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미켈란젤로의 다비드 상 이다. 다비드는 골리앗을 물리친 소년 이다

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이탈리아 르네상스시대의 천재적 예술가 미켈란젤로의 대리석 조각 작품. 1501년 8월 미켈란젤로는 피렌체대성당의 지도자들로부터 다비드상의 조각을 의뢰받는다. 대성당의 작업장에는 50여 년 전에 조각가 두초가 예언자 상을 제작하려고 준비해 두었던 5미터가 넘는 거대한 대리석이 그대로 방치되어 있었다. 당시 26세였던 미켈란젤로는 결이 좋지 않아 조각하기 어려운 이 대리석을 이용하여 3년만에 5.17m의 거대한 《다비드상》을 완성하였다. 다비드(다윗)는 구약성서 사무엘 상 17장에 나오는, 적군의 거인 장수 골리앗을 돌팔매로 쓰러뜨린 소년 영웅이다. 이전에 제작된 다비드상들은 보통 골리앗의 머리를 발밑에 두고 손에 칼을 쥔 승리한 젊은이의 모습이었다. 미켈란젤로도 처음에는 그런 모습의 다비드상을 생각하고 그 데생을 해보았다. 그러나 이에 만족하지 못한 그는 이전의 다비드상들을 사상적으로나 형태적으로 능가하는 조각상을 만들기로 결심한다. 완성된…

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반 고흐의 《아를의 반 고흐의 방》

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반 고흐의 《아를의 반 고흐의 방》

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유빈)고흐의 그림

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어린이/학생백과, 동물/식물, 건강, 역사, 자연과학, 인문과학, 미술작품, 비주얼사전 등 전문가들이 정리한 지식을 제공하는 종합백과서비스

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르네마그리트잘못된 거울

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클로즈업된 한쪽 눈과 각막 위로 구름 뜬 하늘 이미지가 투사된 <잘못된 거울>은 르네 마그리트가 연작으로 제작할 만큼 애착을 보였다(세간에 널리 알려진 작품은 왼쪽 눈을 그린 1928년 그림이다). 눈 그 자체에 집중한 이 작품은 그림이 보는 행위와 직결된다는 점에 착안한 듯하다. 3차원 대상물을 2차원 화면 위로 옮겨놓는 그림의 1차 책무는 보는 이의 육안을 속이는 것을 전제로 한다. <잘못된 거울>에서 눈은 사물을 보는 적극적 기능보다 사물을 수동적으로 반사하는 거울의 기능으로 축소되어 나타난다. 수동적으로 반응하는 눈의 지위를 부각시킨 까닭은, 착시를 통해 그림이 온전히 감상될 수 있는 우리의 지각 메커니즘을 폭로하려던 것은 아닐까. 한편 이 작품의 제작에 초현실주의자인 사진가 만 레이와 마그리트 사이의 교분이 영감을 주었으리라는 설도 있다. 둘이 교류하던 당시 만 레이의 작업실에 거대한 눈 사진이 걸려있었다는 것이다. 그래서인지 <유리 눈물>(1930-1933)이란 사진 작업으로 유명한 만 레이는 <잘못된 거울>의 1928년 버전을 1933년부터 1936년 사이에 소장하고 있었던 것으로 알려진다.

<잘못된 거울>과 관련한 흥미로운 또 다른 일화도 전해진다. 미국의 대표적인 방송사 CBS의 로고를 이 작품에서 따왔다는 사실이다. 눈 모양을 형상화한 CBS의 회사 로고는 그 때문에 시청자들에게 종종 '눈 네트워크'라는 애칭으로 불린다. 그런데 1951년 윌리엄 골든이 디자인한 이 회사의 로고는 마그리트의 그림처럼 구름이 떠다니는 하늘을 배경으로 눈을 약호화했다. 더구나 그 당시 <잘못된 거울>은 뉴욕 현대미술관에서 전시 중이었는데, CBS 뉴욕 사옥이 현대미술관으로부터 고작 한 블록 떨어진 곳에 있었다. 이 사실을 알고 대로한 마그리트는 자신의 변호사 해리 토치너와 이미지 무단 사용에 대한 법적 대응을 논의했다. CBS는 결국 회사 로고의 배경에 있는 구름 뜬 하늘 이미지를 제거하면서 논란을 잠재워야 했다.

글

반이정/미술 평론가
미술평론가. 등에 미술평론과 시평을 고정 연재한다. 의 미술 고정 패널 출연했다. 중앙미술대전 심사위원 동아미술제 심사위원 에르메스 재단 미술상 추천위원 등을 역임했고, 서울대 홍익대 중앙대 산업대 등에 출강한다. 자전거 마니아로도 널리 알려졌다. 많은 매스컴이 우수도서로 선정한 (월간미술 2006년)외에 여러 공저를 집필했다. 네이버 파워블로거에도 선정된 반이정의 거처는 dogstylist.com

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클로즈업된 한쪽 눈과 각막 위로 구름 뜬 하늘 이미지가 투사된 <잘못된 거울>은 르네 마그리트가 연작으로 제작할 만큼 애착을 보였다(세간에 널리 알려진 작품은 왼쪽 눈을 그린 1928년 그림이다). 눈 그 자체에 집중한 이 작품은 그림이 보는 행위와 직결된다는 점에 착안한 듯하다. 3차원 대상물을 2차원 화면 위로 옮겨놓는 그림의 1차 책무는 보는 이의 육안을 속이는 것을 전제로 한다.

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반고흐의 《아를의 반 고흐의 방》

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반고흐의 《아를의 반 고흐의 방》

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유빈)빈센트 반 고흐는 《반 고흐의 방》이라는 이름으로 세 작품을 그렸다.

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어린이/학생백과, 동물/식물, 건강, 역사, 자연과학, 인문과학, 미술작품, 비주얼사전 등 전문가들이 정리한 지식을 제공하는 종합백과서비스

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피레네의 섬

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© ADAGP, Banque d\'Image, Paris - GNC media, Seoul, © René Magritte \/ ADAGP, Paris - SACK, Seoul, 201...

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이 미술작품은 구스타프 에펠이 만든 에펠탑이다.

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아티스트: 프랑수아 지라르동,가스파르 마르시

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외부 전경 : 헤라클레스 동상과 마르스 동상

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외부 전경 : 헤라클레스 동상과 마르스 동상

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르네 마그리트. 1953년 작품

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중절모에 레인 코트 차림의 신사가 떼로 등장하는 <골콩드> 혹은 <겨울비>라는 제목의 이 그림은 재현된 이미지만 놓고 보면 영락없는 '인간비'를 그린 것이다. 중절모와 코트 차림의 사내는 르네 마그리트가 자신의 작품에 수없이 등장시킨 그의 대표 아이콘인데, 실제 마그리트 자신이 즐겨 착용한 패션이라고 한다. 화가의 분신(들)이 마치 빗줄기마냥 길쭉한 자태로 허공에 꽂혀있다. 그것은 나른한 휴일 오후 공중에 떠있는 풍선의 낭만 같기도 하고, 정반대로 코트 차림의 인체가 긴 검정 막대처럼 보이는 점에서는 마치 평온한 시가지로 투하되는 네이팜탄의 공포처럼 읽히기도 한다.

