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El Museo del Louvre se visitó de forma virtual, ya que se encuentra en París, Francia. Al comenzar el recorrido, me llamó la atención la belleza de la pirámide de vidrio, diseñada por Ming Pei, cuyo objetivo fue aportar un toque moderno al lobby del museo. Este, anteriormente, fue un castillo rodeado de enormes jardines que aún conservan un estilo renacentista.

Las salas del museo se dividen en tres grandes colecciones: Richelieu, Sully y Denon. En Richelieu se pueden encontrar arte decorativo, antigüedades del Medio Oriente, escultura francesa y pintura nórdica. Mientras tanto, en Sully se exhiben arte griego, arte egipcio, pintura francesa del siglo XVII al XIX y elementos relacionados con la historia del Louvre. Por último, la colección Denon alberga pintura y escultura italiana, arte islámico y pintura francesa de gran formato. Estas colecciones reciben su nombre en honor a figuras históricas destacadas como el Cardenal Richelieu, el Duque de Sully y el primer director del Louvre, Vivant Denon.

Al entrar al museo, se puede apreciar una amplia recepción con tiendas y escaleras eléctricas, lo que refleja el esfuerzo por mantener el Louvre como un espacio moderno y adaptado a las necesidades de los visitantes y a los avances tecnológicos. Al llegar a la colección Sully, destacan en los techos relieves detallados con narraciones mitológicas, representando el estilo renacentista del palacio.

En la colección Denon, las esculturas, en excelente estado de conservación, también representan personajes mitológicos que se repiten tanto en las esculturas como en las pinturas. Cada dios está acompañado de una simbología constante que facilita su identificación.

Las paredes varían en color, aunque ningún tono es demasiado llamativo para no restarle protagonismo a las obras expuestas.

Uno de los principales atractivos turísticos del museo es la Gioconda, pintada por Leonardo Da Vinci. La mayoría de los visitantes se congregan para admirar la belleza y la importancia de esta obra en la cultura moderna.

Desde la entrada a la colección Richelieu, se encuentran estructuras mesopotámicas que hacen referencia a las creencias de los Anunnaki, donde aparecen figuras con cuerpo de animal y alas. En esta misma colección, también se pueden apreciar escenas bíblicas sobre la vida de Jesús, embellecidas con finas capas de pan de oro, lo que intensifica la sensación de divinidad en las escenas.

En conclusión, el Louvre ha sabido mantener en excelente estado sus obras y organizar su colección de manera eficiente. La conservación de su estructura y su rica historia simbolizan el interés por preservar la cultura, el aprendizaje y el patrimonio. Es un espacio enriquecido por la diversidad de culturas, religiones y épocas históricas, lo que permite al visitante conocer más sobre diferentes lugares y tiempos del mundo.

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Mi visita al Museo Botero en Bogotá fue una experiencia cautivadora desde el momento en que ingresé a sus coloridos y tranquilos patios. El museo, ubicado en el corazón del barrio La Candelaria, alberga una vasta colección de obras donadas por el famoso artista colombiano Fernando Botero. Lo que más me impresionó fue el estilo único de Botero, caracterizado por las proporciones exageradas y voluminosas de sus figuras, que parecen desafiar las normas tradicionales del arte. A medida que recorría las salas, me encontré con pinturas y esculturas que, con su singularidad, transmitían una mezcla de humor y crítica social.

Uno de los momentos más memorables fue observar de cerca sus famosas interpretaciones de clásicos como la "Mona Lisa", donde la figura infantil, con sus formas redondeadas, parecía cobrar una nueva vida bajo el estilo inconfundible de Botero. Las esculturas, repartidas por diferentes espacios del museo, parecían cobrar protagonismo con su imponente presencia, destacando no solo la habilidad técnica del artista, sino también su capacidad para reinterpretar la realidad. Cada obra reflejaba un equilibrio entre lo cómico y lo profundo, invitando a los visitantes a cuestionar su visión del mundo.

