opere di Turner vengono disperse in vari musei e collezioni private, disonorando l'accordo con l'artista.

"Il sole è Dio." ( William Turner, poco prima di morire)

Giornalista, consulente di comunicazione e scrittore.

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William Turner: biografia breve e opere principali in 10 punti

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Due minuti per raccontare la vita di uno dei più grandi artisti inglesi, capofila del romanticismo, conosciuto da molti come il "Pittore della luce". William Turner è uno degli artisti che è riuscito a cogliere in pieno l'essenza del romanticismo.

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I maggiori esponenti

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Il Romanticismo consiste in un dissidio interiore verso qualcosa che sfugge. Esso comporta perciò una perenne insodisfazione.
"Romantico è un modo di sentire impressionabile, irritabile, reattivo".
C'è un termine preciso che caratterizza questo modo di essere: Sehnsucht, che significa "nostalgia", ma anche "ansia" e "desiderio".
Sucht ha anche una stretta correlazione con il verbo "cercare".

L'oggetto di questa ricerca è l'assoluto, e richiama il tendere ("streben") all'infinito.
Questa ricerca può venir acquietata con l'arte e la religione o con la filosofia. Ma ciò appaga per poco e può portare all'ironia e al suicidio.

Con il Romanticismo si vuole cogliere la relazione tra finito ed infinito, del quale il finito è manifestazione. Si comincia ben presto a pensare che la conoscenza dell'infinito non sia possibile, poiché finiti sono i mezzi dell'uomo. Nasce quindi l'ironia, che esprime l'insufficienza dell'uomo. È un atteggiamento che suscita contraddizione nel desiderio umano di assoluto e la sua irraggiungibilità. Si riabilita quindi l'irrazionale.

Allo stesso modo viene recuperata dai romantici anche la natura, nella sua concezione platonico-rinascimentale, in particolare bruniana.
Nella natura ci sono infatti le basi per la creazione dello spirito. L'uomo ne è parte integrante, quindi, avvertendo questo senso di appartenenza, si avvicina sia al panteismo che alla trascendenza.
Nei secoli è infatti venuto meno il legame uomo-natura greco. L'età classica dovrà quindi essere ripresa con nostalgia.
Il rapporto con il tutto potrà rinascere solo con la religione.

Hölderlin dirà che " essere uno con il tutto, questo è il vivere degli dei; questo è il cielo per l'uomo".
Tale visione viene colta solo dal genio.

A Jena si costituisce pertanto il primo circolo romantico, con i fratelli Schlegel.
Nel 1797 viene fondata la rivista Athenaeum, che sintetizza il movimento romantico.
Nel 1808 Friedrich Schlegel si converte al cattolicesimo per cercare, con la religione, l'assoluto. Oltretutto essa è un sapere immediato.
Nasce quindi il titanismo, la ribellione dell'uomo alla sua condizione, ed il suicidio è l'emblema dell'atto eroico. Di qui il mito dell'evasione e dell'eccezionale (nel sogno).

Accanto a questo Romanticismo ne esiste anche un altro, definito nero. E' il Romanticismo macabro.
Nel "Kubla Khan" di Coleridge, scritto sotto l'effetto dell'oppio, si narra dunque di un paese misterioso con un palazzo pieno di abissi, cioè l'animo.
Importante è la figura del viandante (diverso dal viaggiatore-esploratore illuminista) che fugge non si sa cosa. Esso cerca il legame con la natura fuggendo le convenzioni.

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Il Romanticismo consiste in un dissidio interiore verso qualcosa che sfugge. Esso comporta perciò una perenne insodisfazione. "Romantico è un modo di sentire impressionabile, irritabile, reattivo". C'è un termine preciso che caratterizza questo modo di essere: Sehnsucht, che significa "nostalgia", ma anche "ansia" e "desiderio". Sucht ha anche una stretta correlazione con il verbo "cercare".

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Al termine dell'età napoleonica, in Europa iniziò a diffondersi un nuovo movimento culturale e sociale: il Romanticismo. Esso si trovò a contrapporsi nettamente al Neoclassicismo, che fino ad allora aveva dominato la scena culturale del periodo. Il Romanticismo portò un nuovo spiritualismo e soprattutto una nuova sensibilità religiosa.

L'origine del termine

L'aggettivo romantico venne utilizzato per la prima volta dai fratelli Friedrich e Wilhelm August von Schlegel proprio per definire la nuova sensibilità artistica che si stava sviluppando alla fine del Settecento in Germania.

La parola romanticismo, infatti, deriva da , rispettivamente francese antico e spagnolo, che designavano le opere scritte nelle lingue romanze e, successivamente, narrazioni di argomento amoroso.

La nascita del Romanticismo

Tutto ebbe inizio in Germania. Il paese infatti divenne il centro propulsore del movimento romantico grazie allo sviluppo della cultura nelle università tedesche. Qui, gli intellettuali erano liberi di confrontarsi. In particolare si cercò di favorire lo studio della lingua tedesca da parte dei fratelli Von Schlegel, fondatori della rivista . L'anno di nascita della rivista (il 1798) venne indicato proprio come la data di nascita del . La rivista fu fondamentale in quanto in essa si svilupparono dibattiti intorno alla nascita del nuovo movimento letterario. Altro grande esponente della rivista, oltre ai fratelli Schlegel, fu il poeta Novalis.

Da un punto di vista filosofico, il Romanticismo si pose come reazione all'Illuminismo: esso rifiutò ogni concezione materialistica della vita. L'uomo romantico, infatti, non era costituito dalla sola ragione ma possedeva facoltà come il sentimento e la fantasia. Ed esse influivano sulla sua vita. Il Romanticismo sorse anche come reazione alle delusioni prodotte dalla Rivoluzione Francese, che era degenerata nel dispotismo e nella violenza.

Il concetto di nazione

In tutti i campi, il Romanticismo oppose alla razionalità illuminista il sentimento, la religiosità, l'originalità. Questo lo si poteva notare facilmente in campo artistico e letterario.Nel primo si rifiutarono le rigide regole delle Accademie, nel secondo si assistette al recupero della creatività. Anche in politica ci furono molti cambiamenti: nacque il concetto di nazione, ovvero un'unità di ideali, lingua e storia. Di lì a poco si sarebbero avviate, infatti, le guerre per l'indipendenza e quel lungo processo che portò anche l' Italia all'unità, che culminò il 17 marzo 1861.

La poetica e la nascita del romanzo

Dal punto di vista della poetica, secondo i romantici l'arte non doveva imitare i classici ma rifiutare tutti i modelli precostituiti, le regole. La realtà oggettiva e soggettiva divenne così l'oggetto di qualsiasi forma di arte. I generi letterari divennero più liberi e meno schematizzati, la lirica in poesia divenne la più utilizzata. Dal Romanticismo nacque così il romanzo, che divenne con gli anni il genere più diffuso.

La diffusione in Europa

Il romanticismo si diffuse in modo capillare in tutta l' Europa, oltre che in Germania con la rivista Athenaeum. In Inghilterra ebbe come punti di riferimento William Wordsworth e Samuel Taylor Coleridge, che pubblicarono un vero e proprio manifesto del movimento: le Lirical Ballad s.

In Francia venne tradotta l'opera di Schlegel Corso di letteratura drammatica nel 1810. Le idee romantiche si diffusero soprattutto grazie alla figura di Madame de Staël, che divenne scrittrice e animatrice del dibattito tra Classici e Romantici.

Suddetto dibattito divenne fervente anche in Italia, a partire dal 1816, dopo la pubblicazione sula rivista Biblioteca italiana, dell'articolo di Madame de Stael in cui essa attaccava l'amore per la mitologia.

