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interview de Fanny de Chaillé

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TnBA dossier de production Une autre histoire du théâtre FANNY DE CHAILLÉ SEPT 2024

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Espace critiques - Le Chœur - Fanny De Chaillé, - 4 Fanny De Chaillé,

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@thnet espace, critiques, chœur, fanny, chaillé, theatre, contemporain, net, culture, théâtre, spectacle, planches, scène, art, dramatique, comédie, tragédie, vaudeville, lieu, cadre, arène, boulevard, compagnie, auteur, éditeur, édition, actualité, date, représentation, pièce, oeuvre

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Fanny de Chaillé, une artiste au travail | ARTCENA

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Elle a toujours un projet sur le feu, Fanny de Chaillé. Brillante, curieuse, joueuse, drôle, la chorégraphe et metteuse en scène est une artiste plurielle, sautant allégrement d’un genre à l’autre, jamais rassasiée de questionner les formes. Au centre de sa recherche, le corps s’affirme comme outil de prédilection pour explorer la matière de la langue.

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Présentation

Mothers A Song for Wartime fait résonner les voix de vingt-et-une femmes ukrainiennes, biélorusses et polonaises, unies dans un même chant. Alors que la guerre semble de retour en Europe, ces femmes sont les survivantes et les témoins des violences perpétrées lors des conflits armés. La metteuse en scène et autrice polonaise Marta Górnicka a travaillé à partir de témoignages de mères et d'enfants qui ont fui la guerre et les persécutions. Fondatrice du CHORUS OF WOMEN à Varsovie et du Political Voice Institute à Berlin, elle crée une performance chorale et scénographique, soutenue par la force des musiques traditionnelles. Ces voix font écho au chœur antique et à la tradition des  chtchedrivkas, ces chansons populaires qui célèbrent le renouveau. La Cour d'honneur se met à l'écoute de ces citoyennes du monde qui nous invitent à faire communauté.

Un coro de mujeres de Ucrania, Polonia y Bielorrusia se alza para hablar de la guerra y hacer frente, al unísono, a las fuerzas de destrucción. Cuando la música tradicional y las reivindicaciones políticas del presente se unen, el escenario se convierte en el espacio para que una comunidad se reencuentre.
Entretien avec Marta Górnicka

Avec Katerina Aleinikova, Svitlana Berestovska, Sasha Cherkas, Palina Dabravolskaja, Katarzyna Jaźnicka, Volha Kalakoltsava, Ewa Konstanciak, Liza Kozlova, Anastasiia Kulinich, Natalia Mazur, Kamila Michalska, Hanna Mykhailova, Valeriia Obodianska, Svitlana Onischak, Yuliia Ridna, Maria Robaszkiewicz, Polina Shkliar, Aleksandra Sroka, Mariia Tabachuk, Kateryna Taran, Bohdana Zazhytska, Elena Zui-Voitekhovskaya
Conception et mise en scène Marta Górnicka
Libretto Marta Górnicka & Ensemble
Musique Marta Górnicka
Dramaturgie Olga Byrska, Maria Jasińska
Scénographie Robert Rumas
Chorégraphie Evelin Facchini
Lumière Artur Sienicki
Vidéo Michał Jankowski
Costumes Joanna Załęska
Collaboration musicale Wojciech Frycz
Assistanat à la mise en scène Maria Wierzbicka
Assistanat à la chorégraphie Maria Bijak
Coaching vocal Joanna Piech-Sławecka
Conseil d'ethnomusicologie urkainienne Anna Ohrimchuk
Conseil sur les jeux d'enfants ukrainiens Venera Ibragimova
Traduction pour le libretto Cecile Bocianowski (français), Aleksandra Paszkowska (anglais)
Régie surtitre Zofia Szymanowska
Traduction pour le surtitrage Cécile Bocianowski (français), Aleksandra Paszkowska (anglais)
Production Marta Kuźmiak, Iwa Ostrowska, Magdalena Płyszewska (Teatr Powszechny)
Diffusion Anna Galas-Kosil, Joanna Nuckowska

Production The Chorus of WomenFoundation (Varsovie), Maxim Gorki Theater (Berlin)
Coproduction Teatr Powszechny (Varsovie), Festival d'Avignon, Maillon Théâtre de Strasbourg Scène européenne, Spring Performing Arts Festival (Utrecht), Festival Tangente St. Pölten
Avec le soutien de la ville de Varsovie, Ministery of Culture and National Heritage of the Republic of Poland à partir du Culture Promotion Fund et pour la 78e édition du Festival d'Avignon : Fondation Ammodo
Avec l'aide de Teatr Dramatyczny (Varsovie), Nowy Teatr (Varsovie), For Freedom Foundation (Varsovie), Przystanek Świetlica (Varsovie), Sunflower Solidary Community Center (Varsovie)
Représentations en partenariat avec France Médias Monde, France Bleu Vaucluse

Ce projet est cofinancé par la ville de Varsovie.
Financé par le Ministry of Culture and National Heritage à partir du Fund for the Promotion of Culture.

Infos pratiques

Photos

Et...

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Un chœur de femmes qui s'élève d'Ukraine, Pologne et Biélorussie pour raconter la guerre et faire face à l'unisson aux forces de destruction. Quand les musiques traditionnelles rencontrent les revendications politiques du présent, la scène devient alors le lieu possible d'une communauté retrouvée.

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Marta Górnicka - MOTHERS A SONG FOR WARTIME

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Mothers - A Song for wartime de Marta Górnicka, critique

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Mothers – A Song for a wartime de Marta Górnicka. Quand un chœur de femmes dit la réalité de la guerre en cours, faisant du théâtre...…

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Avignon.Elles sont ukrainiennes, biélorusses, réfugiées en Pologne. Marta Górnika a mené un atelier avec 21 d’entre elles, meurtries par la guerre en Ukraine, la répression en Biélorussie. Toutes vol…