La exposición no solo incluía obras de Botero, sino también una selecta colección de arte internacional, con piezas de artistas como Picasso y Dalí, lo que enriqueció aún más mi experiencia. A través de esta visita, me sumergí no solo en el mundo de Fernando Botero, sino también en la evolución del arte moderno y contemporáneo. Salí del museo con una nueva apreciación por el talento de Botero y su impacto en el panorama artístico mundial, sintiendo que cada obra contaba una historia que perduraría en mi memoria.

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Cerca de la Universidad de los Andes se encuentra el Centro del Japón, donde visité una exposición titulada KawaiiKowai. Al comenzar, nos explicaron que esta muestra presentaba dos perspectivas contrastantes sobre la vida en Japón y cómo influye en sus prácticas artísticas. Los autores de la colección fueron Leonardo Caro Cataño Ordóñez, docente de japonés y apasionado por la fotografía, y Valentina Guzmán Porras, egresada de Diseño, quien realizó un intercambio en Japón debido a su interés por la cultura asiática. Leonardo explora en su obra nuevos significados y la democratización de la fotografía, mientras que Valentina utilizó el arte plástico para representar la romantización de la vida en Japón y la nostalgia infantil, apoyándose en personajes llamativos y adorables que acompañaban el recorrido a lo largo de los tres pisos de la exposición.

Decidí empezar por el primer piso, donde se exponían inspiraciones de sus viajes, incluyendo documentos, pasaportes, fotografías y dibujos en libretas que destacaban su fascinación por personajes que encarnan el concepto de kawaii. En las paredes, había lienzos con figuras coloridas y palabras en japonés, en una evidente exploración artística por parte de Valentina. Me llamó la atención cómo fusionaba el estilo kawaii con elementos de graffiti, una combinación que parecía buscar un toque personal y único. El personaje más recurrente en las salas era un perro amarillo de ojos grandes, que a menudo aparecía acompañado de mensajes motivadores.

En el segundo piso, predominaban las fotografías, en las que se mostraban diversas zonas de Japón a través de una gama de colores. Algunas capturaban una realidad más cruda de Japón, mientras que otras idealizaban los festivales, las personas y los paisajes. Este contraste me pareció fascinante, ya que ofrecía una reflexión profunda sobre la cultura asiática. Cuatro hileras de fotografías en blanco y negro revelaban los dilemas sobre la fotografía que quería transmitir Leonardo, con escenas crudas y minimalistas. Sobre ellas, había animales de cartón y papel de colores vibrantes, que, con sus gestos adorables, parecían acompañar al espectador durante el recorrido.

En el primer piso también había divisiones de cartón con dibujos que representaban edificios japoneses, letreros y refrescos coloridos, junto con fotografías de sus experiencias, acompañadas de reflexiones escritas por los autores que invitaban a la introspección. Los contrastes entre las obras de ambos artistas no solo se complementaban, sino que lograban un equilibrio creativo que abordaba de manera original sus vivencias. La exposición me pareció organizada y envolvente, con elementos que enriquecían la comprensión de la vida y cultura japonesa desde múltiples enfoques. Fue, sin duda, una experiencia artística excepcional.

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Al ingresar al Museo Nacional de Colombia, la guía nos explicó que originalmente el edificio había sido una cárcel diseñada por el arquitecto Thomas Reed en 1874. Después de 74 años de servir como prisión, el edificio se transformó en el Museo de Ciencia Natural. Inicialmente, su enfoque era etnográfico, en línea con el nombre del edificio, el "Panóptico," que hace referencia a la posibilidad de observar todo el interior desde un solo punto. Con el tiempo, los intereses del museo evolucionaron, y comenzaron a coleccionar objetos históricos y artísticos, acumulando más de 200,000 piezas. Estas piezas narran la historia de Colombia desde la época precolombina hasta el presente, lo que llevó al museo a convertirse en el Museo Nacional de Colombia.

El museo cuenta con tres pisos, cada uno con entre cinco y seis salas. En el primer piso, las dos primeras salas (Sala 1 y Sala 2) se dedican a mostrar la historia del museo y la importancia de su construcción en la historia de Colombia, además de relatar la historia del edificio Panóptico como antigua penitenciaría local.