Il dibattito in Italia

I letterati italiani si divisero tra sostenitori dei classicisti (Pietro Giordani e Giacomo Leopardi) e coloro che invece appoggiarono le nuove idee ( Giovanni Berchet, Ermes Visconti).

Tutti i letterati che operarono all'inizio dell'Ottocento entrarono in contatto col nuovo modo di fare poetica. Si mise in campo l'esigenza di verità, la poesia dialettale ed espressione del proprio mondo soggettivo. Due furono i grandi autori che maggiormente si affermarono in questi anni e risentirono della poetica romantica: Giacomo Leopardi e Alessandro Manzoni. Grazie ad essi si avviò il Romanticismo letterario italiano e, in generale, la letteratura italiana cambiò per sempre.

Il Romanticismo ebbe quindi il merito di restituire un volto umano ad ogni espressione artistica. Diede maggiormente risalto alla passione e allo slancio vitale, lontano dall'arido materialismo illuminista.

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Al termine dell'età napoleonica, in Europa iniziò a diffondersi un nuovo movimento culturale e sociale: il Romanticismo. Esso si trovò a contrapporsi nettamente al Neoclassicismo , che fino ad allora aveva dominato la scena culturale del periodo. Il Romanticismo portò un nuovo spiritualismo e soprattutto una nuova sensibilità religiosa.

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Musica

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Filosofia

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Arte

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Letteratura

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Victor-Marie Hugo, più comunemente noto come Victor Hugo (pronuncia francese [vikˈtɔʁ maˈʁi yˈgo] ; Besançon, 26 febbraio 1802 - Parigi, 22 maggio 1885) è stato uno scrittore, poeta, drammaturgo e politico francese, considerato il padre del Romanticismo in Francia. Si cimentò in numerosi campi, divenendo noto anche come saggista, aforista, artista visivo, statista e attivista per i diritti umani.

Tra i principali teorici ed esponenti del movimento letterario romantico, seppe tenersi lontano dai modelli malinconici e solitari che caratterizzavano i poeti del tempo, riuscendo ad accettare le vicissitudini non sempre felici della sua vita (dei quattro figli che giunsero all'età adulta, tre moriranno prima di lui, mentre la figlia Adèle finirà ricoverata in manicomio) per farne esperienza esistenziale e cogliere i valori e le sfumature dell'animo umano.

I suoi scritti giunsero a ricoprire tutti i generi letterari, dalla poesia lirica al dramma, dalla satira politica al romanzo storico e sociale, suscitando consensi in tutta Europa.

Nasce il 26 febbraio 1802 a Besançon nella Franca Contea. Nel 1808 raggiunge il padre in Italia, ad Avellino, e qui vi dimora per sette mesi in quello che ricorderà nei suoi scritti come il "palazzo di marmo" e, sempre ad Avellino, ebbe come insegnante di matematica Giuseppe de Samuele Cagnazzi, fratello maggiore dello scienziato Luca de Samuele Cagnazzi. Nel 1813 i suoi genitori si separano e la madre si stabilisce a Parigi insieme al generale Victor Fanneau de la Horie. Qui Hugo frequenta il Politecnico dal 1815 al 1818 per volere del padre, ma ben presto abbandona gli studi tecnici per dedicarsi alla letteratura. Ha quattordici anni quando scrive su un diario:

La frase sarebbe stata annotata su un quaderno di scuola. Hugo l'avrebbe scritta in seguito a un concorso di poesia, perso perché la giuria, giudicando ottimo il suo componimento, non poteva credere che l'autore fosse un ragazzo così giovane. Scrive le Odi, che furono la sua prima composizione letteraria. Insieme ai fratelli fonda il foglio Il conservatore letterario ( 1819) e nello stesso anno vince un concorso dell'Académie des Jeux Floraux. Inizia poi a frequentare il liceo Louis-le-Grand, si laurea in Giurisprudenza e partecipa agli incontri del Cenacolo di Charles Nodier, culla del Romanticismo nascente. Scrive poi Odi e poesie diverse ( 1822) e molto altro, fino a Odi e ballate, che gli valgono una rendita di mille franchi da parte del re Luigi XVIII.

Il 12 ottobre 1822 sposa, nella chiesa di Saint-Sulpice di Parigi, Adèle Foucher, una sua amica d'infanzia; nasceranno cinque figli:

Léopold (16 luglio - 10 ottobre 1823), morto tre mesi dopo la nascita;

Léopoldine (28 agosto 1824 - 4 settembre 1843), annegò durante una gita in barca;

Charles, collaboratore del padre, gli darà due nipoti (più uno morto poco dopo la nascita), che staranno al fianco del nonno durante la sua vecchiaia; Charles morì di ictus a 44 anni;

François-Victor (28 ottobre 1828 - 26 dicembre 1873), traduttore, morì a 45 anni, di tubercolosi;

Adèle, l'unica a sopravvivere al padre ma che trascorrerà molti anni in un manicomio a causa del suo stato mentale alterato. Impazzirà infatti per amore e morirà in tarda età.

È possibile che abbia avuto anche una figlia fuori dal matrimonio, dalla relazione con l' anarchica Louise Michel, con cui ebbe una corrispondenza fin dal 1850. C'è chi sostiene infatti che sia stata sua amante per brevissimo tempo nel 1851 e che nel 1852 abbiano avuto una figlia segreta (affidata dalla madre a una famiglia adottiva), di nome Victorine; è anche possibile che Hugo non sapesse però di questa figlia.

La scoperta, dopo qualche anno dal matrimonio, del tradimento della moglie con l'amico di famiglia Sainte-Beuve lo porterà a condurre una vita di libertinaggio; sua amante per circa cinquant'anni sarà Juliette Drouet, attrice teatrale conosciuta durante le prove di Lucrezia Borgia, nel 1833. Juliette Drouet gli restò sempre vicina (salvandolo anche dalla prigione in occasione del colpo di Stato di Napoleone III) nonostante le continue infedeltà dell'amante: lui per lei scriverà molti poemi, tra cui un Libro dell'anniversario compilato dai due ogni anno, appunto il giorno dell'anniversario del loro primo incontro.

Strinse un legame amoroso anche con Léonie d'Aunet scrittrice ed esploratrice e moglie del pittore François-Auguste Biard. Léonie gli ispirò alcune poesie de Les Contemplations. Il legame fu burrascoso, perché gli amanti furono scoperti e Léonie fu imprigionata per molti mesi.

La battaglia di Hernani

Una svolta epocale nella storia della letteratura avviene nel 1827, con l'uscita del dramma storico , considerato il manifesto delle nuove teorie romantiche. Nella lunga prefazione Hugo si oppone alle convenzioni del teatro classico, tra cui le tre unità aristoteliche (contesta soprattutto le unità di tempo e di luogo) e l'obbligo di bienséance (che esclude azioni o anche solo parole considerate volgari o quotidiane, umili), ed espone le sue teorie sul teatro e sulla letteratura in generale, che metterà poi in pratica nel dramma , del 1830, data che segna convenzionalmente l'inizio del Romanticismo in Francia: la rappresentazione infatti segna l'inizio di una nuova tra antichi e moderni che rimarrà nella storia col nome di bataille d'Hernani. Il dramma, che riscuote grande successo nonostante la prima rappresentazione venga interrotta dagli scontri, sarà poi trasposto in musica e rappresentato da Giuseppe Verdi (, 1844).

Inizia un periodo molto produttivo per lo scrittore: pubblica un romanzo, Notre-Dame de Paris, del 1831, accolto da un immediato e amplissimo successo; raccolte di poesie, Le foglie d'autunno dello stesso anno e I canti del crepuscolo del 1835; altri drammi, come per esempio nel 1838. Incontra Hector Berlioz, Chateaubriand, Franz Liszt, Giacomo Meyerbeer; nel 1841 all' Académie française, dove occupa il seggio numero 14.

