# data[].attributes.body
El Tributo de la Moneda es un fresco renacentista de gran formato que representa una escena de la vida de Cristo, donde se aborda el tema del pago de impuestos y la obediencia civil.

Su autor es Masaccio, y fue pintado entre 1425 y 1427 en la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine, en Florencia.

El artista utilizó la perspectiva lineal con un único punto de fuga, además de una iluminación clara y naturalista que da volumen a las figuras, dotándolas de gran realismo.

Destaca el contraste entre la solemnidad de Cristo y sus discípulos y el movimiento de San Pedro, que aparece representado en tres momentos distintos dentro de la misma escena, siguiendo la narración continua.

El tratamiento de las figuras expresivo, con una fuerte presencia física y un gran estudio anatómico, influenciado por la escultura clásica.

El punto de fuga se sitúa en la cabeza de Cristo, organizando la composición y guiando la mirada del espectador a lo largo del relato visual.

El gesto de Cristo, señalando al lago, y la acción de San Pedro, extrayendo la moneda de la boca del pez, crean una sensación de dinamismo y coherencia narrativa, estructurando la escena de manera comprensible.

La función de esta obra es exaltar la autoridad de la Iglesia.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el Renacimiento pleno y el Manierismo, especialmente en la representación del espacio y la figura humana.

Otras obras parecidas son los frescos de Giotto en la Capilla Scrovegni, la Última Cena de Leonardo da Vinci y la Escuela de Atenas de Rafael, que siguen la misma monumentalidad y claridad narrativa.

# data[].attributes.body
La carga de los mamelucos de Francisco de Goya es una obra clave del Romanticismo español, pintada en 1814 tras la Guerra de la Independencia.

El cuadro representa el violento enfrentamiento entre el pueblo de Madrid y las tropas napoleónicas, en concreto los mamelucos, durante el levantamiento del 2 de mayo de 1808, en una escena de caos y heroísmo desesperado.

La escena se desarrolla en un espacio urbano apenas sugerido, con una composición tumultuosa en la que los cuerpos se entrelazan y la violencia se convierte en la auténtica protagonista del lienzo.

Goya emplea un uso expresivo del color y de la luz, con contrastes marcados y pinceladas dinámicas que acentúan el dramatismo y la tensión de la acción.

La composición rompe con la rigidez neoclásica y se adentra en un lenguaje emocional, donde la confusión y el dolor colectivo sustituyen a la claridad racional.

El uso de gestos exaltados, la violencia explícita y la mirada directa a los horrores de la guerra refuerzan el carácter crítico y conmovedor de la obra, una característica distintiva del Goya romántico.

Otros ejemplos del arte romántico que comparten esta intensidad emocional y denuncia social son Los fusilamientos del 3 de mayo (también de Goya) y La libertad guiando al pueblo de Delacroix.

Otros artistas contemporáneos a Goya que también desarrollaron un lenguaje romántico fueron Théodore Géricault y Caspar David Friedrich.

# data[].attributes.body
Las Puertas del Paraíso de Lorenzo Ghiberti son un conjunto de relieves en bronce dorado ubicados en el Baptisterio de San Giovanni en Florencia.

Lorenzo Ghiberti fue un orfebre medieval de gran virtuosismo técnico, perfecta ondulación de los pliegues y

delicadeza en los detalles.

Fueron realizadas entre 1425 y 1452, en pleno Renacimiento, y representan un hito en la escultura de la época.

Se componen de diez paneles rectangulares que narran escenas del Antiguo Testamento, como la Creación de Adán y Eva, la historia de Caín y Abel, y el Sacrificio de Isaac.

Uno de los aspectos más innovadores de estas puertas es el uso de la perspectiva lineal, un recurso propio del Renacimiento que permite dar profundidad a las escenas, creando un efecto tridimensional en el bronce.

Ghiberti logra esto mediante la disposición de las figuras en distintos planos, desde el relieve más pronunciado en el primer plano hasta el stiacciato (relieve apenas esbozado) en el fondo.

Las figuras presentan un gran naturalismo y dinamismo, con posturas y expresiones que reflejan emociones humanas.

La influencia del arte clásico es evidente en la idealización de los cuerpos y la armonía de las composiciones.

El nombre Puertas del Paraíso fue dado por Miguel Ángel, quien admiró la belleza y perfección de la obra.

Su impacto fue tal que influyó en numerosos artistas del Renacimiento, incluidos Leonardo da Vinci y Rafael.

Otras obras con características similares son los relieves de Donatello, como el panel de San Jorge y el Dragón, y las esculturas de Jacopo della Quercia en la Fonte Gaia de Siena.

Ghiberti gana un concurso público para construir las Segundas Puertas del Baptisterio de Florencia superando a Brunelleschi.

Ghiberti fragmentó las puertas en 28 tréboles de cuatro hojas, donde desarrolló veinte escenas del Nuevo Testamento, más ocho imágenes de los evangelistas y doctores de la Iglesia, que se sitúan en el zócalo o parte baja.

Durante su fundición y cincelado le ayudaron en su taller dos jóvenes auxiliares: Paolo Ucello y Donatello.

Ghiberti también realizó estatuas exentas como por ejemplo San Juan Bautista y San Mateo.

# data[].attributes.body
La Trinidad de Masaccio fue realizada en el Quattrocento (1428).

Su función es devocional y teológica, transmitiendo un mensaje sobre la redención y la Santísima Trinidad.

Este fresco sobre muro, de carácter figurativo y realista, se destaca por su perspectiva lineal con un punto de fuga central que genera una ilusión espacial.

La arquitectura clásica enmarca la escena, otorgando solidez y profundidad.

Los colores, sobrios y equilibrados, combinan tonos terrosos, rojos y azules que refuerzan la solemnidad del tema.

La luz y el claroscuro modelan las figuras con gran realismo, resaltando la anatomía, especialmente en la representación de Cristo crucificado.

La composición está organizada en dos niveles: el superior, con la Santísima Trinidad, y el inferior, con los donantes arrodillados y una tumba con un esqueleto que simboliza la fugacidad de la vida.

La disposición simétrica y la profundidad espacial refuerzan la jerarquía y la solemnidad de la escena.

Masaccio, influenciado por Brunelleschi en el uso de la perspectiva y por Giotto en la volumetría de las figuras, introduce el humanismo renacentista en la pintura.

Su obra supone un avance decisivo hacia el naturalismo y la representación tridimensional en el arte.

Otras de sus creaciones destacadas son los frescos de la Capilla Brancacci, como El pago del tributo y La expulsión de Adán y Eva del Paraíso.

# data[].attributes.body
La Catedral de Nôtre Dame de París es de autor desconocido.

Pertenece al estilo Gótico, más concretamente entre 1163-1272.

Es una catedral de planta basilical con cinco naves, crucero y doble girola, además de un transepto destacado.

Sufrió importantes modificaciones en el siglo XVII durante el reinado de Luis XIV para adaptarla al estilo imperante, el Barroco, y una restauración completa en el siglo XIX por el arquitecto Viollet-le-Duc tras sufrir daños durante la Revolución Francesa.

Fue escenario en 1804 de la coronación de Napoleón Bonaparte.

Destaca por sus innovaciones arquitectónicas: mayor altura y luminosidad en comparación con las iglesias románicas, gracias al uso de arbotantes, bóvedas de crucería y contrafuertes.

Posee arcos ojivales y bóvedas de crucería.

Encontramos arbotantes, pináculos, gárgolas, rosetones y vidrieras que filtran la luz multicolor.

Otros autores del mismo periodo son Pierre de Montreuil (Sainte Chapelle) y Maestro Enrique (León).

Otras obras del mismo estilo son la Sainte Chapelle (París), Chartres, Reims y Amiens.

# data[].attributes.body
La Sinagoga de Córdoba es de autor desconocido.

Pertenece al estilo mudéjar, concretamente al siglo XIV (construida en 1315).

Es un edificio de pequeñas dimensiones, compuesto por una sala rectangular cubierta con un artesonado de madera y decorada con yeserías profusas.

Sufrió importantes modificaciones tras la expulsión de los judíos en 1492, siendo transformada en hospital y posteriormente en ermita cristiana.

Fue un importante centro religioso para la comunidad judía de Córdoba durante la Edad Media.

Presenta características típicas del arte mudéjar, como el uso de elementos islámicos (arcos lobulados, mocárabes, y decoración geométrica y vegetal) combinados con la tradición cristiana.

Destaca por la riqueza de su decoración, con inscripciones en hebreo y yeserías que muestran un alto grado de refinamiento técnico.

Otros ejemplos de arquitectura mudéjar son la Sinagoga del Tránsito (Toledo) y la Iglesia de San Lorenzo (Córdoba).

Otros autores del mismo periodo son los artesanos anónimos que trabajaron en la Sinagoga del Tránsito y en el Alcázar de Sevilla.

# data[].attributes.body
Apolo y Dafne es una de las esculturas más célebres de Gian Lorenzo Bernini y una obra maestra del Barroco italiano.

Fue realizada entre 1622 y 1625.

La escultura representa un episodio de la Metamorfosis de Ovidio: el momento en que Apolo, enamorado de Dafne por obra de una flecha de Eros, la alcanza justo cuando ella comienza a transformarse en laurel para escapar de él.

Bernini capta el instante exacto de la metamorfosis con un virtuosismo técnico impresionante: los dedos de Dafne se alargan en hojas, sus pies se convierten en raíces y su cuerpo se cubre de corteza.

El movimiento es esencial en la composición: Apolo avanza con una pierna levantada mientras su manto ondea, y Dafne gira su cuerpo en un gesto de desesperación, creando una espiral dinámica.

Los rostros reflejan con gran dramatismo el contraste de emociones: el deseo y la sorpresa en Apolo, el horror y la súplica en Dafne.

Bernini logra una extraordinaria sensación de ligereza y delicadeza en los detalles, como el cabello de Dafne, las hojas de laurel y la textura de la piel en proceso de transformación.

La obra es una perfecta representación del Barroco por su teatralidad, tensión narrativa y tratamiento escenográfico, invitando al espectador a moverse alrededor de la escultura para apreciarla en su totalidad.

Apolo y Dafne es considerada una de las mayores demostraciones del talento de Bernini y sigue siendo una referencia fundamental en la historia de la escultura.

# data[].attributes.body
El gran autor de La huida a Egipto en la Capilla Scrovegni de Padua fue Giotto di Bondone, pintura gótica de la escuela florentina, entre 1305 y 1306.

Se trata de una obra fundamental para comprender la evolución de la pintura europea de estos siglos.

Forma parte de un ciclo de frescos sobre la Vida de la Virgen y de Cristo.

Giotto es el gran artista del Trecento Italiano, y se aparta aquí del llamado estilo bizantino.

Representa a José, María y Jesús Niño huyendo a Egipto para evitar la persecución de Herodes.

No representa a los personajes en un fondo dorado, sino en un paisaje agreste y montañoso, más realista.

La realidad se impone al ideal y la materia al espíritu.

Este realismo se puede observar también en detalles como el escorzo del ángel, los gestos y los vestidos de los personajes.

Rompe con el bizantinismo y se acerca a la naturaleza.

Sus figuras se mueven en el espacio con una libertad desconocida desde la Antigüedad clásica.

La naturaleza adquiere cierta importancia.

En su acercamiento a la naturaleza, Giotto coincidía con los franciscanos.

El fundador de esta orden, Francisco de Asís, veía en la belleza de la naturaleza una muestra de la infinita bondad divina.

Giotto empezó a pintar “lo que veía”.

Las figuras ya no se cortan sobre un fondo sino que “viven” inmersas en un paisaje o en una arquitectura.

La tridimensionalidad da autenticidad a las escenas.

Los personajes adquieren vida y sentimientos, y se relacionan entre sí.

Giotto innovó en esta escena al representar figuras más realistas y un uso temprano de perspectiva.

La Virgen, San José y el Niño Jesús son mostrados viajando a pie, con un paisaje naturalista que introduce profundidad en la composición.

El fresco presenta una atmósfera más humana y emocional, con gestos que comunican ternura y protección.

La escena se sitúa en un paisaje detallado, lo que refleja un avance hacia la representación de un espacio tridimensional en el arte de la época.

Giotto, al introducir el realismo en las figuras y la espacialidad en la escena, marcó una ruptura con las convenciones bizantinas, lo que influyó decisivamente en el desarrollo del Renacimiento.

Otras obras del mismo estilo son la Maestá de Simone Martini y la Anunciación de Simone Martini.

# data[].attributes.body
El Teatro Romano de Mérida es un edificio de carácter civil construido hacia el 16-15 a.C., bajo la promoción del cónsul Marco Vipsanio Agripa.

Pertenece al género de la arquitectura civil, de ocio y es de estilo imperial (arte provincial).

Hoy en día se halla en buen estado en Mérida, España, y continúa manteniendo su función de espacio destinado para la representación teatral.

Destacamos la técnica del Opus Caementicium (hormigón).

Apreciamos la influencia del teatro griego (Teatro de Epidauro), no obstante, con una serie de modificaciones: en primer lugar, la cavea o grada no se encuentra construida sobre una ladera natural, sino que se ha realizado con un sistema de arcos que permite elevarla y dar aforo a más de 6.000 espectadores.

La cavea se dividía en ima cavea, destinada a la alta sociedad; la media cavea destinada al resto de la población, y por último, la summa cavea destinada a mujeres y niños.

La parte superior de la cabeza está decorada por un pórtico, y el acceso a la grada se realizaba a través de los vomitorium (espacios abovedados).

La orquesta semicircular es pequeña y acabaría desapareciendo, en cambio, de amplia la escena pues se fusiona con la cavea.

Algunas obras con las mismas características son el Teatro Marcelo en Roma y el Anfiteatro de Mérida.

# data[].attributes.body
El Maison Carrée es un templo del siglo I a.C. (aproximadamente 16 a.C.), Alto Imperio.

El promotor fue Agripa, mano derecha de Augusto en honor del emperador.

Está dedicado a los dioses de Roma y nietos del emperador.

Forma parte del arte provincial romano.

Se encuentra en el Antiguo foro de Nimes, Francia.

Es un edificio de tipología religiosa construido con piedra calcárea.

Tiene forma rectangular y se eleva sobre un pódium.

Es un templo de tipo próstilo y pseudodíptero, y se puede acceder a su fachada mediante una escalinata.

El pórtico es profundo y hexástilo, con seis columnas frontales y cuatro laterales.

Los elementos sustentantes son los muros y las columnas.

Las columnas son de orden corintio, hecho que denota la influencia griega.

El sistema constructivo es arquitrabado.

Su frontón estuvo decorado con inscripciones hoy en día desaparecidas.

El edificio es un modelo de templo romano sobre pódium, sin peristilo y con una sola cella, pero sin opistodomo, que prioriza la fachada.

El precedente se encuentra en los templos etruscos.

Algunas obras con las mismas características son el Panteón de Agripa y y el Templo de Vesta en Tívoli.

Algunas obras de las cuales Agripa fue promotor fueron el Panteón de Agripa en Roma y las Termas de Agripa en Roma.

# data[].attributes.body
La Anunciación de Fra Angelico se sitúa dentro del Quattrocento renacentista, hacia 1440.

Su función es devocional y didáctica, transmitiendo un mensaje espiritual a través de su estética refinada.

Desde el punto de vista técnico, se desarrolla la técnica de témpera sobre tabla.

Es figurativa e idealista, buscando la perfección y belleza en las formas.

La composición presenta un predominio de la línea, con contornos bien definidos que aportan equilibrio.

Los colores vivos y brillantes, como el rosa, azul y dorado, crean armonía y suavidad.

La luz es artificiosa, resaltando la escena principal con un carácter místico.

El volumen es escaso debido al uso de colores planos.

La perspectiva es primitiva, con una arquitectura que enmarca la escena y conserva rasgos góticos.

La obra simboliza la redención de la humanidad, presentando a la Virgen como la nueva Eva y a Jesús como el nuevo Adán, reforzado por la escena de la expulsión del Paraíso.

Fra Angelico, monje dominico, fusiona elementos góticos y renacentistas con una fuerte carga espiritual.

Su pintura busca elevar la fe a través de la belleza, diferenciándose de otros artistas por su enfoque simbólico.

Influenciado por la escuela sienesa, su obra combina refinamiento estético y devoción religiosa.

Dentro del mismo estilo renacentista del Quattrocento, destacan otras pinturas como La Primavera y El Nacimiento de Venus de Botticelli, El Bautismo de Cristo de Piero della Francesca y La Trinidad de Masaccio.

En conclusión, esta obra representa el equilibrio entre belleza y espiritualidad en el Renacimiento.

Su importancia radica en su capacidad para transmitir un mensaje religioso con una estética armoniosa e idealizada, convirtiéndose en un referente del arte sacro de la época.

# data[].attributes.body
El Partenón es un templo de estilo griego perteneciente al período Clásico.

Este templo fue levantado en el siglo V a.C., construido entre los años 437 - 438 a.C.