En el mismo piso, la Sala 3, titulada "Tiempos sin olvidos: Diálogos desde el mundo prehispánico," ofrece un recorrido histórico a través de piezas arqueológicas para reflexionar sobre cómo los pensamientos, emociones y actitudes han influido en la historia y cómo estos diálogos nos conectan con el presente. La Sala 4, "Memoria en movimiento," alberga material de RTVC para mantener viva la memoria colectiva del país. La Sala 5 es un espacio privado para talleres, mientras que la Sala 6, "Brillante Amanecer. La metalurgia en el mundo indígena," presenta una colección de elementos en oro, metales y piedra de comunidades indígenas que reflejan sus prácticas culturales.

En el segundo piso, se encuentran siete salas. La Sala 7, "Memoria y Nación," representa diversos elementos de la memoria colombiana y la diversidad en la historia, creando una colección inclusiva sobre la transmisión de conocimientos y experiencias. La Sala 8 exhibe elementos de orfebrería de la época colonial y la independencia. La Sala 9 colecciona imágenes, escritos y archivos multimedia sobre el orgullo nacional y los aspectos que nos unen como país. La Sala 10 muestra colecciones adquiridas recientemente por el museo, y la Sala 11 presenta archivos sobre las metas sociales y la historia de Colombia desde múltiples perspectivas. El gabinete de colecciones de la Sala 12 contiene retratos en miniatura del siglo XIX, mientras que la Sala 13 invita a reflexionar sobre el uso de recursos naturales, la conquista territorial y la importancia de la fauna colombiana.

En el tercer piso, hay dos salas. La Sala 14, "Mirada Panóptica al Arte en el Museo Nacional de Colombia," presenta obras de gran formato de diferentes épocas, cada una con una narrativa característica de su tiempo. La Sala 15, "Sala ser y hacer," exhibe arte moderno que propone nuevas visiones y cuestiona problemáticas actuales.

Durante mi visita, recorrí el museo de arriba hacia abajo, ya que los pisos superiores eran más amplios. Las paredes estaban pintadas en tonos blanco, negro, amarillo y azul, y algunas tenían textos relacionados con la intención de la obra, como en los casos de "Suicidas del Sisga" y las versiones históricas del Himno de Colombia.

Noté un problema con las enumeraciones, ya que no había una forma clara de identificar los elementos numerados, especialmente en la sección de orfebrería indígena, donde esto podría haber sido útil para entender mejor su utilidad.

Me impresionó la diversidad de elementos y el uso vibrante del color en el museo. Sin duda, es uno de mis museos favoritos.

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El Museo de Arte Miguel Urrutia, fundado por la Universidad de los Andes y nombrado en honor al empresario Miguel Urrutia, ha sido un importante promotor del arte colombiano. Urrutia, comprometido con el desarrollo cultural del país, fomentó la difusión del arte moderno y contemporáneo, tanto nacional como internacional. Al ingresar al museo, se debe subir una escalera que lleva a la primera planta, donde se exhibe la Colección de Arte del Banco de la República. Entre las obras de arte colonial, me impactó especialmente el cuadro de las Almas en el Purgatorio, que reflejaba la necesidad de adoctrinar a los indígenas y cómo su imagen fue satanizada a través de estas representaciones visuales. En el segundo piso, se encuentran obras que representan los inicios del arte moderno, con trabajos de artistas como Alejandro Obregón, Enrique Santamaría y Edgar Willeman.

A pesar de su tamaño relativamente pequeño, la disposición de las obras en el museo es impecable, permitiendo al visitante moverse con facilidad y apreciar cada pieza desde diversas perspectivas. La clara organización temática de las exposiciones refleja el recorrido histórico del arte colombiano, mientras que las obras seleccionadas resaltan el valor patrimonial y cultural del país.

Las paredes blancas de las salas acentúan las características de las obras expuestas, y la iluminación es suave, lo que evita el deterioro de las piezas. El ambiente del museo es acogedor y propicio para la reflexión crítica sobre el arte, permitiendo al visitante explorar las colecciones históricas desde distintas perspectivas narrativas, siempre con un enfoque en el valor de la herencia artística de Colombia.