그렇다면 이 그림이 전쟁 공포를 환기시키는 그림이라도 된단 말인가? 설마 그것은 아닐 테고 네이팜탄 형상으로 표현된 신사들을 자세히 보기를 바란다. 똑같은 의상에 똑같은 포즈를 취한 이 무개성한 개인들의 열거를....... 현대 조직 사회가 박탈한 도시인의 개성은 아닐까? 그것이 네이팜탄처럼 위협적인 것은 아닐까? 중력에 지배당하는 비라면 지면을 향해 떨어지겠지만, 조직에 얽혀 사는 우리의 형편을 반영하듯, 인물들은 허공 위에 불안정하게 붙잡힌 군상으로 표현되었다. 그래서일까? 많은 관람자가 이 그림을 유독 선호한다. 쓸쓸한 현대적 삶에 대한 공감에서일까? 하지만 그런 복잡한 속내를 따지지 않고도 관객은 불가능을 가능하게 만든 이 그림의 상황 설정에 열광한다. 회화의 고전적인 책무는 눈앞의 대상을 있는 사실 그대로 옮기는 것이었다.

반면 이 그림은 그와 상반되는 역할을 수행한다. 회화의 재현은 기본적으로 기만을 전제로 한다. 따라서 이 그림도 회화의 존립 근거인 '재현의 기만성'에 대한 우회적인 자기 고백인 듯하다. 동료 초현실주의자들이 무의식에 천착했다면, 마그리트는 또렷한 의식이 만들 수 있는 허구의 유희에 충실했다. 그 때문에 마그리트의 아이디어는 후대 상업 광고에 꾸준히 아이디어를 제공했다. <골콩드> 역시 예외가 아니다. 마그리트의 <골콩드>는 한국에서도 공공 미술의 형식으로 인용된 바 있다. 2005-2007년 사이 신세계 백화점 본관 리노베이션 공사의 알루미늄 차양막 위로 <골콩드>가 크게 확대 인쇄되어 세간의 이목을 끌었다. 일 년 저작권 사용료가 1억 원이나 된다는 보도도 인구에 회자되었다. 또 2009-2010년 사이 서울역 맞은편 서울스퀘어(구 대우센터) 건물 전면에 LED를 설치한 미디어 작품 가운데에도 우산을 쓰고 낙하하는 '변형된' 골콩드 동영상이 선보였다.

글

반이정/미술 평론가
미술평론가. 등에 미술평론과 시평을 고정 연재한다. 의 미술 고정 패널 출연했다. 중앙미술대전 심사위원 동아미술제 심사위원 에르메스 재단 미술상 추천위원 등을 역임했고, 서울대 홍익대 중앙대 산업대 등에 출강한다. 자전거 마니아로도 널리 알려졌다. 많은 매스컴이 우수도서로 선정한 (월간미술 2006년)외에 여러 공저를 집필했다. 네이버 파워블로거에도 선정된 반이정의 거처는 dogstylist.com

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중절모에 레인 코트 차림의 신사가 떼로 등장하는 <골콩드> 혹은 <겨울비>라는 제목의 이 그림은 재현된 이미지만 놓고 보면 영락없는 '인간비'를 그린 것이다. 중절모와 코트 차림의 사내는 르네 마그리트가 자신의 작품에 수없이 등장시킨 그의 대표 아이콘인데, 실제 마그리트 자신이 즐겨 착용한 패션이라고 한다. 화가의 분신(들)이 마치 빗줄기마냥 길쭉한 자태로 허공에 꽂혀있다.

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캔버스에 유채로, 크기는 150x197cm이며, 프랑스 파리의 마르모탕 미술관(Musée Marmottan)에 있다.

1916년부터 1919년까지 작업한 <수련>은 197 x 150cm의 크기로 제작된 대형 작품으로, 클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)의 후기 작업의 경향을 보여주고 있다. 우선 이 작품은 초기의 수련 작품보다 훨씬 큰 대형 캔버스에 그려졌다. 그는 이 작품에서 밝은 색채를 띠는 물감을 사용하여 수련의 꽃과 잎사귀를 커다랗게 채색하고 있다. 또한 붓을 대담하고 넓게 사용하고 있으며, 이러한 강한 필치는 확대된 캔버스를 빠르게 가로질러 형상을 나타내고 있다. 이처럼 보다 강한 필치로 빠르게 작품을 제작하는 기법상의 변화는 자연스럽게 크기가 확대된 캔버스를 사용하게 되는 변화로 이어지게 하였다고도 할 수 있다. 모네는 이 커다란 캔버스를 그가 그리고자 하는 대상의 앞으로 옮겨놓고 야외에서 작업하였다. 이 작품은 연못가에서 그린 것으로, 매우 빠른 필치로 처리된 표면이 매우 엷게 처리되어 있다.

캔버스는 크게 세로로 이등분 되어 있는데, 좌측에 어두운 색채의 버드나무 잎이 전면을 차지하고 있다. 작품을 자세히 보면, 아래쪽에 표현된 버드나무 잎새는 실제 잎이 아닌, 수면에 반사된 형태임을 알 수 있는데, 실제 잎과 반영 사이의 구분이 모호하게 처리됨으로 인해 버드나무 잎이 캔버스의 전면을 대부분 가리고 있는 것처럼 느껴진다. 물 위에 떠 있는 연꽃을 통해 어느 정도 원근감이 표현되고 있지만, 화면의 절반 이상을 가득 메우고 있는 버드나무 잎이 이 원근감을 흐리게 하며, 캔버스 전체의 평면적인 느낌을 나타내는 특징이 있다. 작품에서 시점을 파악할 수 있는 실마리로는 좌측 하단의 작은 기슭만이 남아있다. 세로로 늘어져 있는 버드나무 잎의 표현을 자세히 관찰하면 녹색 잎 위로 수면의 파란 색이 나중에 그려진 부분을 찾을 수 있다. 이와 같은 처리를 통해 수면을 그린 후에 버드나무 잎을 그 위에 덧칠한 것이 아니라, 버드나무 잎과 수면이 동시에 표현된 것을 알 수 있다.

모네는 이 <수련>을 장식적인 작품으로 여기지 않았다. 그는 프랑스 국가에 기증할 초대형 작품을 제작하기 전에 이 작품을 물, 꽃, 잎, 나무, 등이 빛과 어우러져 나타나는 색채를 연구하기 위한 실험작으로 생각하고 있었다. 이 작품은 판매나 전시를 위해 제작된 것이 아니라, 그의 작업방식이 크게 변화하는 과정에서 필요로 했던, 다소 도전적이고 실험적인 방식으로 작업이 이루어졌다고 할 수 있다. 이러한 이유로 이 작품은 모네가 사망할 때까지 그의 소유로 남아있었으며, 그가 사망한 이후 25년이 지난 후까지도 대중들에게 공개되지 않았다.