La planificación de este templo correspondió a los arquitectos Ictinos y Calícrates, aunque la supervisión general de las obras, la ornamentación del edificio y la estatua de Atenea Parthenos fueron obra de Fidias.

El Partenón se encuentra en la Acrópolis de Atenas actualmente.

Este templo es de orden dórico, es octástilo, anfipróstilo y períptero.

Está dedicado a la diosa Atenea, y destaca por su simetría y armonía proporcional.

Algunas obras arquitectónicas con las mismas características son el Templo de Atenea Niké y el Templo de Hefesto (Ictinos).

Otras obras del mismo autor son el Templo de Zeus en Olimpia y Atenea Promakhos.

# data[].attributes.body
El Palacio de Westminster fue diseñado principalmente por Charles Barry, con la colaboración del arquitecto Augustus Pugin, responsable del diseño neogótico de los interiores.

Pertenece al estilo neogótico victoriano, y su reconstrucción comenzó en 1840, tras el incendio que destruyó gran parte del edificio original medieval.

Es un complejo monumental de grandes dimensiones, situado a orillas del río Támesis, que alberga las dos cámaras del Parlamento británico: la Cámara de los Comunes y la Cámara de los Lores.

Destacan sus elementos arquitectónicos como la Torre del Reloj, símbolo del Reino Unido.

Presenta características típicas del estilo neogótico, como los arcos apuntados, pináculos, tracerías elaboradas, bóvedas de crucería y una decoración ornamental rica e historicista.

Otros ejemplos destacados del neogótico inglés son la Catedral de San Pablo en Londres (aunque originalmente barroca, sufrió añadidos neogóticos) y la Universidad de Glasgow.

Otros arquitectos contemporáneos al proyecto fueron George Gilbert Scott y William Butterfield, importantes figuras del movimiento neogótico.

# data[].attributes.body
La Madonna del Duque de Urbino es una pintura renacentista de gran formato que representa a la Virgen con el Niño en un trono, acompañada por ángeles y santos, en una composición solemne y equilibrada.

Su autor es Piero della Francesca, y fue pintada entre 1472 y 1474 por encargo de Federico da Montefeltro, duque de Urbino.

El artista utilizó una perspectiva geométrica rigurosa con un único punto de fuga, además de una iluminación suave y envolvente que dota de volumen y serenidad a las figuras.

Destaca el contraste entre la majestuosa inmovilidad de la Virgen y la atmósfera etérea del espacio arquitectónico, que refuerza la sensación de equilibrio y perfección.

El tratamiento de las figuras es sobrio y sereno, con un estudio detallado de la anatomía y los pliegues de las vestimentas, influenciado por la escultura clásica y la tradición humanista.

El punto de fuga se sitúa en el rostro de la Virgen, organizando la composición y guiando la mirada del espectador hacia el eje central de la obra.

El gesto de la Virgen, sosteniendo con delicadeza al Niño, y la presencia imponente de Federico da Montefeltro en actitud de devoción, crean una sensación de solemnidad y profundidad espiritual, estructurando la escena de manera armoniosa.

La función de esta obra es exaltar la devoción y la autoridad del duque, vinculándolo con la piedad y el orden divino dentro de la tradición humanista del Renacimiento.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para la representación de la Virgen en contextos arquitectónicos perspectivos, especialmente en la pintura sacra renacentista y manierista.

Otras obras parecidas son la Madonna Sixtina de Rafael, la Sacra Conversazione de Bellini y la Pala de Brera del propio Piero della Francesca, que siguen la misma monumentalidad y claridad compositiva.

# data[].attributes.body
El autor de esta obra es desconocido, datada en la segunda mitad del siglo VII a.C.

Pertenece al estilo griego, época arcaica.

Actualmente, la podemos apreciar en el Museo del Louvre.

Podemos apreciar su esquematización y geometrización anatómica, heredada de Egipto.

Observamos la técnica del bloque cerrado, así como los famosos ojos almendrados y sonrisa arcaica y la ley de la frontalidad.

Algunas obras similares son el Kuros de Anavyssos y la Koré del Peplo.

# data[].attributes.body
Augusto Prima Porta es una escultura exenta cuyo autor es desconocido.

El original se labró entorno al siglo I a.C. en bronce.

Esta obra fue probablemente un encargo de la mujer de Augusto, Livia.

Augusto aparece en esta escultura como jefe del ejército, con cupido y un delfín representados a su vez.

En su coraza apreciamos un relieve que representa a Urano, Helios y otros dioses, junto con símbolos de la Galia e Hispania.

La estatua está concebida para ser vista de frente, por lo que denota frontalidad a pesar de su brazo levantado.

La composición se caracteriza por la unión del arte griego y romano.

La coraza recuerda a los pectorales del Doríforo; existe contrapposto y pérdida de la simetría.

Es un retrato, aunque idealizado, y la indumentaria como símbolo de poder.

Los colores se han perdido, pero estaba policromada.

Su expresión denota serenidad y autoridad.

Otras obras parecidas son la escultura de Augusto Togado y los Retratos de Livia Drusila.

# data[].attributes.body
El quitasol de Francisco de Goya es una obra clave del arte rococó español, pintada en 1777 como parte de una serie de cartones para tapices destinados al Palacio del Pardo.

El cuadro representa a una joven sentada plácidamente mientras un mozo le da sombra con un quitasol, en una escena de carácter amable y costumbrista.

La escena se desarrolla al aire libre, con un fondo de paisaje luminoso y suave que enmarca la figura central, dotando al conjunto de una atmósfera serena y optimista.

Goya emplea una paleta clara y cálida, con una pincelada delicada que resalta las texturas de las telas y los rostros, y que anticipa su maestría posterior en el tratamiento de la luz.

La composición rompe con la solemnidad neoclásica y se acerca a un lenguaje más decorativo y ligero, en sintonía con los gustos cortesanos de la época y la influencia del rococó francés.

Otros ejemplos del arte rococó que comparten este gusto por lo galante y lo cotidiano son El columpio de Fragonard y La lección de música de Watteau.

Otros artistas contemporáneos a Goya que también trabajaron el estilo rococó fueron François Boucher y Jean-Honoré Fragonard.

# data[].attributes.body
Los fusilamientos del 3 de mayo de Francisco de Goya es una obra clave del Romanticismo, pintada en 1814, que refleja los horrores de la Guerra de la Independencia Española.

El cuadro representa la ejecución sumaria de los patriotas españoles por parte de las tropas napoleónicas, en una escena cargada de brutalidad y desesperación, que se desarrolla en un entorno oscuro y sombrío, sin detalles de fondo que distraigan la atención de la tragedia central.

Goya emplea un fuerte contraste de luces y sombras, con la luz blanca e intensamente dramática que ilumina a las víctimas, destacando sus gestos de terror y resignación.

La oscuridad que envuelve a los soldados franceses acentúa el anonimato de la violencia y la deshumanización del opresor.

La composición rompe con la tradición clásica al mostrar una escena de horror realista, cargada de emoción y tensión, sin idealizar a las víctimas ni a los opresores, y capturando la crueldad de la guerra de manera directa y visceral.

Otros ejemplos del arte romántico que comparten este enfoque crítico y desgarrador son La carga de los mamelucos(también de Goya) y El naufragio del Medusa de Géricault.

Otros artistas contemporáneos a Goya que también trabajaron el Romanticismo fueron Théodore Géricault y Eugène Delacroix.

# data[].attributes.body
La Catedral de Chartres, también conocida como la Catedral de Nuestra Señora de Chartres es de autor desconocido y estilo Gótico (1194-1220).

Consta de tres naves en los pies y el amplio transepto.

Es una iglesia de planta de cruz latina, girolas y una gran nave central, además de una impresionante fachada occidental.

Es famosa por sus vidrieras, especialmente el rosetón norte y las vidrieras de escenas bíblicas, que son ejemplos excepcionales de la técnica medieval de vidriado.

La catedral sufrió un incendio en 1194 que destruyó gran parte del edificio, pero la mayoría de las reliquias se salvaron, lo que permitió una reconstrucción rápida y coherente.

Se destaca por su integridad arquitectónica y la calidad de sus vidrieras, que se conservan en gran parte desde su construcción.

Autores de la misma época: Pierre de Montreuil (Sainte Chapelle) y Maestro Enrique (León).

Obras del mismo estilo: Nôtre Dame y Sainte Chapelle (París), Amiens.

# data[].attributes.attachment_caption
Hombre que carga un ternero en sus hombros

# data[].attributes.body
Esta obra se conoce como el Moscóforo, y está fechada entre los años 570 a.C. y 520 a.C.

El autor es desconocido, y podemos encuadrarla en el estilo griego arcaico.

Hoy se encuentra expuesta en el Museo de la Acrópolis de Atenas.

Apreciamos en ella la ley de la frontalidad, un notorio hieratismo tan solo roto por la conocida sonrisa arcaica, esquematización geométrica de los volúmenes del cuerpo y tu concepción como estatua-bloque.

Algunas obras similares son la Dama de Auxerre y el Kuros de Anavyssos.

# data[].attributes.body
La Koré del Peplo se halló en la Acrópolis de Atenas, de autor desconocido; no obstante, se la asocia con la escuela del Jinete Rampín.

Podemos datarla entorno al año 540 a.C., perteneciendo al período arcaico del estilo griego.

Hoy en día se encuentra en el Museo de la Acrópolis de Atenas.

Destacamos de ella la rigidez muscula y la técnica del bloque cerrado.

Muestra un notorio hieratismo y sus característicos ojos almendrados y sonrisa arcaica.

Algunas obras parecidas son el Kuros de Anavyssos y la Dama de Auxerre.

Otras obras de la escuela del Jinete Rampín son el Jinete Rampín y la Cabeza Rampín.

# data[].attributes.headline
TRIBUNA DE LAS CARIÁTIDES DEL ERECTEION 

# data[].attributes.subject
TRIBUNA DE LAS CARIÁTIDES DEL ERECTEION 

# data[].attributes.body
La Tribuna de las Cariátides del Erecteion es un pórtico griego de estilo jónico.

Su arquitecto fue Calímacos, discípulo de Fidias, construido entre el año 421 y el 406 a.C. (período Clásico).

Se halla en la acrópolis de Atenas.

Este templo está dedicado a Poseidón, Hefesto, Erecteo y Atenea, y es conocido por sus figuras femeninas (cariátides) que sostienen el templo, en lugar de columnas.

Las originales fueron construidas con mármol pentélico.

Estas representan seis mujeres con túnicas largas (peplos), de pie en posiciones ligeramente distintas, lo que les da una apariencia tanto uniforme como individualizada.

Es un templo poco uniforme con diferentes espacios que rompen la organización tradicional del templo.

Otras obras arquitectónicas de las mismas características son el Templo de Atenea Niké y y Templo de Hefesto (Ictinos).

# data[].attributes.body
El templo de Atenea Niké pertenece al periodo clásico del estilo griego, de orden jónico.

Este fue diseñado por Calícrates, terminado en el 420 a.C.

Se ubica en la Acrópolis de Atenas actualmente.

Es un templo tetrástilo, construido con mármol pentélico.

Tiene pórticos con columnas en la fachada delante y trasera, pero no en los laterales.

Este templo representa la victoria de la diosa Atenea.

Algunas obras arquitectónicas de las mismas características son el Erecteion y el Templo de Hefesto (Ictinos).

Otras obras en las que el autor ha participado son el Templo de Hefesto (Ictinos) y el Erecteion (Mnesicles)

# data[].attributes.body
El teatro de Epidauro pertenece al estilo griego helenístico.

Es probable que el teatro fuera obra del arquitecto Policleto el Joven, comenzando este trabajo alrededor del año 330 a.C.

Este se halla en Epidauro (Argólida, Grecia).

El teatro sigue el diseño tradicional griego en forma de herradura o semicircular, con gradas ascendentes.

Está construido en piedra caliza y forma parte del santuario de Asclepio, dios de la medicina, lo que vincula el teatro con rituales religiosos y prácticas de sanación.

El teatro se sitúa en la altura de las montañas para una mejor audición.

Algunas obras arquitectónicas con características en común son el Teatro de Delfos (Policleto el Joven) y el Teatro de Argos (Policleto el Viejo).

Otras obras de este autor fueron el Teatro de Delfos y y Templo de Apolo en Delfos.

# data[].attributes.body
El Kouros de Anavyssos es una escultura de estilo griego perteneciente al periodo arcaico.

Su autor es desconocido, y esta escultura data hacia el año 525 a.C.

Fue hallado en Anavyssos en la región del Ática. Actualmente la encontramos en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Sus características principales son la rigidez muscular, el hieratismo presente en su expresión, destacamos la técnica del bloque cerrado como principio de convencionalismo...

También es importante resaltar la ley de la frontalidad y el esquematismo.

Algunas obras con características similares son la Dama de Auxerre y la Koré del Peplo (Cleobis y Bitón).

# data[].attributes.body
El Auriga de Delfos es una escultura de estilo griego perteneciente al periodo severo (transición entre época arcaica y clásica), labrada entre el 480-460 a.C.

Esta escultura de bronce se atribuye a Pitágoras de Regio.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Olimpia.

Algunas características principales son la serenidad olímpica que su rostro retransmite, el hieratismo y la ley de la frontalidad que apreciamos. Aún así, la frontalidad se rompe al levantar su brazo.

Algunas obras de características similares son la Estatua de Zeus o Poseidón de Artemisión y la Koré de Antenor.

Algunas obras del mismo autor son los Bronces de Riage y la cabeza de Perseo.

# data[].attributes.body
Atenea Promakhos es una escultura realizada por el maestro Fidias de 15 metros de altura alrededor del año 456 a.C.

Pertenece al estilo griego, período clásico.

Hoy en día, podemos encontrarla en el Museo Nacional del Prado.

Esta estatua fue realizada mediante en bronce en honor a la diosa Atenea después de que los atenienses vencieran a los persas en la Batalla del Maratón.

En las representaciones actuales, podemos apreciar la técnica de los paños mojados así como una escultura simétrica, proporcionada y rozando la perfección.

Aunque no conocemos los detalles exactos de la obra original, es probable que se ideara con la postura del contrapposto en mente.

Algunas obras similares son el Zeus Olímpico y el Discóbolo.

Otras obras de Fidias son la Atenea Lemnias y Atenea Parthenos.

# data[].attributes.body
El Discóbolo es una escultura originalmente en bronce de Mirón en torno al 450 a.C., de estilo griego perteneciente al periodo clásico.

Hoy en día de encuentra en el Museo Nacional Romano, ya que esta foto es tan solo una copia realizada en mármol.

Durante la época clásica, los atletas fueron uno de los temas principales a ser representados.

Fue llevado a cabo mediante la técnica de la cera perdida.

Muestra un increíble tratamiento de la anatomía humana con cada uno de los músculos marcados, empleando el canon de la época.

Algunas obras similares son el Doríforo y Atenea Parthenos.

Algunas otras obras de Mirón son Teseo y el Minotauro y la Vaquilla de bronce.

# data[].attributes.body
La Atenea Lemnias es una escultura realizada por Fidias durante el período clásico griego.

Fue elaborada alrededor del año 450 a.C., y actualmente podemos encontrar un busco que se conserva en el Museo Arqueológico de Bolonia.

Fue realizada en bronce mediante la técnica de la cera perdida, en honor a Atenea por solicitud de los atenienses que iban a colonizar la isla de Lemnos.

Atenea aparece vistiendo un peplo clásico donde ya podemos apreciar la técnica de los paños mojados.

El rostro de Atenea sigue las pautas de la belleza clásica, donde se pueden apreciar unos ojos ligeramente almendrados.

Otras obras similares son el Doríforo y el Discóbolo.

Fidias también elaboró la Atenea Promakhos y la Atenea Parthenos.

# data[].attributes.body
El Doríforo es una escultura realizada por el maestro Policleto, una obra de estilo griego durante la época clásica.

Esta escultura fue realizada entre los años 450-440 a.C., y actualmente la copia de esta obra de encuentra en el Instituto de Artes de Minneapolis (Estados Unidos).

En esta obra, el escultor trata de exponer la proporción perfecta del cuerpo humano.

La original fue realizada en bronce y muestra el ideal de belleza basado en siete cabezas, el principio de la diartrosis y la ruptura de la ley de la frontalidad mediante la postura del contrapposto.

Algunas obras con las mismas características son el Discóbolo y Atenea Lemnias.

Otras obras de Policleto fueron el Diadúmeno y la Hera de Argos.

# data[].attributes.body
Las metopas del Partenón se componen de cuatro ciclos míticos acerca de Atenea, realizados por el maestro Fidias alrededor del año 450 a.C.

Pertenecen al estilo griego, época clásica.

Actualmente se hallan en la Acrópolis de Atenas.

En ellas, encontramos altos relieves figurativos que representan cuatro luchas mitológicas: Centauromaquia, Gigantomaquia, Amazonomaquia y la Guerra de Troya.