I rappresentanti rappresentati, caricatura di Hugo, opera di Honoré Daumier del 1849.

Hugo visto da Jean-Pierre Dantan.

Nel 1843 muoiono tragicamente, annegati nel corso di una gita in nave, la figlia Léopoldine e il genero Charles Vacquerie; Hugo apprende la notizia al rientro da una vacanza, dal giornale . La tragedia, unita all'insuccesso del suo lavoro teatrale del 1845, gli causa una grave depressione che lo tiene lontano dal mondo letterario per dieci anni.

Intanto viene nominato Pari di Francia dal re Luigi Filippo d'Orléans. Nel 1848 entra a far parte come deputato dell'Assemblea Costituente, ma il colpo di Stato che nel 1851 porta al potere Napoleone III segna l'inizio del suo declino politico: dapprima Hugo appoggia l'elezione del giovane Luigi-Napoleone Bonaparte alle presidenziali, poi - quando il nuovo presidente, futuro imperatore, inizia a prendere provvedimenti anti-liberali quali l'abrogazione della legge elettorale del 1850, riducendo di un terzo gli aventi diritto al voto - ne prende le distanze; inutile sarà il tentativo del Comitato di resistenza repubblicana, di cui fa parte insieme a Schœlcher, di sollevare la popolazione parigina: a Hugo, strenuo difensore di un regime liberale, non resta che attaccarlo con scritti e discorsi contro la miseria e le repressioni, che diventavano nel frattempo sempre più intolleranti.

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"Quando la conoscenza si trova in un solo uomo, la monarchia s'impone. Quando si trova in un gruppo d'uomini, questa deve far posto all' aristocrazia. Ma quando tutti hanno accesso ai lumi del sapere, è venuto il tempo della democrazia."

Dopo il 2 dicembre 1851, Hugo deve partire per l'esilio. Si reca inizialmente a Bruxelles, poi si trasferisce nell' isola di Jersey e infine a Guernsey, rifiutando l'amnistia proclamata dall'imperatore.

Massone, è tra i firmatari del progetto di fondazione dell'ordine massonico Le Droit Humain.

Inizia qui a prendere forma la sua mitica figura poetica e ideale di "Padre della patria in esilio"; gli anni trascorsi a Guernesey lo rendono così famoso che gli arrivano lettere indirizzate a "Victor Hugo - Oceano". Riprende la sua attività letteraria nel segno della satira politica, nella raccolta di poemi I castighi ( 1853), che prende di mira il Secondo Impero; la satira diretta contro l'imperatore, in Napoleone il piccolo; il ricordo del passato e in particolare della figlia Léopoldine affiora nella raccolta Le contemplazioni ( 1856).

Questi sono anche gli anni dell'impegno su un piano politico più alto, idealizzato, che dà vita a La leggenda dei secoli (pubblicata in tre parti tra 1859, 1877 e 1883), che ripercorre la storia dell'umanità dalla Genesi al XIX secolo, così come a I miserabili, romanzo del 1862, I lavoratori del mare del 1866 e L'uomo che ride del 1869.

La vita non gli risparmiò i dolori: nel 1855 muore il fratello Abel, nel 1863 la figlia Adèle impazzisce scappando in Canada, nel 1868 muoiono anche la moglie e alcuni nipoti (il figlio primogenito, appena nato, di Charles, e uno del fratello); in tutte queste disgrazie ha però sempre accanto la fedele Juliette e successivamente, i nipoti Jeanne (futura moglie di Jean-Baptiste Charcot) e Georges, figli di Charles, a cui dedicherà L'arte di essere nonno.

A partire dagli anni sessanta viaggia per tutto il Lussemburgo e percorre il Reno, ma nel 1870 viene espulso dal Belgio per aver dato asilo a dei ricercati nella capitale francese, e trova rifugio di nuovo nel Granducato, per tre mesi, e in seguito a Vianden, Diekirch e Mondorf-les-Bains (dove segue una cura termale).

Il suo rientro in patria avviene il 5 settembre 1870, dopo la caduta di Napoleone III e l'instaurazione della Terza Repubblica francese: Hugo è accolto da una folla acclamante ed entusiastica e la sua casa diventa nuovamente luogo di incontro tra letterati; fino alla sua morte rimarrà nume tutelare della repubblica restaurata.

Hugo sul letto di morte, fotografato da Nadar (1820-1910)

Riprende in questi anni la produzione letteraria con il romanzo Novantatré ( 1874); scrive anche poesie, alcune riguardanti la sua vita familiare (in memoria dei figli morti di recente, François-Victor e Charles), come I miei figli ( 1874), altre satirico-politiche, come Il Papa ( 1878) e Torquemada ( 1882), un'opera sul fanatismo dell' inquisizione. Nel 1876 torna a far parte del Senato.

La tomba di Victor Hugo al Panthéon

Nel 1878 è colpito da congestione cerebrale, mentre i festeggiamenti per il suo ottantesimo compleanno - pubblicamente celebrati - vengono offuscati dalla morte di Juliette Drouet. Muore il 22 maggio 1885, e la sua salma viene esposta per una notte sotto l' Arco di Trionfo e vegliata da dodici poeti, anche se, in ottemperanza alle sue ultime volontà, le esequie hanno luogo nel corbillard des pauvres. Il 1º giugno, dopo aver esitato per il cimitero di Père-Lachaise, è portato al Pantheon di Parigi. Si calcola che tre milioni di persone siano venute a rendergli omaggio in quell'occasione. A parte alcuni protagonisti della Rivoluzione francese ( Mirabeau e Marat), fu, assieme al presidente Marie François Sadi Carnot (assassinato nel 1894), l'unico caso di sepoltura immediata, dopo la morte, al Pantheon.

La sua tomba si trova tuttora nello stesso luogo, proprio accanto a quella di altri due grandi scrittori francesi del XIX secolo, Alexandre Dumas ed Émile Zola.

Il suo cervello è stato oggetto di studio, avendo un volume di 2000 cm³ (la media nell'uomo è di circa 1500 cm³).

Attività intellettuale

Victor Hugo fu uno scrittore instancabile; la sua opera comprende soprattutto componimenti poetici, drammi, romanzi, oltre a testi di carattere letterario, politico o filosofico, e a un consistente epistolario. È autore anche di numerosi disegni e di alcuni dipinti. Le opere di Hugo furono illustrate da diversi incisori, fra i quali spicca per efficacia François Chifflart.

Manoscritto de La leggenda dei secoli

Hugo inizia a scrivere versi fin dalla prima giovinezza: a vent'anni, pubblica le Odi, sua prima raccolta poetica: quelli che saranno i temi caratteristici di quest'autore vi sono già presenti: attualità, storia, religione e, soprattutto, riflessioni sul ruolo del poeta. Lo stile di questi primi componimenti è prevalentemente classico, ma ben presto Hugo intraprende la strada del Romanticismo, riscuotendo notevole successo (le Odi saranno pubblicate quattro volte tra 1822 e 1828).

Nel 1828, l'autore riprende le fila della sua produzione raccogliendo in un unico volume tutti i suoi componimenti precedenti: le Odi e ballate ( odi e ballate) sono ricche di affreschi storici, evocazione dell'infanzia, e inizia a profilarsi una religiosità più tollerante, un monarchismo più liberale; affiora soprattutto il mito di Napoleone. Sul piano dello stile, il giovane poeta si prende qualche libertà per quanto riguarda il metro e la tradizione poetica; notevoli sono le antitesi, soprattutto l'accostamento di periodi storici divergenti che tanto spazio avranno poi nella sua poesia ulteriore.

Successivamente Hugo si allontana un poco dalle preoccupazioni politiche per concedere spazio all' arte fine a sé stessa: è la volta delle Orientali, nel 1829, nelle quali fin dal titolo è evidente il gusto per l' esotico.

