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Gustav Klimt: biografia, stile e opere di uno dei più grandi artisti del XX secolo, padre della Secessione Viennese.

Gustav Klimt (Vienna, 1862 - 1918) è stato il fondatore e uno dei più grandi esponenti della Secessione Viennese ( Wiener Secession), un'associazione di diciannove persone, tra cui architetti e artisti di vario genere, che intrapresero una strada automa, libera dal pensiero accademico viennese degli anni Trenta (la Secessione fu fondata ufficialmente a Vienna nel 1907). La finalità che si prefiggeva il movimento fu quella rielaborare un opera d'arte totale ( Gesammtkunstwerk) che andasse ad unire architettura, scultura, pittura e design: una nuova espressione artistica in grado di affrancarsi dalla tradizione. Tra i più alti esponenti, oltre a Klimt vi furono Egon Schiele, Josef Hoffmann, Otto Wagner e Joseph Maria Olbrich.

Atto fondativo del gruppo fu la rivista Ver Sacrum ("Primavera sacra"), pubblicata per la prima volta nel 1898: fondata dallo stesso Klimt e da Max Kurzweil, fu l'organo ufficiale della secessione viennese. Nonostante una durata di appena cinque anni ( Ver Sacrum concluse infatti le pubblicazioni nel 1903), ebbe un forte impatto nel mondo dell'arte, ridefinendo nuovi stili per la grafica editoriale e la composizione tipografica, e fu fondamentale per il successivo sviluppo dell'Art Nouveau e dello Jugendstil.

Klimt fu tra i più grandi animatori della scena culturale del suo tempo, e la sua arte affrontò i temi più svariati: figure, soggetti allegorici, paesaggi, nudi femminili, temi religiosi, ritratti. Inoltre, Klimt fu anche decoratore, disegnatore, mosaicista, ceramista, litografo. Un artista estremamente versatile e oggi estremamente apprezzato dal pubblico che continua a essere affascinato dalle sue opere ricche e preziose, votate al decorativismo, pervase dalle tipiche tensioni fin-de-siècle, debitrici nei confronti della storia dell'arte, dai mosaici bizantini di Ravenna (che Klimt vide di persona e apprezzò) all'arte dell'antica Grecia, dalle incisioni di Dürer all'arte giapponese.

Gustav Klimt

Biografia di Gustav Klimt

Gustav Klimt nacque il 14 luglio 1862 a Baumgarten, oggi quartiere periferico di Vienna. Fin da bambino si appassionò d'arte insieme ai suoi fratelli. Nonostante i problemi economici della sua famiglia riuscì lo stesso a frequentare la Scuola d'Arte e Mestieri dell'Austria, dove si iscrisse nel 1876 a soli 14 anni, dopo aver terminati gli studi alla scuola primaria. Durante i suoi studi accademici, che durarono fino al 1883, sperimentò varie tecniche artistiche, tra cui la ceramica e il mosaico. Dotato di particolare talento fin da giovanissimo, durante gli anni della formazione, fu considerato e riconosciuto come il più grande continuatore dell'opera di Hans Makart, uno dei più importanti artisti austriaci del tempo.

Con il passare degli anni, il grande pittore diede sempre di più dimostrazione della sua abilità e le commissioni non tardarono ad arrivare. Nel 1880 prese parte a una compagnia d'artisti chiamata K ü nstlerhaus e nelle stesso anno dipinse le quattro allegorie di Palazzo Sturany a Vienna e il soffitto della Kurhaus di Karlsbad. Nel 1883, finiti gli studi accademici, fondò insieme a Franz Matsch e a suo fratello Ernst, anch'egli decoratore e intagliatore, un gruppo di lavoro. I tre collaborarono per anni, lavorando a decorazioni tra i quali il soffitto delle due grandi scalinate del famosissimo Burgtheater. All'interno del celebre teatro si cimentarono nella decorazione di una serie di pannelli raffiguranti sia scene antiche che scene contemporanee. Grazie alle numerose commissioni, il nuovo sodalizio creativo riscontrò particolare successo e ammirazione sia da parte del pubblico sia da parte della committenza. Questa notorietà li portò ad avere anche un appagamento economico, che permise a loro il passaggio in una società altolocata. La bravura di Gustav Klimt, il più talentoso dei tre, gli fu ampiamente riconosciuta e nel 1888 ricevette la Croce d'oro al merito artistico dall'imperatore Francesco Giuseppe I.