Algunas obras de las mismas características son el friso del Templo de Zeus en Olimpia y el friso del Templo de Atenea Niké.

Otras obras de Fidias fueron la estatua de Zeus Olímpico y Atenea Promakhos.

# data[].attributes.body
La Virgen de las Rocas es una pintura renacentista de gran formato que representa a la Virgen María con el Niño Jesús, San Juan Bautista y un ángel en un paisaje rocoso y misterioso.

Su autor es Leonardo da Vinci, y fue pintado entre 1483 y 1486, con una segunda versión realizada entre 1495 y 1508.

La obra ilustra la interacción mística entre los personajes, envueltos en una atmósfera de luz y sombra característica del sfumato leonardesco.

Está realizada al óleo sobre tabla y existen dos versiones.

Destaca el contraste entre la serenidad de las figuras y la misteriosa ambientación rocosa, que refuerza el carácter simbólico y enigmático de la composición.

El tratamiento de las figuras es naturalista e idealizado, con una gran atención a la anatomía, la expresión y la interacción entre los personajes, creando una sensación de ternura y espiritualidad.

El punto de fuga se encuentra en el centro del paisaje, mientras que la disposición triangular de los personajes organiza la composición de manera armoniosa y equilibrada.

El gesto de la Virgen, con su mano extendida, y la mirada del ángel, que parece invitar al espectador a la escena, crean una sensación de diálogo y conexión emocional.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el Manierismo y el Barroco, con su exploración de la luz, la perspectiva y la expresión emocional.

Otras obras parecidas son La Anunciación y La Última Cena de Leonardo, así como La Sagrada Familia de Rafael, que siguen la misma monumentalidad y profundidad psicológica.

# data[].attributes.body
El friso de la Panatheneas es la obra escultórica más relevante del Partenón griego.

Esta fue realizada por el maestro Fidias entre el 443 y el 438 a.C.

Pertenece al estilo griego, período clásico.

Hoy en día se encuentra dividido en fragmentos que podemos encontrar tanto en el Museo de la Acrópolis de Atenas como en el Museo Británico.

El friso se adapta perfectamente al marco dejando ver todos los personajes que celebran la fiesta religiosa.

La anatomía de los personajes está muy cuidada, reduciendo además formas geométricas.

Algunas obras similares son el friso del Templo de Atenea Niké y las metopas del Templo de Zeus en Olimpia.

Algunas obras del mismo autor Atenea Parthenos y el Zeus Olímpico.

# data[].attributes.body
La Atenea Parthenos fue una escultura realizada por Fidias mediante la técnica criselefantina.

Pertenece al estilo griego, período clásico.

Fue realizada en el año 438 a.C. aproximadamente.

Actualmente, podemos encontrar una réplica en el Partenón de la Acrópolis de Atenas.

Es una estatua colosal de 12 metros de altura que se concibe como una obra de culto hacia la diosa Atenea.

En ella apreciamos el canon de belleza proporcional, y aunque su estructura es mayormente frontal, podemos apreciar un ligero contrapposto que sugiere cierto dinamismo.

Algunas obras parecidas son el Zeus Olímpico y el Doríforo.

Otras obras de Fidias son la Atenea Promakhos y la Atenea Lemnias.

# data[].attributes.body
La decoración escultórica del Partenón fue realizada por Fidias, entre los años 438 - 437 a.C, por lo que pertenecen al período clásico del arte griego.

Actualmente se hallan en la Acrópolis de Atenas.

La ornamentación del edificio se compone de dos frontones que narran el origen de Atenea: el frontón oriental (Nacimiento de Atenea, donde apreciamos la técnica de los "paños mojados"), y el frontón occidental (certamen en el Olimpo para escoger al Patrón del Ático).

Todos los personajes de estas obras son de idéntica escala, no obstante, su postura se acomoda a la estructura piramidal del frontón.

Algunas obras de las mismas características son la Tribuna de las Cariátides del Erecteion y el friso del Templo de Atenea Niké.

Algunas obras del mismo autor son la escultura de Némesis y Atenea Lemnias.

# data[].attributes.body
El Zeus Olímpico fue la estatua que presidía la cella del Templo de Zeus en Olimpia.

Lo realizó el maestro Fidias durante el período clásico del estilo griego.

Fue creado alrededor del año 430 a.C., aunque hoy en día solo contamos con copias, pues la original desapareció sin dejar ni rastro.

Esta estatua formó parte de las "siete maravillas del mundo antiguo", y medía 12 metros de altura.

Zeus se muestra sentado en su trono de manera idealizada e imponente, pues era una conmemoración religiosa.

Sus proporciones se admiran perfectamente armónicas y aunque se halla sentado, la figura presenta un ligero principio de movimiento.

Algunas obras que reúnen las mismas características son la Atenea Parthenos y el Doríforo.

Otras obras de Fidias fueron las metopas del Partenón y la estatua de Atenea Lemnias.

# data[].attributes.body
El Diadúmeno es una escultura realizada por Policleto.

Pertenece al estilo griego, período clásico.

Fue realizado en el año 420 a.C. y hoy en día se encuentra en el Museo Arqueológico de Atenas.

En esta obra, Policleto expone su canon de las siete cabezas, la postura del contrapposto y el principio de la diartrosis.

La apertura de los brazos rompe con la estructura de la estatua-bloque.

Algunas obras similares son el Discóbolo y Atenea Lemnias.

Algunas obras del mismo autor son el Doríforo y Hera de Argos.

# data[].attributes.headline
AFRODITA CNIDO (AFRODITA SALIENDO DEL BAÑO)

# data[].attributes.subject
AFRODITA CNIDO (AFRODITA SALIENDO DEL BAÑO)

# data[].attributes.body
Afrodita Cnido o Afrodita saliendo del baño es una obra del escultor Praxíteles.

Pertenece a la escultura griega, período clásico.

Probablemente fue realizada a comienzos del siglo IV a.C.

Hoy se halla expuesta en los Museos Vaticanos.

Praxíteles emplea proporciones estilizadas que muestran el ideal de belleza femenino.

A pesar de la posición estática, su brazo ligeramente levantado otorga dinamismo y movimiento a la obra, así como la conocida curva praxiteliana.

Algunas obras similares son el Doríforo y el Apoxiomenos.

Otras obras del mismo autor son Hermes con el niño Dionisos en brazos y Afrodita de Arlés.

# data[].attributes.body
La Ménade Danzante o Ménade Furiosa es una obra del escultor Scopas.

Hoy en día se encuentra en el Museo Albertinum de Dresde.

Pertenece al período clásico del estilo griego (siglo IV a.C.)

Se abandona la búsqueda de la belleza ideal para expresar la fuerza expresiva y el ánimo mediante la representación del cortejo dionisíaco.

Este cuerpo esculpido transmite un gran dinamismo y movimiento.

Scopas huye de la visión frontal y emplea, además, la técnica de los paños mojados mediante un gran estudio de la anatomía femenina.

Algunas obras similares son Hermes con el niño Dionisos en brazos y las metopas del Templo de Zeus en Olimpia.

Otras obras de Scopas son el Apolo y las estatuas de las Cícladas.

# data[].attributes.body
La escultura de Hermes con el niño Dionisos en brazos es la única obra de Praxíteles que hoy en día conservamos.

Fue realizada entre el 340 - 330 a.C., por lo que pertenece al período clásico del estilo griego.

Actualmente la podemos encontrar en el Museo Arqueológico de Olimpia.

Esta obra nos muestra una temática alegre, repleta de encanto, tratada con suavidad y exhibiendo completamente la llamada "curva praxiteliana".

Apreciamos el principio de la diartrosis que rompe con la ley de la frontalidad, así como la postura del contrapposto.

Algunas obras de las mismas características son la Ménade furiosa y el Apoxiomeno.

Otras obras del mismo autor son Afrodita saliendo del baño y la escultura de Dionisos.

# data[].attributes.body
El Apoxiomenos es una escultura del broncista Lisipo.

Actualmente la podemos encontrar en los museo Vaticanos, y fue realizada alrededor del siglo IV a.C. (período clásico del estilo griego, 330 a.C.).

Esta obra da a conocer el canon basado en ocho cabezas que el mismo autor establece con esta escultura.

En ella, Lisipo emplea la postura del contrapposto, el principio de la diartrosis y cierta inexpresividad en su rostro (período clásico temprano).

Algunas obras de las mismas características son la Afrodita saliendo del baño y la Ménade furiosa.

Otras obras del mismo autor son Eros tensando el arco y Hércules Farnesio.

# data[].attributes.body
El Hércules Farnesio fue realizado por Lisipo entorno al 330 a.C.

Pertenece al período clásico del estilo griego.

Hoy en día lo podemos encontrar en el Museo Arqueológico de Atenas.

Lisipo plantea un nuevo concepto estético, exponiendo a Hércules cuya masiva musculatura luce fatigada tras realizar sus trabajos, transmitiendo una sensación de estar exhausto.

La postura del contrapposto recuerda a la curva praxiteliana, presentando además diartrosis en su marcada musculatura.

Algunas obras similares son el Doríforo y el Eros de Praxíteles.

Otras obras de este autor son el Apoxiomenos y Eros tensando el arco.

# data[].attributes.body
El autor de la Alegoría del río Nilo es desconocido, aunque pertenece a la Escuela de Alejandría.

Pertenece al estilo griego, período helenístico (siglo IV a.C.).

La copia de esta obra se encuentra en los Museos Vaticanos.

Este grupo escultórico de género mitológico está realizado en mármol, típico de las personificaciones de las ideas abstractas en el helenismo.

Los temas alegóricos y cotidianos eran usuales, representando el canon de belleza.

El principio de la diartrosis también puede apreciarse, así como la ruptura de la ley de la frontalidad.

Algunas obras similares son la Victoria de Samotracia y la Venus de Milo.

# data[].attributes.body
El Gálata Moribundo es una escultura original en bronce atribuida a Epígonas.

Pertenece al estilo griego, período helenístico.

Está datada entorno al 220 a.C., perteneciendo a la escuela de Pérgamo.

Hoy en día se encuentra expuesta en el Museo Capitolino de Roma.

Apreciamos su composición abierta estando este tendido en el suelo apoyado sobre un brazo.

La obra consta de un gran movimiento, pudiendo ser su depurado tratamiento anatómico apreciado desde cualquier ángulo.

Denota dramatismo.

Algunas obras similares son el Altar consagrado a Zeus y Atenea y la Victoria de Samotracia.

El autor también realizó la Amazona muerta y el Trompetero.

# data[].attributes.body
La Victoria de Samotracia es una vibrante escultura de estilo griego labrada durante el período helenístico.

Esta obra parece pertenecer a la escuela de Rodas, entorno al año 190 a.C.

Actualmente la podemos encontrar en el Museo del Louvre.

Algunas características de la obra son el gran dinamismo que transmite, así como la depurada técnica de los "paños mojados", con sus ropas afligidas por el fuerte viento marino, así como la postura del contrapposto.

La escultura parece descender sobre la proa de un barco, tratando de conmemorar el triunfo sobre las aguas.

Algunas obras que pertenecen a la misma escuela y comparten características en común son el Toro Farnesio y Lacoonte y sus hijos.

# data[].attributes.attachment_caption
Batalla de los olímpicos con la ayuda de Niké contra los gigantes, hijos de la Tierra

# data[].attributes.body
La escuela de Pérgamo realizó un Altar consagrado a Zeus y Atenea, donde narra mediante grandes relieves la batalla de los olímpicos frente a los gigantes hijos de la Tierra.

Fue ubicado en la Acrópolis, no obstante, podemos encontrar hoy en día una reconstrucción en Berlín.

Está hecho a partir de mármol.

Ocupa la parte frontal del templo.

Pertenece al período helenístico del estilo griego, hacia el año 180 - 160 a.C.

Se trata de un altar religioso de ofrendas dedicado a Zeus y Atenea, cuyo templo de orden jónico, próstilo y períptero.

El tratamiento anatómico de los personajes es muy cuidado, expresando sus rostros un gran dramatismo.

Una obras perteneciente a la misma escuela y que comparten características es el Gálata moribundo.

# data[].attributes.body
Lacoonte y sus hijos es una escultura de estilo griego que pertenece al período helenístico.

Probablemente se esculpió entre 170 - 150 a.C., por la escuela de Rodas (Agesandro, Arenodoro y Polidoro de Rodas).

Actualmente la podemos encontrar en los museos Vaticanos.

El hecho de que sea un complejo grupo escultórico es una de las características principales del helenismo.

Indica una gran expresividad, organizándose las figuras en una visual piramidal.

La obra tiene un gran dinamismo.

Algunas obras de las mismas características son la Victoria de Samotracia y el Toro Farnesio.

Una obra de la misma escuela es, además de las ya mencionadas, el Coloso de Rodas.

# data[].attributes.body
El Toro Farnesio es una obra realizada por la escuela de Rodas.

Es obra de Apolonio de Tralles y Taurisco de Tralles en el año 150 a.C.

Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

Pertenece al estilo griego, período helenístico.

Su temática profundiza en sentimientos de dolor y acentúa el sufrimiento, típico de esta escuela.

Su composición es piramidal, siendo su composición muy compleja.

Además de representar un gran dramatismo y reflejar emociones, también destaca por su teatralidad.

Algunas obras de la misma escuela son Laocoonte y sus hijos y la Victoria de Samotracia.

Otras obras similares son la Venus de Milo y el Gálata moribundo.

# data[].attributes.body
La Venus de Milo es una obra de estilo griego perteneciente al período helenístico.

Esta obra pertenece a la escuela de Atenas, habiendo historiadores que la asocian con Alejandro de Antioquía alrededor del 130 - 100 a.C.

Actualmente podemos hallar esta obra en el Museo del Louvre.

Algunas características de esta obra son la inspiración clásico combinada con los elementos helenísticos de la época.

Podemos apreciar la técnica de los "paños mojados" en la parte inferior de su cuerpo.

Está hecha en mármol y rompe con la ley de la frontalidad, pues está hecha para apreciarse desde todos sus ángulos.

Se emplea tanto la postura del contrapposto como el canon de las ocho cabaezas.

Algunas obras de características similares de la escuela de Atenas son el Niño de la espina y Demóstenes.

Algunas obras del presunto autor son la estatua de Alejandro Magno en el Louvre.

# data[].attributes.body
El Niño de la Espina o Espinario es una escultura en bronce datada alrededor del siglo I a.C.

Pertenece al estilo griego, período helenístico.

Actualmente se encuentra en los Museos Capitolios de Roma.

Representa a un muchacho sentado mientras se quita una espina de la planta del pie izquierdo.

Fue llevaba a cabo por la escuela de Atenas.

La temática de la obra es anecdótica y se representa la ternura de la infancia

La composición es muy abierta: cabeza agachada, pierna cruzada y espalda flexionada.

Mayor movimiento y dinamismo animando a ser apreciada desde todos los ángulos.

Otras obras de esta escuela son Demóstenes y la Venus de Milo.

Algunas obras similares son Gálata Moribundo y la Alegoría del río Nilo.

# data[].attributes.body
El Nacimiento de Venus es una pintura renacentista de gran formato que representa el nacimiento de la diosa Venus emergiendo de las aguas sobre una concha, empujada por los vientos y recibida por una ninfa en la orilla.

Su autor es Sandro Botticelli, y fue pintado entre 1484 y 1486.

La obra ilustra el ideal de belleza neoplatónica, fusionando la mitología clásica con un sentido poético y espiritual.

Está realizado sobre un lienzo de temple sobre tela, en lugar de tabla.

El artista utilizó una línea fluida y elegante, con contornos precisos y colores suaves, creando una atmósfera etérea y onírica.

Destaca el contraste entre la quietud serena de Venus y el dinamismo de los vientos, cuyas túnicas y cabellos flotantes aportan movimiento a la composición.

El tratamiento de las figuras es idealizado, con proporciones alargadas y posturas estilizadas, reflejando la influencia del arte clásico y la búsqueda de la belleza ideal.

El punto de fuga en el horizonte y la disposición diagonal de los personajes guían la mirada del espectador a través de la escena, aportando equilibrio y armonía.

El gesto de Venus, cubriéndose con delicadeza, y la fluidez de su cabello al viento crean una sensación de gracia y divinidad, enfatizando su pureza y belleza.

La función de esta obra es exaltar la belleza ideal y la armonía del universo, vinculando la mitología con la filosofía neoplatónica del Renacimiento, que asocia la belleza terrenal con lo divino.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el Manierismo y el Romanticismo, con su énfasis en la elegancia, el color y la poesía visual.

Otras obras parecidas son La Primavera de Botticelli, Galatea de Rafael y El Triunfo de Galatea de Tiepolo, que siguen la misma representación idealizada de la mitología y la belleza.

# data[].attributes.body
El Acueducto de Segovia es un acueducto romano imperial, que pertenece al arte provincial.

Se encuentra en Segovia, España.

Este acueducto se construyó durante el siglo I d.C., en el reinado de Nerva.

Es una obra arquitectónica civil de carácter público que servía para transportar agua.