La maturità

Le raccolte successive - Le foglie d'autunno ( 1832), I canti del crepuscolo ( 1835), Le voci interiori ( 1837), I raggi e le ombre ( 1840) - introducono i temi maggiori in un quadro ancora lirico: la donna, Dio, l'amicizia, la natura, il potere. Si alternano sapientemente semplicità e sublime: anche parlando di sé stesso, Hugo non può fare a meno di sconfinare nell' epica.

Da questo punto in poi, il poeta abbandona le tendenze ad isolare l' arte dalla vita - il dibattito se l'arte dovesse essere "impegnata" o fine a sé stessa, attenta più all'attualità o alla bellezza, è scottante in questi anni -: la poesia di Hugo è, ormai, ancorata nella Storia.

Il momento dell'esilio segna una svolta nella produzione poetica di Hugo: dalla fusione tra sublime storico e profondità intima nascono le grandi raccolte come I castighi ( 1853) e Le contemplazioni ( 1856).

I castighi sono versi combattivi che denunciano il "crimine" del "miserabile" Napoleone, vale a dire il colpo di Stato del 2 dicembre che ha tradito le aspettative democratiche per restaurare il Secondo Impero. Il poeta è di volta in volta profetico, satirico, addirittura volgare per castigare il criminale; ma si discosta anche momentaneamente dall'attualità politica per raggiungere elevatezze quasi religiose; lo stile varia dalla fiaba all' epopea, dalla canzone all' elegia.

Ne Le contemplazioni Hugo riversa i suoi sentimenti, i suoi dolori dovuti all'esilio e alla morte della figlia adorata: in queste "memorie di un'anima" egli parte alla solitaria scoperta dell'io e dell'universo, attraverso la forma lirica. Allo stesso tempo, la raccolta attinge a un lirismo amoroso e sensuale nei poemi dedicati a Juliette Drouet.

La leggenda dei secoli ( 1859) si lancia invece alla scoperta della storia, in un immenso poema epico che ripercorre tutta la vita dell'umanità, la sua difficile e dolorosa ascesa verso il progresso e la luce.

Gli ultimi anni di vita di Hugo sono indeboliti da una congestione cerebrale che mise praticamente fine alla sua attività di scrittore; continuarono tuttavia a uscire regolarmente raccolte di poemi anteriori, databili agli anni 1850- 1870, come La pietà suprema, L'asino, I quattro venti dello spirito, che nutrirono la sua leggenda di scrittore instancabile e inesauribile fino ai suoi ultimi momenti.

Si è già accennato alla svolta che Hugo impresse alla storia del teatro, con il prologo al e con la pièce : egli teorizza e mette in pratica un nuovo tipo di azione scenica, quella del dramma, della mescolanza degli stili ( tragico e comico, alto e basso, sublime e grottesco), che applica per la prima volta appena ventiseienne, nel Cromwell appunto ( 1827): rifiuto delle convenzioni classicistiche come l'unità di tempo e di luogo, moltiplicazione dei personaggi, dei luoghi, dei registri linguistici... a tal punto che la pièce - lunga quasi 6000 versi - risulta troppo complessa e difficile da portare in scena.

Il giovane drammaturgo conquista la celebrità nel 1830, con Hernani, nonostante le difficoltà materiali che riscontra la sua arte: scene all'italiana (poco propizie a tale spettacolo), attori restii ad applicare forme nuove; gli anni successivi alternano trionfi (come Lucrezia Borgia, 1833, da cui Felice Romani trasse il libretto per l' opera di Gaetano Donizetti) ed insuccessi (come Il re si diverte, 1832, da cui Francesco Maria Piave trasse il libretto per l' opera di Giuseppe Verdi), finché non viene deciso, insieme ad Alexandre Dumas, di costruire una sala ad hoc, il Théâtre de la Renaissance, dove viene recitato Ruy Blas nel 1838.

Il declino inizia nel 1843, con l'insuccesso de I Burgravi: l'autore non riesce ad arrivare a scrivere un teatro che sia al tempo stesso esigente e popolare. E così il teatro viene abbandonato. Vi tornerà solo anni più tardi, a partire dal 1866, con la redazione di diverse opere raccolte ne Il teatro in libertà ( 1886).

Illustrazione di Cosette per I miserabili, da Émile Bayard.

Victor Hugo ha scritto nove romanzi. Essi coprono l'intero arco della sua vita, dal primo, , scritto quando aveva sedici anni, all'ultimo, Novantatré. I suoi romanzi toccano inoltre tutti i generi letterari, senza che sia possibile dare di essi una definizione univoca.

I primi romanzi nascono negli anni del grande successo di Walter Scott; ma nonostante l'ispirazione primaria sia quella del romanzo storico, Hugo non perde mai una certa indipendenza e relatività: in lui, l'attualità fa sempre capolino dietro la storia. Così è in Han d'Islanda ( 1823) e in Bug-Jargal ( 1826); così è soprattutto per il suo primo grande capolavoro, Notre-Dame de Paris, del 1831, affresco della Parigi medievale e della sua cattedrale gotica, che riprende dai drammi degli stessi anni la tendenza alla mescolanza degli stili, dei registri, alla compenetrazione di sublime e grottesco, in particolare nel personaggio di Quasimodo.

L'attenzione ai problemi dell' attualità sociale prende corpo in appassionate lotte contro l'ingiustizia e l'oscurantismo: L'ultimo giorno di un condannato a morte ( 1829) e Claude Gueux ( 1834) sono allo stesso tempo romanzi storici e sociali impegnati in una lotta - l'abolizione della pena di morte - che supera i limiti della finzione. Così è anche per I miserabili ( 1862), che esce in pieno periodo realista ma che da esso riprende pochi elementi: quest'immenso successo popolare oscilla tra tutti i generi, dal melodramma al didattico.

Con I lavoratori del mare ( 1866) e L'uomo che ride ( 1869), l'autore si riavvicina all'estetica romantica dei primi scritti, dominata da personaggi deformi, mostruosi, e da una natura spaventosa. Più vicino alla storia è invece l'ultimo romanzo, Novantatré ( 1874), che mette in scena un tema molto caro all'autore: il ruolo fondante della Rivoluzione francese nella coscienza letteraria, politica, sociale e morale del XIX secolo.

Caratteristica portante di tutti i romanzi di Hugo - come in generale di quasi tutta la sua produzione - è di non fermarsi mai alla semplice piacevolezza: essi sono sempre al servizio di un'idea. Questo dà conto delle numerose e spesso lunghe digressioni che interrompono la narrazione, come quelle sulla miseria materiale e morale ne I miserabili. Ad avvicinarli ai drammi sono invece lo scontro costante dei protagonisti con l'esterno, con un'implacabile fatalità che talvolta deriva dalla società, talvolta dalla storia, talvolta anche dalla natura: ne deriva un avvicinamento al sublime, all' epopea di una lotta titanica e tragicamente destinata a fallire. Ma l'autore sa essere vicino anche alla vita povera e quotidiana degli umili, senza mai sconfinare in un asciutto realismo.

Sia nelle opere poetiche o romanzesche, sia in testi a sé stanti quali saggi, studi, lettere, Hugo si batte per un'idea, un'ideologia politica, una concezione del mondo.

I Romantici, caricatura da De Barray.

La poetica di Hugo si esprime attraverso le sue opere: l'abbiamo già visto commentandole. Che sia in poesia, a teatro o nell'ambito della narrazione, egli può considerarsi l'iniziatore del Romanticismo francese ma anche un artista a sé, difficilmente classificabile secondo una schematicità dettata da una suddivisione in stili o correnti letterarie.