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캔버스에 유채로, 크기는 150x197cm이며, 프랑스 파리의 마르모탕 미술관(Musée Marmottan)에 있다. 제작기법 1916년부터 1919년까지 작업한 <수련>은 197 x 150cm의 크기로 제작된 대형 작품으로, 클로드 모네(Claude Monet, 1840-1926)의 후기 작업의 경향을 보여주고 있다. 우선 이 작품은 초기의 수련 작품보다 훨씬 큰 대형 캔버스에 그려졌다. 그는 이 작품에서 밝은 색채를 띠는 물감을 사용하여 수련의 꽃과 잎사귀를 커다랗게 채색하고 있다.

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신사임당 지배하는 양귀비

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조선 초기에 활동한 여성 서화가이다. 호는 사임당(思任堂; 師姙堂) · 시임당(媤姙堂) · 임사재(姙師齋)이고, 본관은 평산(平山)이다. 강원도 강릉 북평촌에서 신명화(申命和)와 용인이씨(龍仁李氏) 사이에서 5자매 중 둘째로 태어났다. 부친은 41세에 진사에 올랐으나 조광조의 지치주의(至治主義) 실현에 뜻을 같이해 1519년 기묘사화 이후에는 관계(官界)를 떠나 학문에 뜻을 두었다. 무남독녀로 외조부의 사랑을 독차지한 모친의 영향으로 학문에 상당한 조예를 이루었다. 1522년 덕수이씨(德水李氏) 이원수(李元秀)와 결혼해 4남 3녀의 7남매를 낳았다. 부군인 이원수는 50세가 되어서야 종5품 벼슬인 수운판관(水運判官)을 시작으로 내섬시 · 종부시 · 주부(主簿)에 이어 사헌부(司憲府) 감찰(監察)을 역임하였다. 신사임당은 엄격함과 자애로움, 그리고 당당함을 겸비한 주부로서 집안 대소사에 소홀함이 없었다. 남편은 서울에서 홀로된 모친 홍씨(洪氏)를, 신사임당은 강릉에서 친정어

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르네 마그리트-심금

이 캔버스에 등장 하는 대상은

유리잔과 구름,그리고 산과 강이 있는 풍경입니다.

게다가 구름이 얹혀진 유리잔은 실제에서

쉽게 발견할수 없는것으로 일종의 신기감을 느끼게 합니다.

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르네 마그리트의 작품 앞에 선 관람객이 당혹감을 느끼는 이유는 캔버스에 등장하는 사물이 일상에서 쉽게 볼 수 있는 것이기 때문이다. 이 캔버스에 등장하는 대상은 유리잔과 구름, 그리고 산과 강이 있는 풍경이다. 이 모든 요소는 누구나 쉽게 접하고, 느끼며, 볼 수 있다. 그러나 그것들이 이와 같이 조합되는 순간, 각 사물이 어떻게 관계하고 있는지에 대한 의문이 일어 당혹감을 느끼는 것이다. 게다가 구름이 얹혀진 유리잔은 현실에서 쉽게 발견할 수 없는 것으로 일종의 신비감을 느끼게 한다. 소인국 풍경에 등장한 거인국 사물을 보는…

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다. 그러나 관람객은 으레 새를 떠올린다.

이처럼 부재하는 것(새)이 실재한다(새 모양의 하늘)는 생각은 우리의 습관과도 같은 인식의 태도에서 연유한다. 르네 마그리트는 이 작품을 통해 하나의 사물이 두 개의 사물로 인식될 수 있다는 점을 보여줌으로써 우리의 인식 태도에 의문을 던진다. 이런 효과를 극대화하기 위해 마그리트는 교묘하게도 아주 일상적인 사물을 제시한다. 그렇기에 관람자는 감각기관을 이용해 얻은 정보를 바탕으로 인식하여 '참'이라고 믿었던 일련의 행위에 대해 돌아보게 되는 계기를 얻는다. 이처럼 마그리트는 어떤 존재든 고정된 것이 아니라고 생각했다. 그렇기에 모든 이미지는 역동성을 가진다고 보았고 그것을 캔버스에 표현하려 했다. 그래서 내부와 외부가 함께 존재하는 이중적 이미지를 보여주기도 했다. 하나의 사물에 잠재하는 또 다른 성질, 즉 이중성을 보여주는 것이다.

여기서 하나 더 생각할 수 있는 점은 하늘을 보는 행위와 새를 보는 행위가 동시에 캔버스에서 일어난다. 이렇게 되면 시간을 두고 순차적으로 일어나야 할 사건이 동시에 일어나게 되어 시간의 절대성이 희미해지는 효과도 낳는다. 이는 바다를 배로 표현한 작품(<유혹자>)이나 꽃다발 속의 풀밭을 그린 작품(<표절>)에서 느끼는 효과와 같은 맥락으로 이해된다.

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창공을 나는 새? 새 모양의 창공? 앙리 마쇼는 <위대한 가족>을 보고 "넓은 하늘 아래 하늘을 가로질러 나는 새"라고 말했다. 새와 하늘은 연관되어 있는 것처럼 보인다. 보통 새는 하늘을 나니까. 그러나 좀더 생각해보면 이 둘은 엄밀히 어떤 관계도 맺고 있지 않다. 새는 새일 뿐이고 하늘은 하늘일 뿐이니깐. 이 작품에서 새는 존재하는 듯, 존재하지 않는다.

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원을 자르는 달의 여인

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잭슨 폴록은 다섯 형제 중 막내로 태어났다. 폴록의 어머니는 원래 화가가 되고 싶었지만, 그러지 못하자 자식들을 화가로 키우려고 노력했다. 그래서 아들들에게 어려서부터 미술 공부를 시켰고, 폴록뿐만 아니라 큰형과 바로 위의 형도 나중에 화가가 되었다. 어려서 미국 서부를 전전하며 살던 폴록은 고등학교 때 로스앤젤레스에 정착해 그곳에서 공예 미술 고등학교를 다녔다. 하지만 학교 생활에 적응하지 못하고 퇴학을 당했다. 이때 폴록은 아메리카 인디언의 문화와 멕시코 벽화 운동에 관심을 갖게 되었고, 불교와 명상 같은 동양 사상에도 영향을 받았다. 1929년 미술의 중심지인 뉴욕으로 자리를 옮긴 폴록은 그곳에서 본격적인 미술 수업을 받으며 화가로 성장해 나갔다. 당시 뉴욕에는 유럽에서 망명한 초현실주의 화가들이 많이 있었다. 폴록은 그들과 교류하며 화가로서 입지를 굳혀나갔다. 그러던 중 당시 뉴욕에서 가장 영향력 있는 화상 페기 구겐하임(1898-1979)에게 발탁되어 스타 작가로 급부상하게 됐다.