Nel 1892, a causa della morte del fratello Ernst, avvenuta pochi mesi più tardi della morte di loro padre, la società si sciolse e Klimt decise così di continuare la sua produzione artistica in solitaria. Proprio durante questo anno non facile ebbe la fortuna di incontrare Emilie Flöge, sua compagna di vita. Gli anni che seguirono furono molto difficili per il pittore, sia a causa dei lutti del fratello e del padre, a cui era molto legato, sia per problemi professionali e artistici che lo portarono a rivoluzionare il suo stile, abbandonando e rinnegando lo stile accademico con il quale aveva dipinto fino a quel momento. Nel 1897, decise così di fondare insieme ad altri diciannove compagni la Wiener Sezession, gruppo di artisti controversi e controcorrente, il cui scopo comune era quello di liberarsi dal conformismo accademico viennese contemporaneo e di mirare verso un'opera d'arte totale dove arte, architettura e design si unissero tra loro fondendosi in un'unica entità, tema comune anche ad altri gruppi formatasi in Europa in quegli anni come il gruppo Arts&Crafts di William Morris e le varie nuove avanguardie nascenti come lo Jugendstil in Germania o l' Art Nouveau in Francia. Nonostante Klimt avesse sposato lo stile classico per anni, ad un certo punto della sua carriera non si rispecchiò più nelle sue opere e decise quindi di liberarsi dalla costrizione accademica imposta dall'università dove per anni studiò.

Seppur oggi le decorazioni del soffitto dell'Università di Vienna rappresentino uno dei capolavori assoluti del maestro (nonostante la distruzione a seguito di un incendio avvenuto nel 1945 al Castello di Immendorf), furono molti gli scontri e le critiche ricevute. Nel 1894 fu incaricato insieme a Franz Matsch (suo precedente socio) di realizzare una serie di decorazioni per il soffitto dell'Aula Magna in cui il tema proposto era "La vittoria della luce sulle tenebre", le opere dovevano essere realizzate per la facoltà di Filosofia, Giurisprudenza e Medicina. Klimt fu aspramente attaccato ancor prima di finire le sue opere: le rappresentazioni femminili furono considerate dai caratteri eccessivamente sensuali e dall'estetica anticlassicista. Molti professori e frequentatori dell'università si opposero avidamente alle decorazioni tanto da presentare una petizione al Ministero dell'Istruzione, chiedendo l'interruzione dei lavori. Wilhelm von Hartel, allora ministro dell'Istruzione, rifiutò varie volte la petizione e a Klimt fu consentito di continuare i suoi lavori. Successivamente l'artista dichiarò: "Ne ho abbastanza della censura, adesso faccio da me. Desidero liberarmene. Desidero liberarmi da tutte queste stupidaggini che mi ostacolano e mi impediscono di lavorare". Klimt e i suoi compagni secessionisti, malgrado la sfortunata vicenda dell'università, con il passare degli anni riuscirono a trovare la notorietà e l'approvazione da parte di ricche famiglie borghesi, amanti della nuova Avanguardia da loro fondata.

Grazie ad un viaggio in Italia, in particolare a Ravenna, avvenuto nel 1903, il famoso artista ebbe la possibilità di mettersi in contatto e vedere dal vivo gli importanti mosaici bizantini della città. Da questo viaggio trasse molte ispirazioni per le opere successive, che furono infatti caratterizzate dall'uso dell'oro e dallo sfarzo: questi dipinti definiranno il periodo "aureo" o "dorato" dell'artista. Opere frutto di questo periodo rappresentano ad oggi importantissimi lavori del maestro, troviamo per esempio: Il bacio (1907-08), Giuditta I (1901), L'albero della vita(1905-1909). Con la seconda versione di Giuditta nel 1909, Klimt abbandonò il periodo aureo, e superato quest'ultimo l'artista entrò in conflitto con il movimento da lui stesso fondato, decidendo successivamente di abbandonare il gruppo per divergenze di vedute e di avvicinarsi ai Laboratori Viennesi dove lasciò definitivamente la delicatezza e la graziosità delle linee secessioniste passando ad una linea più marcata e grezza, ad un uso del colore più sgargiante, per il quale trasse spunti anche dalle nuove avanguardie presenti sulla scena contemporanea, come gli impressionisti o gli espressionisti. Le opere frutto del nuovo periodo, come per esempio Le Tre Età della Donna (1905) gli permisero di partecipare e di vincere, nel 1911, il premio dell'Esposizione Internazionale di Arte di Roma, conquistando ancora una volta l'elogio della critica. Pochi anni anni dopo, nel 1918, a seguito di una polmonite e ictus causati dall'influenza spagnola, il pittore morì, in data 11 gennaio, lasciando incompiuti numerosi dipinti.