Nel prologo del Cromwell ( 1827), come già detto opera fondante per una nuova drammaturgia, egli teorizza una storia del mondo divisa in tre età, in cui evoluzione della poesia ed evoluzione della società sono inseparabili:

1. La prima età è quella dell'infanzia del mondo; l'uomo è appena nato e risplende ancora della presenza di Dio; la sua forma poetica è l'ode, che canta l'eternità; il suo prodotto più emblematico è la Bibbia.

2. La seconda età è l'età dell'oro: la società inizia a svilupparsi, organizzarsi e prendono vita anche le turbolenze e le guerre; la sua forma poetica è l'epopea o la tragedia, che rappresenta la storia; il suo cantore principale è Omero.

3. La terza età è la modernità, la vecchiaia del mondo, l'epoca della melancolia e dell'analisi dei fenomeni; nasce la commedia, che riscopre la verità svelando che il mondo non è solo bellezza: mescolandosi alla tragedia nel dramma romantico, essa punta a rappresentare la vita; suo cantore è Shakespeare.

In poesia Hugo applica gli stessi principi della mescolanza degli stili; egli si batte inoltre per un verso più libero, più naturale, che si manifesta nel rifiuto della cesura e nel largo utilizzo di enjambement, oltre che con una spontaneità che si rende attraverso il frequente cambio di registro stilistico e linguistico: in particolare, egli si batte per reinserire nella poesia tutte quelle parole che ne erano state bandite, perché considerate troppo banali, quotidiane e quindi volgari. Nella biografia di William Shakespeare, testo che doveva essere un semplice prologo alla riedizione delle opere di quest'autore nel 1864, ma che diventa un vero e proprio manifesto del Romanticismo, Hugo redige poi un appassionato elenco di quelli che considera " geni" della letteratura.

Anche per quanto riguarda l' architettura, in un intervento sul portale della Rai Letteratura, Sandro Veronesi ci ricorda che fu Victor Hugo a usare la parola "vandalo", per la prima volta riferendosi a chi demoliva le chiese costruite dai barbari, nella fattispecie dai Goti.

Il ritorno di Victor Hugo, caricatura di André Gill.

A partire dal 1849, Hugo decide di dedicare un terzo della sua opera alla politica, un terzo alla religione e un terzo alla filosofia. Il suo pensiero risulta severo nei confronti del suo tempo e della società in cui vive, rifiutando tuttavia qualunque condanna arbitraria e qualsiasi posizione meramente manichea.

È un riformista e vorrebbe cambiare la società: in questo senso, egli denuncia l'ineguaglianza sociale, e in particolare i ricchi che capitalizzano i loro possedimenti senza riammetterli nella produzione. Allo stesso modo, si oppone alla violenza se praticata contro un governo democratico, ma la giustifica per abbattere un potere illegittimo: per questo nel 1851 lancia una chiamata alle armi contro Napoleone III che però non verrà raccolta.

Riguardo alla pena di morte, Hugo è un abolizionista irriducibile. Ha assistito durante la sua infanzia a delle esecuzioni e per tutta la vita lotterà contro di essa: numerose sono le allusioni nei suoi romanzi (da Notre-Dame de Paris a I miserabili), ma due in particolare sono dedicati a questo tema: L'ultimo giorno di un condannato a morte ( 1829) e Claude Gueux ( 1834) mettono l'accento sulla crudeltà, sull'ingiustizia e sull'inefficacia del procedimento. Anche in numerosi discorsi alla Camera dei Pari, all'Assemblea Costituente e al Senato egli si erge contro di esso:

( Discorso all'Assemblea Costituente, 15 settembre 1848)

Più in generale, i discorsi pronunciati da Hugo sui grandi temi dell'attualità sono numerosi; la maggior parte di essi è raggruppata in Atti e parole, una raccolta di discorsi, dichiarazioni e testi politici pubblicata tra il 1875 e il 1876. Di essi citiamo:

contro il lavoro infantile (discorso alla Chambre des pairs, 1847);

contro la miseria (9 luglio 1849);

sulla condizione della donna (in occasione dei funerali di George Sand, 10 giugno 1876);

contro l'insegnamento religioso e a favore della scuola laica e gratuita (Discorso a proposito della legge sull'insegnamento, 15 gennaio 1850);

a favore della pace e dell'unità federale d'Europa (in occasione dell'apertura del Congresso della pace, 21 agosto 1849);

a favore del suffragio universale.

Hugo si batté anche per i diritti civili delle prostitute sfruttate, costrette dalla povertà a questo lavoro, e da lui raffigurate nella figura di Fantine de I miserabili, la quale diventa " schiava della società" a causa della fame e per mantenere la figlia. Contemporaneamente, difese la figura della prostituta- cortigiana libertina dagli attacchi dei benpensanti, celebrando la figura di Aspasia. A vegliare Hugo, sotto l'Arco di Trionfo dopo la morte, vi erano anche molte prostitute parigine e "per l'occasione le prostitute di strada decisero di offrire gratuitamente i propri servizi ai clienti, una sorta di tributo allo scrittore che era stato il loro paladino e difensore".

Victor Hugo si è espresso anche - sebbene in misura ridotta - sulla colonizzazione dell' Algeria, principale avventura coloniale della Francia in quegli anni. Se è sensibile al discorso della colonizzazione come civilizzazione, rimane comunque scettico riguardo alle capacità civilizzatrici della pacificazione militare, e individua nell'Algeria conquistata un luogo sfruttato per deportarvi coloro che si opponevano al colpo di Stato di Luigi Napoleone Bonaparte. Si nota che, riguardo alla schiavitù, già presente nel precoce romanzo Bug-Jargal (scritto nel 1818) - dove tuttavia sembra condividere i pregiudizi dei suoi contemporanei a proposito dei neri -, egli mantenne un silenzio sorprendente quando essa venne abolita nelle colonie francesi, nel 1848, intervenendo solo per richiedere la grazia dell'abolizionista statunitense John Brown nel 1859.

Hugo non era un nazionalista come altri romantici, ma anzi sostenne l' europeismo (e un certo cosmopolitismo) in maniera decisa. Il termine Stati Uniti d'Europa ("États-Unis d'Europe"), già usato da George Washington e da Napoleone, fu usato da Hugo durante il suo discorso al Congresso Internazionale della Pace tenutosi a Parigi nel 1849. Hugo sognava un'unione di stati federati e indipendenti all'interno di una grande confederazione, come auspicato da altri contemporanei come Mazzini o, in passato, da Voltaire o Immanuel Kant. Egli privilegiava la creazione di un senato sovrano supremo, che sarebbe stato per l'Europa quello che è il parlamento per l'Inghilterra e disse "Verrà un giorno in cui tutte le nazioni del nostro continente formeranno una fratellanza europea... Verrà un giorno in cui dovremo vedere... Gli Stati Uniti d'America e gli Stati Uniti d'Europa faccia a faccia, allungarsi tra di loro attraverso il mare".

Il 14 luglio del 1870 Victor Hugo piantò una quercia nella sua residenza a Guernsey, commentando il suo gesto con le parole "Quando quest'albero sarà maturo, esisteranno gli Stati Uniti d'Europa". L'albero, detto "la quercia degli Stati Uniti d'Europa", al giorno d'oggi cresce ancora nel giardino della casa d'Altavilla a Saint Peter Port nell'isola di Guernsey, dove visse Victor Hugo, durante il suo esilio dalla Francia.

La sua visione positiva e progressiva della missione dell'uomo è tipicamente romantica ed è condensata in uno dei suoi versi più celebri:

Celebre fu anche una frase sull'eroe di libertà Giuseppe Garibaldi:

"Garibaldi! Chi è costui? Un uomo, nient'altro che un uomo, ma un uomo in tutta la estensione della parola. Un uomo dell'umanità. Braccio di guerriero e cuore di profeta, è l'eroe dell'ideale."