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Dans le cadre de Démonter les remparts pour finir le pont, le Festival vous invite à créer chaque année une pièce à partir du répertoire et en relation avec la langue invitée. Comment Quichotte s'inscrit-il dans la continuité du Songe que vous avez créé lors de la dernière édition ?
L'année dernière, j'ai pu remarquer à quel point les spectateurs étaient généreux. Ils ont eu envie de participer à une expérience qui va au-delà d'une simple réflexion autour d'un texte. Ils voulaient mieux comprendre la façon dont se fabrique un spectacle. Avec Quichotte, nous allons vers une montée en puissance de ce dispositif qui me permet de créer quasiment à vue. Cette année, dès le printemps, j'ai tenu une permanence ouverte à tous. J'ai invité ceux qui voulaient bien faire du théâtre avec moi à des ateliers. Ces ateliers m'ont permis de partager les questions que nous nous étions posées à propos de Don Quichotte lors des répétitions avec les acteurs. Le jardin de la rue de Mons à la Maison Jean Vilar est toujours notre point d'ancrage. J'aime l'idée de réinvestir ce lieu, d'en faire le foyer ardent de ce cycle. Pour moi, Le Songe et Quichotte tentent de faire exister quelque chose qui n'existe pas encore, de faire apparaître ma vision du théâtre. Une production de sens pour tenir face au chaos. Ce désir peut paraître vertigineux ou mystique, mais c'est sur lui que je m'appuie pour réunir des gens heureux de rechercher du sens. Dans Le Songe, j'ai impliqué une joyeuse bande de quinquagénaires dans une sorte de jeu d'enfant, de théâtre fantasmé. Il en a été de même avec ce Quichotte.
Don Quichotte veut éprouver la littérature au contact du réel. Il sort de ses livres pour livrer bataille. Vous sentez-vous proche de ce personnage ? Qui est-il selon vous ?
Effectivement, comme Don Quichotte qui, armé de ses citations littéraires, se lance à l'assaut du réel au nom de la justice, je propose à mon tour de me lancer à l'assaut et du roman de Cervantès et du théâtre, armé de l'expérience que je me suis forgée au contact des plus illustres dramaturges : Shakespeare, Racine, Sophocle, Molière... Je suis touché par cet homme qui décide de prendre à bras-le-corps ce qu'il a lu pour se confronter à la réalité. D'une certaine manière, c'est ainsi que je fabrique du théâtre. Je prends ce qu'il y a dans un livre et je le transforme pour vérifier ce que cela pourrait donner dans la réalité. Dans le roman, Cervantès se demande comment, à un moment donné, une philosophie de vie produit une transformation du monde. Je suis profondément habité par ce désir héroïque de faire du théâtre, non pas avec une lance mais en travaillant la réalité pour la transformer à partir des outils du théâtre. Quand je pense à ce personnage, je pense d'abord à Cervantès lui-même qui, à 24 ans, participe à la bataille de Lépante où s'affrontent la flotte ottomane de Sélim II et la flotte de la Sainte-Ligue qui sortira victorieuse. Lui se fait capturer et réduire en esclavage par les Turcs. Pendant cinq ans, la littérature est son refuge : une mise à distance du réel. C'est une situation qu'a connue une part importante de la population masculine européenne à l'époque. Les géants que voit surgir Don Quichotte s'apparentent à une réaction post-traumatique : une réaction à la violence de cette guerre.
Don Quichotte était-il une échappatoire pour Cervantès ?
Cervantès utilise la littérature non plus comme une échappatoire, mais comme une alternative à la civilisation occidentale qui est en train de conquérir le monde. Don Quichotte se bat contre les fantômes sur lesquels son monde, l'Europe, s'est construit pour que cela ne se reproduise plus. Il n'est pas ce doux dingue qui a lu tellement de livres qu'il a l'impression de voir une réalité pixelisée. Il attaque frontalement les idéologies, notamment religieuses, qui génèrent de la violence. Ce roman épique peut aussi se lire comme une sorte de parodie. Il montre ce qui se passe quand les textes sont utilisés pour diffuser une idéologie qui transforme la réalité. Cervantès avance l'idée que certains combats n'ont parfois aucun sens et détruisent ceux qui les mènent, au nom de ce qu'ils ont lu. Avec ce personnage, Cervantès ouvre des espaces pour penser autrement, pour se libérer de cette réalité et la dépasser. Il refuse de se résigner mais le fait sans colère ni méchanceté : plutôt avec humour et amour. C'est ainsi que j'envisage le rôle de Sancho Panza. Dans le roman, il propose une alternative politique assez géniale : la bienveillance, l'écoute, l'amour comme seule utopie viable finalement.
Le roman est drôle mais vous dites qu'il est surtout cruel...
Au cours des premières répétitions, nous avons mis en jeu la suite des péripéties que vit Don Quichotte. Cela a mis en évidence la succession de brutalités, de violences et d'humiliations qu'il subit, soit à cause de ses actes hallucinés, soit infligées en représailles ou gratuitement par ceux qui jouissent de sa crédulité et de son aveuglement. Dans le roman, cela provoque presque systématiquement des rires, des moqueries. Les scènes de brimades, tortures et autres punitions sont toujours écrites sur le ton de la comédie pour provoquer chez le lecteur complice un maximum d'allégresse. Mais Don Quichotte résiste : sous le harcèlement des sarcasmes et la brutalité de la norme, il continue d'aspirer à l'inaccessible étoile. Les effets de sa résistance sont dérisoires : il endommage un moulin, décime des moutons, des chèvres... Sa méthode n'est probablement pas la bonne, mais sa folie est nécessaire, libératrice, saine et sincère. Elle ébranle les limites de nos enfermements.
Comment avez-vous découpé ce vaste roman pour l'adapter au théâtre ? Quels sont les grands épisodes que vous avez retenus ?
Je n'ai pas du tout cherché à rester fidèle au roman, à en faire une sorte de rébus à partir d'épisodes emblématiques. J'ai décidé de m'emparer du texte par effraction. Comme s'il s'agissait d'une sorte de manuel de théâtre. Par chapitre, j'ai essayé de dégager des matières, des modes de théâtralité spécifiques à partir de la narration, des dialogues, de l'action... Cela m'a permis de construire une vision panoptique de l'œuvre à partir du personnage de Dulcinée et de l'amour que Don Quichotte lui porte.
Jeanne Balibar joue Quichotte, Thierry Dupont joue Sancho Panza, Marie-Noëlle joue Rocinante, le cheval de Quichotte, et vous interprétez l'âne Rucio, el burro. Comment avez-vous imaginé ces rôles ?
Comme une équipée à quatre ! Je n'ai pas spécialement envisagé les personnages du roman comme autant de rôles pour le théâtre. Je me suis intéressé aux figures. C'est pour cela que Jeanne joue Quichotte par exemple : parce qu'elle peut aussi incarner le fantôme de Dulcinée, ce rêve de l'autre, cette quête amoureuse. Dans la pièce, sa présence est celle de l'altérité absolue. Je pense que le meilleur moyen de monter Don Quichotte est de trouver sa Dulcinée et de lui demander de jouer le rôle ! D'autant que Dulcinée est toujours un guide, un phare pour Don Quichotte. Marie-Noëlle incarne un cheval très volontaire et qui est le véritable vecteur du roman. Dans le roman, Rocinante décide du chemin que va prendre l'équipée et il renvoie à Don Quichotte sa propre image, celle avec laquelle il va devoir se battre. L'âne est celui qui porte le fardeau. Thierry Dupont est celui qui prend soin de l'autre, qui protège l'ensemble des hallucinations de Quichotte... Mais à trop décrire chacune et chacun, on risque de circonscrire Don Quichotte : laissons-le se révéler à nous par lui-même.

Entretien réalisé en janvier 2024

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Le Festival d'Avignon est aujourd'hui l'une des plus importantes manifestations internationales du spectacle vivant contemporain.

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Variation libre du roman épique de Cervantes, ce Quichotte d’un genre nouveau part à l’assaut de la littérature pour penser les utopies d’aujourd’hui. 

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Avec Jeanne Balibar, Gwenaël Morin fait turbuler Don Quichotte

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Dans l’écrin du Jardin de la rue de Mons, où il a désormais ses habitudes avignonnaises, Gwenaël Morin convoque un trio impérial composé de Jeanne Balibar, Marie-Noëlle et Thierry Dupont pour mettre, avec facétie, la façon de voir le monde du personnage de Miguel de Cervantes à l’épreuve du plateau.

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Festival d’Avignon : Don Quichotte ou la foi dans l’imagination

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Pour ce Festival d’Avignon dont l’espagnol est la langue invitée, Gwenaël Morin met en scène une adaptation de “Don Quichotte” de Miguel de Cervantes avec une économie de moyens et beaucoup de grâce.

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Dolorosa, trois anniversaires ratés, un spectacle réussi

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Avec “Dolorosa, trois anniversaires ratés” de Rebbeka Kricheldorf, Marcial Di Fonzo Bo entre à la direction du Quai par la grande porte.