1943년 제작된 이 그림은 폴록의 트레이드 마크로 알려진 드리핑 기법으로 제작한 전면 회화(올 오버 페인팅)의 바로 직전 단계 작품이다. 이 작품은 1940년 그린 <미친 달-여인>과 1942년 그린 <달-여인>과 함께 1943년 금세기미술화랑에서 열린 폴록의 첫 개인전에 출품되기도 했다. 그림의 정확한 내용은 파악하기 쉽지 않으나, 화면 오른쪽 위에 보이는 닭 벼슬 모양의 머리 장식에서 유추할 수 있듯이 아메리카 인디언 문화에 남다른 관심을 가진 폴록의 의지가 반영된 것으로 보인다. 그리고 이때까지만 하더라도 여전히 붓으로 그린 흔적이 남아있다. 또한 그림을 화면 전체에 골고루 그림으로써 주제와 배경의 구분을 모호하게 했다. 이처럼 거칠고 격렬한 붓질과 역동적인 색채에서 추상표현주의적인 특징이 잘 드러난다. 이런 과정을 거친 폴록은 나중에 붓을 완전히 버리고 물감을 흩뿌리면서 캔버스 전체를 물감으로 균일하게 뒤덮은 올 오버 페인팅을 탄생시켰다.

글

이준희/《월간미술》 수석기자
1969년 서울에서 태어났다. 경원대학교 미술대학과 동 대학원, 홍익대학교 미술대학원을 졸업했다. 가인갤러리, 담갤러리, 사비나갤러리 큐레이터를 거쳐 2000년부터 《월간미술》에서 일하고 있다. 성신여대 대학원과 고려대에 출강하고 있다.

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원을 자르는 달의 여인

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잭슨 폴록은 다섯 형제 중 막내로 태어났다. 폴록의 어머니는 원래 화가가 되고 싶었지만, 그러지 못하자 자식들을 화가로 키우려고 노력했다. 그래서 아들들에게 어려서부터 미술 공부를 시켰고, 폴록뿐만 아니라 큰형과 바로 위의 형도 나중에 화가가 되었다. 어려서 미국 서부를 전전하며 살던 폴록은 고등학교 때 로스앤젤레스에 정착해 그곳에서 공예 미술 고등학교를 다녔다.

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클로드 오스카 모네의 흰색 수련 연못

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《절규》는 뭉크가 1890년대 오스고르스트란, 베를린, 파리 등을 옮겨 다니면서 구상하기 시작한 연작 주제들 중 하나이다. 《절규》는 절대자인 '신'을 잃고, 현대 사회의 물질주의가 더 이상 위안이 되지 않는 현대인들의 불안에 시달리는 모습을 담은 작품으로 해석되어왔다. 이 모티프는 대중 문화에서 수없이 복제되고 상업화 되었고, 현재는 의심의 여지 없이 미술의 역사에서 가장 유명한 모티프 중 하나로 자리잡았다.

절규는 뭉크가 친구 두 명과 크리스티아니아 근교를 걷고 있을 때 겪은 경험을 바탕으로 제작되었다. 그는 그 경험을 이렇게 기록했다.

"나는 친구들과 산책을 나갔다
갑자기 해가 지기 시작했고, 갑자기 하늘이 핏빛으로 물들었다.
나는 죽을 것 같은 피로감에 멈추어 서서 난간에 기대었다.
검푸른 협만에 마치 화염 같은 핏빛 구름이 걸려 있었다.
친구들은 계속 걸어갔고, 나는 혼자서 불안에 떨며
자연을 관통하는 거대하고 끝없는 절규를 느꼈다."

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《절규》는 뭉크가 1890년대 오스고르스트란, 베를린, 파리 등을 옮겨 다니면서 구상하기 시작한 연작 주제들 중 하나이다. 《절규》는 절대자인 '신'을 잃고, 현대 사회의 물질주의가 더 이상 위안이 되지 않는 현대인들의 불안에 시달리는 모습을 담은 작품으로 해석되어왔다. 이 모티프는 대중 문화에서 수없이 복제되고 상업화 되었고, 현재는 의심의 여지 없이 미술의 역사에서 가장 유명한 모티프 중 하나로 자리잡았다.