La visione religiosa di Hugo subì cambiamenti durante la sua vita. In gioventù si identificava come un cattolico, professando rispetto per la Chiesa e la gerarchia ecclesiastica. Successivamente divenne un cattolico non praticante e incrementò le sue opinioni anti-cattoliche e anticlericali. Si interessò di spiritismo, frequentando le sedute spiritiche della scrittrice Delphine de Girardin durante l'esilio, dove talvolta anche il figlio Charles svolgeva il ruolo di medium, mentre nei suoi tardi anni professò un deismo razionalista simile a quello di Voltaire. Durante il censimento del 1872 alla domanda se fosse un cattolico, replicò "No. Un libero pensatore".

Hugo ha viaggiato molto, sia come "turista" sia perché costretto dall'esilio. Per ogni suo viaggio, ci ha lasciato numerose descrizioni e commenti. I suoi ricchi e dettagliati reportage di viaggio sono pubblicati sotto vari titoli: ( 1842), Cose viste (il titolo non è suo - 1887 e 1900), ( 1890), ( 1892) ecc. Sono altrettante preziose testimonianze dei suoi viaggi in molte regioni della Francia ( Piccardia, Normandia...), in Belgio e Lussemburgo, in Italia e Spagna ecc.

Non bisogna dimenticare, nella vasta produzione di Victor Hugo, i suoi disegni: egli è un autodidatta e non esita a sperimentare nuove tecniche e nuovi ingredienti, dall'inchiostro al caffè, al carbone, usando anche fiammiferi e piume al posto dei pennelli.

Generalmente le sue opere sono di media taglia e servono nella maggior parte dei casi a illustrare i suoi scritti, oppure come regali da inviare agli amici in ricorrenze speciali. Quest'arte è per lui principalmente un passatempo.

Inizialmente i suoi lavori sono nettamente realistici, salvo poi acquisire una dimensione più fantastica con l'esilio e il suo confronto "mistico" con il mare. Questa sua tendenza gli varrà molte lodi: Charles Baudelaire ebbe a dire:

( Charles Baudelaire, Curiosità estetiche, 1868 - IX Salone del 1859, Lettere al signor Direttore della rivista francese VIII)

Città con il ponte di Tumbledown ( 1847)

Ricordo delle Vosges. Borgo di Hugo - Testa d'Aquila ( 1850)

L'impiccato (1854), la cui seconda versione (1860), quasi identica, porta il nome di John Brown[26]

Scultura di Hugo, Auguste Rodin (1840-1917).

Fin dalla prima giovinezza, Hugo si inserisce nel dibattito culturale del secolo, il Romanticismo, per esempio presenziando alle riunioni dei cenacoli, dei quali il più importante è quello tenuto da Charles Nodier. Egli intrattiene inoltre relazioni d'amicizia con molti di essi, per esempio Alexandre Dumas, autore come lui di numerosi drammi romantici (oltre che di fortunatissimi romanzi): quest'amicizia, con qualche alto e basso, durerà tutta la vita. C'è invece un po' più di rivalità con Alphonse de Lamartine, verso il quale il poeta non cessa di proclamare la sua ammirazione, finché il successo non gli concederà la preminenza artistica. Stima e ammirazione reciproca caratterizzano il suo rapporto con Honoré de Balzac, nonostante qualche diffidenza, e con Gérard de Nerval.

Il suo successo crescente, il talento e l'originalità gli procureranno molta ammirazione; a questo si aggiunge la sua integrità politica e la fama datagli dai vent'anni di esilio volontario, che fanno tacere non pochi tra i suoi detrattori.

È proprio a partire dagli anni dell'esilio, e soprattutto con il suo ritorno, che Hugo diventa un emblema nazionale: è popolare, ammirato dai suoi pari e temuto dai politici. Qualsiasi romanziere, poeta o drammaturgo deve per forza definire la propria identità in rapporto a lui - pro o contro.

Caricatura di Zola di fronte alla statua di Hugo.

Ma questo potere e questa preminenza gli procurano anche qualche odio. In fatto di politica, i repubblicani più a sinistra dubitano della sua conversione, mentre i monarchici non gli perdonano facilmente quello che reputano un tradimento.

Charles Baudelaire adora Hugo, ma si irrita qualche volta per i suoi versi "politici": ambivalenza che caratterizzerà, in molti casi, gli scrittori della fine del secolo. Il giudizio del poeta de I fiori del male sui Miserabili è ambiguo, da una parte definisce il libro come "immondo" e "inetto", dall'altra parte afferma che "contiene delle pagine che possono inorgoglire non soltanto la letteratura francese, ma anche la letteratura dell'Umanità pensante".

Gustave Flaubert, per parte sua, ammira il romantico del 1830, ma diffida del "vecchio coccodrillo", giudicando le sue digressioni filosofiche, come quelle de I miserabili, pesanti e fuori luogo, per lo "stile intenzionalmente scorretto e volgare". Questo punto di vista è d'altronde condiviso da tutti coloro, come Baudelaire e Verlaine, che vorrebbero separare nettamente l'arte dall'impegno politico.

Edmond e Jules de Goncourt attaccano sempre i Miserabili come un libro "falso", mentre Lamartine e Barbey d'Aurevilly definiscono l'opera come "pericolosa". Per Lamartine è "libro pericolosissimo in due sensi: non solo perché spaventa le persone felici, ma perché suscita troppe speranze in quelle infelici".

Hugo sa benissimo che parlare della miseria, la "cosa senza nome", e per questo di usare una "parola da galeotti", scandalizza i benpensanti, ma risponde a Lamartine scrivendo che ciò è necessario: "Io illumino la notte".

Émile Zola avrà da rimproverargli la sua tiepidezza nei confronti dei comunardi (Hugo avrà parole di elogio solo per l' anarchica Louise Michel, sua antica amante, cui dedicherà il poema Viro Major ) - e non sarà il solo -, mentre altri al contrario criticheranno le sue posizioni troppo socialiste. Hugo aiutò comunque alcuni comunardi in esilio.

Gabriele D'Annunzio gli dedica una lirica, Nel primo centenario della nascita di Vittore Hugo, tratto da , il secondo libro delle . La stessa cosa faranno Mario Rapisardi ( Per il centenario di Victor Hugo) e Giovanni Pascoli ( A Victor Hugo).

Il pubblico continuò a tributargli quasi un culto e i giovani poeti gli mandano i loro versi - qualcuno dei quali si pone volentieri in atteggiamento irriverente:

()

"Hugo: l'Homme apocalyptique,
L'Homme-Ceci-tûra-cela,
Meurt, gardenational épique ;
Il n'en reste qu'un - celui-là."

()

"Hugo: l'Uomo apocalittico,
L'Uomo-Questo-uccide-quello,
Muore, guardianazionale epico;
Ne rimane uno solo - quel solo."

Hugo, maestro delle antitesi, rimane un uomo che esaspera i suoi ammiratori e sa farsi ammirare dai suoi nemici. Anche molto tempo dopo la sua morte, continua, con la sua opera o il suo impegno, a suscitare le reazioni più differenti: Charles Maurras lo odia, François Mauriac lo ammira e dichiara, nel 1952:

Sono numerosi i richiami e gli omaggi tributati a quello che è forse uno dei maggiori autori della letteratura francese; citiamo:

I discorsi pronunciati durante i suoi funerali, il 1º giugno 1885, sono disponibili in francese su Wikisource. Ricordiamo che le sue ceneri riposano al Pantheon, tra i "grandi della patria".

Numerose città, prime fra tutte Parigi, gli hanno dedicato una via (nella capitale è Avenue Victor-Hugo, nel 16° arrondissement).

Numerose località gli hanno anche dedicato una statua, a Parigi, a Guernesey, a Besançon e altrove.

Sempre a Parigi è a suo nome anche una stazione della metropolitana, nella linea 2.