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Depuis plusieurs mois, je mène un atelier à Varsovie avec un groupe de 21 femmes touchées par la guerre en Ukraine et l'oppression de la persécution politique en Biélorussie. Mais aussi avec ceux qui les ont hébergées à Varsovie. En parallèle, je travaille avec des ethnomusicologues ukrainiens à la recherche de ce que la guerre n'a pas pu toucher : la tradition de la voix vivante et du chant ukrainien. C'est tout le paradoxe de cette guerre : elle nous permet de nous plonger profondément dans la culture ukrainienne. Le chœur est un outil pour examiner les mécanismes de défense que la guerre active en nous. Il permet de retrouver la mémoire, la voix et la langue. Non pas la voix des femmes en tant que victimes de la guerre, mais au contraire, en tant que protagonistes. Cet ensemble transgénérationnel est composé de femmes âgées de 8 à 71 ans. Elles viennent de Kiev, Soumy, Irpin, Kharkiv. Ce sont des survivantes. Elles sont réfugiées, témoins de la violence et des bombardements. Celles qui ont fui avec leurs enfants en Pologne, à Varsovie ou dans d'autres villes d'Europe et d'ailleurs, veulent parler aujourd'hui, utiliser le pouvoir de leur voix pour nommer ce qui ne peut l'être.

L'une d'entre elles, Natalia, a rapporté de Varsovie la seule chose qu'elle voulait sauver de la guerre : une bandura, un instrument traditionnel ukrainien. Cet instrument est un symbole du pouvoir de la voix et du pouvoir des femmes. Le livret de Mothers commence par une chanson qui est un rituel ancien, un souhait de prospérité, de vie et de renaissance. Ou comment trouver ensemble ce qui est vivant dans les décombres : par la réunion, par le chœur.
Vous travaillez depuis un certain temps sur cette forme de théâtre choral politique. Comment cette idée a-t-elle germé ?
Le chœur est un médium idéal pour évoquer ce qui est politique, au sens grec du terme, c'est le lieu où les sujets qui concernent les citoyens et les citoyennes sont discutés, et donc les sujets relatifs à l'État. Dans sa forme même, la parole chorale porte en elle une dimension politique forte. Cela fait déjà plusieurs années que je travaille à partir de l'esthétique d'un chœur réinventé pour le théâtre. J'ai débuté mes recherches en 2010 à Varsovie au Theatre Institute où j'ai eu la liberté d'explorer de façon expérimentale la forme chorale. Cela m'a permis de créer un nouvel alphabet pour le chœur, de déplacer mon rapport au texte, aux acteurs et actrices, aux corps et à la voix, et de tenter une exploration artistique qui a abouti en 2019 à la création du Political Voice Institute (PVI) au Maxim Gorki Theater à Berlin.

Le premier spectacle né de cette recherche en 2010 a été This is the chorus speaking only six to eight hours, only six to eight hours... à Varsovie, mais que nous avons présenté dans différents pays d'Europe. Puis il y a eu Magnificat en 2011, une pièce sur la façon dont l'église catholique s'approprie le pouvoir sur le corps des femmes polonaises, que nous avons notamment jouée en France en 2015, à Paris, Strasbourg, Lyon, Marseille et dans d'autres villes.

Le plus souvent, j'ai besoin, en tout premier lieu, de rassembler des personnes lors d'ateliers de recherche. Les participantes et participants ne se distinguent pas par leur âge ou leur classe sociale mais toutes et tous vivent des situations d'exclusions ou se trouvent au cœur des conflits. J'ai souvent travaillé dans des lieux difficiles d'accès, dans des zones de guerre. En Israël, j'ai réuni des femmes et des enfants israéliens et palestiniens avec des soldats israéliens. J'ai travaillé dans le plus grand ghetto rom d'Europe, en Slovaquie, ou en Pologne, lors de conflits majeurs autour de notre Constitution. Cette fois-ci, ce sont des femmes ayant vécu un exil, et qui sont devenues des réfugiées politiques.
Ce chœur féminin est ressenti comme consolateur et réparateur pour toute une communauté
Je considère le travail de chœur comme un immense laboratoire pour la transformation des usages de la communauté. Il n'est pas toujours un lieu de représentation du réel mais plutôt de sa sédimentation monstrueuse. Le chœur est originellement conçu comme une pratique communautaire et salvatrice pour la société plus ancienne que le théâtre. Il est nécessaire pour questionner les enjeux qui existent dans une société, il est un outil cathartique indispensable. Le chœur est le lieu par excellence de l'expression des critiques et des antagonismes sociétaux. Ainsi en rassemblant des individus de tous horizons, le chœur exprime une intelligence collective qui traverse les générations et se donne la possibilité d'imaginer l'inimaginable. C'est pourquoi je tente de connecter mon travail avec cette force de vie qui existe dans la pratique chorale et qui est en totale contradiction avec l'annihilation. C'est une histoire de pluralité, un lieu pour raconter et expérimenter ce qui nous connecte toutes et tous.
Mothers. A Song for the Wartime devient-il alors un chant d'espoir ?
Dès son origine, la pratique du chœur commence par le féminin. Une communauté de femmes qui transmet une parole et une sagesse transgénérationnelle. Les femmes se rassemblent et chantent pour soigner la communauté, pour rassembler les gens, donner de l'espoir et révéler le plus difficile, l'indicible. Mothers, The Song for a Wartime, tente de reconnecter avec l'objectif premier du chœur : la sanctification de la préciosité de la vie, guidée par cette volonté de guérison. La grande puissance du chœur est de construire ensemble, ce qui est l'opposé des systèmes répressifs. C'est pourquoi ce nouveau projet rassemble des femmes ukrainiennes en exil, réfugiées à Varsovie en Pologne, qui ont fui la guerre et les persécutions avec leurs enfants. Quel que soit le travail que j'entreprends avec le théâtre choral, il s'agit toujours de faire état des événements socio-politiques les plus difficiles et éprouvants de notre réalité, et d'offrir une nouvelle voix, un langage novateur et une vision autre de l'histoire avec un grand H ainsi que des histoires individuelles.
Mothers. A Song for the Wartime fait référence aux chants populaires shchedrivkas et à la poétesse Lesya Ukrainka entre autres...
Les shchedrivkas sont chantés par les femmes et les enfants pour accueillir une nouvelle année calendaire, à l'arrivée du printemps, et célébrer le renouveau de la nature. Ces chants rituels datant de l'époque pré-chrétienne étaient chantés autour des villages : les femmes et enfants entraient dans les maisons pour offrir leur chant à chaque personne et famille, pour souhaiter la joie, la santé et un avenir prospère. La croyance était que ces paroles allaient advenir, aussi bien le chant d'espoir que le sort jeté, et modifier le cours des choses. Il existe une multitude de chants populaires en Ukraine, il y en a un pour chaque occasion. La partie musicale du projet est importante pour moi, elle reflète la richesse des chants traditionnels ukrainiens, qui sont des chants de vie avant tout, célébrant la vie, les arbres, les oiseaux. Les poèmes pour enfants de la poétesse ukrainienne Lesya Ukrainka (ou Lessia Oukraïnka) tiennent une place centrale. Le choeur de Mothers parle, pleure, murmure, chante les poèmes, les shchedrivkas et les témoignages, mêlés à des assertions politiques contemporaines. Le langage, comme la langue, est manipulé de toutes les manières imaginables. La guerre devient le sujet central de toute pensée politique.