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Durante mi visita virtual al Museo Nacional de Tokio, fui recibido por la impresionante imagen del edificio Honkan en el parque Ueno. A través de la pantalla, recorrí las galerías que albergan siglos de historia y arte japonés. El recorrido comenzó con las primeras formas de arte del país, como los Haniwa del período Kofun, pequeñas figuras de terracota que, aunque observadas digitalmente, transmitían la profundidad de su significado ancestral. Cada pieza, cuidadosamente descrita, me transportaba a los inicios de la civilización japonesa y su rica herencia cultural.

La siguiente sala, dedicada al arte budista, fue igualmente fascinante. Aunque no estaba físicamente allí, la majestuosidad de la estatua de Amida Nyorai, del período Kamakura, resonaba a través de la pantalla. Las imágenes de alta calidad me permitieron admirar los detalles de la obra y sentir la calma que transmite su postura. Del mismo modo, la pintura de Fugen Bosatsu del siglo XII, con sus finos detalles en seda, era una representación virtual perfecta de la devoción artística y espiritual de la época.

El recorrido finalizó en la galería dedicada al arte de la ceremonia del té. Las delicadas tazas de porcelana del período Edo, vistas en primer plano gracias a la tecnología, revelaban la importancia de los rituales en la vida cotidiana de Japón. Aunque mi visita fue digital, la experiencia fue inmersiva y educativa, permitiéndome explorar la esencia del arte japonés desde la comodidad de mi hogar. e Impresión

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Análisis visual

La obra principal muestra a una mujer joven con vestimenta renacentista. Lleva un vestido en tonos marrones y crema, con un chal oscuro. Su expresión es neutra y está enmarcada por un fondo de color neutro, sin detalles específicos. La postura cruzada de los brazos da una sensación de calma o introspección.

La figura está centrada, resaltando su rostro y manos. Las tonalidades son apagadas, en su mayoría terrosas, lo que destaca la textura y el sombreado en su vestimenta y piel. La mirada de la joven parece fija hacia un lado, dándole un aire enigmático. El fondo neutro destaca aún más la figura

La obra podría estar influenciada por el arte del Renacimiento, caracterizado por la atención al detalle humano y el uso de colores terrosos y suaves. Podría estar inspirada en la obra de artistas como Leonardo da Vinci o Rafael por la postura y la serenidad de la figura.

Ficha técnica

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Análisis visual

Imagen de la obra

La pintura muestra a una mujer joven, Vera Sergine Renoir, retratada de medio cuerpo con una postura relajada. Ella apoya su cabeza sobre su mano derecha, lo que le otorga una sensación de calma y serenidad. Su rostro está suavemente modelado, típico del estilo de Renoir, con colores cálidos y una expresión amable. El fondo está compuesto por pinceladas sueltas y vibrantes, con tonos rojos, azules y amarillos que parecen fundirse entre sí, creando una atmósfera luminosa y envolvente sin distraer del rostro de la mujer.

El uso del color y la textura es una característica notable en esta obra. Renoir utiliza pinceladas suaves y fluidas, especialmente en el tratamiento del rostro, contrastando con el fondo más abstracto y suelto. Los tonos cálidos y terrosos dominan la paleta, lo que le da un aire de intimidad y cercanía al retrato.

Artista: Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Título: Vera Sergine Renoir

Año: 1914

Técnica: Óleo sobre lienzoDescripción breve de un párrafo.

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Análisis visual

Esta fotografía en blanco y negro muestra a dos hombres, sentados y vestidos con chaquetas de cuero, un elemento comúnmente asociado con subculturas como los motociclistas o el punk. El hombre de la izquierda lleva un sombrero oscuro y una bufanda, mientras sostiene una bebida en la mano y parece estar sonriendo o riendo, lo que le da una sensación de espontaneidad y relajación. El hombre de la derecha usa una boina de lana y parece estar encendiendo un cigarrillo o cubriendo su boca.