Es una construcción de carácter práctico y que sirve para llevar el agua a las ciudades.

Es un ejemplo del carácter pragmático romano, del interés por lo duradero y lo monumental.

Es un espacio rítmico por la repetición del mismo motivo: la doble arquería.

Se observa cómo los romanos utilizaban la superposición de arcos para levantar construcciones.

Se aprecia el equilibrio en el espacio porque las líneas verticales y horizontales se compensan con las curvas de los arcos de medio punto.

Es un ejemplo de la unión del sistema adintelado y abovedado.

Algunas obras similares son el Pont du-Gard en Nimes y el Acueducto de Los Milagros, Mérida.

# data[].attributes.body
El Arco de Tito es un arco del triunfo construido en el siglo I d.C., año 81.

Pertenece al género de la arquitectura conmemorativa, estilo romano Imperial.

Se encuentra en el Valle del Coliseo, Roma, Italia.

Está hecho con mármol.

Constituye una tipología de construcción de gran éxito durante el Imperio.

Es el más antiguo de Roma.

Se levanta partiendo de un pódium elevado y a partir de una línea de imposta se alzan dos grandes pilares como elementos sustentantes, en los que se distinguen en cada lado dos semicolumnas adosadas de orden compuesto.

Se remata  el arco con una gran estructura horizontal, el ático, con la inscripción por la que el senado y el pueblo romano dedican el arco a Tito.

Destacamos como elementos decorativos los relieves exteriores, como el friso del desfile de las tropas romanas, la bóveda de arco decorada con casetones, etc.

Obras similares pueden ser el Arco de Septimio Severo en Roma y el Arco de Tito en Ancona, Italia.

# data[].attributes.body
Los Relieves del Arco de Tito son esculturas de alto relieve pertenecientes al arte romano.

Fueron realizados en el año 75 d.C. (Alto Imperio).

En el panel del lado sur se muestra el inicio de la ceremonia con la procesión cruzando la puerta de la victoria (Porta Triunphalis); los sirvientes traen el botín conquistado: trompetas, candelero de siete brazos.

En el panel del lado norte está el episodio central de la celebración del triunfo; el emperador Tito, acompañado de una diosa de la Victoria que le corona, es llevado a una cuadriga precedida de lictores, y dirigida por la reina de Roma que mira hacia atrás.

En estos relieves se observa su sentido narrativo y una gran novedad: la profundidad conseguida por varios tipos de relieve.

Otras obras similares son el Arco de Benevento y el Arco de Susa.

# data[].attributes.body
La Columna de Trajano es una columna romana del Alto Imperio.

Se le atribuye a Apolodoro de Damasco en el año 133 d.C.

Es un tipo de arquitectura conmemorativa y funeraria, a la vez de una escultura de relieve.

Se encuentra en el Foro Trajano de Roma.

La columna celebra la conquista de la gran región de Dacia, que significa la máxima expansión del Imperio.

Su estado de conservación es casi perfecto, lo cual denota lo duradero del arte romano.

Las 2.500 imágenes que muestra estaban pintadas con colores brillantes.

La celda que hay en su base tenía la función de sepulcro para los restos del emperador.

Consta de un largo friso espiral que rodea desde abajo hasta arriba todo su fuste, describiendo las guerras dacias (101-106).

La columna está hueca en el interior.

Los relieves destacan por su realismo, sin personajes idealizados.

La perspectiva caballera de los relieves permiten observar los acontecimientos que suceden en primer, segundo y tercer plano.

Casi todas las escenas están profundamente decoradas, no hay apenas nada vacío.

Las figuras que aparecen están en muchos casos en movimiento, lo que proporcionada dramatismo.

Este relieve histórico trata de enseñar historia con sumo detallismo, además de glorificar las hazañas de Trajano.

Otras obras parecidas son la Columna de Marco Aurelio en Roma y el Arco de Tito en Roma.

Apolodoro de Damasco también realizó el Foro de Trajano en Roma y los Mercados de Trajano en Roma.

# data[].attributes.body
La estatua ecuestre de Marco Aurelio es un retrato ecuestre, luego exento, del emperador Marco Aurelio a caballo.

Su autor es desconocido y se ladró alrededor del 176 d.C.

Está hecha a partir de bronce.

Esta escultura servirá de modelo en el Renacimiento a Donatello.

La función de esta obra es conmemorar la victoria sobre los partos, así como hacer propaganda de la figura del emperador.

Es una imagen de poder así como una propaganda de Marco Aurelio, dominando la fogosidad del caballo.

El gesto del emperador produce una sensación de autodominio, siendo fuerte en la guerra y magnánimo en la paz.

Destaca el contraste entre la serenidad de su rostro y fogosidad que tiene que ser refrenada del caballo.

Hay un gran contraste entre la verticalidad y sensación de estabilidad y serenidad del emperador con las formas curvas del caballo, que marcan un ritmo de avance.

La pezuña del caballo levantada, el giro de la cabeza de Marco Aurelio y el gesto de la mano rompen la monotonía e invitan a rodear la imagen, creando diferentes puntos de vista.

El tratamiento de las figuras tanto del caballo como del emperador es realista.

Esta escultura corresponde a un modelo de imagen de poder.

Otras obras parecidas son la Columna de Marco Aurelio en Roma y el Busto de Marco Aurelio en el Louvre de París.

# data[].attributes.body
La Basílica de Santa Sofía de Constantinopla es una basílica construida entre el 532 y el 537.

Es una obra arquitectónica de tipología religiosa, y fue construida por Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto (teoría y práctica), elegidos por Justiniano.

Fue el templo más importante de la cristiandad durante siglos y la más representativa de la arquitectura bizantina, aunque tras caer la ciudad bajo el control otomano en el siglo XV, se transformó en una mezquita.

Se encuentra en Estambul, Turquía.

Su función es religiosa (dedicada a la Sabiduría Divina) pero también de propaganda imperial, al ser el promotor de la construcción el emperador Justiniano.

Las obras duraron apenas cinco años, un tiempo muy breve; de esta manera, hubo accidentes y diversas partes que se derrumbaron (la gran cúpula).

La planta revela el nuevo sentido artístico tanto centralizado como basilical.

Une las tradiciones de Oriente y Occidente.

Tiene tres naves separadas por arcos de medio punto sobre las columnas.

Encontramos como elementos sustentantes muros, pilares y columnas con bellos capiteles.

El sistema constructivo de todo el edificio es el abovedado, con bóvedas de arista en las naves laterales y una cúpula en la nave central.

Lo más destacable del espacio es la gran cúpula que está construida con materiales de poco peso, lo que le proporciona la sensación de que esta flota.

Para contrarrestar el empuje de la gran cúpula se utiliza todo un sistema de contrarrestos; así, mediante dos grandes arcos de refuerzo, el peso se traslada hacia dos medias cúpulas, que a su vez se contrarrestan mediante dos pequeñas exedras.

Es un espacio dinámico, continuo y muy luminoso con sus numerosas ventanas.

El círculo de la cúpula está inscrito en un cuadrado y sostenido por cuatro pechinas (triángulos con un lado curvo).

Algunas obras similares son la Basílica de Santa Irene de Constantinopla y la Iglesia de los Santos Sergio y Baco de Constantinopla.

Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto probablemente hicieran la Iglesia de los Santos Sergio y Baco de Constantinopla, así como la restauración de Santa Sofía de Constantinopla (558 d.C.) tras el terremoto.

# data[].attributes.body
El Coliseo de Roma es un anfiteatro romano que data alrededor del año 70-80 d.C.

Es un edificio perteneciente al género de la arquitectura civil, es decir, de ocio.

Pertenece al periodo del Alto Imperio.

El anfiteatro tiene forma ovalada, con dimensiones extraordinarias.

Se estructura en cuatro niveles: los tres primeros están formados por arquerías de medio punto enmarcadas por columnas con superposición de órdenes: toscano, jónico y corintio.

El ritmo es por una parte ondulado (arcos), compensado por la verticalidad de las columnas adosadas con función decorativa y no sustentante.

El interior se divide en un espacio subterráneo (compleja red de galerías), la arena y el graderio o cavea (formado por anillos concéntricos escalonados).

Este edificio podía acoger a 50.000 espectadores y era un espacio jerárquico.

Estaba dividido en cinco niveles, el más bajo con palcos para senadores y tribunos.

A partir del tercer nivel, las clases inferiores veían el espectáculo de pie.

En resumen, es un edificio duradero que aún se mantiene, en el cual observamos su carácter funcional y pragmático, y destacamos su grandiosidad y monumentalidad al servicio de la funcionalidad pero también a la propaganda al emperador.

Algunas obras similares pueden ser el Anfiteatro de Nimes y el Anfiteatro de Arlés, ambos en Francia.

# data[].attributes.body
El Puente de Alcántara sobre el río Tajo (Cáceres) es un puente romano del siglo II d.C., tiempos de Trajano.

La arquitectura es de tipo civil y de carácter público, y su estilo es romano imperial (arte provincial).

Su autor es Cayo Julio Lácer.

Constituye un ejemplo de ingeniería práctica y utilitaria que permitía el tránsito de legiones, pero también favorecía el comercio.

Exhibe el carácter pragmático de los ingenieros romanos, y muestra su interés por lo duradero.

Es una forma de propaganda demostrando su capacidad constructora.

En el centro de la calzada se alza un arco del triunfo en honor a Trajano.

Se emplea la unión del sistema arquitrabado y abovedado.

El elemento básico sustentante son los grandes pilares.

Otras obras similares son el Puente Romano de Córdoba y el Puente de Mérida.

# data[].attributes.body
El Panteón de Agripa es un templo romano que data cerca del del 120 d.C., realizado en la época del emperador Adriano.

Su arquitecto es desconocido y su promotor fue Agripa, y se encuentra en Roma, Italia.

Es un edificio aislado construido con hormigón para los muros y roca volcánica para la cubierta.

El templo cuenta con un pórtico de entrada a modo de templo griego; este consta de ocho columnas en su frente de estilo corintio, de cuatro en sus laterales y de un friso.

Está coronado por un frontón y una cubierta a dos aguas arquitrabada.

Los gruesos muros de hormigón de hasta 9 metros de grosor permiten soportar los empujes laterales que ejerce la enorme cúpula que sostiene.

La cúpula, con un óculo en su centro, permite la entrada de luz, además de aligerar su peso.

La decoración es totalmente geométrica.

La idea de Adriano era construir un templo que sirviera como culto a todo el panteón de los dioses grego-romanos.

Su función principal fue religiosa, y más tarde se convirtió en una iglesia cristiana.

Otras obras similares son el Maison Carrée en Nimes y el Templo de Vesta en Tívoli.

Agripa fue el promotor del Maison Carrée en Nimes y de las Termas de Agripa en Roma, también.

# data[].attributes.body
La Basílica de Majencio y Constantino es un edificio arquitectónico de tipo civil, con funciones jurídicas y de negocios.

Exhibe el carácter monumental y propagandístico del arte romano mediante sus enormes dimensiones.

Su autor es desconocido.

Su construcción es del siglo IV.

Se inició en el 307 d.C., siendo Majencio emperador, y se terminó en el 313 con Constantino al poder.

Su estado de conservación es bastante malo, y lo podemos hallar en el Foro Romano de Roma, Italia.

Pertenece al arte romano, época del Bajo Imperio.

Está inspirado en las termas de Diocleciano.

Destaca la mayor importancia del interior sobre el exterior a diferencia de Grecia, ya que el edificio debía ser funcional y pragmático para albergar a comerciantes.

La basílica romana era una tipología de construcción civil con función jurídica y comercial que se habían caracterizado por un sistema constructivo arquitrabado.

Lo novedoso es su sistema abovedado heredado de las termas y el sistema de transmisión de las presiones de la bóveda.

Tiene un carácter práctico y funcional.

La importancia del interior implica embellecerlo con elementos decorativos.

Su capacidad influye para que el cristianismo adopte este edificio para las necesidades de su culto una vez que se convierte en Iglesia triunfante.

Es un arte sincrético que une la herencia griega de estructuras arquitrabadas, columnas y la herencia etrusca del arco y la bóveda.

Su sistema abovedado permite elevar las construcciones.

Introducen nuevos materiales como el cemento.

Los edificios pierden la relación humana (antropocentrismo ) para buscar lo monumental y colosal.

Este edificio influye en la basílica cristiana.

# data[].attributes.body
La Última Cena es un mural renacentista de gran formato que representa el momento en que Jesús anuncia a sus discípulos que uno de ellos lo traicionará, capturando sus diversas reacciones emocionales.

Su autor es Leonardo da Vinci, y fue pintado entre 1495 y 1498 en el refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie, en Milán.

Está realizado con una técnica experimental de temple y óleo sobre yeso seco, lo que ha provocado su deterioro con el tiempo.

El artista utilizó la perspectiva central, donde todas las líneas convergen en la cabeza de Cristo, reforzando su papel como eje de la composición.

Destaca el contraste entre la calma de Jesús y la agitación de los apóstoles, que reaccionan con expresiones y gestos diversos.

El tratamiento de las figuras es naturalista y expresivo, con un estudio detallado de la anatomía, la gestualidad y la interacción entre los personajes, lo que aporta realismo y profundidad psicológica.

El punto de fuga en la cabeza de Cristo guía la mirada del espectador y organiza la escena de manera clara y armoniosa.

El gesto de Jesús, con las manos abiertas, y el de Judas, retirándose con la bolsa de monedas, crean una sensación de tensión y dramatismo, enfatizando el significado de la traición.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el Manierismo y el Barroco, con su énfasis en la expresividad, la luz y la narración dramática.

Otras obras parecidas son La Escuela de Atenas de Rafael, La Última Cena de Tintoretto y El Lavatorio de los Pies de Giotto, que siguen la misma monumentalidad y dramatismo narrativo.

# data[].attributes.body
David es una escultura renacentista que representa al joven héroe bíblico después de vencer a Goliat, simbolizando el triunfo de la inteligencia sobre la fuerza bruta.

Su autor es Donatello, y fue esculpida entre 1430 y 1440 en bronce.

El artista utilizó el contrapposto para dotar a la figura de naturalismo y dinamismo, además de una anatomía detallada influenciada por la escultura clásica grecorromana.

Destaca el contraste entre la pose relajada de David y la cabeza de Goliat a sus pies, reforzando la idea del héroe victorioso con una expresión serena pero segura.

El tratamiento del cuerpo es expresivo y sensual, con una gran atención a los detalles anatómicos y una ligera torsión en la postura que le da realismo y elegancia.

El gesto de David, con una mano en la cadera y la otra sosteniendo la espada de Goliat, junto con el sombrero alado y las botas, crean una sensación de delicadeza y confianza, alejándose de la representación heroica tradicional.

La función de esta obra es exaltar los valores cívicos de Florencia, representando a la ciudad como un pequeño pero inteligente vencedor frente a enemigos más poderosos.

Esta escultura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para la escultura renacentista y barroca, especialmente en la representación del desnudo masculino y la expresividad corporal.

Otras obras parecidas son el David de Miguel Ángel, el San Jorge del propio Donatello y el Perseo con la cabeza de Medusa de Cellini, que siguen la misma monumentalidad y claridad narrativa.

# data[].attributes.body
La Mona Lisa es un retrato renacentista que representa a una mujer con una enigmática sonrisa en un paisaje idealizado.

Su autor es Leonardo da Vinci, y fue pintado entre 1503 y 1506, aunque algunos estudios sugieren que continuó retocándolo hasta 1517.

La obra ilustra el ideal de la belleza y el misterio a través del sfumato, técnica característica de Leonardo.

El artista utilizó innovadoras técnicas pictóricas, como el sfumato, y la perspectiva aérea.

Destaca el contraste entre la serenidad del rostro de la protagonista y el dinamismo del paisaje, con montañas y caminos sinuosos que crean una sensación de exploración.

El tratamiento de la figura es naturalista e idealizado, con una gran atención a la anatomía, la luz y la expresión.

El punto de fuga en el fondo y la disposición triangular de la figura crean un equilibrio compositivo que guía la mirada del espectador.

La expresión enigmática de la Mona Lisa y su mirada directa generan una conexión con el espectador, creando una sensación de profundidad psicológica y misterio.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el Manierismo y el Barroco, así como para retratos posteriores en la historia del arte.

Otras obras parecidas son La Dama del Armiño y la Virgen de las Rocas, de Leonardo, que siguen la misma exploración de la luz, la anatomía y la expresión humana.

# data[].attributes.body
La Tempestad es una pintura renacentista de gran formato que representa una escena enigmática con una mujer amamantando a un niño y un hombre, observándola en un paisaje tormentoso.

Su autor es Giorgione, y fue pintado entre 1505 y 1510.

La obra es un ejemplo del enigmático estilo del artista, combinando naturaleza y figuras humanas en una composición poética e introspectiva.

El artista utilizó una técnica y sfumato, logrando una atmósfera envolvente y misteriosa, con una iluminación que sugiere un cambio climático inminente.