Le sujet de la guerre et de l'holocauste me préoccupe depuis de nombreuses années, je formule ici une réflexion à partir du travail politique de Bertold Brecht qui expliquait qu'il n'existe pas d'Histoire en dehors de la guerre. Quand j'ai monté M(other) Courage de Brecht en Allemagne, j'ai été très marquée par la résonance toute contemporaine de cette pièce. Nous savons que les civils et les femmes sont les premières victimes des guerres, nous savons que les viols de guerre sont toujours tus par la société...

" Le travail du chœur a la responsabilité de montrer ce qui tend à être enfoui, et le plus souvent caché. "

Aujourd'hui 30% des femmes sont actives dans la guerre en Ukraine. Je voulais aussi bien révéler ces attributions de rôles que leur donner une parole, afin que nous puissions enfin entendre leurs prises de position, leur rejet ou non de ces rôles et charges qui leurs sont attribuées depuis toujours.

Propos recueillis par Moïra Dalant, mars 2023

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Le Festival d'Avignon est aujourd'hui l'une des plus importantes manifestations internationales du spectacle vivant contemporain.

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Marta Górnicka, la guerre par les visages des femmes

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Avec « Mothers. A Song for Wartime », la metteuse en scène polonaise Marta Górnicka propose une réactivation puissante et politique du choeur antique.

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“Les Trois Soeurs” d’Anton Tchekhov : épisode 6/6 du podcast Une Nuit avec Tchekhov

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AUDIO • Une Nuit avec Tchekhov, épisode 6/6 : “Les Trois Soeurs” d’Anton Tchekhov. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Les Nuits de France Culture, et découvrez nos podcasts en ligne.

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quelques teasers et interviews sur le spectacle

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quelques teasers et interviews sur le spectacle

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Mohamed El Khatib : “J’ai vu plus d’humanité dans les stades que dans les théâtres”

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Auteur et metteur en scène, il présente « Stadium » au théâtre la Colline, jusqu’au 7 octobre, une « performance qui rend hommage aux supporters de football ».
Tournée 2017 en Ile de France et en France.

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En savoir plus - Mohamed El Khatib, actualités, textes, spectacles, vidéos, tous ses liens avec la scène

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36 ans. Auteur et metteur en scène, il s’astreint à confronter le théâtre à d’autres médiums (cinéma, installations, journaux) et à observer le produit de ces frictions. Après des études de Lettres (Khâgne), un passage à Sciences Po, puis au CADAC (Centre d’Art dramatique de Mexico) et une thèse de sociologie sur « la critique dans la presse française » (Dir. Nicolas Pélissier),…

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Nous sommes au début du spectacle. Un trompettiste est seul sur scène. Il entame la mélodie de Maurice Jarre, celle qui introduit les spectacles du festival in d'Avignon. Très vite, la musique change, se transforme en thème pompeux, un de ceux qui galvanisent les supporters de football dans les stades. Le semi-instruit exulte. L'instruit se rétracte : la bourgeoisie de gauche va-t-elle nous faire le coup de l'autocritique factice ?

Déboulent ensuite les supporters lensois. Là ils parleront en témoins, se livreront au soliloque, à la danse, à l'interpellation du public, à toutes sortes de numéros comiques, dans une scénographie composée en fond d'une tribune de stade, à gauche d'un camion-snack, et au milieu d'un espace scénique indéterminé, où semble pouvoir se fondre le théâtre et le football. Deux formes spectaculaires, dont l'une appartient à l'art des élites, l'autre à l'exultation populaire. Mais des deux, la première domine.

Tout, dans Stadium est un incessant jeu de dupes qu'on s'ingénie à relever, un incessant malaise, un indécrottable soupçon à voir une énième fois le triomphe de la bourgeoisie de gauche, tirant les ficelles de la représentation sociale et de la critique de cette représentation. Mohamed El Khatib joue sur la scène ; il s'incarne en lui-même, le metteur en scène instruit face à la classe ouvrière blanche. Le voici qui interpelle avec bassesse une femme de ménage, le voici qui traite avec condescendance un supporter " ultra ". En somme, El Khatib met en scène son propre mépris de classe. Et inévitablement, l'esprit instruit de s'enorgueillir à déceler la duperie : il s'agit d'une vieille ruse n'est-ce pas ? Celle du dominant qui met en scène la critique de soi pour mieux pérenniser sa domination, qui concède par la blague sa violence pour couvrir l'oppression structurelle de sa classe ?

La position des supporters au sein du spectacle questionne. De " vrais gens " enfermés dans un dispositif spectaculaire, cela sent l'aberration dramaturgique. Que vaut leurs témoignages, que vaut leur " réalité " dans un environnement dont ils ne maîtrisent peut-être aucun code ? Les supporters lensois viennent au théâtre, le théâtre ne vient pas à eux. On peut craindre qu'ils soient jetés sur la scène comme des spécimens, des échantillons de classe sociale, pour le plaisir de spectateurs voyeuristes qui ne verront pas le réel du social, mais son exotisme. Stadium nous emmène dans un champ hybride dont on ne peut percer l'exacte réalité ni l'exacte fiction de ses acteurs. Ce tiraillement nous agite jusqu'au bout. Pourtant, l'enjeu est ailleurs.

C'est un peu avant la " mi-temps " que le spectacle se révèle en nature beaucoup plus complexe. Des Pom-Pom girls investissent la scène, et dansent. C'est puissant. Plus tard nous verrons un arbitre danser, puis une parade de mascottes, et d'autres fantaisies qui dessèchent l'aspect sociologico-bâtard des premières impressions. Voilà ce qu'il ne faut pas louper pour apprécier Stadium, pour ne pas en rester à l'interminable jeu de miroir critique, c'est la formidable capacité de ces " acteurs " non-professionnels, ces soupçonnées victimes de la machine théâtrale, à devenir producteurs d'émotion et de spectacle. À ce moment ils cessent d'être sujets d'étude et bêtes de foire, et le spectateur, pour peu qu'il ait un peu de disposition à la joie, devient le tel-est-pris-qui-croyait-prendre.

Dans ce nouveau conduit de perception, le cercle vicieux change de sens : le spectacle, ce champ miné par le soupçon, est transcendé par la puissance émotionnelle. El Khatib n'est pas qu'un voyeuriste, c'est aussi un formidable créateur d'image. Lors de la mi-temps, tout le monde peut monter sur la scène ; à voir c'est très beau. L'esthétique déborde et reprend ses droits : nous sommes au théâtre, tout peut être simple, visuel, amusant, fédérateur. Si El Khatib tire toutes les ficelles, il le fait dans un climat de tendresse qui adoucit tout ce que la forme a de violente. À la beauté esthétique de la foule représentée, s'ajoute également un humour qui manifeste une honnête porosité entre le metteur en scène et ses compagnons du Nord. On parle de cet arbitre qui, ayant perdu sa mère le jour-même, mais ayant eu la mauvaise idée de siffler une faute imaginaire, se voit affublé, en chœur, du slogan : " arbitre, orphelin de putain ". On fait référence à la célèbre banderole des supporters parisiens " Pédophiles, chômeurs, consanguins, bienvenus chez les Ch'tis ", on en rigole, la chape de plomb moralisatrice du progressisme citadin en prend pour son grade. Le prolétaire enfermé à la Colline n'est pas totalement étouffé, difficile de dire qu'El Khatib se fait censeur ; il laisse passer les sujets qui fâchent : le FN, la violence des ultras, le racisme. Et par là, nous voyons poindre les sujets qui rassemblent, portés par la population prolétaire et provinciale en des notions que le citadin a oublié dans sa propre géographie : la fraternité, l'honneur, le don. Un climat de réconciliation s'édifie, son caractère factice s'épuise un peu. Car enfin, la joie est la joie !