Lo stile e le opere di Gustav Klimt

Nel corso della sua attività artistica, Gustav Klimt sperimentò diverse tecniche artistiche. Durante il periodo della formazione all'Accademia cominciò a confrontarsi con la ceramica e con il mosaico, mantenendo uno stile pittorico prettamente accademico che caratterizzò anche i suoi lavori finiti gli studi. Durante gli anni più difficili della sua carriera, appena dopo la morte del padre e del fratello, preso da crisi esistenziali, decise di abbandonare lo stile accademico optando per uno stile d'avanguardia controcorrente che sfociò nella fondazione della Wiener Sezession.

Dopo il 1903, grazie un viaggio in Italia che influenzò il suo modo di fare arte, cominciò a realizzare una serie di opere con inserti di mosaici dorati che ricordano quelli bizantini della città di Ravenna. Quadri simbolo di questo periodo saranno: Il bacio (1907-08), Giuditta I (1901) e Giuditta II (1909:quest'ultimo decretò la fine del periodo aureo. Successivamente, influenzato dalle nuove avanguardie nascenti come l'Espressionismo e l'Impressionismo Klimt decise di mettere ancora una volta in discussione la propria arte sperimentando uno stile pittorico a lui nuovo, costituito da una pittura grezza e poco pulita, dai tratti meno precisi e dai colori più vivi (ne è un esempio il Ritratto di signora della Galleria Ricci Oddi di Piacenza). Malgrado le diverse sperimentazioni, Klimt ha sempre avuto modo di dimostrare la sua grandezza e la sua versatilità nel campo artistico ponendo sempre al centro dell'attenzione il suo grande talento.

Tra i temi ricorrenti del celebre maestro vi è l'attenzione particolare verso il mondo femminile. Numerose sono le rappresentazioni di figure femminili che trasudano sensualità e lussuria; le femme fatale che rappresenta sono donne lucenti, arricchite da ori e dallo sguardo inquietante che intimorisce e lascia abbagliato. La donna in Klimt è protagonista e raffigura l'emblema della femminilità. Il suo massimo interesse verso questo mondo culmina con la creazione di opere come Giuditta I (1901) e Giuditta II (1909).

In Giuditta I, Klimt utilizza come solito fare un linguaggio tipicamente simbolista e decorativo, inserendo anche con l'oro che dona all'opera ancora più sfarzo e lussuria. La figura rappresentata è una donna crudele e potente che tiene tra le braccia la testa di Oloferne, suo amato. La testa di quest'ultimo è rappresentata solo di scorcio mentre la figura della femme fatale predomina la scena sottolineando la sua maestosità e imposizione. In Giuditta II, la figura è rappresentata in tutta la sua altezza, accentuando ancora di più, rispetto la prima versione, la verticalità del dipinto. Il volto della donna questa volta è rappresentato quasi di profilo, qui la donna è nuda e scopre il seno che esce dalle sue decorate vesti. La modella da cui prese ispirazione per dipingere queste due versioni fu Adele Bloch-Bauer, musa preferita del pittore. Il loro rapporto lavorativo e forse affettivo iniziò quando il marito di Adele commissionò al pittore il ritratto della sua amata. Da quel momento diventò la musa ispiratrice del maestro diventando così la protagonista di molte opere celebri tra cui Il Bacio, una delle opere più importanti e note di tutta la storia dell'arte. È un dipinto appartenente al periodo aureo e raffigura due giovani innamorati nell'atto di un abbraccio (si nota infatti che la donna si lascia cadere tra le braccia del suo amato che la sorregge e la bacia). Entrambi le figure sono avvolte da drappi dorati e intensamente decorati da mosaici. Oltre al tema della rappresentazione femminile in questo quadro è presente un altro tema ricorrente nella pittura dell'artista, l'amore, caratteristico di opere come l' Abbraccio (1905-1909)o il Fregio di Beethoven (1902). L'opera emana dolcezza e serenità, e l'atmosfera è enfatizzata anche dallo sfondo completamente dorato tranne che sul terreno, dove in un pezzo di terra fiorito i due amanti si sorreggono.