Destaca el contraste entre la calma de los personajes y la inquietud del paisaje, con un cielo tormentoso que añade dramatismo y profundidad a la escena.

El tratamiento de las figuras es naturalista pero enigmático, sin una clara narrativa, lo que ha llevado a múltiples interpretaciones simbólicas y alegóricas.

El punto de fuga en el fondo, junto con la diagonal creada por la disposición de los personajes y el puente en ruinas, guía la mirada a través de la composición y refuerza el sentido de misterio.

El cielo nublado y el rayo de luz que ilumina la escena crean un juego de tensiones entre lo estático y lo dinámico, lo oculto y lo revelado, aportando una sensación de dramatismo.

La función de esta obra es explorar la relación entre el ser humano y la naturaleza.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el paisaje atmosférico del Barroco y el Romanticismo, con su énfasis en la naturaleza y la emoción.

Otras obras parecidas son La Venus Dormida de Giorgione, Pastoral Concert de Tiziano y las pinturas de Poussin y Claude Lorrain, que siguen la misma exploración del paisaje y la atmósfera simbólica.

# data[].attributes.body
La Balsa de la Medusa es una obra del pintor francés Théodore Géricault, realizada entre 1818 y 1819, y pertenece al Romanticismo.

Es una pintura de gran formato que representa una escena dramática basada en un hecho real: el naufragio de la fragata francesa Méduse en 1816, y la desesperada supervivencia de sus ocupantes sobre una balsa improvisada.

La obra muestra un momento cargado de tensión: los náufragos, exhaustos y desesperados, divisan un barco en el horizonte que podría rescatarlos.

La composición se estructura en una pirámide humana que guía la mirada del espectador hacia la esperanza del rescate, mientras que los cuerpos caídos y las olas del mar transmiten el caos y el sufrimiento.

Destaca por su realismo anatómico, fruto de la investigación de Géricault, quien estudió cadáveres y entrevistó a supervivientes del naufragio para lograr un alto grado de veracidad.

Presenta características típicas del Romanticismo, como la exaltación de lo trágico, la crítica social (al denunciar la incompetencia del gobierno francés) y el uso dramático de la luz y el color.

Fue una obra controvertida en su época, tanto por su temática como por su estilo innovador, pero hoy es considerada una de las grandes obras maestras del Romanticismo.

Otros ejemplos del mismo estilo son El 3 de mayo de 1808 de Goya y La libertad guiando al pueblo de Delacroix.

Otros artistas contemporáneos son Eugène Delacroix, quien colaboró con Géricault y pintó obras con una carga emocional y política similar.

# data[].attributes.body
La Bóveda y el Testero de la Capilla Sixtina son frescos renacentistas de gran formato que representan episodios del Génesis y el Juicio Final.

Su autor es Miguel Ángel Buonarroti, quien pintó la bóveda entre 1508 y 1512 y el testero con el Juicio Final entre 1536 y 1541, en la Capilla Sixtina del Vaticano, por encargo de los papas Julio II y Clemente VII.

Los frescos fueron realizados directamente sobre la bóveda y la pared del altar, con una técnica que permitió una gran riqueza cromática y una extraordinaria precisión anatómica.

El artista utilizó la perspectiva para dar dinamismo y profundidad a las figuras, además de un intenso estudio de la anatomía humana, lo que confiere monumentalidad y fuerza expresiva a los cuerpos.

Destaca el contraste entre la majestuosidad de Dios en la Creación de Adán y el dramatismo de las figuras en el Juicio Final, creando una narración visual llena de tensión y movimiento.

El punto de fuga en el centro de la bóveda y la disposición radial de las figuras en el Juicio Final guían la mirada del espectador y organizan la escena en una estructura dinámica y envolvente.

El gesto de Dios en la Creación de Adán, extendiendo su mano hacia el hombre, y la imagen de Cristo juez en el Juicio Final, elevando a los justos y condenando a los pecadores, crean una sensación de grandeza y dramatismo, exaltando el poder divino.

La función de esta obra es exaltar la grandeza de Dios y la salvación del hombre.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para el Manierismo y el Barroco, con su énfasis en el dinamismo, la anatomía heroica y la teatralidad.

Otras obras parecidas son El Juicio Final de Fra Angelico, los frescos de Correggio en la cúpula de Parma y La Gloria de Tiepolo, que siguen la misma monumentalidad y dramatismo celestial.

# data[].attributes.attachment_caption
fachada occidental de la Catedral de Reims

# data[].attributes.body
La Catedral de Reims conocida como la Catedral de Notre-Dame de Reims, es de autor desconocido, aunque se le atribuye a varios arquitectos medievales anónimos.

Pertenece al estilo Gótico, más concretamente entre 1211-1275.

Es una iglesia de planta de cruz latina, con cinco naves, un gran transepto y una serie de capillas laterales.

El exterior está dominado por su impresionante fachada occidental, famosa por su riqueza decorativa.

Se organiza en tres cuerpos: el inferior tiene tres puertas, que se corresponden con las tres naves, abocinadas y con arquivoltas decoradas con esculturas.

El tímpano de la puerta central está decorado con un rosetón.

Medio: en la calle central encontramos un gran rosetón, enmarcado en un arco apuntado.

En las calles laterales, hay arcos apuntados que incrementan las sensación de verticalidad de la fachada.

Tercer cuerpo: hay una galería de estatuas de los reyes de Francia desde tiempos.

Finalmente, en las naves laterales se encuentra dos torres campanario.

Posee una mayor altura y ligereza que las iglesias románicas.

Consta de arcos ojivales y bóvedas de crucería

Cuenta con arbotantes, pináculos, rosetones y vidrieras.

Fue el lugar de coronación de los reyes de Francia, lo que le confiere una importancia histórica significativa.

Durante la Revolución Francesa sufrió daños, pero fue restaurada en el siglo XIX por el arquitecto Viollet-le-Duc.

Destaca por su monumental fachada, que presenta una gran cantidad de esculturas, incluidos los célebres "Ángeles Sonrientes" en el portal central.

Además, es famosa por sus vidrieras, que representan escenas bíblicas y las historias de los reyes franceses.

Otros autores del mismo periodo son Pierre de Montreuil (Sainte Chapelle) y Maestro Enrique (León).

Otras obras del mismo estilo son las catedrales de Nôtre Dame y Sainte Chapelle (París), Chartres y Amiens.

# data[].attributes.body
La Catedral de Burgos fue comenzada en 1221 por iniciativa del rey castellano Fernando III, y pertenece al estilo gótico.

Conocemos a uno de sus arquitectos, el “maestro Enrique”, que trabajó también en León.

Su construcción se prolongó hasta el siglo XVI, lo que le hace que su decoración corresponda más al último periodo del estilo Gótico.

Sufrió varias reformas y ampliaciones en los siglos posteriores, lo que también permitió la incorporación de elementos del Renacimiento y del Barroco.

Es una iglesia de planta de cruz latina, con tres naves, transepto, girola y una notable serie de capillas laterales.

La catedral es especialmente conocida por su riqueza en detalles y su verticalidad, características del gótico, así como por su espectacularmente decorado interior.

La catedral también es famosa por la presencia de una de las portadas góticas más completas de Europa, con escenas bíblicas y detalles escultóricos que muestran el nivel de maestría de los artistas de la época.

Además, la catedral fue declarada Patrimonio de la Humanidad.

Destacan las bóvedas de ojiva, los arcos puntiagudos y los contrafuertes que permiten una mayor elevación y la inclusión de grandes vitrales.

La fachada principal es uno de los elementos más destacados, con sus dos grandes torres que dominan la silueta de la ciudad.

Nos encontramos con una fachada normanda con una fuerte tendencia a la verticalidad, compuesta por tres pisos (puertas de acceso, rosetón cobijado bajo un arco apuntado, galería de arcos, más, en las torres, un cuarto cuerpo coronado por agujas caladas).

La decoración es típica de la arquitectura gótica (arcos ciegos, tracerías con tetrafolios y trifolios, calado de las agujas, numerosas vidrieras...) a la que acompaña esculturas (galería).

Consta de una mayor altura y ligereza que las iglesias románicas.

Presenta arcos ojivales y bóvedas de crucería.

Cuenta con arbotantes, pináculos, rosetones y vidrieras.

Otros autores del mismo periodo son Pierre de Montreuil (Sainte Chapelle) y el Maestro de Chartres (Chartres, desconocido).

Otras obras del mismo estilo son las catedrales de Nôtre Dame y Sainte Chapelle (París), Chartres y Amiens.

# data[].attributes.attachment_caption
interior de la planta superior de la Sainte Chapelle.

# data[].attributes.body
La Iglesia de la Sainte Chapelle de París probablemente fue creada por Pierre de Montreuil, encargada por el rey Luis IX para albergar las reliquias que había adquirido.

Es una iglesia de estilo Gótico, más concretamente entre 1241-1248.

Forma parte del Palacio de la Cité, residencia de los reyes de la época.

A esta planta superior solo tenían acceso el rey y su corte.

La Sainte-Chapelle es una de las joyas del gótico temprano y un ejemplo excepcional de la arquitectura religiosa de la época.

Esta capilla se caracteriza por una planta de una sola nave con un notable coro elevado y un impresionante uso de vidrieras.

Es especialmente famosa por sus ventanas, que cubren casi todo el muro y ofrecen una espectacular representación de escenas bíblicas a través de una serie de vidrieras del siglo XIII.

Esta técnica permite que la luz natural inunde el espacio, creando un ambiente místico y trascendental.

Además, se utilizan contrafuertes exteriores que permiten esta increíble superficie de vidrio sin comprometer la estabilidad del edificio.

Su arquitectura, al igual que su función, está destinada a elevar el espíritu hacia lo divino.

Contiene los elementos góticos típicos: arcos ojivales y bóvedas de crucería.

Las paredes fueron sustituidas casi totalmente por ventanales con vidrieras.

Las vidrieras, en colores rojo, azul y amarillo, narran historias del Antiguo y del Nuevo Testamento.

Consta de una mayor altura y ligereza que las iglesias románicas.

Posee arbotantes, pináculos, rosetones y vidrieras.

Otros autores son el Maestro Enrique (León), y el Maestro de Chartres (Chartres, desconocido).

Otras obras son las catedrales de Reims y Nôtre Dame (París), Chartres y Amiens.

# data[].attributes.body
La Catedral de Toledo, también conocida como la Catedral Primada de España es de autor desconocido y de estilo Gótico (siglo XIII).

Puede decirse que es la menos francesa de las catedrales góticas españolas.

Consta de cinco naves en toda su extensión y no es demasiado alta en relación con su anchura.

Muy interesante es la solución dada a la cabecera, con su división geométrica en triángulos y cuadrados.

Las cinco naves proporciona amplitud y grandiosidad al espacio, sustentadas por columnas y bóvedas, creando una sensación de verticalidad y solidez.

En cuanto a las vidrieras, la Catedral de Toledo alberga la mayor colección de vidrieras medievales conservadas.

Destacan las vidrieras del rosetón del crucero, las de la capilla mayor y las de grandes figuras de santos y apóstoles en el lado este.

Consta de una mayor altura y ligereza que las iglesias románicas.

Cuenta con arcos ojivales y bóvedas de crucería.

Encontramos arbotantes, pináculos, rosetones y vidrieras.

Presenta influencias del estilo mudéjar, renacentista y barroco debido a las diversas modificaciones que sufrió a lo largo de los siglos.

La fachada principal está adornada con esculturas de gran detalle, entre las que se incluyen escenas bíblicas y figuras de santos, que refuerzan la temática religiosa del edificio.

Destaca por la altura y luminosidad de su interior, con arcos ojivales, bóvedas de ojiva y una serie de contrafuertes que permiten la inclusión de grandes vitrales, especialmente en el rosetón principal.

La Catedral de Toledo es conocida también por su gran riqueza ornamental, con detalles como el retablo mayor y las numerosas capillas, cada una con su propio diseño artístico.

La catedral alberga importantes obras de arte, incluidas pinturas de El Greco.

Otros autores de la época son Pierre de Montreuil (Sainte Chapelle) y el Maestro de Chartres (Chartres, desconocido).

Otras obras del mismo estilo son las catedrales de Nôtre Dame y Sainte Chapelle (París), Chartres y Amiens.

# data[].attributes.body
La Catedral de León fue probablemente realizada por el Maestro Enrique.

Es una catedral de estilo Gótico, más concretamente de la segunda mitad del siglo XIII.

La planta de la Catedral de León es casi idéntica a la de Reims, aunque de menor tamaño.

Tiene tres naves de la entrada al transepto, y cinco naves del transepto al altar mayor).

Las naves se cubren con bóveda de crucería.

Los muros tienen 125 ventanales con vidrieras policromadas.

La fachada está dividida en tres cuerpos: un cuerpo central, decorado con un rosetón típicamente gótico, y dos torres diferentes una de otra, como consecuencia de haber sido realizadas en periodos distintos (la torre norte o torre de las campanas y la torre sur o torre del reloj).

En el centro de la fachada, destaca una portada dividida en tres partes: en la central, se representa el Juicio Final.

A su derecha, San Juan Bautista, y a su izquierda, San Francisco.

Las figuras presentan el naturalismo propio del gótico que se impone sobre el simbolismo y hieratismo románicos.

El trabajo de los pliegues en los ropajes, la expresión e individualización de los rostros y la sensación de movimiento son las principales

características.

Consta de una mayor altura y ligereza que las iglesias románicas.

Cuenta con arcos ojivales y bóvedas de crucería.

Encontramos arbotantes, pináculos, rosetones y vidrieras.

La catedral tiene una planta de cruz latina, con tres naves, un amplio transepto, girola y numerosas capillas radiales.

La estructura gótica se manifiesta en la elevación de las naves, la utilización de bóvedas de ojiva y la inclusión de contrafuertes que permiten la gran superficie de vitrales, una característica destacada de la catedral.

Es conocida por su impresionante colección de vidrieras, que decoran sus muros de forma espectacular, con escenas bíblicas y motivos religiosos que inundan el interior de luz multicolor.

La catedral de León es una de las mejores exponentes del "gótico luminoso" gracias a la cantidad y la calidad de sus vidrieras.

El exterior de la catedral presenta una fachada rica en esculturas, con representaciones de escenas del Antiguo y el Nuevo Testamento, además de figuras de santos y escenas litúrgicas.

Uno de los elementos más destacados es la fachada principal, que muestra una impresionante portada con detalles escultóricos de gran delicadeza.

La catedral también alberga un hermoso rosetón y una serie de puertas de gran valor histórico y artístico.

Otros autores de la época son Pierre de Montreuil (Sainte Chapelle) y el Maestro de Chartres (Chartres, desconocido).

Otras obras del mismo estilo son las catedrales de Nôtre Dame y Sainte Chapelle (París), Chartres y Amiens.

# data[].attributes.attachment_caption
Catedral de Burgos, tímpano de la portada del Sarmental.

# data[].attributes.body
El Tímpano del Sarmental de la Catedral de Burgos es una obra atribuida a un artista franco conocido como el Maestro del Beau Dieu de Amiens.

Está situada en el brazo meridional del

transepto.

Desde la calle se accede salvando una pronunciada escalinata.

Constituye uno de los mejores ejemplos del gótico clásico español.

Fue construida aproximadamente entre 1230 y 1240.

Representa a un Cristo en actitud de Pantocrátor con el Libro de la Ley en la mano y rodeado de los Cuatro Evangelistas.

Debajo, separados por un dintel, aparecen los apóstoles sentados.

El tímpano está rodeado por tres arquivoltas que representan los 24 ancianos del Apocalipsis, tocando o afinando instrumentos musicales medievales, varios coros de ángeles y una alegoría de la Artes.

El principal soporte son las fachadas de las iglesias.

A diferencia el románico, los artistas buscan más el naturalismo y la humanización.

Este tímpano presenta una escena religiosa que representa el Juicio Final, con Cristo en el centro, rodeado de los apóstoles y almas ascendiendo y descendiendo, simbolizando la salvación y la condena.

Destaca por su estilo gótico temprano, con figuras alargadas y estilizadas, mostrando un mayor realismo en las expresiones y posturas en comparación con las esculturas románicas previas.

El tímpano presenta una composición vertical que enfatiza la altura y el movimiento, reflejando la influencia de la escultura gótica francesa, especialmente en el tratamiento de las figuras y los detalles.

Además de las representaciones de Cristo, se hacen frecuentes las de la Virgen (Anunciación, Desposorios, Asunción o Coronación), las de diversos santos e incluso las de nobles (destaquemos las de Ekkehard y Uta en la Catedral de Naumburg).

# data[].attributes.attachment_caption
Anunciación y Visitación (Catedral de Reims).

# data[].attributes.body
El Grupo de la Anunciación y la Visitación se encuentra en la Catedral de Reims, y es de autor desconocido, aunque parece obvio que cada uno de los grupos pertenece a un autor distinto.