Face à la séparation des classes : on fait ce qu'on peut

Il ne s'agit pas ici d'approuver unilatéralement l'œuvre d'El Khatib. Il ne s'agit pas non plus de relever les telles ou telles contradictions du spectacle, et d'en rester à ce qu'elles ont d'insurmontable. Oui, toute production de l'idéologie bourgeoise est de toute manière l'expression de sa domination. Cela tient à cet axiome indéboulonnable : quand on s'appuie sur une infrastructure dominante, tout discours allant à l'inverse des intérêts de cette infrastructure ne peut que la légitimer à rebours, ne démontrant que sa capacité inclusive et autocritique. Oui, la séparation de classe est violente, qu'on l'expose ou qu'on la passe sous silence. Mais El Khatib, à l'endroit où il semble se contredire, se sauve dans le même temps. Stadium est une mise en conflit permanente entre un dispositif oppressant et l'intelligence d'un metteur en scène qui a prévu le coup et déjoue comme il peut son propre piège. Les vidéos d'interviews des supporters allègent l'enfermement présumé, et les permissions au désordre sont tentées, par bribes.

Si El Khatib ne se sort jamais tout à fait du piège qu'il y a d'exposer une classe dominée dans un espace de dominant, c'est que c'est impossible ; il faudrait détruire la Colline, et chanter par dessus ses ruines. Il n'en reste pas moins que nous avons vu dans un théâtre national des représentants de la classe ouvrière provinciale, dans un environnement parisien qui d'habitude l'ignore, ignorant jusqu'à la distinction entre le prolétariat et la classe appauvrie du secteur tertiaire. Dans son entreprise contradictoire, El Khatib a au moins su déplacer la lorgnette du théâtre subventionné vers une autre contrée. Et on peut aussi espérer, que lors de la tournée dans d'autres théâtres où l'oppression symbolique est moins présente qu'ici, le spectacle soit soulagé un peu mieux de ses contradictions.

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mouvement est le magazine culturel indisciplinaire de référence.

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Mohamed El Khatib : Stadium fait sa tournée d'adieu - mouvement

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Une nouvelle fois, Mohamed El Khatib invite les supporters de Lens sur scène - les vrais. Spectacle clivant dès ses débuts, Stadium continue d'interroger. Une véritable exposition d'êtres humains, dont le ressort factice fait craindre la supercherie. Un écueil que le metteur en scène tente de contourner par une esthétique puissante et la joie du folklore.

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Les Sentinelles - Olivares l Lechat - Du dimanche 10 novembre 2024 au jeudi 14 novembre 2024 - Grand-Théâtre - 20241110 | Opéra National de Bordeaux

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Pourquoi adapter Antigone de Sophocle dans un contexte contemporain et le transposer dans l'État de Pará au Brésil ?

Mon dramaturge brésilien Douglas Estevam, aujourd'hui chargé de culture pour le Mouvement des sans-terre (MST), avait travaillé pour Augusto Boal, figure du théâtre brésilien. Augusto collaborait souvent avec le MST, qui est un des plus grands mouvements sociaux au monde. Et lors d'une de mes tournées en 2019, ils nous ont proposé de travailler avec eux. Nous avons choisi Antigone, qui aborde les questions de la civilisation moderne et rationnelle attaquant la civilisation traditionnelle. Avec Antigone, Sophocle a écrit une pièce à la trame cristalline, qui peut être adaptée de nombreuses façons. En février 2020, les activistes du Mouvement en Amazonie, dans le nord du Brésil, ont pris en charge l'organisation d'un atelier avec une centaine de personnes. Un groupe pouvait tourner des films, un autre constituait le chœur. Il existe là-bas une grande tradition du travail choral. Nous avons commencé à réécrire la tragédie avec de nombreuses personnes : des agriculteurs, des activistes, jeunes ou plus âgés, des féministes, des experts, des professeurs, des activistes indigènes... Nous avons été pris par un mouvement multiforme et bouillonnant d'idées, notamment sur les questions de la femme, de la terre ou de la religion. Puis, la pandémie de Covid est arrivée avant la création et nous avons dû attendre début 2023 pour pouvoir continuer le projet. En réaction au massacre de 1996 où dix-neuf paysans sans terre ont été tués par la police militaire, les militants ont occupé des terres sur lesquelles ils vivent encore aujourd'hui. Nous avons conçu la scénographie dans cette plantation qui a été depuis légalisée. Nous avons donc travaillé sur la route où s'est déroulé le massacre et dans la forêt tropicale.

Votre " Antigone politique du XXIe siècle ", figure de la lutte inégale contre les exactions en Amazonie, devient aussi sous les traits de Kay Sara un symbole de résistance artistique.

Kay Sara a fait un long chemin ces dix dernières années. D'activiste, elle est devenue de plus en plus une actrice. Avec la poésie des textes joués, la présence du corps sur scène, la visibilité des tournées, elle s'est rendu compte qu'agir en tant qu'actrice était être militante autrement. Ses performances filmées sont très regardées et elle est devenue une sorte de " star ", une figure emblématique pour le mouvement indigène. Le discours "  This madness has to stop "*, partie de notre Antigone, a été largement diffusé en ligne et a créé des vocations chez les jeunes qui veulent devenir Kay Sara, comme d'autres veulent être Greta Thunberg. Elle est devenue un modèle à suivre. Et cela est très important dans son rapport à Antigone, trop souvent mise en scène comme un personnage solitaire, presque autiste ou romantique, absorbée par son amour pour son frère, comme chez Jean Anouilh. Je trouve qu'il y a en fait beaucoup de rationalité chez Antigone, qui est un être réfléchi et complexe. Je dis souvent que les Grecs ont inventé la tragédie pour abolir le tragique, afin de trouver une méthode et un chemin en dehors de l'antagonisme. Les personnages d'Antigone mais aussi de Créon nous montrent des chemins de traverse même si la pièce est toujours jouée de manière tragique. Le Mouvement des sans-terre s'est tout de suite demandé, pendant les répétitions, pourquoi la fin de la tragédie comportait autant de suicides. Pour eux, ce ne pouvait pas être une option, car la lutte doit pouvoir continuer. Nous les avons donc éliminés de notre narration, ce qui était une des façons de nous réapproprier la pièce. L'écrivaine Anne Carson, qui a également réalisé deux très belles traductions du texte de Sophocle, parle aussi très bien de cette forme de réappropriation du texte.

Qu'en est-il du personnage de Créon ? Comment l'avez-vous façonné ?

Dans les discours de Créon, nous retrouvons beaucoup de ce que pouvait dire l'ancien président du Brésil Jair Bolsonaro, des affirmations très réactionnaires. Mais il y a aussi une rhétorique plus moderne, la tentative de nier les antagonismes, la langue de la tolérance et d'écoblanchiment du capitalisme.

Cela s'apparente dans la pièce à l'idée qu'Antigone pourrait trouver un compromis pour enterrer son frère et épouser le fils de Créon, en continuant la lignée du pouvoir. Elle est assez intelligente pour dire non, elle sait que dans cette idée de continuité quelque chose est dangereux. Ce système ne fonctionne pas. C'est comme de dire qu'une entreprise écologique peut grandir exponentiellement tout en restant verte. En même temps, il ne faut pas oublier qu'Antigone est la fille d'Œdipe, héros coupable de parricide et d'inceste : elle fait partie de la même famille d'hommes, il n'y a pas de situation alternative. Il faut appréhender tout cela et tenter de trouver une forme de cohabitation qui ne soit plus dans un antagonisme extrême. C'est la leçon que j'essaie de tirer au cœur de ce projet hybride, entre des acteurs professionnels et non professionnels, des activistes, le brassage Brésil-Europe, la vidéo en direct sur scène, les mots de Sophocle mêlés d'écriture nouvelle... Tout cela conjugué aux situations réelles.