Tra le opere più importanti del Klimt maturo figura anche Le tre età della donna del 1905 ( leggi qui un approfondimento sul dipinto). Questo dipinto fa parte delle opere più mature dell'attività artistica di Klimt, in cui si verifica l'abbandono dell'uso dell'oro, per andare incontro a una pittura meno vistosa e più immediata. Nel dipinto sono rappresentate, come suo solito fare, tre donne che rappresentano tre diversi periodi della vita femminile. Vi troviamo raffigurata anzitutto l'infanzia, attraverso la rappresentazione di una bambina piccola in braccio ad un'altra donna che rappresenta anch'essa un'altra fase, quella della maternità, in cui viene raffigurata una figura femminile con capelli lunghi e ricci cosparsi di fiori. Al suo fianco si nota un'altra donna: simboleggia la vecchiaia, l'ultimo stadio della vita. La donna qui è dipinta con il viso nascosto dai suoi lunghi capelli grigi e dal corpo nudo in tutta la sua interezza e imperfezione. Le tre figure sono estremamente ravvicinate e occupano la parte centrale del dipinto. Lo sfondo scuro, che occupa la maggior parte dello spazio, è dato da un insieme di colori come l'ocra o il marrone. L'oscurità dello sfondo tende a fare esaltare le tre figure esaltandone lo scorrere del tempo e la loro bellezza.

Dove vedere le opere di Klimt

Le principali opere di Gustav Klimt sono esposte prevalentemente nei musei della sua città natale, Vienna. Il luogo ideale dove ammirare le opere di Klimt e di tutti i Secessionisti è sicuramente il Palazzo della Secessione che ancora oggi è la dimora simbolo del Secessionismo Viennese. Fu costruito tra il 1897 e il 1898 su progetto di Joseph Maria Olbrich che prese ispirazione da un disegno di Klimt raffigurante un palazzo cubica simile ad un tempio.

Altri luoghi dove ammirare le opere sono il Burgtheather dove Klimt lavorò insieme Franz Matsch e al fratello Ernst poco prima della sua morte, la Galerie Belvedere (dove si trovano il Bacio e la Giuditta I), il Museo di Storia dell'Arte ( Kunsthistorisches Museum) dove Klimt insieme ai suoi due soci dipinse circa 40 pennacchi e intercolumni, e il MAK - Museo di Arti Applicate di Vienna dove è possibile vedere dal vivo i nove disegni preparatori realizzati tra il 1905 ed il 1909 per il Fregio Stoclet.

In Italia ci sono tre musei che ospitano altrettante opere: la Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea di Roma conserva il quadro Le tre E tà della D onna (1905) che Klimt dipinse nel suo ultimo periodo e con il quale vinse il premio dell'Esposizione Internazionale di Arte di Roma nel 1911.

A Venezia, invece, alla Galleria Internazionale d'Arte Moderna di Ca' Pesaro è possibile vedere Giuditta II, dipinto famosissimo e molto apprezzato dell'artista, che realizzò nel 1909 poco prima di abbandonare il suo periodo dorato. L'ultimo dipinto italiano è il Ritratto di signora della Galleria Ricci Oddi di Piacenza, opera protagonista di un clamoroso furto nel 1997 e ritrovata nel 2019.

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Gustav Klimt. Vita e opere del fondatore della Secessione Viennese

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Gustav Klimt: biografia, stile e opere di uno dei più grandi artisti del XX secolo, padre della Secessione Viennese. Gustav Klimt (Vienna, 1862 - 1918) è stato il fondatore e uno dei più grandi esponenti della Secessione Viennese ( Wiener Secession), un'associazione di diciannove persone, tra cui architetti e artisti di vario genere, che intrapresero una strada automa, libera dal pensiero accademico viennese degli anni Trenta (la Secessione fu fondata ufficialmente a Vienna nel 1907).