La imagen evoca un ambiente informal y callejero, con una estética que parece capturar un momento auténtico de interacción entre amigos, típico del estilo documental o de fotoperiodismo. La iluminación crea sombras suaves, añadiendo un aire de misterio, pero también de intimidad. El hecho de que ambos personajes usen chaquetas de cuero refuerza una sensación de rebeldía o pertenencia a una contracultura. La elección de blanco y negro potencia esta sensación atemporal, lo que puede remitir a un contexto histórico específico, como la juventud urbana de las décadas de 1970 u 1980.

Visualmente, la composición está bien balanceada, ya que ambos personajes están colocados simétricamente, pero en poses contrastantes. Uno está más abierto y expresivo, mientras que el otro parece más introspectivo y reservado. Esta dualidad genera un dinamismo interesante dentro de la imagen.

Ficha técnica

Título: N/A

Autor: Leonardo Caro

Fecha de creación: N/A

Técnica: Fotografia Analoga

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Análisis visual

La composición presenta una escena bíblica de la Anunciación, en la que el Arcángel Gabriel le comunica a la Virgen María que dará a luz al hijo de Dios. Las dos figuras principales ocupan los lados izquierdo y derecho de la pintura, creando un equilibrio visual. El espacio que las separa está ocupado por un fondo vibrante de color rojo con un pequeño símbolo blanco en el centro, posiblemente representando al Espíritu Santo en forma de paloma.Ficha técnica

El color dominante en la obra es el rojo intenso, que ocupa gran parte del fondo y establece un ambiente dramático y emotivo. Este rojo contrasta fuertemente con las figuras que usan tonos más oscuros, como el verde y el negro, en el caso del ángel, y un púrpura oscuro para la Virgen. Los acentos dorados y blancos de las flores y la paloma añaden un toque de pureza y espiritualidad a la obra.

La iluminación en la pintura parece ser interna, es decir, no hay una fuente de luz claramente visible en la escena. Sin embargo, hay un uso sutil de claroscuros, especialmente en los rostros de las figuras, lo que ayuda a dar volumen y cierta profundidad a las figuras. Las sombras en los mantos de los personajes añaden una sensación de peso y materialidad.

La textura en la obra es visible, especialmente en el uso del óleo sobre la tela. Las pinceladas parecen ser gruesas y cargadas, lo que añade una sensación de fisicalidad. Esto es especialmente notable en el fondo, donde el color rojo parece casi vibrar debido a la textura visible de la pintura.

Las líneas en esta obra son suaves y curvas, especialmente en las figuras humanas. No hay líneas rígidas o definiciones estrictas, lo que da a la escena un aire más fluido y espiritual. Los contornos de los personajes son difusos, lo que les otorga un carácter más etéreo y menos anclado en la realidad física.

Las formas en las figuras humanas son estilizadas, sin una pretensión de realismo anatómico. Las proporciones están ligeramente alargadas, especialmente en las manos, lo que enfatiza el gesto comunicativo entre ambos personajes.

Título: La Anunciación

Autor: Andrés de Santa María Hurtado (1860–1945)

Fecha de creación: ca. 1934

Técnica: Óleo sobre tela

Descripción breve de un párrafo.

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Análisis visual

La obra presenta una composición centrada en un arreglo de girasoles en un jarrón. Los elementos principales, que son las flores, ocupan la mayor parte del lienzo, destacándose en el primer plano. Las flores parecen desproporcionadas, con pétalos y cabezas grandes, lo que podría ser una señal del estilo característico de Botero, aunque aquí se encuentra en una fase más temprana de su carrera. La distribución de los girasoles es irregular, con diferentes tamaños y niveles de descomposición, lo que añade variedad al conjunto.

El color amarillo predomina en la obra, tanto en las flores como en el fondo, lo que genera una armonía cálida. Los tonos marrones, ocres y verdes se combinan para crear un contraste entre el jarrón y las hojas, mientras que los pétalos de los girasoles varían en tonalidades de amarillo, algunos ya casi secos y otros más vibrantes. El uso de colores terrosos y cálidos es característico del estilo de Botero, pero en esta obra, el artista todavía no presenta las formas exageradas que definirían su carrera posterior.