Vous avez mis en place des actions politiques et sociales en parallèle de la pièce Oreste à Mossoul et du film Le Nouvel Évangile, les deux premiers volets de votre trilogie sur les mythes anciens. Que va-t-il naître de ce nouvel opus ?

Dans la continuité d' Oreste à Mossoul, nous avons ouvert une école de cinéma avec le Théâtre de Gand que je dirige. C'est un projet en partenariat avec l'Unesco. Depuis, neuf films y ont déjà vu le jour. Pour Le Nouvel Évangile, nous avons réalisé une opération pour régulariser des travailleurs sans papiers et mis en place un réseau de distribution de tomates cultivées de manière équitable par ces ouvriers agricoles. Ici, nous travaillons à une grande campagne appelée Punish Nutella (" Punissez Nutella ") avec le Mouvement des sans-terre. La marque utilise de l'huile de palme produite dans la Province de Pará (où l'on crée notre Antigone) dans lequel il existe des violations des droits humains (expropriations, forêt brûlée, arbres arrachés). Nous faisons campagne contre cette huile à laquelle a été donnée une image éco-responsable trompeuse et dont l'appellation " certifiée " est acceptée par l'Europe même si sa production et son exploitation favorisent la déforestation. À part cette campagne, le projet comporte une exposition, deux vidéo-clips musicaux et un film documentaire sur la création. C'est un autre aspect de mon travail qui tente de fabriquer des " micro-écologies ", une façon de penser un projet non plus comme une simple pièce de théâtre mais de créer autour toute une économie parallèle à l'intérieur du système capitaliste, pour produire, vendre et consommer de manière différente. Notre volonté est de continuer, après les premières représentations, à se servir des outils de création artistique pour construire des cercles de production et de distribution vertueux et pérennes. La " micro-écologie ", c'est occuper le capitalisme, comme le MST occupe la terre. Avec Antigone, nous utilisons la tragédie grecque pour imaginer une relecture renouvelée - on occupe les classiques, on les réécrit. Ce qui était déjà là additionné de nouvelles connaissances, de nouvelles relations et peut-être aussi d'une nouvelle petite philosophie pratique. Je suis avant tout metteur en scène ; le théâtre et le film restent au centre, mais j'essaie de me lier à des ONG, à des militants, à des juristes, à des mouvements et à des producteurs. L'activisme peut être perçu comme ciblé et éphémère mais il nous faut essayer de mettre en place des réseaux alternatifs plus durables. Grâce à ces " micro-écologies ", le consommateur ou simple citoyen, quand il sort du théâtre, doit avoir des outils en main, simples et pratiques, pour participer à cette autre façon de faire et de vivre. Il est important pour moi de " critiquer " la manière de faire du théâtre, d'analyser les processus pour pouvoir les transformer. Nous vivons dans une civilisation globalisée, envahie par quelques mythes européens, méditerranéens. C'est un fait immuable, une nature contre laquelle nous ne pouvons aller. Il faut travailler avec cette nature et ses extrêmes. Il nous faut trouver une façon de vivre mieux pour les huit milliards d'humains, de penser la consommation autrement, de construire d'autres relations - et aussi une manière alternative, complètement nouvelle, de produire du théâtre.

* Le discours de Kay Sara, " Cette folie doit cesser ", avec lequel elle devait ouvrir le Wiener Festwochen, s'est fait en 2020, en ligne en raison du Covid, comme première partie de " l'École de la Résistance ", créée par Milo Rau, et depuis a été traduit et publié dans une dizaine de langues.

Entretien réalisé par Malika Baaziz

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Le Festival d'Avignon est aujourd'hui l'une des plus importantes manifestations internationales du spectacle vivant contemporain.

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La transposition en forêt amazonienne de la tragédie d’Antigone. Une charge politique puissante portée par des comédiens brésiliens, européens et des militants du Mouvement des sans-terre (MST).

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Le Mouvement des Sans Terres au du Brésil

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Espace critiques - Antigone in the Amazon - - 4 Milo Rau,

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« Il est des choses monstrueuses, mais rien n’est plus monstrueux que l’humain. »À l’écran, le chœur entonne son chant tragique. Un chant qui est une redoutable diatribe contre les protagonistes sur scène. Plans filmés et séquences en direct se répondent ; le dialogue est éloquent. Nous sommes à la fois au cœur de la mythique Thèbes et dans l’État de Pará où la jungle amazonienne brésilienne se désagrège, pillée et détruite irrémédiablement par des grands groupes industriels. Et c’est sur ce sol exsangue que Milo Rau a réuni comédiens brésiliens et européens, musiciens, activistes indigènes et membres du Mouvement des sans-terre (MST). Et c’est avec leur vécu et connaissance, additionnés de notre culture gréco-romaine, que le metteur en scène suisse, directeur du NTGent et directeur désigné du Wiener Festwochen, clôt sa « Trilogie de l’Antiquité » (Oreste à Mossoul et Le Nouvel Évangile) et réactive la tragédie d’Antigone. Une Antigone incarnée par l’activiste autochtone de l’Amazonie, Kay Sara, au côté d’un chœur antique composé de survivants du pire massacre de la police militaire contre le mouvement MST en 1996. Une allégorie de la lutte politique et de la résistance acharnée face à l’implacable cupidité d’un monde moderne et dévastateur.

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rencontre autour de l'influence de l'artiste sur la société

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rencontre autour de l'influence de l'artiste sur la société

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avec Alexandra Badea et Milo Rau (à partir de la 34e minute)

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Quel sera leur pouvoir dans les institutions et les lieux, et avec quels outils ? Quel sera leur rapport avec l'État et les élus locaux ? Quelle sera leur influence dans la société, sur les enjeux politiques, sur le débat intellectuel ?

Acte 3 de " Quel spectacle vivant en 2050 ? " Quel pouvoir d'influence des artistes dans la société ? Déclin ou regain : les artistes seront-ils prescripteurs d'opinion ? (Re)trouveront-ils une place dans le débat intellectuel et politique ? Les influenceurs du web plutôt que les artistes : comment ceux-ci parleront-ils à la jeunesse ?

Avec News Tank Culture.

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Quel spectacle vivant en 2050 ? Prospective à l'échelle d'une génération Acte 3 - Le pouvoir aux artistes : quel pouvoir d'influence sur la société ?

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Quel sera leur pouvoir dans les institutions et les lieux, et avec quels outils ? Quel sera leur rapport avec l'État et les élus locaux ? Quelle sera leur influence dans la société, sur les enjeux politiques, sur le débat intellectuel ? Acte 3 de " Quel spectacle vivant en 2050 ?

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rencontre avec Milo Rau et les actrices du MST au festival d'Avignon

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rencontre avec Milo Rau et les actrices du MST au festival d'Avignon

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La matinale du Festival, c’est le rendez-vous régulier du Café des idées autour des spectacles de la programmation. Les artistes qui font l’actualité du Festival répondent aux questions d’Olivia Gesbert et Zineb Soulaimani (en alternance).