In letteratura molti cantanti hanno ripreso suoi poemi; per esempio:

Sempre in questo campo, l'album intitolato Asterix e i Belgi della serie di lo cita spessissimo.

A Victor Hugo sono stati intitolati il cratere Hugo, sulla superficie di Mercurio, e l'asteroide 2106 Hugo.

Ne Il codice da Vinci di Dan Brown, Hugo è uno dei Gran Maestri del Priorato di Sion, riprendendo a fini romanzeschi il falso storico dei Dossiers secrets d'Henri Lobineau di Pierre Plantard, secondo l'interpretazione data dal saggio di pseudostoria Holy Blood, Holy Grail.

Le opere di Hugo - o la sua stessa vita nel caso di - hanno dato luogo a innumerevoli adattamenti, che sia a teatro, al cinema o in televisione. I maggiori attori hanno incarnato gli eroi immortali Jean Valjean o Esmeralda, primi fra tutti Jean Gabin, Lino Ventura, Liam Neeson o Gérard Depardieu nel primo caso, o Gina Lollobrigida nel secondo.

Sono quasi un centinaio gli adattamenti per il cinema, dei quali più di quaranta sono tratti da I miserabili ( vedi), seguito da vicino da Notre-Dame de Paris ( vedi). Questi film sono una delle prove più lampanti dell'universalità di Victor Hugo, adattato in numerosi paesi: Stati Uniti d'America ( Don Caesar de Bazan, tratto da Ruy Blas, 1915), Inghilterra, India ( Badshah Dampati, tratto da Notre-Dame de Paris, 1953), Giappone ( Re Mizeraburu: Kami To Akuma, I miserabili trasposto in un'ambientazione giapponese, 1950), Egitto ( Al Bo'asa, sempre da I miserabili, 1978), Italia (L'uomo che ride, da L'uomo che ride, 1966), Francia ecc.

Già nei primi anni del Novecento appaiono sullo schermo versioni cinematografiche tratti dai suoi romanzi: nel 1909, David Wark Griffith firma la regia e la sceneggiatura di A Fool's Revenge, adattamento di Il re si diverte.

Hugo è stato adattato anche in cartoni animati, come ne Il gobbo di Notre-Dame della Disney, 1996, o I miserabili, film d'animazione giapponese del 1979.

A questi si aggiungono i film ispirati alla vita dello scrittore, dei quali Adèle H., una storia d'amore di François Truffaut è uno dei più noti.

Anche in televisione le opere di Hugo contano un numero considerevole di adattamenti, più o meno fedeli all'opera originale. In Francia, un successo considerevole ebbe I miserabili di Robert Hossein, nel 1982, con Lino Ventura nel ruolo protagonista. L'ultimo adattamento in ordine di tempo, invece, è quello diretto da Josée Dayan, I miserabili, con Gérard Depardieu, nel 2000.

In Italia fu realizzato nel 1964 uno sceneggiato televisivo, I miserabili, diretto da Sandro Bolchi, che vedeva Gastone Moschin nella parte di Jean Valjean.

Pure numerose sono le riprese per l' opera:

Il Lucrezia Borgia di Gaetano Donizetti, tratto da Lucrezia Borgia, fu rappresentato per la prima volta al Teatro alla Scala di Milano il 26 dicembre 1833.

Nel 1837 fu la volta, ancora alla Scala, de Il giuramento di Saverio Mercadante, tratto da Angelo, tiranno di Padova; dallo stesso testo fu tratto, nel 1876, l'opera La Gioconda di Amilcare Ponchielli. Sempre di Ponchielli è anche l'opera Marion Delorme (1885), tratto dall'omonimo dramma di Hugo.

Giuseppe Verdi si ispirò pure lui dalle opere di Hugo per scrivere, nel 1844, , dall', e, nel 1851, da Il re si diverte.

In realtà si dice che Hugo non fosse molto propenso a questi adattamenti, che gli avrebbero ispirato una crudele esclamazione: "Vietato deporre musica ai piedi dei miei versi!". Arnaud Laster ha però rettificato: "Non si è mai trovata la famosa frase attribuita a Hugo: "Vietato deporre musica ai piedi dei miei versi". Probabilmente non era così ostile alla messa in musica dei suoi testi, come testimonia La Esmeralda di Louise Bertin". Pare che l'irritazione provata da Hugo alla visione del a Parigi sia dovuta anche alla questione dei diritti d'autore, difficili da avere in casi di adattamenti operistici. Nel caso del Quartetto dal , pare che l'Hugo riconoscesse l'altezza della musica, ma si lamentasse dell'assurdità di fare dialogare a lungo quattro personaggi contemporaneamente, cosa che nel teatro di prosa non aveva senso.

È certo comunque che il suo amico Franz Liszt compose diverse opere sinfoniche tratte dai suoi poemi: Cosa si ode sulla montagna da Le foglie d'autunno, e Mazeppa da Le orientali. Ma molti altri compositori ancora infrangeranno il presunto divieto autoriale, da Georges Bizet a Wagner, da Camille Saint-Saëns a Gabriel Fauré.

Due commedie musicali soprattutto hanno percorso tutto il pianeta:

Dal 2004 la compagnia fiorentina noi, gli artisti senza nome... ha sceneggiato Amore, follia, morte a Notre Dame ispirandosi ai testi di Victor Hugo e alle musiche di Cocciante, con inserimenti di Vangelis, Pink Floyd e John Williams.

Odi e poesie diverse (Odes et poésies diverses, poesia, 1822)

Nuove odi (Nouvelles Odes, poesia, 1824)

Odi e ballate (Odes et ballades, poesia, 1826)

Le orientali (Les Orientales, poesia, 1829)

Le foglie d'autunno (Les Feuilles d'automne, poesia, 1831)

I canti del crepuscolo (Les Chants du crépuscule, poesia, 1835)

Le voci interiori (Les Voix intérieures, poesia, 1837)

I raggi e le ombre (Les Rayons et les ombres, poesia, 1840)

La leggenda dei secoli - 1ª serie (La Légende des siècles - 1e série, poesia, 1859)

Canzoni delle strade e dei boschi (Les Chansons des rues et des bois, poesia, 1865)

L'anno terribile (L'Année terrible, poesia, 1872)

L'arte di essere nonno (L'Art d'être grand-père, poesia, 1877)

La leggenda dei secoli - 2ª serie (La Légende des siècles - 2e série, poesia, 1877)

Il Papa (Le Pape, poesia, 1878)

La pietà suprema (La Pitié suprême, poesia, 1879)

L'asino (L'Ane, poesia, 1880)

Religione e religioni (Religions et religion, poesia, 1880)

I quattro venti dello spirito (Les Quatres Vents de l'esprit, poesia, 1881)

La leggenda dei secoli - 3ª serie (La Légende des siècles - 3e série, poesia, 1883)

Raccolte postume:

Scelta di poesie fra i manoscritti di Victor Hugo, compiuta da Paul Maurice:

Tutta la lira (Toute la Lyre, poesia, 1888)

Tutta la lira - nuova serie (Toute la Lyre - nouvelle série, poesia, 1893)

Gli anni funesti (Les Années funestes, poesia, 1898)

Ultimo fascio (Dernière Gerbe, poesia, 1902, titolo non di Victor Hugo)

Oceano. Ammasso di pietre (Océan. Tas de pierres, poesia, 1942)

Studio su Mirabeau (Etude sur Mirabeau, saggio, 1834)

Letteratura e filosofia insieme (Littérature et philosophie mêlées, 1834)

La Esmeralda (libretto d'opera con la musica di Louise Bertin, 1836)

Napoleone il Piccolo (Napoléon le Petit, pamphlet, 1852)

Lettere a Luigi Bonaparte (Lettres à Louis Bonaparte, lettere, 1855)

William Shakespeare (saggio, 1864)