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Infobox

Cosa

Art Nouveau

Quando

XX secolo

Dove

Prima in Francia, poi in tutta Europa

Precedenti

Movimento delle Arts and Crafts

Protagonisti

Wilhelm Worringer, Victor Horta, Henri Van De Velde, Hector Guimard, August Enedell, Peter Behrens, Joseph Olbrich, Antoni Gaudì, Arthur Lasenby Liberty

Frase celebre

"La bellezza terrificante e commestibile dell'architettura dell'Art Nouveau" (Salvador Dalì)

Le caratteristiche della tendenza estetica che prende il nome di Art Nouveau

Le diverse dispiegazioni dell'Art Nouveau, tra cui lo stile Liberty in Italia

Domande & Risposte
Dove si sviluppa l'Art Nouveau?
L'Art Nouveau nasce in Francia nel XX secolo e si diffonde in tutta Europa con nomi diversi. In Italia, per esempio, l'Art Nouveau è conosciuta come "Stile Liberty".

Quali sono i caratteri dell'Art Nouveau?
Si caratterizza per uno stile prettamente decorativo basato sulla linea curva, che assume un andamento ondulato e asimmetrico Gli elementi decorativi si ispirano a forme naturali stilizzate e sintetizzate.

A cosa si ispira l'Art Nouveau?
Alla natura, in particolare al mondo vegetale (foglie e fiori).

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Art Nouveau: caratteristiche, origini e stile | Studenti.it

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Art Nouveau: origini, caratteristiche e stile della tendenza estetica nata in Francia e associata al liberty, alle arti applicate e all'architettura

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Andrea Concas - Il mondo dell’arte come nessuno ti ha mai raccontato

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Gustav Klimt, riconosciuto esponente dell’Art Nouveau, rivoluzionò l’arte con la sua “Fase Dorata”, caratterizzata dall’uso di foglia d’oro e simbolismo.

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La cosiddetta Secessione viennese (in tedesco Wiener Secession) venne fondata da un'associazione di 19 artisti, tra cui pittori e architetti, che nel 1897 decisero di abbandonare l'Accademia di Belle Arti per formare un gruppo autonomo. Tra i fondatori della Secessione viennese, un posto di primo piano spetta sicuramente al pittore Gustav Klimt (1862-1918), il più importante tra quelli attivi a cavallo fra XIX e XX secolo, oltre che il maggiore esponente pittorico del Simbolismo austriaco. Klimt guidò la Secessione viennese fino al 1904, affermandosi in pochi anni come l'artista più rappresentativo dell'intero movimento. Le donne di Klimt e Woman in Gold.

Egli sviluppò uno stile moderno, ritenuto quasi un emblema dello Sezessionstil ('Stile secessionista', altro nome con cui era conosciuto il movimento viennese), caratterizzato da una bidimensionalità accentuata e da una "impaginazione" asimmetrica, mossa da tratti curvilinei eleganti e sinuosi. Nei suoi dipinti e nei cicli murali egli combinò magistralmente astrazione e naturalismo, elementi ornamentali e dettagli illusionistici, mantenendo sempre un armonico equilibrio tra soggetto e decorazione. Le sue immagini sono costruite attraverso intrecci arabescati e incrostazioni a mosaico, vivacemente policrome; le scene sono esaltate dall'uso dell'oro, i cui effetti di forte astrazione simbolica negano ogni illusione di profondità e richiamano i preziosismi bizantini.

Giuditta, del 1901, è il dipinto che codifica il tipo klimtiano della donna fatale. Il tema della donna seduttrice e, a tratti, crudele fu molto diffuso nella letteratura e nelle arti visive tra il 1890 e il 1914 e venne affrontato in modo ricorrente dai pittori simbolisti e secessionisti. L'eroina biblica, presentata da Klimt come un'efferata assassina, ha le sembianze di Adele Bloch-Bauer, moglie di un industriale che commissionò varie opere all'artista e che divenne per lui una sorta di musa. Giuditta, nel dipinto di Klimt, ha appena compiuto il suo delitto e tiene tra le mani il macabro trofeo, la testa del generale Oloferne sedotto e ucciso.