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C’est l’effervescence dans la cité Coraline. Les pitbulls du hall l’ont senti et la nouvelle vient de tomber. Dans quelques jours une Google Car viendra chez eux pour tout cartographier, réduire les espaces et la vie des habitants et habitantes à l’état de données. Côté bike-life la résistance s’organise. Le plan est simple : chasser cette caisse, filmer ça, faire le buzz et gratter un billet au passage pour pouvoir s’arracher d’ici. Du hall d’entrée jusqu’au toit, d’un appartement à l’autre, les fragments de vie s’additionnent, se superposent et finissent par recomposer l’itinéraire de cette journée inflammable.

« Tisser l’intime et le collectif, pour proposer une autre histoire des banlieues, celle d’une forme de résistance. Déplacer les imaginaires liés aux quartiers populaires, pour représenter sans imiter le réel. Entendre les voix de morts et des mortes, la parole des invisibles, portées par un fantôme. » – Loreleï Dupé, Antoine Gadais, Esteban Okbi

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La création SP98

Résidence du 27 octobre au 4 novembre 2023 à la Maison des arts

Qu'est-ce-qui, dans les milieux populaires, peut pousser à la mise en danger de soi et d'autrui ? Qu'est ce que cela veut dire, politiquement, d'habiter et d'investir ce type de territoires ? Quels sont les liens entre espaces urbains, défiances, manières d'exister et prises de risques ?

Le fil conducteur de la pièce : la mort d'un jeune homme à moto.

Cette mort, elle passe par le témoignage de sa mère, par une scène de drague sur les toits de la cité, par la parole de motards de la police, par la danse, par des extraits de discours et des espaces de choralités. Ces fragments, de formes théâtrales et de natures différentes, se superposent comme autant d'éclats de vies, en tentant de rendre compte sur scène de ce qui peut faire «risque» dans les milieux populaires. D’une précarité multiple, qui est aussi celle des émotions, des horizons.
À travers le personnage de Chrome, un fantôme dont l'identité est mouvante, on entre dans l'intime des habitant·e·s de cette cité coincée entre la mer et le centre-ville, entre pulsions de vie et pulsions de mort.

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les terminales spé le 19 décembre à 17h et 19h

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les terminales spé le 19 décembre à 17h et 19h

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Au programme : Parcours Dominique Blanc, Phèdre de Racine et Le Mariage de Figaro de Beaumarchais

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les 1ères spé et fac, le vendredi 20 décembre à 17h

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les 1ères spé et fac, le vendredi 20 décembre à 17h

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Au programme, des extraits de "ça ira" de Joel Pommerat sur la révolution française

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esthétique de la résistance, Creuzevault

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esthétique de la résistance, Creuzevault

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présentation du spectacle, quelques photos, interview de Sylvain Creuzevault

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L’Esthétique de la résistance - Odéon - Théâtre de l’Europe

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Sylvain Creuzevault examinait dans Edelweiss [France Fascisme], présenté la saison dernière à l’Odéon, le camp de la collaboration française pendant la

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MC93 - Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis

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C'est nous le théâtre ! Hors-série / L'Esthétique de la résistance

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“L’Esthétique de la résistance” de Peter Weiss, présentation par Sylvain Creuzevault

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L’écrivain Peter Weiss (1916-1982), qui avait fui le régime nazi dès 1935, a consacré les dix dernières années de sa vie à écrire L’Esthétique de la résistance, œuvre majeure de la littérature du XXe siècle. L’action se déroule de 1937 à 1945. Le narrateur, au début jeune ouvrier de 20 ans, y relate son action et celle du milieu ouvrier contre le fascisme. Dans le même temps, il se forge un regard critique en fréquentant les grandes œuvres artistiques de toutes époques, représentant elles-mêmes les catastrophes traversées par l’humanité. Quelle est la force de l’art comme outil d’appréhension du monde et de résistance à l’ordre établi ? Sylvain Creuzevault met en scène le spectacle d’entrée dans la vie professionnelle du Groupe 47 de l’École du TNS, avec des membres de sa compagnie.

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Sylvain Creuzevault pour “Notre terreur”

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Entretien avec Sylvain Creuzevault au sujet sa nouvelle création “Notre terreur”

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liens vers d'autres spectacles de Sylvain Creuzevault

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Résultat de recherche : creuzevault | ARTCENA

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Le théâtre de Sylvain Creuzevault tourne autour de ses comédiens. Ils sont les moteurs d’un processus de création collective au long cours, dont le metteur en scène, toujours méfiant vis-à-vis du texte, leur confie les rênes. Un travail toujours renouvelé, jamais achevé.

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Théâtre : Rébecca Chaillon, performer pour dénoncer

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Rébecca Chaillon : Carte Noire nommée Désir I Théâtre de la Manufacture CDN Nancy Lorraine

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page très complète sur le projet et l'artiste

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page très complète sur le projet et l'artiste

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Carte Noire nommée désir - Digipad by La Digitale

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Une application en ligne pour créer des murs multimédias collaboratifs proposée par La Digitale

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Que se cache-t-il derrière le mot "performance", si souvent employé pour qualifier des travaux artistiques ? Le plus souvent utilisé dans le cadre du spectacle vivant, on le retrouve dans des contextes variés, faisant de lui un mot aux contours difficiles à cerner. Pour en savoir plus sur la notion de performance, Marie Sorbier s'est enquis auprès de Julie Pellegrin, curatrice et critique d'art, pensionnaire de la Villa Médicis, ayant dirigé le centre d'art contemporain La Ferme du Buisson.

Définir la performance : entre polymorphie et polysémie

Très au fait de l'histoire et de l'évolution de la notion "capricieuse" de performance dans l'art moderne et contemporain, Julie Pellegrin nous en donne sa définition :

" La performance est née comme forme d'expression artistique avec les premières avant-gardes du XXe siècle, comme le futurisme, le dadaïsme, avant de renaître dans les années 60-70 dans le champ de la danse postmoderne aux USA et dans le champ des arts plastiques. On parlait alors d'Happenings, d'events ou de body art." Julie Pellegrin

La performance, si elle est souvent associée à l'art sous des formes aussi variées que la danse ou les arts plastiques, n'en reste pas moins indissociable de sa connotation première d'exploit :

" La performance recouvre aussi une connotation d'exploit, de résultat obtenu par un sportif, un salarié, une entreprise... C'est une acceptation de la performance liée à notre monde néolibéral, puisque désormais l'on subit tous des injonctions à la performance, celles-là mêmes que les artistes vont venir contrer via leurs pratiques dites de performance." Julie Pellegrin

Au-delà de cette polysémie bien connue, l'un des éléments majeurs pour compléter la définition de la notion de performance est l'utilisation du corps, l'un des éléments essentiels de la performance :

" Ça a été un marqueur des pratiques performatives au début du XXe siècle puis dans les années 60-70 et le reste encore aujourd'hui. Mais la performance artistique peut prendre mille autres formes aussi !" Julie Pellegrin

Une autre caractéristique propre aux performances semble être leur inscription dans le temps présent et leur propension à emporter l'esprit d'un public habitué à penser à l'avenir ou au passé dans l'instant présent :

" Cette question est très importante et elle est très étudiée dans les 'performance studies'. Néanmoins, elle est aujourd'hui remise en cause par un ensemble de pratiques qui médiatisent les performances, puisque ces dernières sont filmées, racontées, photographiées." Julie Pellegrin

La performance comme espace de spéculation et de contestation

Aussi, pour l'historienne d'art et curatrice de performance à la Tate Modern Catherine Wood, la performance serait non pas une scène où des actions seraient performées mais un espace de relation où quelque chose pourrait se produire.