Parigi-guida (Paris-Guide, 1867)

I miei figli (Mes Fils, 1874)

Atti e parole - Prima dell'esilio (Actes et paroles - Avant l'exil, articoli e discorsi, 1875)

Atti e parole - Durante l'esilio (Actes et paroles - Pendant l'exil, articoli e discorsi, 1875)

Atti e parole - Dopo l'esilio (Actes et paroles - Depuis l'exil, articoli e discorsi, 1876)

Storia di un crimine - 1ª parte (Histoire d'un crime - 1re partie, romanzo, 1877)

Storia di un crimine - 2ª parte (Histoire d'un crime - 2e partie, romanzo, 1878)

L'arcipelago della Manica (L'Archipel de la Manche, 1883)

Cose viste - 1ª serie (Choses vues - 1re série, memorie e commentari, 1887, titolo non di Hugo)

Cose viste - 2ª serie (Choses vues - 2e série, memorie e commentari, 1900, titolo non di Hugo)

Alpi e Pirenei (Alpes et Pyrénées, quaderno di viaggio, 1890)

Francia e Belgio (France et Belgique, quaderno di viaggio, 1892)

Epistolario - Tomo I (Correspondances - Tome I, lettere, 1896)

Epistolario - Tomo II (Correspondances - Tome II, lettere, 1898)

Poscritto della mia vita (Post-scriptum de ma vie, raccolta di saggi filosofici degli anni 1860, 1901)

Pietre (Pierres, frammenti di manoscritti, 1951)

Antologie moderne (estratti da discorsi e opere)

Contro la pena di morte, BUR, 2009, collana Pillole BUR, con un saggio di Eva Cantarella

Contro i tagli alla cultura, Ibis, Minimalia, 2011

Discorsi contro, Endemunde, collana Finestre Alte, 2012

Sulla libertà. Scritti politici scelti (1848-1860), ed. Il Grano, collana Classici, 2014

I maggiori romanzi di Victor Hugo e le sue poesie sono disponibili nella Oscar Classici Mondadori:

I miserabili, Mondadori, Milano 2004, coll. Oscar - Classici, 1471 p. ISBN 978-88-04-53438-9

L'ultimo giorno di un condannato a morte, Mondadori, Milano 1998, coll. Oscar - Classici, 454 p. ISBN 978-88-04-55638-1

L'uomo che ride, Mondadori, Milano 2004, coll. Oscar - Classici, 442 p. ISBN 978-88-04-52797-8

Notre-Dame de Paris, Mondadori, Milano 2000, coll. Oscar - Classici, 490 p. ISBN 978-88-04-47786-0

Novantatré, Mondadori, Milano 1995, coll. Oscar - Classici, 311 p. ISBN 978-88-04-39344-3

Poesie, Mondadori, Milano 2002, coll. Oscar - Classici, 577 p. ISBN 978-88-04-51048-2

Tutto il teatro, Rizzoli, Milano 1962, coll. Biblioteca universale Rizzoli, 197 p.

() In originale:

J. Hetzel et Cie, A. Quantin (a cura di), Œuvres complètes de Victor Hugo. Édition définitive d'après les manuscrits originaux, 1880-1889, 48 vol. in-8° (I. Poésie, 16 vol. - II. Philosophie, 2 vol. - III. Histoire, 3 vol. - IV. Voyages, 2 vol. - V. Drame, 5 vol. - VI. Roman, 14 vol. - VII. Actes et paroles, 4 vol. - VIII Œuvres diverses, 2 vol.)

J. Seebacher, G. Rosa (a cura di), Œuvres complètes de Victor Hugo, R. Laffont, 1985, 18 vol.

H. Focillon (a cura di), I disegni di Victor Hugo, trad. di G. Guglielmi, Bologna, 1983.

() Per una bibliografia completa si può vedere il sito della BNF oppure fare una ricerca sul Groupe Hugo dell'università Paris 7.

M. Arena, Il sentimento della comprensione e dell'amore nelle opere e nella vita di Victor Hugo, Lalli, Poggibonsi 1985, 62 p.

M. Botto, Une destinée incurable: narratore e personaggio nei "Misérables" di Victor Hugo, La Nuova Italia, Firenze 1988, 129 p.

V. Brombert, Victor Hugo e il romanzo visionario, Bologna, Il Mulino, 1987 ISBN 88-15-01427-6

B. Brunotti, Victor Hugo: gli anni dell'iniziazione poetica (1802-1829), Ed. Garigliano, Cassino, 1975, 213 p.

E. Conti, Il grottesco in Victor Hugo e Charles Baudelaire, tesi di laurea dell'Università degli Studi di Milano, Milano 1993.

(FR) A.Decaux, Victor Hugo, Editions Perrin, 2001.

L. Flabbi, Come fare la rivoluzione. Lettere di Victor Hugo, L'Orma, Roma 2017.

A. Lancellotti, Victor Hugo: l'uomo, il poeta, il drammaturgo, il romanziere, ERS, Roma 1957, 238 p.

G. Macchia, L. De Nardis, M. Colesanti, La letteratura francese dall'Illuminismo al Romanticismo, Rizzoli, Milano 1992.

M. Muner, Victor Hugo, La Scuola, Brescia 1956, 318 p.

(fr) Yves Mourie - L'enfant de la vierge rouge. Editions L'HARMATTAN, 2002, 288p.

(FR) G. Piroué, Victor Hugo romancier ou les dessus de l'inconnu, Denoël, 1985².

A. Pompeati, Vita di Victor Hugo, A. Corticelli, Milano 1936, 288 p.

B. Revel, Victor Hugo: 1802-1830. La vittoria romantica, Marzorati, Milano 1955, 198 p.

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Il ritorno di Hernani alla comédie française, 1867, Università degli studi di Perugia, Perugia 1992.

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(FR) La casa di Victor Hugo a Parigi , su paris.org. URL consultato il 19 maggio 2007 (archiviato dall'url originale il 2 giugno 2007).

(FR) audiolibri gratuiti di Victor Hugo.

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Victor-Marie Hugo, più comunemente noto come Victor Hugo (pronuncia francese [vikˈtɔʁ maˈʁi yˈgo] ; Besançon, 26 febbraio 1802 - Parigi, 22 maggio 1885) è stato uno scrittore, poeta, drammaturgo e politico francese, considerato il padre del Romanticismo in Francia. Si cimentò in numerosi campi, divenendo noto anche come saggista, aforista, artista visivo, statista e attivista per i diritti umani.

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Il padre del Romanticismo

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- Negazione della ragione illuminista poiché questa non è stata in grado di spiegare la totalità del mondo e la sua complessità;
- Esotismo inteso come fuga dalla realtà rivolgendosi a mete esotiche;
- Soggettivismo in contrapposizione della chiave di lettura razionale dell'Illuminismo, ogni uomo vive i suoi turbamenti, sentimenti, emozioni, il proprio io;
- Concetto di popolo e nazione che porta alla formazione di una coscienza nazionale risvegliando un grande interessamento alle espressioni popolari e folcloristiche tendenti al concetto di libertà;
- Ritorno alla spiritualità e religiosità, l'uomo romantico si affida alla fede per tendere verso l'infinito. In questo periodo si tende a riscoprire pratiche occulte
- Studio della storia, nel Romanticismo l'uomo si considera in costante cambiamento ciò porta alla nascita di nuove discipline come la numismatica e l'archeologia.

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Quali tematiche affronta?

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E' un movimento artistico, musicale, culturale e letterario che si contrappone al movimento dell'Illuminismo che esaltava l'uso della razionalità

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Di cosa si tratta?

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Nasce in Germania al termine del XVIII secolo per poi diffondersi in tutta Europa agli inizi del XIX secolo

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Dove e quando si sviluppa?

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Il Romanticismo