Las formas en la obra son orgánicas y simplificadas. Las flores, aunque identificables como girasoles, no presentan un detallado realista. Las formas son más bien expresivas, con líneas gruesas y contornos difusos. Los pétalos y hojas parecen desdibujados, lo que refuerza la idea de una naturaleza muerta más conceptual que realista.

Ficha técnica

Título: Girasoles

Autor: Fernando Botero (1932–2023)

Fecha de creación: ca. 1959

Técnica: Óleo sobre telaDescripción breve de un párrafo.

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La obra muestra una escena al aire libre con varias figuras sentadas bajo un cerezo en flor. Las vestimentas de las personas parecen tradicionales, con kimonos en diferentes tonos. La naturaleza juega un papel importante en la composición, con colinas suaves en el fondo y un árbol en flor que domina el plano.

Esta obra sigue un estilo pictórico japonés que puede estar asociado al período Edo. El uso de colores suaves y delicados es típico de este tipo de arte. El cerezo en flor es un símbolo importante en la cultura japonesa, relacionado con la belleza efímera de la vida. El diseño es simétrico, con las figuras centradas y el árbol creando un punto focal.

Ficha técnica

Título: No especificado (posible interpretación: "Escena bajo los cerezos en flor").

Autor: Desconocido, pero basado en el estilo pictórico, podría pertenecer a un artista japonés del período Edo.

Fecha: Probablemente siglos XVII-XVIII, durante el período Edo en Japón.

Estilo: Pintura japonesa tradicional (Yamato-e).

Técnica: Pintura sobre papel o seda montada en un biombo (posiblemente tinta y pigmentos minerales).

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Cuando vi estas estatuas, me recordaron mucho al arte sumerio, que me encanta. Al verlas en la presentación de clase, me emocioné mucho debido al nulo reconocimiento que se le da a los sumerios en la historia de Occidente.

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Me encantó. El amarillo en esta obra me parece muy lindo porque está bien balanceado, ya que no toma todo el protagonismo de la obra.

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Encontrarme con Leo Sensei de nuevo fue bonito. Había tenido la oportunidad de ver su obra durante el curso de japonés 1 que tomé con él. Cruzar unas palabras con él fue lindo, especialmente al hablar acerca de las dualidades de la sociedad japonesa.

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Ver un cuadro de Andrés de Santa María, que es mi pintor favorito, es una delicia total. Observar esos cuadros de gran formato, realizados por él, me dejó pasmado por tanta belleza. Pensar en lo transgresores que fueron para su época me inspiró a seguir pintando.

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Ver otro Andrés de Santamaría en este museo fue hermoso, en especial porque en la sala donde estaba exhibido se centraba en los artistas que trajeron el arte moderno a Colombia, lo que hace que sea mi sala favorita del MAMU, debido a lo atrevidos que fueron los artistas allí expuestos.

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Me parece impresionante cómo la tinta fue utilizada para crear arte. Lograr tanto nivel de detalle y la uniformidad de las líneas permite alcanzar esa precisión en las sombras. Me resulta inspirador para mi propio proceso artístico.

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El arte samurái en este museo parece muy noble. Es como si, durante todos estos años, esas armaduras no hubieran olvidado que sirvieron fielmente a un amo. Los protectores del Japón antiguo se ven muy épicos.

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La Mona Lisa, el cuadro más famoso del mundo, deja a la gente con la boca abierta por su enigmática sonrisa. Sin embargo, al ver las imágenes de ella en el museo, solo puedo pensar que sería un fastidio estar allí, rodeado de tanta gente sudorosa, para ver el cuadro a 5 metros de distancia. También influye el hecho de que no me gustan las multitudes ni que me empujen.

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Me pareció increíble ver esta obra tan representativa de Botero en el Museo Botero, en Bogotá. Si bien personalmente no me gusta mucho esta obra en particular, reconozco que es una pieza emblemática de Botero.