L'espressione della donna è carica di torbida voluttà: la bocca è infatti dischiusa mentre gli occhi appena socchiusi esprimono un sadico godimento. Pallidissima, seminuda, Giuditta porta al collo un pesante collare barbarico, che le separa nettamente la testa dal corpo. È una sorta di decapitazione simbolica, con la quale l'artista sembra voler vendicare la morte di Oloferne. Dietro la testa di Giuditta, sul fondo oro (che qui inaugura il cosiddetto "periodo aureo" di Klimt), si disegna un paesaggio arcaico di alberi, montagne e viti.

Klimt raffigurò nuovamente questo personaggio in un quadro del 1909, che infatti è noto come Giuditta II. Si tratta di un dipinto ad andamento fortemente verticale, dove la donna è mostrata non più a mezzo busto ma quasi per intero. Magra, elegante e sensuale, la donna è rappresentata mentre sta scappando dalla tenda del nemico ucciso. Il suo sguardo è sicuramente seducente ma allo stesso tempo ci appare cinico e crudele. Le sue lunghe mani, simili ad artigli, trascinano per i lunghi capelli la testa di Oloferne, che si intravede in basso. Ancora una volta, lo sfondo e i vestiti sono trattati come una raffinata decorazione bidimensionale. Linee a spirale si accostano a cerchi colorati concentrici, triangoli e piccoli rettangoli ravvicinati.

Un linguaggio sofisticatissimo

Come ben esemplificano questi due capolavori, Klimt seppe creare un suo affascinante e personale "bizantinismo", adottando suggestioni diverse e molto eterogenee. Trasse dalla ceramografia greca e dall'arte egizia l'impostazione delle figure e degli eventi, allineati in simbolica sequenza; ricavò dalle stampe giapponesi la nitidezza incisiva delle linee, dalla decorazione micenea i caratteristici motivi spiraliformi; si ispirò alla scultura africana per elaborare le maschere inquietanti che simboleggiano il male. Le forme monumentali delle sue figure, i corpi dalla muscolatura turgida e ben evidenziata sono invece di estrazione classicistica e accademica.

A differenza di altri secessionisti, Klimt non rinnegò la plasticità classica ma superò la tradizione collocando i corpi entro composizioni ingegnose e assolutamente originali: le figure si articolano tra loro, si annodano in catene complesse, franano verso lo spettatore come cascate spettacolari. Allo stesso tempo, le loro contorte fisionomie si muovono entro un fondo astratto caratterizzato da un travolgente ritmo vibratorio. Queste intense decorazioni corpuscolari, questi fastosi mosaici composti da rombi, occhi di pavone, curve spiraliformi, tessere brillanti non sono mai abbandonati alla pura casualità e all'arbitrio; al contrario, sono governati da un controllo attento e serratissimo.

Klimt fu un pittore molto versatile. Si dimostrò un paesaggista di grande sensibilità e soprattutto un ritrattista raffinato ed enigmatico. Ritrasse soprattutto la donna, un soggetto che amò particolarmente. Anche nella vita, egli fu sempre irresistibilmente attratto dalla figura femminile. Non si sposò mai (visse con la madre fino alla morte di lei), ebbe numerose storie, spesso fu al centro di qualche scandalo. Gli vennero attribuite burrascose liason con le sue modelle e anche con donne sposate, esponenti dell'alta borghesia e committenti dei suoi celebri ritratti. Pare che l'artista abbia avuto 14 figli illegittimi.

Una delle donne più importanti della sua vita fu certamente Emile Flöge, una brillante stilista proprietaria di un salone di haute couture nel cuore della capitale austriaca. Non esistono prove di una relazione sentimentale vera e propria tra l'artista e la Flöge. Certo è che la donna fu una delle sue più importanti fonti di ispirazione oltre che la sua migliore amica per tutta la vita.

Tutti i ritratti di Klimt puntano ad esaltare la bellezza femminile connotandola con l'eleganza sensuale, la raffinatezza aristocratica, la grazia distaccata e austera. Grande attenzione venne sempre posta sulla rappresentazione dei volti e delle mani, che spiccano sul fantasioso e fastoso arabesco degli sfondi e degli abiti.