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아를의 별이 빛나는 밤

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빈센트 반 고흐가 주고 받았던 서신들을 살펴보면, 그가 얼마나 ‘밤의 효과’에 매료되어 있었는지를 잘 알 수 있다. 그는 프랑스 남부 지방의 아름다운 밤 풍경과 별이 무수히 빛나는 하늘을 무척 좋아했다. 1888년 9월, 아를에서 작성한 편지 속에서 그는 ‘별을 그리기 위해 밖으로 나갈 것’이라고 적기도 했다. ‘캄캄한 어둠이지만 그조차도 색을 가지고 있는’ 밤의 풍경을 화폭에 담기 위하여 반 고흐는 일종의 예술적인 도전을 시도하게 되었다. 그는 론 강가에서 밤의 빛, 그리고 빛이 투영된 물그림자를 통해 단순하면서도 복잡한 구성을 발견하게 되었고, 하늘과 땅, 물과 같은 요소들에 자신의 미적 확신을 부여했다. 이 작품 속에서 밤하늘은 많은 부분을 차지하고 있다. 코발트 블루로 채색된 하늘은 다소 즉흥적인 방식으로 넓은 붓에 의해 강렬하게 칠해졌다. 수평 방향으로 넓게 칠해진 붓 터치는 왼쪽에서 오른쪽으로, 그리고 약간 위쪽으로 향해 있는데, 이를 통해 반 고흐의 작업 과정을 알아볼 수 있다. 북두칠성을 포함하고 있는 큰곰자리 모티프는 밤하늘에 넓게 자리잡고 있는데, 방사형으로 칠한 별의 가운데 부분에 흰색 물감을 튜브에서 직접 짜내어 바름으로써 하이라이트 효과를 주었다. 이렇게 운집되어 있는 밤하늘의 별무리들 중에서 몇 개는 마치 꽃과 같은 모양으로 생생하게 그려져 있음을 알 수 있다. 작품의 밑그림은 지금 보는 모습과는 달랐다. 전경에 위치한 강의 둑은 거의 수평에 가까웠는데, 프랑스 미술관 연구소에서 조사한 결과에 따르면, 반 고흐는 다양한 단계를 거쳐 풍경을 구상하고 변형시키는 작업을 했다고 한다. 특히 이 작품의 X선 촬영 사진을 보면, 이 최종 작품의 표면에 그려진 모티프들이 최초 상태에서는 조금 다른 양상을 띠고 있음을 알 수 있다. 또한 작품을 수정하기 위해 일정 질감의 두께로 물감을 칠한 붓 터치의 변화된 방향도 확인할 수 있다. 왼쪽에 그려진 두 척의 배는 작업 첫 번째 단계의 마지막에 그려졌는데, 이 사실은 돛대를 이루고 있는 수직의 긴 선이 아래쪽 물감이 채 마르기 전에 그려졌다는 흔적을 통해 확인되었다. 또한 물에 비친 빛을 표현한 가로 방향의 붓 터치들을 흩어 놓는 살짝 긁힌 흔적들도 발견되고 있는데, 이 효과는 반 고흐가 가지고 있었던 값비싼 도구였을 붓의 자루, 혹은 갈대에 의해 구현되었을 것으로 추측할 수 있다. 연인처럼 보이는 채색된 두 인물의 실루엣은 마치 부조처럼 표현되었다. X선 촬영 사진을 통해 이를 좀 더 쉽게 확인할 수 있는데, 이 인물들은 가는 붓을 이용하여 촘촘하고 수직적인 떨리는 붓 터치로 칠해졌다. 그 아래 감춰져 있는 다른 모티프가 없다는 사실을 통해, 반 고흐가 처음부터 이 인물들을 작품 속에 그려 넣기로 계획했었음을 알 수 있다. 작품 위에 비스듬하게 빛을 비추어 보면, 이 인물들은 가벼운 물감의 층을 형성하여 부조처럼 도드라져 있다. 그의 밤 풍경 속에서, 여인이 들고 있는 가스등에서 새어 나오는 불빛을 받고 있는 여인의 치마 부분만이 붉은색의 가벼운 터치로 생생하게 채색되었는데, 이 붉은색은 전체적으로 제한된 색들 속에서 배경 전체의 분위기를 고조시키는 역할을 하고 있다. 한편 반 고흐는 1888년 9월에 그렸던 작품의 원래의 배치를 변형하게 되었다. 첫 번째 완성 버전에서는 앞서 언급했듯이 론 강 연안의 모습이 보다 곧게 그려져 있었다. 단단하고 두꺼운 물감의 질감 밑에 가려져 있는 흔적은 물결의 아랫부분에서 더욱 선명하게 드러나고 있는데, 이는 첫 번째로 칠했던 물감이 완전히 마른 후에 반 고흐가 수정을 했음을 알려주고 있다. 따라서 첫 번째 완성 버전을 그렸던 시기와 이후 수정을 하여 최종 버전이 완성된 시기 사이에는 어느 정도 시간적인 간격이 존재하고 있음을 확인할 수 있다. 이렇듯, 지금 전시된 최종 완성 버전은 몇 달 후인 1889년 봄에 완성되었을 것으로 추측된다. 5월 초에 반 고흐는 이 작품을 《앙데팡당전》에 출품해 줄 동생 테오에게 보내면서, 편지 속에 “최근에 이 작품을 수정했다.”라는 내용을 적어 보내기도 했다. 애초에 반 고흐가 잡았던 이 작품의 초점은 화폭의 강둑의 입구 쪽으로 둑과 지평선이 한 점으로 모이는 지점이었다. 이 최종 완성 작품 속에서는 그가 원했던 것처럼 구성의 균형을 유지하고 주의를 빛과 하늘 쪽으로 이동시켜 초점이 재조정되었다. 자연의 빛과 인공의 빛을 결합하고자 했던 그는 강가가 이루는 곡선 위로 노란색 붓 터치를 이용하여 일정 간격으로 작은 불빛들을 찍어 표현함으로써, 아를이라는 도시를 떠올리게 하는 빛나는 요소를 작품 속에 투영했다. 비평가 루이 반 틸보르그의 정확한 표현을 빌자면, 반 고흐는 하늘에 비현실적이고 환상적인 분위기를 창조하기 위하여 전경의 땅을 축소시킴으로써 이 작품 속에서 ‘무한의 공간(하늘)에 대한 은유’를 창조했다고 할 수 있다.

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이그림은 반고흐가 그맀 별이빛나밤

입니다.

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고흐의 해바라기

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1888년, 반 고흐(Vincent Van Gogh, 1853-1890)는 프랑스 남부에 위치한 아를(Arles)에서 화가 공동체를 실현시키고자 했다. 반 고흐가 꿈 꾸는 화가 공동체란 여러 명의 화가가 한 공간에 모여 작품 토론도 하고 작품활동도 하는 것이었다. 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장(Place Lamartine)에 있는 집을 빌렸다. '노란집(Yellow House)'이라 불리는 이 곳에서 반 고흐는 다른 화가들과 함께 생활하길 원했다.

반 고흐는 동료화가들 중 특히 평소에 존경하던 고갱(Eugène Henri Paul Gauguin, 1848-1903)과 함께 하고 싶었다. 그는 5월부터 무려 5달 동안 고갱에게 편지를 썼고, 그의 동생 테오도르 반 고흐(Theodore Van Gogh, 1857-1890) 또한 고갱을 아를로 부르기 위해 노력했다. 긴 설득 끝에 고갱은 아를의 '노란 집'에 올 것을 약속했고 반 고흐는 그와 함께 생활할 보금자리를 정성스럽게 꾸미기 시작했다. 평소 해바라기 꽃을 유달리 좋아했던 반 고흐는 그들의 화실을 노란색의 해바라기로 가득 채우고 싶었다. 그러나 화실 전체를 해바라기로 장식하고자 했던 첫 계획과는 달리 반 고흐는 연작 중 잘 된 작품 두 점만을 고갱이 쓸 방에 걸어두었다. 1888년 완성된 12송이의 해바라기가 그려진 <해바라기>는 8월에 고흐가 그린 <해바라기>연작 중 하나이다.

반 고흐는 선보다는 색채를 중시한 몽티셀리(Adolphe Joseph Thomas Monticelli, 1824-1886)를 들라크루아(Ferdinand Victor Eugène Delacroix, 1798-1863)의 정신을 계승한 색채의 대가로 생각했다. 반 고흐는 특히 몽티셀리의 정물화에 영향을 받았다. 그의 정물화는 강렬한 색채와 두꺼운 붓 터치로 인한 질감표현이 특징이다. 반 고흐는 몽티셀리의 화풍을 수용해 화병에 꽂힌 꽃들을 그리기 시작했다. 이 그림에서 우리는 화병에 꽂혀 있는 12송이의 해바라기를 볼 수 있다. 반 고흐는 동생 테오에게 보낸 편지에 '해바라기는 빨리 시들어버리기 때문에 나는 매일 아침 일찍부터 황혼이 올 무렵까지 해바라기를 그린다'라 적고 있다. 그래서일까? 그림 속 해바라기는 제각각 다른 모습이다. 어떤 해바라기는 활짝 피어있으나 또 다른 해바라기는 바닥을 향한 채 시들어가고 있다. 상상의 세계가 아닌 실제 보이는 것을 재빠르게 그려낼 때 포착 가능한 시간의 흐름을 이 작품에서 느낄 수 있다.