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Esta pieza me parece muy interesante porque el arte callejero suele ser una forma de protesta y, a menudo, sombrío; sin embargo, en este caso se logra ver otra visión, mostrando una dualidad en las obras expuestas en la exposición.

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Las pinceladas de Santamaría se pueden ver imperfectas, pero en esa imperfección transmiten dinamismo y espontaneidad. Esa pincelada pastosa, hasta errática en algunas secciones del cuadro, me llevó a perderme en el movimiento de la obra, siguiendo cada pincelada de inicio a fin

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En esta obra, Botero hace un homenaje a Vincent van Gogh. Al acercarme a la pintura, que en un primer momento parece plana, me percaté del uso de texturas que el óleo le proporcionaba. Me pareció muy interesante ver cómo la pintura adquiría una tridimensionalidad más allá de los efectos visuales.

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Me encanta que el arte budista refleje esa paz y control emocional que manejan en su filosofía. Ese es el caso de este Buda, que al mirarlo me transmite mucha paz y serenidad. Es muy conmovedor que el arte pueda transmitir paz.

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Ir a ver a la Venus de Milo sería un sueño. Encuentro tan fascinantes y hermosos los detalles que posee, y pensar que fue esculpida en un bloque me hace reflexionar sobre lo impresionantes que eran los artistas desde tiempos antiguos. Aunque, según la modernidad, no puedo evitar pensar que los griegos no tenían un concepto del arte como el actual, y que el propósito de esta estatua era la adoración de Venus

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Me pareció increíble entrar a la sala de donaciones que realizó Botero al museo y encontrar obras de artistas de tal talla como Picasso, Monet y Renoir.

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Mi novia me acompañó al centro de Japón, y cuando vimos a este personaje, ella dijo que yo me parecía a él cuando dibujaba o realizaba alguna expresión artística.

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Jamás pensé ver esta faceta de Fernando Botero. Su característico uso del volumen, que generalmente da cierta infantilidad y monotonía a su obra, aquí muestra otra cara de ese uso del volumen, una faceta que, en cierta medida, me recuerda a David Manzur.

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simplemente es tétrico

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Esta sala me pareció imponente. Solo puedo imaginar la magnificencia que debió haber sido caminar por el mundo antiguo y encontrarse con este tipo de estatuas en las ciudades. Debía ser magnífico.

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Monet es uno de los pintores favoritos de mi novia. Cuando leí la ficha técnica y vi que este cuadro le pertenecía a Monet, quedé pasmado. Mi reacción fue acercarme para tomar una foto, pero me emocioné y activé los sensores de proximidad que protegían el cuadro. Me impresioné, y me terminaron regañando.

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Me pareció muy lindo que el centro de Japón estuviera tan intervenido por los conceptos kawaii y kowai, ya que la cultura japonesa tiende mucho hacia el respeto, y el arte interventista suele ser transgresor con los lugares, los objetos o las obras que interviene.

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Al ver el uso de la imagen de Los suicidas del Sisga, mi novia y yo, que fuimos juntos al museo, nos pusimos a pensar si a ellos les habría parecido bien que su imagen se replicara tantas veces. Llegamos a muchas hipótesis, como que quizás no les hubiera importado o que, por el contrario, les habría parecido una falta de respeto usar su acto de amor como material artístico. Sin embargo, la pregunta quedó en el aire: ¿ellos habrían querido toda esta fama?

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Al inicio, esta obra me pareció un despropósito, pero cuando descubrí que la técnica era óleo, recordé que el negro en el óleo no existe como tal, sino que siempre está formado por otros colores. Una vez me acerqué más a la obra, pude percatarme de las diferentes manifestaciones de negro que aparecían en ella, formando cuadrados dentro de la región pictórica.

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Durante esta visita me he confirmado a mí mismo que el arte no tiene que ser perfecto, tiene que transmitir. Esta tacita me transmite eso: me transmite delicadeza en su imperfección. Sus ramas, que a simple vista lucen imperfectas, transmiten una elegancia difícil de describir.