Il suo Ritratto di Adele Bloch-Bauer I, noto anche come Woman in Gold, è sicuramente il più famoso, non solo per la sua sfolgorante bellezza ma per essere stato al centro di una clamorosa controversia giudiziaria internazionale. Adele Bloch-Bauer era la figlia dell'imprenditore Maurice Bauer, sposatasi con Ferdinand Bloch, figlio del barone Bloch (un importantissimo industriale ebreo dello zucchero), e divenuta per questo motivo una delle più ricche ed eleganti esponenti del jet-set aristocratico viennese.

Il suo salotto venne frequentato da compositori come Gustav Mahler, Richard Strauss, da intellettuali, scrittori e artisti, tra cui Klimt, per il quale la signora Bloch-Bauer fece anche da modella. Molti ipotizzano che Adele e Klimt ebbero una relazione, ma l'ipotesi non è stata mai confermata. È certo che questa donna dallo sguardo distante e malinconico è colei che ricorre più frequentemente nelle opere di Klimt.

Woman in Gold è realizzato su una tela perfettamente quadrata, dove la donna, mostrata lievemente a destra rispetto all'asse centrale, è letteralmente fagocitata dallo sfolgorio dell'oro, tra forme ondulate e gorgoglianti, in cui s'incontrano la veste, la poltrona, il pavimento e lo sfondo, dissolti in un brulicante e regale baluginìo che dissolve le forme e annulla i volumi. Solo il volto, dalla pelle diafana, lo scollo e le mani della donna emergono da questa sorta di liquido aureo e denso, mantenendo la loro riconoscibilità. Collocata fuori dal tempo e dallo spazio, resa un simbolo orgoglioso di regale bellezza (che, tuttavia, dalla medesima bellezza appare quasi sopraffatto), Adele viene qui trasfigurata in una dea.

Adele morì nel 1925 di meningite, e pare abbia chiesto al marito di donare le opere di Klimt, in suo possesso, al Belvedere di Vienna. L'uomo, tuttavia, non rispettò la volontà della moglie e non diede mai disposizione di cedere i preziosi quadri al museo. Con l'avvento del nazismo i Bloch, essendo ebrei, furono costretti alla fuga. Tutti i loro beni vennero confiscati e, in buona parte, dispersi. Il barone Bloch morì esule in Svizzera, lasciando le sue proprietà, seppure rapinate dai nazisti, alle nipoti. Tra queste, Maria Altmann, fuggita negli Stati Uniti.

Al termine della guerra, Woman in Gold, celebrato come la "Monna Lisa austriaca", finì al Belvedere di Vienna, diventando una delle perle più preziose della galleria. Nel 1999, l'ormai ultraottantenne Maria Altman decise che era suo diritto tornare in possesso di ciò che la sua famiglia aveva perso a causa dei nazisti. Iniziò quindi la sua coraggiosa battaglia legale contro l'Austria, arrivando fino alla Corte Suprema degli Stati Uniti. Nel 2006, una corte di giudici stabilì che Maria Altmann era effettivamente la legittima proprietaria sia del ritratto di Adele sia di altre quattro opere di Klimt, che dovevano esserle restituite.

Tornata in possesso di Woman in Gold, Maria vendette l'opera all'asta per 135 milioni di dollari, a condizione che il capolavoro non tornasse mai più in Austria. Per questo motivo è oggi conservato a New York ed è esposto, permanentemente, nella Neue Galerie di Ronald Lauder, l'acquirente. Il dipinto è dunque diventato anche il simbolo della prepotenza nazista, che non solo sterminò milioni di famiglie ebree ma lucrò cinicamente sull'Olocausto.

Da questa straordinaria vicenda è tratto un film del 2015, Woman in Gold, con Helen Mirren e diretto da Simon Curtis.

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Le donne di Klimt e Woman in Gold - Arte Svelata

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Versione audio: La cosiddetta Secessione viennese (in tedesco Wiener Secession) venne fondata da un'associazione di 19 artisti, tra cui pittori e architetti, che nel 1897 decisero di abbandonare l'Accademia di Belle Arti per formare un gruppo autonomo.

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Gustav Klimt: il Maestro della Secessione Viennese