반 고흐는 고갱과 함께 머물 집을 "파란색과 노란색의 심포니" 구도를 가진 장식적인 해바라기들로 꾸미고 싶었다. 반 고흐는 평소 색채 효과에 지대한 관심을 가지고 있었고 이를 작품에 적용하고자 했다. 보색대비에 의한 색채효과를 선호한 반 고흐는 희미한 말라카이트 그린부터 로열 블루까지 다양한 푸른색을 배경으로 따뜻한 노란색의 해바라기를 그리고자 했다. 해바라기의 노란색은 반 고흐가 개인적으로 좋아한 색이기도 하다.

베르나르(Émile Bernard, 1868 -1941)는 태양의 색깔을 닮은 해바라기의 노란 빛을 "반 고흐가 회화에서뿐만 아니라 마음 속에서도 꿈꿔왔던 빛"이라 말했다. <해바라기>란 작품을 살펴보면, 한 화면에 노란색의 해바라기와 대비를 이루는 옅은 녹색을 배경을 배치함으로써 그가 원했던 장식적인 효과를 얻고 있음을 볼 수 있다. 또한 반 고흐 특유의 임파스토(impasto: 유화물감을 두껍게 칠하여 그림을 그리는 것을 이르는 말)기법은 화병의 꽃들을 실제 꽃들처럼 생생한 질감을 부여하고 있다.

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제작배경 1888년, 반 고흐(Vincent Van Gogh, 1853-1890)는 프랑스 남부에 위치한 아를(Arles)에서 화가 공동체를 실현시키고자 했다. 반 고흐가 꿈 꾸는 화가 공동체란 여러 명의 화가가 한 공간에 모여 작품 토론도 하고 작품활동도 하는 것이었다. 반 고흐는 아를에 도착한 뒤 한동안 호텔에 머물다 라마르틴 광장(Place Lamartine)에 있는 집을 빌렸다.

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빈센트 반 고흐의

아를르의 포룸 광장의 카페테라스

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아를르의 포룸 광장의 카페 테라스

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제작배경 및 주제 산업 사회로 이행해 가던 19세기 말, 정신적 가치에 대한 열망은 예술가들이 좀 더 적극적으로 인간의 내면 세계를 표현하도록 이끌었다. 특히 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐는 자신이 감정적으로 강하게 애착을 느꼈던 풍경이나 자신과 관계 있는 인물과 대상들을 작품의 소재로 삼곤 하였다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>가 제작되던 1888년부터 이듬해까지 지속된 이른바 ‘아를르(Alres) 시기’는 15개월 동안 약 200여 점이라는 방대한 작품을 남길 정도로 반 고흐가 활발하게 작품을 창작했던 시기이다. 또한 개인의 주관적인 감정을 강렬한 색채와 임파스토(impasto) 기법으로 표현한 그의 독자적 양식이 확고하게 자리잡은 때로 평가되기도 한다. 반 고흐는 아를르의 포룸 광장(Place du Forum)에 자리한 야외 카페의 밤 풍경을 담은 이 작품을 그리던 무렵부터 밤 중에 작업하기를 즐겼다고 전해진다. <아를르의 포룸 광장의 카페 테라스>를 그리기 얼마 전에는 3일 밤에 걸쳐 자신이 즐겨 찾던 카페 드 라 가르(Café de la Gare)의 실내 정경을 표현한 <아를르의 밤의 카페(The Night Café in Arles)>를 완성했다. 현재 파리 오르세 미술관이 소장하고 있는 <론 강의 별이 빛나는 밤(Starry Night Over the Rhone)>(1888) 역시 이 작품과 같은 달에 그린 것이다. 이와 같은 일련의 밤 풍경화는 9개월 후, 생 레미(Saint-Rémy)의 요양소에서 그린 <별이 빛나는 밤(Starry Night)>(1889)에서 절정을 이루게 된다. 동생에게 쓴 편지에서 반 고흐는 이 그림을 다음과 같이 묘사하고 있다. “푸른 밤, 카페 테라스의 커다란 가스등이 불을 밝히고 있어. 그 위로는 별이 빛나는 파란 하늘이 보여. 바로 이 곳에서 밤을 그리는 것은 나를 매우 놀라게 하지. 창백하리만치 옅은 하얀 빛은 그저 그런 밤 풍경을 제거해 버리는 유일한 방법이지. … 검은색을 전혀 사용하지 않고 아름다운 파란색과 보라색, 초록색만을 사용했어. 그리고 밤을 배경으로 빛나는 광장은 밝은 노란색으로 그렸단다. 특히 이 밤하늘에 별을 찍어 넣는 순간이 정말 즐거웠어.” 이어서 그는 “기 드 모파상(Guy de Moupassant, 1850-1893)의 소설 『벨 아미(Bel Ami)』(1885)는 대로의 밝게 빛나는 카페들과 함께 파리의 별이 빛나는 밤에 대한 묘사로 시작되는데, 이 장면은 내가 방금 그린 것과 거의 같은 거야”라고 덧붙이기도 했다. 표현기법 반 고흐의 회화의 여러 특징들 가운데 하나는 색채가 형태나 구성에 종속되지 않고 개인의 감정이나 대상의 아름다움을 직접적으로 전달한다는 점이다. 그는 눈 앞에 있는 것을 똑같이 재현하기 보다는 자신의 감정을 강하게 표현하기 위해서 주관에 따라 색채를 사용하였다. 이 작품의 경우에도 검은색을 전혀 사용하지 않고 밤 풍경을 표현하고 있으며, 레몬 빛깔에 가까운 노란색으로 카페의 차양을 채색하고 있다. 또한 테라스의 가스등에서 퍼져 나오는 황금색의 불빛은 마치 보호벽처럼 사람과 주변을 노랗게 물들이고 있고, 벽돌 바닥을 따라 늘어진 카페의 파사드는 푸른빛으로 가스등의 빛을 반사한다. 이처럼 짙은 파란색과 밝은 노란색의 강렬한 색채대비는 물리적 세계에서 느껴지는 주관적인 감정을 가장 중요하게 여겼던 그의 철학을 엿보게 해준다. 나아가 거리의 집들을 묘사할 때에 원근의 법칙에 얽매이지 않는다든지 실제보다 형태를 과장되게 묘사하는 점, 그리고 두꺼운 물감으로 서둘러 그린 듯한 인물의 표현법 또한 눈에 띈다. 이를 통해 반 고흐가 독자적인 색채 사용과 개성적인 형태를 통해 자신이 사랑했던 것들과 그의 격정적인 내면 세계를 가장 적절하게 드러낼 수 있는 새로운 회화의 법칙을 찾고자 했음을 짐작할 수 있다. 무엇보다 그가 색채나 선 같은 여러 조형 요소를 표현하는 방식에는 회화의 2차원적 특징이 고스란히 드러난다. 이는 그가 앞선 화가들이 중요하게 여겼던 환영적인 공간 묘사에 대한 압박에서 벗어나 회화가 개인의 생각이나 심리적 상태를 보다 자유롭게 표현해주는 수단이 될 수 있다는 것을 인식하고 있었음을 알려준다.