Esto pudo deberse al motín que se produjo en la ciudad en 1233 y que obligó a paralizar las obras de la catedral.

Es de estilo Gótico, esculpido durante la primera mitad del siglo XIII.

Distinguimos dos grupos: la Anunciación, en la que el ángel comunica a María que va a ser madre de Cristo; y la Visitación, en la que aparecen juntas las Virgen y Santa Isabel, madre de San Juan Bautista.

Las figuras responden a un canon que cada vez se estiliza más.

Hay además una busca del naturalismo y de la belleza de las formas.

En la Anunciación, hay un gesto del ángel que se conoce como “la sonrisa de Reims”, un primer ensayo por buscar la expresión en los rostros esculpidos.

El grupo de la Visitación, en cambio, presenta una concepción más dura, con un tratamiento de los rostros y de los paños que recuerda los modelos establecidos.

El principal soporte son las fachadas de las iglesias.

A diferencia el románico, los artistas buscan más el naturalismo y la humanización.

Este grupo escultórico muestra dos escenas bíblicas: la Anunciación (el momento en que el arcángel Gabriel anuncia a la Virgen María que será madre de Jesús) y la Visitación (cuando la Virgen María visita a su prima Isabel, que está embarazada de Juan el Bautista).

Ambas escenas se muestran en una serie de figuras verticales y dinámicas.

El estilo gótico se refleja en la elegancia de las figuras, su alargamiento y la delicadeza en el modelado, con un marcado sentido de naturalismo en las expresiones y gestos.

Estas escenas, cargadas de simbolismo religioso, fueron pensadas para educar a los fieles en los misterios de la fe cristiana.

Otras obras del mismo estilo y características pueden ser la Figura del Beau Dieu de la Catedral de Amiens y el Caballero de Bamberg de la Catedral de Bamberg.

# data[].attributes.body
La Anunciación entre los santos Ansano y Margarita fue realizada originalmente para un altar lateral de la Catedral de Siena por Simone Martini.

Es un tríptico de estilo Gótico (1333, primera mitad del siglo XIV) que se encuentra actualmente en la Galería de los Ufizzi (Florencia).

La tabla está compuesta por un gran compartimento central, con la Anunciación, y por dos compartimentos laterales con San Ansano, patrón de Siena, (a la izquierda) y santa Margarita (a la derecha).

El fondo dorado, todavía de la tradición medieval, da a la escena una apariencia abstracta pero también muy espiritual.

El panel central está dominado por el jarrón de lirios, símbolo de la pureza de María.

La naturaleza adquiere cierta importancia.

La escena de la Anunciación se caracteriza por una elegante disposición de los personajes, destacando las figuras alargadas y estilizadas.

La Virgen María, situada a la izquierda, aparece en un gesto delicado y con una expresión serena, mientras que Gabriel, a la derecha, se presenta en una postura fluida y con ropas majestuosas.

La escena está rodeada de una atmósfera que mezcla lo divino y lo terrenal, representada en la arquitectura detallada y en la atmósfera de lujo que caracteriza las obras de este estilo.

Uno de los elementos más destacados de la obra es la delicadeza con la que se representan las figuras humanas y los detalles en los ropajes.

La obra está llena de simbolismo religioso, como el lirio que sostiene Gabriel, símbolo de la pureza de María, y el libro que ella sostiene, una referencia a la sabiduría divina.

La luz que cae sobre la Virgen, casi mística, también subraya la divinidad del momento.

Otras obras del mismo estilo pueden ser la Virgen en Majestad (Cimabue) e Historias Franciscanas (Giotto).

# data[].attributes.body
El Matrimonio Arnolfini es un óleo sobre tabla que se encuentra en la National Gallery de Londres.

Su autor es Jean Van Eyck, y es un cuadro de estilo Gótico.

Jean Van Eyck pertenece al grupo de los primitivos flamencos, claro antecedente de la pintura renacentista que vendrá después.

Fue elaborado en 1434.

Representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa, que vivían en Brujas.

La solemnidad del acto queda marcada por la simetría de la composición.

El cuadro está repleto de simbolismo religioso y secular, con detalles como el candelabro, que representa la presencia de Dios, y el perro, que simboliza la fidelidad.

La luz, que ilumina los objetos y las figuras, se maneja con una maestría que resalta la naturalidad de los detalles, algo característico de la técnica flamenca del óleo.

El espejo del fondo de la sala refleja con detalle la escena vista desde atrás y prolonga el espacio.

Todos los objetos que integran la obra están pintados con detalle y minuciosidad, propios del artista.

El interior está bañado por una luz sutil e íntima, una luz que inunda la habitación e influye en los colores.

El espejo es el elemento más fascinante del cuadro: en él convergen todas las líneas de la composición.

Refleja, además de la parte posterior de los esposos, a dos personajes que ocuparían nuestro lugar como espectadores: uno de ellos, es posible que fuera el propio pintor, pues así consta en una inscripción que hay sobre el espejo: “Jan van Eyck estuvo aquí”.

La naturaleza adquiere cierta importancia.

Otras obras del mismo estilo pueden ser La Virgen del canciller Rolin (Van Eyck) o El jardín de las delicias (El Bosco).

# data[].attributes.body
El Políptico de la Adoración del Cordero Místico, llamado también Político de Gante por encontrarse en la Catedral de San Bavón, de la ciudad belga de Gante, es una obra de Jan van Eyck (1390-1441).

Hay documentos que afirman que su hermano Hubert fue el que comenzó a pintarlo.

Es un políptico de estilo Gótico y pertenece al grupo de los primitivos flamencos, claro antecedente de la pintura renacentista que vendrá después.

Fue realizado en 1432 (primera mitad del siglo XV).

Está compuesto por veinte tablas de roble, ocho de las cuales, las que se articulan para cerrarlo, están pintadas por las dos caras.

Está compuesto de retratos, paisajes, naturalezas muertas, etc., con un minucioso tratamiento del detalle.

Está lleno de símbolos: los lirios que crecen al lado de los mártires son un emblema de la virginidad; o la corona a los pies de Dios significa la supeditación del poder temporal al divino.

La naturaleza adquiere cierta importancia.

El retablo está compuesto por varios paneles, siendo el central el más destacado, en el cual se muestra la Adoración del Cordero Místico, una representación de Cristo como el Cordero de Dios que está siendo venerado por una multitud de figuras, incluyendo ángeles, santos y personajes bíblicos.

La escena simboliza el sacrificio de Cristo y su redención de la humanidad.

El cordero, en el centro, se muestra en un altar, con la sangre brotando de su costado en un cáliz, aludiendo al sacrificio en la cruz.

En los paneles laterales, se representan figuras como Adán y Eva, los profetas y otros personajes sagrados.

La complejidad de la obra se encuentra también en los detalles que incluyen paisajes, arquitectura, y la representación de rostros y vestimentas con un realismo sin precedentes, propio de la tradición flamenca.

El realismo y la precisión en los detalles, como el uso de luz y sombra, la representación de texturas (como la piel, los metales y las telas), y la capacidad para crear una atmósfera simbólica única son algunas de las características que han hecho de esta obra un referente en la historia del arte occidental.

Además, la obra presenta una carga simbólica muy importante, no solo religiosa sino también filosófica y teológica, relacionada con la Redención y el sacrificio de Cristo, elementos cruciales en la tradición cristiana medieval.

El Retablo de Gante es considerado también un referente en la técnica del óleo sobre tabla, técnica que perfeccionó Van Eyck y que permite un nivel de detalle y luminosidad sin igual.

Otras obras del mismo estilo pueden ser La Virgen del canciller Rolin y El matrimonio Arnolfini (Van Eyck), o El jardín de las delicias (El Bosco).

# data[].attributes.body
El Descendimiento de la Cruz es un óleo sobre tabla que se encuentra en el Museo del Prado.

Su autor es Rogier van der Weyden.

Es de estilo Gótico y pertenece al grupo de los primitivos flamencos, claro antecedente de la pintura renacentista que vendrá después.

Fue pintado sobre 1436.

Sólo se conserva la parte central de lo que fue un tríptico encargado por el gremio de ballesteros de Lovaina.

El problema del pintor fue encajar una escena con gran cantidad de personajes en una tabla de dimensiones no muy grandes.

Representa una escena de los Evangelios: Cristo es bajado de la cruz y sujetado por José de Arimatea.

El fondo dorado, símbolo de lo divino, es típicamente gótico.

Sin embargo, la expresividad de los gestos y el realismo de los ropajes indican que se trata de una pintura en clara transición hacia el Renacimiento.

La naturaleza adquiere cierta importancia.

El realismo emocional es uno de los aspectos más destacados de esta obra.

Van der Weyden captura de forma impresionante la tristeza y el dolor de los personajes a través de sus expresiones faciales y la postura de sus cuerpos.

El trabajo de los pliegues de las vestiduras y los detalles de la carne humana contribuyen a la sensación de tensión emocional que domina la escena.

En cuanto a la técnica, la pintura está realizada al óleo sobre tabla, con una gran precisión en los detalles.

La profundidad espacial también es un rasgo importante, con una composición que da la sensación de que la escena se desarrolla en un espacio realista, a pesar de la intensidad simbólica de la obra.

La obra transmite la angustia de la Pasión a través de una disposición muy dinámica y compuesta, y es famosa por la expresión de dolor físico y espiritual que se transmite a través de los personajes.

La composición está organizada de forma que el espectador se siente involucrado emocionalmente en la escena.

Otras obras del mismo estilo son La Virgen del canciller Rolin (Van Eyck) o El jardín de las delicias (El Bosco).

# data[].attributes.body
El Jardín de las Delicias es un tríptico de 2.20 metros de alto por casi 4 de largo que se encuentra en el Museo del Prado.

Su autor es Jheronimus Bosch (El Bosco).

Es una obra de estilo Gótico, y pertenece al grupo de los primitivos flamencos, claro antecedente de la pintura renacentista que vendrá después.

Fue realizado en torno a 1500.

Es considerada como una de las obras más misteriosas y atrayentes de la historia del arte.

Cerrado, el tríptico representa una esfera transparente, símbolo de la fragilidad del Universo.

Abierto: el panel izquierdo representa el último día de la Creación, con Adán y Eva; el central muestra todo tipo de placeres carnales que llevan a la “pérdida de la gracia”; el derecho muestra el infierno, lugar de castigo de los pecadores.

A pesar de que el tema es medieval, los recursos técnicos del pintor (uso del color, del claroscuro, de la luz y de la perspectiva) le dan a la pintura un tono optimista, casi festivo.

La naturaleza adquiere cierta importancia.

El cuadro se caracteriza por su gran complejidad simbólica y la mezcla de imágenes religiosas y alegóricas.

Se cree que El Bosco usó la obra como un reflejo de las tensiones entre el pecado, la tentación y la salvación en la sociedad de la época, un tema recurrente en la pintura religiosa medieval y renacentista.

Otras obras del mismo estilo son La Virgen del canciller Rolin (Van Eyck), El matrimonio Arnolfini (Van Eyck).

# data[].attributes.body
El Real Alcázar de Sevilla es de autor desconocido.

Pertenece al estilo mudéjar, aunque incorpora elementos góticos, renacentistas y barrocos debido a las reformas realizadas a lo largo de los siglos.

Su construcción comenzó en el siglo XIV, bajo el reinado de Pedro I (1356-1366).

Es un complejo palaciego compuesto por varias estancias, patios y jardines.

Entre los espacios más destacados se encuentran el Patio de las Doncellas, el Patio de las Muñecas, el Salón de los Embajadores y los amplios jardines.

Fue modificado en distintos periodos históricos, especialmente durante los siglos XVI y XVIII, para adaptarse a los gustos y necesidades de los monarcas.

Se utilizó como residencia real, siendo aún hoy uno de los palacios reales en uso más antiguos de Europa.

Destaca por su combinación de elementos islámicos, como yeserías, azulejos, arcos polilobulados y mocárabes, con aportaciones cristianas, como detalles góticos y renacentistas en algunas de sus estancias.

Otros ejemplos del arte mudéjar son la Sinagoga del Tránsito (Toledo) y la Casa de Pilatos (Sevilla).

Otros autores y artesanos de la época relacionados con el estilo mudéjar son los que trabajaron en la construcción del Palacio de Pedro I y el Monasterio de Guadalupe.

# data[].attributes.body
Nos hallamos ante una imagen de la Cúpula de Santa María dei Fiore o Santa María de las Flores, una obra de Filippo Brunelleschi.

Pertenece a la arquitectura renacentista italiana, más concretamente al periodo del Quattrocento 1418-1446.

Se encuentra en Florencia, Italia.

Se trata de la cúpula de la Catedral de Florencia.

Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica, iniciada en 1296 continuada desde 1331 por Giotto.

En 1418 la Corporación de la Lana convocó un concurso para elegir el mejor proyecto para construir una cúpula sobre el crucero, que aún faltaba.

La maqueta presentada por el arquitecto Filippo Brunelleschi ganó el concurso, al que también se había presentado Giotto.

Brunelleschi ganó el concurso gracias a su innovador sistema constructivo: la solución que plantea consiste en cubrir el tambor octogonal con dos cúpulas superpuestas, dejando una cámara de aire entre ambas.

De este modo, el peso de los materiales disminuye y puede elevar su altura.

La cúpula se levanta sobre una base octogonal de piedra cubierta con placas de mármol blanco, verde y rosado.

Cada lado tiene una gran ventana circular.

Está cubierta de tejas rojas planas y tiene una forma elegante y puntiaguda por los nervios de mármol blanco que suben hasta la cima.

En la parte superior hay una linterna decorada con volutas.

Esta cúpula es la primera obra renacentista.

Está inspirada en los sistemas de construcción romanos, especialmente en la cúpula del Panteón de Agripa, y también en la tradición gótica, pero los supera.

Unifica y centraliza el espacio del edificio.

Brunelleschi, Filippo (1377-1446) fue un genial arquitecto, orfebre, ingeniero y constructor de máquinas, además del descubridor de la perspectiva moderna.

Algunas de sus obras son: las iglesias de San Lorenzo y del Santo Spirito, la capilla Pazzi, la logia del Hospital de los Inocentes, el palacio Pitti, todas ellas en Florencia.

La cúpula superaba en altura y destacaba del resto de las edificaciones de la ciudad de Florencia.

Dominaba la perspectiva y jerarquizaba el espacio urbano.

Era el símbolo del orgullo de esta ciudad-estado, la más prestigiosa del siglo XV.

La cúpula tendrá un enorme éxito y será muy imitada durante el Renacimiento, dentro y fuera de Italia.

Miguel Ángel se inspiró en ella para su cúpula del Vaticano.

Posteriormente, tanto en Europa como en América, se realizarán otras cúpulas siguiendo el modelo de Brunelleschi.

Ejemplos: la cúpula de la catedral de San Pablo en Londres (siglo XVII) y la del Capitolio de Washington (comienzos del XIX).

# data[].attributes.body
El Condotiero Gattamelata es una escultura ecuestre de Donatello, realizada entre 1447 y 1453 en Padua.

Donatello se marcha a Padua, y allí labra la Estatua ecuestre de Erasmo da Narni, llamada el

Gattamelata, donde resucita el modelo romano del emperador Marco Aurelio a caballo.

El “Condotiero Gattamelata” era un capitán de fortuna, al frente de un ejército de mercenarios, que defendió los intereses de la República de

Venecia frente a Milán.

En esta escultura el artista conjuga el naturalismo del caballo, sus arreos y armadura clásica con la expresión abstracta del militar.

Se trata de un monumento dedicado al condotiero Erasmo de Narni, apodado "Gattamelata", un líder militar al servicio de la República de Venecia.

Es considerada la primera gran escultura ecuestre del Renacimiento, inspirada en los retratos de emperadores romanos, especialmente en la estatua de Marco Aurelio en Roma.

La obra muestra a Gattamelata sobre su caballo, con una expresión serena y firme, representando el ideal del hombre renacentista, que domina tanto el mundo físico como el intelectual.

Donatello prescinde de adornos innecesarios y se enfoca en la fuerza y la dignidad del personaje, transmitiendo poder a través de su postura erguida y su mirada decidida.

El caballo, tratado con un gran naturalismo, contribuye a la majestuosidad de la obra.

Su pata delantera derecha está apoyada sobre una esfera, lo que equilibra la composición y refuerza la idea de control y dominio.

A diferencia del arte medieval, en el que las figuras ecuestres solían representar a los caballeros de manera más rígida y simbólica, Donatello introduce un enfoque más humanista y realista, con un profundo estudio anatómico y una clara intención de representar el carácter del personaje.

Otras esculturas ecuestres influidas por esta obra son el Monumento a Colleoni de Verrocchio en Venecia y el Luis XIV a caballo de Gian Lorenzo Bernini.

# data[].attributes.body
El Moisés de Miguel Ángel es una escultura de bulto redondo renacentista sedente que representa al profeta Moisés al regresar del monte Sinaí, portando bajo el brazo las Tablas de los diez mandamientos, contempla horrorizado cómo el pueblo de Israel ha caído en la idolatría, adorando al becerro de oro.