" Cette dimension conditionnelle et spéculative est très intéressante et peut-être un peu plus caractéristique des pratiques actuelles que la question de la présence. Comment cet espace d'actions et de relations peut spéculer un imaginaire ou un futur possible." Julie Pellegrin

Comme nous l'avons vu, la performance est une notion changeante, ayant évolué au cours du temps et risquant de continuer à se modifier dans les années à venir. Comme toute forme d'art, la performance connaît son lot de tendances faisant souvent écho aux problèmes sociétaux, du moins c'est ce que laissent penser les tendances d'aujourd'hui et celles que l'on pressent venir :

" On assiste à une période de vitalité extraordinaire de la performance. Les femmes, les artistes queers ou racisés ont investi le médium de la performance d'une manière particulière. Ce n'est pas anodin que les minorités s'emparent d'un médium encore considéré comme mineur. La performance a quelque chose à voir avec la contestation, la revendication et l'émancipation, et les pratiques actuelles se nourrissent des perspectives féministes, décoloniales, du care, du soin et des affects." Julie Pellegrin

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Qu'appelle-t-on une performance ? Julie Pellegrin, curatrice et critique d'art, nous explique les caractéristiques de l'acte performatif contemporain.

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teaser et articles critiques (à voir après le spectacle)

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teaser et articles critiques (à voir après le spectacle)

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Espace critiques - Carte noire nommée désir - Rébecca Chaillon, - 4 Rébecca Chaillon,

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Espace critiques - Une autre histoire du théâtre - - 4 Fanny De Chaillé,

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"Autrice" : la très vieille histoire d'un mot controversé

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Au coeur d’une friche militaire, la Halle Tropisme est un lieu culturel et entrepreneurial de 4000m2 situé à Montpellier, doté d’espaces de travail, de programmation artistique, de détente et de restauration.

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TRANSFORME | Mathilde Monnier, "Black Lights"

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77e Festival d’Avignon. Mathilde Monnier pour “Black Lights”

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Café des idées / La matinale. Mathilde Monnier. Présentation Zineb Soulaimani. La matinale du Festival, c’est le rendez-vous régulier du Café des idées autour des spectacles de la programmation. Les artistes qui font l’actualité du Festival répondent aux questions d’Olivia Gesbert et Zineb Soulaimani (en alternance). Partenaires : Festival d’Avignon.

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Inspirée de faits réels, une série manifeste qui rend compte des violences faites aux femmes au quotidien. 24 films courts audacieux, d'après les textes de 24 autrices européennes, interprétés par 24 actrices d'exception.

Emprise, revenge porn, féminicide, codes vestimentaires sexistes... : H24 éclaire les diverses formes d'abus dont peuvent souffrir les femmes à chaque heure du jour et de la nuit, à travers une collection de vingt-quatre courts métrages inspirés de faits réels. S'inscrivant dans une esthétique commune, chaque film entrelace brillamment littérature et cinéma. À la force des monologues en différentes langues européennes et proposées en versions sous-titrées s'ajoute l'interprétation subtile et poignante des comédiennes. Transcendant les individualités, les récits, écrits par une pléiade d'auteures talentueuses dessinent les contours d'un fléau systémique sans laisser place à la fatalité, racontant aussi l'insoumission et la riposte, narquoise ou cinglante. Poétique et tragique, un appel à la sororité et à la parole libérée.

Réalisation

Nathalie Masduraud & Valérie Urrea, Nora Fingscheidt, Clémence Poésy

Charlotte Abramow, Marie-Castille Mention-Schaar, Ariane Labed, Elsa Amiel

Émilie Brisavoine, Sandrine Bonnaire

Musique

Avec

Diane Kruger, Souheila Yacoub, Elina Löwensohn, Céleste Brunnquell

Marilyne Canto, Déborah Lukumuena, Charlotte de Bruyne, Anaïs Demoustier

Tallulah Burns, Annabelle Lengronne, Noémie Merlant

Valeria Bruni Tedeschi, Kayije Kagame, Garance Marillier, Sveva Alviti

Florence Loiret Caille, Camille Cottin, Grace Seri, Galatea Bellugi, Marco,

Romane Bohringer, Susana Abaitua, Luana Bajrami, Aloïse Sauvage

Agnieszka Zulewska, Nadège Beausson-Diagne

Auteur.e

Angela Lehner, Alice Zeniter, Sofi Oksanen, Siri Hustvedt, Lydie Salvayre

Jo Güstin, Lize Spit, Lola Lafon, Kerry Hudson, Fabienne Kanor, Myriam Leroy

Ersi Sotiropoulos, Agnès Desarthe, Anne Pauly, Nadia Busato

Blandine Rinkel, Kaouther Adimi, Christiane Taubira, Niviaq Korneliussen

Monica Sabolo, Rosa Montero, Chloé Delaume, Aloïse Sauvage, Grazyna Plebanek

Pays

Année

Durée

91 min

Disponible

Du 08/12/2021 au 22/10/2026

Genre
Séries et fictions
Versions

Sous-titrage malentendant

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H24 - 24 heures dans la vie d'une femme | L'intégrale - Regarder la série | ARTE

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Inspirée de faits réels, une série manifeste qui rend compte des violences faites aux femmes au quotidien. 24 films courts audacieux, d'après les textes de 24 autrices européennes, interprétés par 24 actrices d'exception.

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"Black Lights", une création coup de poing de Mathilde Monnier

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Mathilde Monnier s'empare de textes de la série H24 traitant des violences faites aux femmes pour créer Black Lights.

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Mathilde Monnier : “Mon travail n’est ni ironique, ni sarcastique, c’est une légèreté sérieuse”

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La chorégraphe et danseuse revient sur l’évolution de sa carrière et explique, tout au long de cette masterclasse, les secrets de fabrication de ses spectacles.

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73e Festival d’Avignon. François Gremaud pour “Phèdre !”

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Conférence de presse animée par Laurent Goumarre. Ce Phèdre ! de Racine pourrait avoir en sous-titre : conférence espiègle et insolite. La salle de spectacle devient salle de cours, et nous, devant un Romain Daroles en jeune professeur exalté qui veut nous transmettre sa passion ardente pour Phèdre, nous rions. Seul sur scène, armé d’un livre, le comédien campe tous les personnages et fait revivre sous nos yeux la force des passions à l’oeuvre dans la pièce. Habité d’un enthousiasme communicatif pour la langue classique, il retrace d’une verve cocasse la descendance mythologique des personnages, démêle l’intrigue foisonnante, déchiffre la beauté merveilleuse des alexandrins... Ajouté au titre, le point d’exclamation – ou point d’« admiration » comme il était appelé à l’époque – vient marquer l’émerveillement du metteur en scène et de l’interprète et leur amour pour un théâtre toujours aussi vivant. Tout en humour, François Gremaud coupe le mal « à la Racine » et fait de cette grande tragédie classique une odyssée moderne et joyeuse. Le drame qui se noue est, « en vers » et contre toute attente, une ode à la vie, un hymne à la joie. Partenaires : Festival d’Avignon

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« Phèdre ! », d’après Jean Racine, par François Grémaud | ARTCENA

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« Phèdre ! » prend la forme d’une fausse conférence pour rendre hommage à un bijou du répertoire classique. Si seulement tous les lycéens pouvaient recevoir un tel cours : du théâtre pour parler du théâtre ! Juste et exaltant.