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김홍도 필 풍속도 화첩

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요약 조선시대의 화가. 영.정조의 문예부흥기부터 순조 연간 초기에 활동했다. 어린 시절 강세황의 지도를 받아 그림을 그렸고, 그의 추천으로 도화서 화원이 되어 정조의 신임 속에 당대 최고의 화가로 자리 잡았다. 산수, 인물, 도석, 불화, 화조, 풍속 등 모든 장르에 능하였지만, 특히 산수화와 풍속화에서 뛰어난 작품을 남겼다.

김홍도(金弘道)는 1745년( 영조 21)에 태어났다. 출신 가문은 원래 무반에서 중인으로 전락한 집안이라는 것만 확인되고, 어디에서 태어났는지에 대해서는 아직까지 명확하게 밝혀진 바가 없다. 다만, 그의 나이 7, 8세 때부터 경기도 안산에 있는 강세황(姜世晃)의 집에 드나들며 그림을 배웠다는 기록으로 미루어 어린 시절을 안산에서 보낸 것으로 추정된다. 강세황은 당대의 감식가이며 문인화가로 이 두 사람의 관계는 스승과 제자로 시작하여 다음에는 직장의 상하 관계로, 나중에는 예술 적 동지로 강세황이 세상을 떠나는 1791년, 김홍도의 나이 47세까지 이어졌다.

김홍도는 강세황의 추천으로 이른 나이에 도화서의 화원이 되었다. 20대 초반에 이미 궁중화원으로 명성을 날렸으며, 1773년에는 29세의 젊은 나이로 영조의 어진과 왕세자(뒤의 정조)의 초상을 그렸다. 그리고 이듬해 감목관의 직책을 받아 사포서에서 근무했다. 1781년(정조 5)에는 정조의 어진 익선관본을 그릴 때 한종유(韓宗裕), 신한평(申漢平) 등과 함께 동참화사로 활약했으며, 이에 대한 포상으로 경상도 안동의 안기찰방을 제수 받았다. 이 무렵부터 명나라 문인화가 이유방(李流芳)의 호 를 따서 단원(檀園)이라 스스로 칭했다. 이는 이유방이 지닌 문사로서의 고상하고 맑은 정신과 기묘하고 아취가 있는 그의 그림을 사모한 데 따른 것이라 할 수 있다.

조희룡의 『호산외사』에 의하면 "(김홍도는) 풍채가 아름답고 마음 씀이 크고 넓어서 작은 일에 구속됨이 없으니 사람들은 신선 같은 사람"이라고 했다. 강세황 역시 「단원기」에서 "단원의 인품을 보면 얼굴이 청수하고 정신이 깨끗하여 보는 사람들은 모두 고상하고 세속을 초월하여 아무 데서나 볼 수 있는 평범한 사람이 아님을 다 알 수 있을 것"이라고 적었다. 김홍도는 회화에서뿐 아니라 거문고, 당비파, 생황, 퉁소 등을 연주하는 음악가로서도 뛰어난 재능을 보였으며, 일찍부터 평판이 높았던 서예가이고, 빼어난 시인이었다. 그의 작품에 고졸한 아취가 흐르는 것은 바로 이러한 멋과 문기(文氣)가 번져 있기 때문일 것이다.

김홍도는 1791년에는 정조의 초상을 그리는 일에 또 한 번 참여하게 되었고, 그해 12월 포상으로 충청도 연풍현감에 발령받았다. 이는 중인 신분으로 그가 오를 수 있는 종6품에 해당하는 최고 직책이었다. 정조의 전폭적인 지원 속에서 그는 당대 최고의 화가로 자리 잡을 수 있었다. 그러나 김홍도는 충청위유사 홍대협(洪大協)이 조정에 올린 보고가 발단이 되어 만 3년 만에 연풍현감 자리에서 파직되었다.

1795년 서울로 돌아온 김홍도는 그림에 전념했다. 그의 나이 51세로 원숙기에 접어든 그는 이때부터 단원화풍이라고 불리는 명작들을 그려내기 시작했다. 정조가 사도세자의 능으로 행차하는 광경을 그린 《원행을묘정리의궤》는 조선시대 기록화의 기념비적 대작이고, 《을묘년화첩》과 《병진년화첩》은 우리나라 진경산수의 온화하고 서정적인 아름다움을 유감없이 표현한 명작이다. 김홍도는 이전의 작품에서 보여준 화원다운 치밀함과 섬세함 대신 대가다운 과감한 생략과 스스럼없는 필묵의 구사로 단원 산수화 의 진면목을 보여주었다.

김홍도는 만년에 이르러 농촌이나 전원 등 생활 주변의 풍경을 사생하는 데 관심을 기울였다. 이러한 사경(寫景) 산수 속에 풍속과 인물, 영모 등을 가미하여 한국적 서정과 정취가 짙게 배인 일상의 모습을 화폭에 담았다. 그는 산수뿐만 아니라 도석 인물화 에서도 자신만의 특이한 경지를 개척했는데, 화원이었던 그가 도석인물화를 많이 그리게 된 것은 당시 서민사회에 널리 퍼져 있던 도석신앙과 관계가 깊다. 굵고 힘차면서 투박하고 거친 느낌의 선이 특징인 그의 도석인물들은 후기에 오면서 화폭의 규모도 작아지고 단아하면서 분방한 필치를 띄게 되었다.

김홍도는 산수, 인물, 도석, 불화, 화조, 초충 등 회화의 모든 장르에 뛰어났지만 특히 풍속화 를 잘 그린 화가로 알려져 있다. 그는 조선 후기 농민이나 수공업자 등 서민들의 생활상을 소재로 하여 길쌈, 타작, 대장간, 고기잡이 등 그들이 생업을 꾸려가는 모습과 씨름, 무동, 윷놀이 같은 놀이를 즐기는 모습, 빨래터와 우물가, 점심 등 서민의 삶과 정서에 밀착된 일상의 모습을 간략하면서도 생동감 있게 표현했다. 그의 풍속화에는 박진감 넘치는 구성과 예리한 관찰, 그리고 인간적인 따뜻한 시선이 담겨 있으며, 활달하고 건강한 한국적 해학과 정감이 묻어난다. 그리고 무엇보다 흰 바지와 저고리를 입은 둥글넓적한 우리 서민의 얼굴이 한국적인 정취를 흠씬 느끼게 한다.