Su autor es Miguel Ángel Buonarroti, y fue esculpido entre 1513 y 1515 en mármol.

Está hecho a partir de mármol de Carrara.

El gesto del profeta, con su mirada intensa y su barba dinámica, produce una sensación de fuerza, rabia y cólera contenida, transmitiendo su conexión con lo divino y su ira reprimida.

El tratamiento de la figura es altamente realista, con un gran detalle anatómico en músculos, venas y barba.

Es una imagen de poder que refleja la energía contenida de Moisés, listo para levantarse en cualquier momento, en una postura de gran tensión interna.

El Moisés es el mejor ejemplo de terribilitá miguelangelesca, de tremenda fuerza expresiva.

Las ropas y la barba establecen un juego de luces y sombras dando a la figura volumen.

El ligero giro de su cabeza y la postura de sus piernas invitan a rodear la escultura, creando diferentes puntos de vista y aumentando la sensación de realismo.

Destaca el contraste entre la serenidad de su postura sentada y la tensión latente en su mirada y su mano sujetando las Tablas de la Ley.

Hay un gran contraste entre la verticalidad y estabilidad de su cuerpo y el dinamismo de su barba y músculos, que marcan un ritmo de inminente acción.

Esta escultura servirá de modelo en el Barroco.

La función de esta obra es conmemorar la figura de Moisés como líder del pueblo hebreo, así como exaltar la fuerza y la divinidad en su persona.

Otras obras parecidas son el David de Miguel Ángel, la Piedad y la Tumba de los Médici, que siguen el mismo ideal de monumentalidad y fuerza contenida.

# data[].attributes.body
Las Tumbas Mediceas son un conjunto escultórico funerario renacentista dentro de la Sacristía Nueva de San Lorenzo en Florencia.

Su autor es Miguel Ángel Buonarroti y fueron realizadas entre 1520 y 1534 en mármol.

Están hechas a partir de mármol de Carrara.

La función de esta obra es exaltar el poder de la familia Medici, especialmente de Lorenzo y Giuliano de Médici, presentándolos como figuras de autoridad y grandeza atemporal.

Giuliano es la representación del hombre activo.

Lorenzo, en actitud pensativa, es la representación de la vida contemplativa.

Así, en el sepulcro de Giuliano de Médici, aparecen recostadas dos imágenes alegóricas de la noche (mujer) y el día (hombre)

En el de Lorenzo aparecen las alegorías del crepúsculo (hombre) y de la aurora (mujer).

Los dos difuntos son retratados vestidos a la usanza de los militares romanos, con coraza musculada.

Miguel Ángel evoluciona hacia el final de su madurez hacia las formas manieristas, es decir, rompe con el equilibrio y serenidad de las formas clásicas.

La inestabilidad de las figuras, que parecen que se van a resbalar, así como la composición alargada, son plenamente manieristas.

En las figuras la disposición serpenteante del cuerpo ejemplifica el recurso de la “forma serpentinata”.

El giro de las figuras y las posiciones asimétricas invitan a rodear la escultura, creando diferentes puntos de vista y aumentando la sensación de profundidad y dinamismo.

El tratamiento de las figuras es altamente realista, con un gran dominio anatómico y una expresividad que transmite la dualidad entre lo eterno y lo efímero.

Esta escultura corresponde a un modelo de imagen de poder y trascendencia.

Es una imagen de poder que simboliza la reflexión y la acción a través de las posturas contrastadas de los duques y las figuras alegóricas.

Hay un gran contraste entre la estabilidad de las figuras principales y el dinamismo de las alegorías del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo, que marcan un ritmo de transformación y cambio.

Este conjunto escultórico servirá de modelo para futuras obras funerarias del Manierismo y el Barroco.

Otras obras parecidas son el Moisés de Miguel Ángel, el David, y el conjunto funerario de Julio II, que siguen la misma monumentalidad y simbolismo.

# data[].attributes.body
El Rapto de las Sabinas es una escultura de Giambologna, realizada entre 1579 y 1583, que se encuentra en la Loggia dei Lanzi en Florencia.

Es una de las obras más representativas del Manierismo, destacando por su composición dinámica y su virtuosismo técnico en el mármol.

La escultura representa el episodio mitológico del rapto de las mujeres sabinas por los romanos, pero Giambologna no centró su interés en la narración de la historia, sino en la compleja disposición de los cuerpos en espiral, conocida como "figura serpentinata".

Esta composición genera un movimiento ascendente que se aprecia desde cualquier ángulo, lo que hace que la obra sea concebida para ser vista en 360 grados.

Las figuras muestran un notable naturalismo anatómico, con músculos tensos y expresiones dramáticas que reflejan el conflicto y la lucha.

Se observa la influencia de Miguel Ángel en la musculatura y en la complejidad de las posturas, aunque Giambologna lleva más lejos la sensación de dinamismo y elegancia.

A diferencia del arte renacentista, que buscaba el equilibrio y la armonía, el Manierismo juega con movimientos retorcidos, composiciones inestables y expresiones exageradas, características claramente presentes en esta obra.

Otras esculturas que comparten este estilo manierista son El Mercurio Volador del propio Giambologna y algunas obras de Benvenuto Cellini, como el Perseo con la cabeza de Medusa, también en la Loggia dei Lanzi.

# data[].attributes.body
La Escuela de Atenas es un fresco renacentista de gran formato que representa a los más grandes filósofos y pensadores de la Antigüedad en un espacio arquitectónico idealizado.

Su autor es Rafael Sanzio y fue pintado entre 1509 y 1511, e ilustra el Templo de la Ciencia, donde Platón indica el cielo y Aristóteles la tierra.

Está hecho sobre los muros de las Estancias Vaticanas.

Una legión de colaboradores le ayudaron a terminar las Estancias.

Destaca el contraste entre la calma de las figuras centrales y la energía de los personajes en los extremos, que se mueven y discuten en diversas posturas, lo que marca un ritmo dinámico sin perder el equilibrio.

El tratamiento de las figuras es idealizado pero realista, con gran expresividad y detalle anatómico.

El punto de fuga en el centro, donde están Platón y Aristóteles, junto con la perspectiva central, invitan a recorrer la escena, creando múltiples puntos de interés.

El gesto de Platón, señalando hacia el cielo, y el de Aristóteles, apuntando a la tierra, crean una sensación de diálogo y contraste de ideas, representando la filosofía idealista y empírica.

La función de esta obra es exaltar el conocimiento y la razón, así como glorificar la figura del Papa como heredero de la sabiduría clásica.

Esta pintura corresponde a un modelo de imagen de poder intelectual y filosófico.

Es una imagen de poder intelectual que muestra la armonía entre fe y razón, organizando a los filósofos en una composición equilibrada y monumental.

Esta pintura servirá de modelo en el Manierismo y el Barroco.

Otras obras parecidas son la Disputa del Sacramento, el Parnaso y los frescos de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, que siguen la misma monumentalidad y simbolismo.

# data[].attributes.body
La Iglesia de San Lorenzo fue diseñada por Filippo Brunelleschi en Florencia hacia 1420.

Este edificio destaca por su enfoque en la simetría y la proporción.

Estos principios buscan crear un equilibrio perfecto entre el espacio y el entorno, reflejando la conexión entre lo humano y lo divino.

La iglesia fue encargada por la familia Medici.

Uno de los elementos más destacados es el uso de la luz natural que entra a través de las ventanas altas, lo que le da una cualidad espiritual.

Además, el manejo del volumen a través de la distribución de los arcos y columnas crea una sensación de profundidad y de continuidad.

La perspectiva juega un papel importante, ya que la disposición de las columnas y los arcos alinea visualmente el espacio, creando una sensación de expansión hacia el fondo.

Otras obras arquitectónicas de Filippo Brunelleschi incluyen la Cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore (Catedral de Florencia).

El Ospedale degli Innocenti (Hospital de los Inocentes) es otro ejemplo importante.

Además, Brunelleschi diseñó la Iglesia de Santo Spirito.

En resumen, el interior de la Iglesia de San Lorenzo no solo es una obra maestra de la arquitectura, sino también una representación de los valores renacentistas de orden, armonía y perfección.

A través de la simetría, la luz y la perspectiva, Brunelleschi crea un espacio que sirve tanto para la adoración religiosa como para la contemplación estética, convirtiéndose en un símbolo duradero de la grandeza cultural de la época.

# data[].attributes.body
El Palacio Médici-Riccardi fue diseñado por Michelozzo entre 1444 y 1460.

Hacia 1517 intervino Miguel Ángel en las ventanas bajas del primer nivel.

Encargado por Cosme de Médici, este edificio refleja la transición del estilo gótico al nuevo lenguaje arquitectónico renacentista.

Su función es tanto residencial como política, manifestando el poder de la familia Médici en Florencia.

Desde el punto de vista técnico, el palacio presenta una estructura equilibrada y racional, con una clara superposición de órdenes en su fachada: un primer nivel otorga solidez, un segundo más refinado y un tercero liso.

Este diseño genera una sensación de progresiva ligereza.

El uso de la perspectiva es fundamental en su diseño, con un patio central porticado que sigue el modelo clásico de los atrios romanos.

Este espacio organiza la distribución del edificio y se convierte en un núcleo de luz y aireación, reforzando la idea de un orden geométrico perfecto.

A diferencia del estilo gótico, que privilegiaba la verticalidad y la ornamentación recargada, Michelozzo adopta una estética más sobria y racional.

Su diseño influenció edificaciones posteriores, como el Palacio Strozzi o el Palacio Pitti.

# data[].attributes.attachment_caption
FACHADA DE LA IGLESIA DE SANTA Mª NOVELLA

# data[].attributes.body
La fachada de la Iglesia de Santa María Novella fue diseñada por Leon Battista Alberti entre 1450-1470.

Encargada por la familia Rucellai, esta obra refleja la transición del gótico al nuevo lenguaje arquitectónico basado en la proporción y la armonía clásica.

Su función es tanto religiosa como simbólica, manifestando el equilibrio entre espiritualidad y racionalidad en la Florencia renacentista.

Desde el punto de vista técnico, la fachada presenta una estructura ordenada y geométrica, que unifica la parte inferior gótica con el nuevo diseño renacentista.

Alberti emplea una clara superposición de formas clásicas, con un cuerpo superior donde destaca el uso del frontón triangular y los elementos de inspiración romana, como las pilastras corintias.

La integración de estos elementos crea una sensación de unidad y equilibrio.

El uso de la proporción matemática es fundamental en su diseño, aplicando módulos basados en el número áureo para generar una composición armónica.

El círculo y el cuadrado, figuras simbólicas del cosmos y la perfección divina, organizan visualmente la estructura, reforzando la idea de orden racional.

Este enfoque renacentista también se observa en otras construcciones del Quattrocento, como la Cúpula de Santa María del Fiore de Filippo.

A diferencia del gótico, que enfatizaba la verticalidad y la ornamentación exuberante, Alberti introduce una estética más clara y racional.

En el ámbito palaciego, destacan ejemplos como el Palacio Médici-Riccardi de Michelozzo .

Asimismo, en el norte de Italia, la iglesia de Santa María delle Grazie en Milán.

En el interior de Santa María Novella, destacan obras de gran valor artístico, como los frescos de Masaccio y Ghirlandaio.

En conclusión, la fachada de Santa María Novella representa la síntesis entre la tradición medieval y la innovación renacentista.

Su diseño, basado en la proporción y la simetría, marca un hito en la evolución del arte sacro en el Quattrocento, estableciendo un modelo para futuras construcciones renacentistas.

# data[].attributes.body
La Venus de Urbino es una pintura renacentista que representa a una mujer desnuda reclinada sobre un diván, simbolizando la belleza y la sensualidad femenina en un ambiente privado y lujoso.

Su autor es Tiziano Vecellio, y fue pintada en 1538 por encargo de Guidobaldo II Della Rovere, duque de Urbino.

El artista utiliza una perspectiva cuidadosamente organizada, con una iluminación suave y cálida que modela las curvas de la figura femenina, dotándola de una apariencia natural y realista.

El fondo de la obra muestra un paisaje que contrasta con la figura central, enfatizando la atmósfera íntima de la escena.

Destaca la serenidad y la naturalidad de Venus, con su pose relajada y su mirada directa al espectador, lo que crea una interacción sutil entre la figura representada y quien observa.

La postura reclinada de la mujer también refuerza la sensualidad del cuadro, sin perder el control compositivo.

El tratamiento de la figura de Venus es magistral, con un estudio detallado de la anatomía humana, especialmente en la representación del cuerpo femenino, que resalta la suavidad y realismo de la piel y las texturas, influenciado por el ideal de belleza renacentista.

El punto de fuga se sitúa en la figura de Venus, organizando la composición y guiando la mirada hacia su rostro y su cuerpo, que son el centro de atención de la obra.

El gesto de Venus, ligeramente inclinado hacia adelante con la mano descansando sobre su pierna y los ojos mirando al espectador, crea una sensación de intimidad y sensualidad, mientras que la presencia de los elementos de lujo en el fondo (como el perro y las cortinas) agrega simbolismo relacionado con el amor, el matrimonio y la fertilidad.

La función de esta obra es representar la belleza idealizada y el amor sensual, a la vez que actúa como un objeto de admiración para la corte renacentista, vinculando el erotismo con la nobleza y la riqueza.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para la representación de la figura femenina desnuda y sensual en la pintura barroca y el arte posterior.

Otras obras parecidas son La Venus de Milo en escultura, La Venere di Botticelli (La Nacida de Venus), y el Retrato de Isabel de Portuga l de Tiziano, que siguen la misma sensualidad y idealización del cuerpo femenino.

# data[].attributes.body
Carlos V en Mühlberg es un retrato ecuestre de gran formato que representa al emperador Carlos V como un líder triunfante tras la batalla de Mühlberg, donde derrotó a la Liga de Esmalcalda en 1547.

Su autor es Tiziano, y fue pintado en 1548 por encargo del propio emperador.

El artista utilizó una composición equilibrada con una perspectiva que realza la majestuosidad del personaje, además de una iluminación dramática que modela el volumen de la figura y dota de profundidad al paisaje de fondo.

Destaca el contraste entre la solemnidad del emperador y el dinamismo del caballo, que aparece en posición de marcha, transmitiendo poder y determinación.

El tratamiento del retrato es expresivo, con un gran estudio anatómico influenciado por la escultura clásica y la tradición veneciana de Tiziano, que enfatiza el carácter heroico del emperador.

El punto de fuga se sitúa en la figura de Carlos V, organizando la composición y guiando la mirada del espectador hacia su rostro y armadura, símbolos de su autoridad.

El gesto del emperador, con la lanza en alto y la mirada fija al frente, junto con la postura firme del caballo, crean una sensación de dinamismo y solemnidad, estructurando la escena de manera comprensible.

Esta pintura influirá en el arte posterior, sirviendo de modelo para retratos ecuestres barrocos, como los de Velázquez y Rubens, especialmente en la representación del poder y el movimiento.

Otras obras parecidas son el Retrato ecuestre de Felipe IV de Velázquez, el Luis XIV a caballo de Rigaud y el Retrato de Carlos I a caballo de Van Dyck, que siguen la misma monumentalidad y claridad narrativa.

# data[].attributes.body
El Palacio Rucellai, diseñado por Leon Battista Alberti en la Florencia renacentista, es una de las obras más representativas de la arquitectura renacentista y una clara manifestación de los principios clásicos aplicados al diseño de edificios urbanos.

Finalizado en 1451, el palacio fue encargado por Giovanni Rucellai, un importante miembro de la familia florentina de los Rucellai, quienes eran conocidos por su riqueza y poder.

El diseño de Alberti para el Palacio Rucellai se basa en una serie de principios clásicos, retomando elementos de la arquitectura romana.

El edificio se caracteriza por su simetría, proporción y el uso de ordenes arquitectónicos.

La fachada del palacio está distribuida en tres niveles, con un orden arquitectónico que se va haciendo más complejo a medida que se asciende.

En el diseño de la fachada, Alberti se aleja de la simple imitación de la arquitectura clásica para adaptar esos elementos a las necesidades de un palacio urbano.

En lugar de las pesadas columnas de la arquitectura medieval, las columnas y pilastras del Palacio Rucellai se emplean de manera ligera y decorativa.

Una de las características más destacadas del palacio es su uso de sillería rugosa en el nivel inferior, lo que le da un efecto de mayor solidez y contrasta con las superficies más lisas de los pisos superiores.

Comparando con otras obras renacentistas, el Palacio Rucellai tiene muchas similitudes con el Palacio Medici Riccardi que fue diseñado por Michelozzo.

También podemos relacionarlo con las fachadas de las iglesias renacentistas, como la Iglesia de San Andrea en Mantua, también diseñada por Alberti, que comparte el mismo sentimiento de simetría y proporción.

Alberti fue un teórico que representa el saber universal del genio renacentista.

Así, sobresale en todas las artes, ideó artilugios mecánicos y dedicó tratados a la escultura, la pintura y la arquitectura.

El Palacio Rucellai es un prototipo de la mansión ciudadana del Renacimiento.

También destaca en la realización de templos y en la remodelación de edificios medievales, enmascarándolos con portadas renacentistas.

De esta forma a la basílica gótica de Santa Ma Novella de Florencia, le añadió una fachada de proporciones perfectas.

# data[].attributes.body
El Templete de San Pietro in Montorio fue diseñado por Donato Bramante entre 1502-1510.

Encargado por los Reyes Católicos, este pequeño edificio conmemora, según la tradición, el lugar del martirio de San Pedro.

Su función es tanto religiosa como simbólica, ya que representa la perfección arquitectónica y la recuperación de los ideales clásicos en el contexto del humanismo renacentista.

Desde el punto de vista técnico, el Templete se basa en un diseño de planta centralizada y simétrica.

Inspirado en los templos circulares romanos, como el Templo de Vesta en Tívoli, su estructura está compuesta por un peristilo de columnas toscanas, sobre el cual se alza una cúpula.

Esta organización genera una sensación de equilibrio, reflejando los principios matemáticos propios de la arquitectura renacentista.

El uso de la perspectiva y la proporción es clave en su diseño.

Bramante aplica un esquema basado en el número áureo y la simetría, dotando al edificio de una estructura perfectamente ordenada.

La simplicidad y claridad del diseño refuerzan su carácter monumental a pesar de su pequeño tamaño.

La cúpula, inspirada en el Panteón de Roma, refuerza la verticalidad y la centralidad del espacio, otorgándole un carácter casi divino.

A diferencia del gótico, que enfatizaba la altura y la ornamentación detallada, Bramante adopta una estética más sobria y racional.

El Templete de San Pietro in Montorio forma parte de una evolución dentro del Renacimiento, influyendo en numerosas edificaciones posteriores.

Dentro del mismo estilo, destacan obras como la Villa Rotonda de Palladio o la Iglesia de San Giorgio Maggiore de Venecia, de Andrea Palladio.

También es fundamental mencionar la Basílica de San Pedro así como la Cúpula de la Catedral de Florencia, de Brunelleschi.

En conclusión, el Templete de San Pietro in Montorio es una obra clave del Renacimiento italiano, que sintetiza los ideales clásicos de simetría, proporción y armonía en un espacio arquitectónico reducido.

# data[].attributes.headline
CÚPULA Y PROYECTO DE PLANTA DE SAN PEDRO DEL VATICANO

# data[].attributes.subject
CÚPULA Y PROYECTO DE PLANTA DE SAN PEDRO DEL VATICANO

# data[].attributes.body
La Cúpula y el Proyecto de Planta de San Pedro del Vaticano fueron concebidos por Miguel Ángel en el contexto de la renovación de la Basílica de San Pedro en el Vaticano, comenzada en el siglo XVI.

La cúpula, que es uno de los elementos más icónicos de la basílica, fue diseñada por Miguel Ángel tras asumir el cargo de arquitecto principal en 1546, aunque la construcción de la cúpula no se completó hasta después de su muerte, bajo la dirección de Giuseppe Calvi y Giacomo della Porta.

La planta de la basílica sigue el diseño centralizado, inspirado en el modelo clásico de la iglesia de San Juan de Letrán, pero Miguel Ángel le dio un giro innovador, buscando simetría clásica.

La cúpula de San Pedro se convierte en una pieza central de la iglesia, no solo por su tamaño, sino también por su monumentalidad y su simetría perfecta.

Es la cúpula más grande del mundo y un referente de la arquitectura renacentista.

El diseño de Miguel Ángel para la cúpula está inspirado en la tradición del Pantheon romano, pero va más allá, incorporando una sensación de trascendencia y verticalidad que proyecta una espiritualidad única.

La forma hemisférica de la cúpula se combina con una elegante linterna, desde donde se puede ver la luz divina, simbolizando la conexión con el cielo.

La obra de Miguel Ángel en San Pedro refleja el ideal renacentista de síntesis entre arquitectura, arte y religión, y su diseño proyectó una visión que sería continuada en el Barroco, destacando por su imponente tamaño y belleza.

Su enfoque en la proporción, la espacialidad y el simbolismo religioso transformó a la basílica en un símbolo del poder de la Iglesia Católica.

Al igual que otras obras de Miguel Ángel, como la Capilla Sixtina, esta obra se aparta de los principios medievales y busca expresar la grandeza humana a través de una monumentalidad que era vista como la manifestación de lo divino.

San Pedro del Vaticano no solo refleja la maestría de Miguel Ángel, sino que también se convirtió en un emblema de la arquitectura renacentista, que más tarde influiría en las arquitecturas barrocas, como la de la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes, diseñada por Francesco Borromini.

En resumen, el proyecto de la cúpula y la planta de San Pedro representa el pináculo de la innovación renacentista en arquitectura, con Miguel Ángel no solo como un arquitecto, sino también como un creador que combinó la tradición con la modernidad, haciendo de San Pedro un referente no solo de la religión, sino de la capacidad humana de alcanzar lo sublime.

# data[].attributes.body
La Villa Capra, también conocida como Villa Rotonda, diseñada por Andrea Palladio entre 1550 y 1567, es una de las obras más emblemáticas de la arquitectura renacentista y uno de los ejemplos más claros de la influencia de la arquitectura clásica en la Edad Moderna.

Esta villa, situada en las afueras de Vicenza, representa el ideal de la villa suburbana y es considerada una de las obras más importantes en el desarrollo del estilo palladiano, que posteriormente influiría profundamente en la arquitectura europea y estadounidense.

La característica más distintiva de la Villa Capra es su planta centralizada en forma de cúpula circular, con una serie de frentes simétricos que presentan porches de columnas clásicas.

El diseño de la villa es una reinterpretación de las formas clásicas, específicamente el templo romano, con un enfoque en la proporción, la simetría y el equilibrio, valores fundamentales del Renacimiento.

Los cuatro porches de columnas jónicas están dispuestos en los cuatro lados de la villa, lo que le da una sensación de equilibrio y armonicidad desde cualquier ángulo.

El diseño de Palladio para la villa no solo refleja una comprensión profunda de las proporciones y las formas clásicas, sino también su interés en la funcionalidad y la adaptación del edificio al paisaje circundante.

Los porches abiertos hacia el exterior permiten vistas panorámicas de los jardines y la campiña veneciana, integrando la villa de manera armoniosa con su entorno natural.

Esta conexión entre el edificio y el paisaje es una característica fundamental en la obra de Palladio, que buscaba crear una unidad entre la arquitectura y el medio ambiente.

La cúpula central, que se eleva sobre la planta cuadrada, tiene una fuerte influencia del Panteón de Roma.

Palladio adaptó esta forma a un contexto residencial, y aunque no tiene la misma funcionalidad que el Panteón, la cúpula de la Villa Rotonda tiene un simbolismo claro de armonía universal y elevación espiritual.

Esta forma centralizada también enfatiza la idea de que la villa es un espacio cerrado, casi como un santuario para los propietarios, un lugar idealizado de retiro.

La facade de la villa, con su monumentalidad y simetría, es otra manifestación de la obsesión renacentista por la proporción y la razón clásica.

El uso de las columnas jónicas, las puertas clásicas y los detalles decorativos están cuidadosamente equilibrados para evocar una sensación de grandeza y majestuosidad, pero sin caer en la sobrecarga decorativa.

Esto es una característica clave del estilo palladiano, que busca un equilibrio entre la simplicidad y la elegancia.

Otras obras de Palladio que siguen principios similares de proporción, simetría y diseño centralizado son la Villa Foscari (también conocida como la Villa Malcontenta), que comparte con la Villa Rotonda la influencia clásica y la relación con el entorno, y la Basílica Palladiana en Vicenza, que refleja la maestría de Palladio en el uso de las columnas y los órdenes clásicos.

La Villa Capra no solo fue una residencia privada de la nobleza, sino que también se convirtió en un modelo de diseño para futuras villas en Italia y fuera de ella.

Su influencia perdura hasta el día de hoy, tanto en el campo de la arquitectura como en el de diseño urbano, particularmente en la arquitectura neoclásica de finales del siglo XVIII, y sigue siendo una de las principales referencias para quienes estudian la arquitectura clásica y renacentista.

En resumen, la Villa Capra (Villa Rotonda) de Palladio es una obra maestra que sintetiza los ideales renacentistas de proporción, armonía y belleza clásica y marca una transición hacia la arquitectura moderna.

El edificio se mantiene como un testimonio del genio arquitectónico de Palladio, cuya influencia ha trascendido los siglos.

En Venecia destaca la presencia de Andrea Palladio, que no sólo se limitó a la arquitectura religiosa (San Giorgio il Maggiore en Venecia), sino que trabajó para la sociedad adinerada de Venecia en la construcción de villas (casas de recreo en el campo) y edificios públicos (bibliotecas, teatros..).

Fue un gran tratadista de la teoría de la arquitectura del Renacimiento, escribiendo los Quattro Libri di Architettura y ejerció una gran influencia en los arquitectos posteriores, llegando incluso esta influencia hasta el siglo XIX y XX, a Europa e incluso a Estados Unidos (edificio del Capitolio en Washington).

# data[].attributes.body
La Basílica de San Pedro del Vaticano es una obra de Carlo Maderno.

Pertenece a la arquitectura barroca italiana, más concretamente al primer Barroco, y fue realizada entre 1607 y 1614.

Se encuentra en la Ciudad del Vaticano, dentro de Roma, Italia.

Se trata de la imponente fachada de la basílica más importante del catolicismo, la Basílica de San Pedro.

La basílica fue originalmente iniciada en 1506 por orden del papa Julio II y contó con la participación de arquitectos como Bramante, Rafael y Miguel Ángel, quien diseñó la gran cúpula.

En 1606, el papa Paulo V encargó a Carlo Maderno la ampliación del edificio, diseñando una nueva fachada para la basílica.

Maderno diseñó una monumental fachada, organizada en dos niveles de columnas y pilastras de orden gigante.

Presenta un total de ocho columnas corintias en la parte inferior y una balaustrada superior decorada con trece estatuas, incluyendo a Cristo, San Juan Bautista y once apóstoles.

En el centro se abre la Logia de las Bendiciones, donde el papa imparte la bendición "Urbi et Orbi" en eventos importantes.

A ambos lados de la fachada se encuentran las grandes estatuas ecuestres de Constantino y Carlomagno, que refuerzan la grandiosidad del conjunto.

La fachada de Maderno, aunque armoniza con la cúpula de Miguel Ángel, ha sido criticada por su ancho desproporcionado, que dificulta la visualización completa de la cúpula desde la plaza.

Este diseño se enmarca dentro del Barroco temprano, con su monumentalidad, dinamismo y fuerte carácter escenográfico, orientado a impactar al espectador.

La Basílica de San Pedro se convierte así en el epicentro del poder de la Iglesia Católica, reforzando su imagen de autoridad y magnificencia en la Roma barroca.

La fachada de Maderno influirá en muchas iglesias barrocas posteriores en Europa y América, sirviendo como modelo para numerosas construcciones religiosas de la época.

# data[].attributes.headline
IGLESIA DE SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES

# data[].attributes.subject
IGLESIA DE SAN CARLOS DE LAS CUATRO FUENTES

# data[].attributes.body
La Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes es una obra de Francesco Borromini.

Pertenece a la arquitectura barroca italiana y fue construida entre 1638 y 1646.

Se encuentra en Roma, Italia.

Se trata de una pequeña iglesia monástica dedicada a San Carlos Borromeo.

Borromini diseñó una planta compleja, con una sucesión de curvas cóncavas y convexas que generan un efecto de movimiento y fluidez espacial.

La fachada, terminada en 1667, es uno de los ejemplos más innovadores del Barroco, con una ondulación continua que rompe con la rigidez clásica de la arquitectura renacentista.

El interior destaca por su cúpula ovalada, decorada con casetones en forma de cruces, hexágonos y octágonos, que refuerzan la sensación de ligereza y dinamismo.

El uso de la luz es fundamental en la obra de Borromini, con aperturas estratégicas que generan contrastes y efectos de claroscuro en el espacio interior.

A pesar de sus reducidas dimensiones, la iglesia transmite una monumentalidad sorprendente gracias a la genialidad compositiva de su arquitecto.

San Carlos de las Cuatro Fuentes es una obra clave del Barroco romano, que influirá en arquitectos posteriores como Guarino Guarini y el propio Bernini.

Borromini, rival de Bernini, llevó el Barroco a su máxima expresión de innovación espacial, rompiendo con las reglas clásicas y explorando nuevas formas de expresión arquitectónica.

# data[].attributes.body
La Columnata de la Plaza de San Pedro del Vaticano es una obra de Gian Lorenzo Bernini.

Pertenece a la arquitectura barroca italiana y fue construida entre 1656 y 1667.

Se encuentra en la Ciudad del Vaticano, frente a la Basílica de San Pedro, y configura uno de los espacios urbanos más emblemáticos del Barroco.

Está compuesta por dos grandes brazos formados por cuatro filas de cientos de columnas dóricas.

Sobre la columnata se sitúan cientos de estatuas de santos que refuerzan la monumentalidad del conjunto.

El diseño de Bernini buscaba representar los brazos abiertos de la Iglesia, acogiendo a los peregrinos y simbolizando su universalidad.

A ambos lados del obelisco se encuentran dos grandes fuentes, diseñadas por Carlo Maderno y Bernini, que contribuyen a la armonía del espacio.

Desde un punto específico señalado en el suelo de la plaza, las cuatro filas de columnas parecen alinearse en una sola, un efecto visual calculado por Bernini.

La columnata es un ejemplo del Barroco triunfalista, en el que la arquitectura se convierte en una herramienta para impresionar y conmover al espectador.

Este diseño será una referencia para muchas plazas y espacios urbanos en Europa y América, influyendo en el desarrollo de la arquitectura barroca y neoclásica posterior.

# data[].attributes.body
Cátedra de San Pedro es una de las obras más emblemáticas de Gian Lorenzo Bernini y del Barroco italiano.

Fue realizada entre 1657 y 1666 y se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano, en la Capilla de la Cátedra, situada en el ábside del templo.

La obra está concebida como un monumental relicario que enmarca y exalta la Silla de San Pedro.

Bernini diseña una composición escenográfica en la que la cátedra se eleva sobre cuatro colosales figuras de bronce que representan a los Padres de la Iglesia Latina y Griega.

Encima del trono, una espectacular gloria dorada de bronce y estuco se abre con una explosión de luz y nubes, en cuyo centro aparece una vidriera ovalada con la imagen de la paloma del Espíritu Santo.

El efecto de iluminación, combinado con los reflejos del oro y el bronce, crea una atmósfera celestial que refuerza el mensaje de autoridad divina del papado.

La composición es un claro ejemplo del Barroco por su teatralidad, dinamismo y la integración de escultura, arquitectura y luz en una experiencia inmersiva para el espectador.

La Cátedra de San Pedro es una exaltación del poder pontificio y de la sucesión apostólica, reflejando la doctrina de la Iglesia en plena época de la Contrarreforma.

Con esta obra, Bernini reafirma el carácter grandioso de la Basílica de San Pedro, consolidando su reputación como el principal arquitecto y escultor del papado en el siglo XVII.

Este conjunto sigue siendo una de las obras más admiradas del Vaticano, destacando por su impacto visual y su capacidad de emocionar e impresionar a los fieles y visitantes.

# data[].attributes.body
El Palacio de Versalles es una obra emblemática de la arquitectura barroca francesa.

Su construcción comenzó en 1661 por orden del rey Luis XIV y se desarrolló en varias fases hasta el siglo XVIII, con la participación de arquitectos como Louis Le Vau, Jules Hardouin-Mansart y Ange-Jacques Gabriel.

Se encuentra en Versalles, Francia, y fue la residencia principal de la corte francesa hasta la Revolución de 1789.

El palacio fue ampliado y transformado en un símbolo del absolutismo y la grandeza del "Rey Sol".

Destaca por su majestuosa fachada de piedra y ladrillo, sus amplios jardines diseñados por André Le Nôtre y su innovador concepto de urbanismo palaciego.

El conjunto arquitectónico de Versalles integra palacio, jardines, fuentes y avenidas en una composición simétrica que refuerza la idea de orden y poder real.

En el interior, la Galería de los Espejos es uno de sus espacios más célebres, con 7cientos de espejos y una impresionante decoración dorada y de mármol.

El palacio fue el epicentro del gobierno francés y un modelo de referencia para otras cortes europeas, influyendo en la arquitectura de palacios en Austria, Rusia y España.

Versalles representa la culminación del Barroco clasicista francés, con su fusión de monumentalidad, equilibrio y teatralidad en la puesta en escena del poder monárquico.

Su influencia se extendió al Neoclasicismo y su legado persiste como uno de los conjuntos patrimoniales más visitados y admirados del mundo.