김홍도는 왕의 어진에서 촌부의 얼굴까지, 궁중의 권위가 담긴 기록화에서 서민의 삶의 애환이 녹아 있는 속화까지 신분과 장르를 아우르며 그림을 그렸다. 화가 신분으로 종6품에까지 오르는 세속적 출세를 맛보았고, 비록 말년에는 가난과 고독 속에 생을 마감했으나 일생동안 시를 읊고 고졸한 멋을 즐길 줄 아는 진정 위대한 화인이었다. 김홍도의 작품은 조선시대 우리 문화와 역사를 고찰하는 데 절대적인 기여를 했으며, 동시대와 후대에 지대한 영향을 끼쳤다. 그의 아들인 양기(良驥)를 비롯하여 신윤복(申潤福), 김득신(金得臣), 김석신(金碩臣), 이인문(李寅文), 이재관(李在寬), 이수민(李壽民), 유운홍(劉運弘), 이한철(李漢喆), 유숙(劉淑) 등이 그의 영향을 받았다.

작품에는 《자화상》(18세기 중반), 《군선도》(1776), 《서원아집도》(1778), 《행려풍속도》(1778), 《송월도》(1779), 《꽃과 나비》(1782), 《단원도》(1784), 《사녀도》(1784), 『금강사군첩』(1788), 《연꽃과 게》(1789), 『을묘년화첩』(1795), 『병진년화첩』(1796), 《마상청앵도》(18세기 후반), 『단원풍속도첩』(18세기 후반), 《염불서승도》(1804), 《추성부도》(1805) 등이 있다.

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조선시대의 화가. 영.정조의 문예부흥기부터 순조 연간 초기에 활동했다. 어린 시절 강세황의 지도를 받아 그림을 그렸고, 그의 추천으로 도화서 화원이 되어 정조의 신임 속에 당대 최고의 화가로 자리 잡았다. 산수, 인물, 도석, 불화, 화조, 풍속 등 모든 장르에 능하였지만, 특히 산수화와 풍속화에서 뛰어난 작품을 남겼다. 김홍도(金弘道)는 1745년(영조 21)에 태어났다.

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4학년3반9번 선 제이

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4학년3반9번 선 제이

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이 작품은 레오나드 다빈치의 작품입니다. 이 그림의여성은 마치 네 자신을 바로보는것은 모습을 보여줍니다. 기법은 스푸마토(sfumato)’라는 기법을 사용했다. ‘스푸마토’란 이탈리아어로 ‘흐릿한’ 또는 ‘자욱한’을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다.15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 레오나드 다빈치는 이 그림을 그리는데 정성을 다했을것이고 우리도 노력하면 이러게 꿈을 이루고 미래가 긍정적으로변한다. 힘들어도 시도하고 생각하고 마침내 자유를 누리면 행복해진다. 노력은 나를 배신하지않는다. 감사합니다.

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다.

레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다. 이는 레오나르도가 작품에 서명을 하지 않았고, 기록들, 예를 들어 주문서와 같은 것도 전해지고 있지 않기 때문이다. 따라서 미술사가들은 이 작품에 대해 서술하고 있는 가장 이른 기록인 바자리(Giorgio Vasari, 1511- 1574)의 저작, 『미술가 열전 (Le Vite de Piu Eccelenti Pittori. Scultori et Architeili Italiani)』(1550)에 근거하여 작품 속 여인의 신원을 추정했다.

이 책에서 바자리는 시터(sitter), 즉 초상화의 모델이 피렌체의 부유한 상인인 조콘도(Francesco del Giocondo, 1465-1538)의 부인 리자(Lisa del Giocondo, 1479-1551 또는 1552년경)라고 기록하고 있다. 이에 근거하여 이 작품은 '리자 부인'이라는 뜻의 <모나 리자(Monna Lisa, 여기서 '모나'는 '마돈나(Madonna)'의 준말로, '부인'을 뜻함)>라 불리게 되었다. 그러나 이 초상화가 왜 주문자에게 인도되지 않고 작가의 소장품으로 남아 있다가 후일 프랑스 왕실 소장품이 되었는지는 여전히 수수께끼로 남아 있다.

신원이 명확히 밝혀지지 않은 작품 속 여인의 신비로움은 그의 미소에 의해 더욱 고조된다. 여인의 미소를 묘사하기 위해 레오나르도는 '스푸마토(sfumato)'라는 기법을 사용했다. '스푸마토'란 이탈리아어로 '흐릿한' 또는 '자욱한'을 뜻하는 말로, 인물의 윤곽선을 일부러 흐릿하게 처리해 경계를 없애는 방법이다. 레오나르도는 특히 여인의 입 가장자리와 눈 꼬리를 스푸마토 기법으로 묘사함으로써 여인의 미소를 모호하지만 부드럽게 보이도록 만들었다.

이러한 모호함과 신비로움은 여인의 미소뿐만 아니라 배경에서도 드러난다. 레오나르도는 인물 뒤 풍경을 묘사하면서 대기원근법(aerial perspective)을 사용하고 있는데, 대기원근법이란 사물들 간의 관계를 기하학적으로 계산해 배치하는 선원근법(linear perspective)과 달리, 색채의 조정을 통해 대기의 효과를 묘사함으로써 공간감을 표현하는 방식이다. 이 작품에서 레오나르도는 가까운 곳의 풍경은 붉은 색조를 사용해 비교적 명확하게 묘사한 반면, 먼 곳의 풍경은 청색조를 사용하고 윤곽선을 흐릿하게 묘사함으로써 작품 속에서 공간이 뒤로 물러나는 듯 보이게 하는 효과를 거두고 있다.

두 손을 앞으로 모으고 화면 밖을 주시하고 있는 여인의 상체는 화면에서 안정적인 삼각형 구도를 이루고 있다. 그러나 여인의 몸은 약간 오른쪽으로 틀어져 있어서 관람자가 보는 위치에 따라 조금씩 달라 보이는 듯한 느낌을 준다. 이러한 느낌은 배경에 묘사된 풍경에 의해 더욱 강화되는데, 이는 인물 좌우의 풍경 속 지평선이 서로 다른 것처럼 보이도록 그려졌기 때문이다. 레오나르도는 강이 흘러나가는 물길을 표현하면서 마치 인물 오른쪽의 지평선이 더 높은 것과 같은 착각을 불러 일으키도록 묘사함으로써 그림의 왼편에서 인물을 관찰할 때와 오른편에서 인물을 관찰할 때의 느낌이 다르도록 만들었다.

이러한 풍경은 이상화된 관념적인 자연의 모습이 아니라, 실제 자연에서 관찰되는 지리학적인 특징들을 충실히 반영한 것이다. 그러나 레오나르도는 풍경을 구성하는 요소들과 머리카락과 의복의 선과 같은 인물을 묘사하는 요소들을 서로 조화되도록 배치함으로써 배경과 인물을 통합하고 있다.

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15세기경, 패널에 유채로, 크기는 77x53cm이며 프랑스 파리의 루브르 박물관(musée du Louvre)에 있다. 주제 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci, 1452-1519)의 걸작, <모나 리자(La Joconde, portrait de Monna Lisa)>(15세기경)는 세계에서 가장 유명한 초상화 중 하나이지만, 언제, 누구를 모델로 하여 그려진 것인지에 대해서는 정확하게 알려진 바가 없다.

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신사임당의 초충도 수박과 들쥐

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