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Los actos más difíciles de entender con respecto al comportamiento humano son aquellos impulsados mediante actos vicerales. Es el dominio de la mente (y las emociones) sobre la racionalidad el que deriva en la realización de actos racionalmente cuestionables, y que emoción más fuerte que aquella generada mediante el amor/desamor.
Es por esta razón que se buscará encontrar evidencia de este tipo de sentimientos en las obras de arte, pinturas y esculturas, a lo largo de la historia. Esto se realizará mediante una línea temporal, está permitirá evidenciar las diferencias en los estilos de arte y perspectivas del amor para un cambio espacio-temporal del autor.

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La escultura privada de la Dinastía XVIII. Representación de Akenatón, Nefertiti y tres de sus hijos, en presencia de su dios, Atón. Incisión y tallado en piedra, 1353- 1335 a.C.

La escultura de Akenatón, Nefertiti y sus hijos es una de las esculturas privadas de la dinastía egipcia del siglo XVIII a.C. Con respecto a su creación, estas esculturas de alta calidad fueron realizadas (y ordenadas por los altos dignatarios) como intento de representar gráficamente la dinastía y los monumentos de la época.

Analizando la composición, en principio se observan dos grupos a los lados y una figura en el centro que corresponde al Dios Atón en segundo plano. Dos de las figuras son adultos, una figura femenina mostrada mediante un vestido y un hombre delgado. En estas figuras también se observan 3 niños acompañando las figuras adultas. Ambos adultos señalan un punto focal en la imagen del Dios Atón.

Para resaltar, con respecto a su composición, el Dios Atón (foco) no adopta una imagen antropomórfica; en contraste, se le representa como el disco solar del que se desprenden numerosos rayos que acaban en pequeñas manos.

Con respecto al tema a tratar, siendo este el amor, en esta obra se evidencia el amor hacia la familia y la memoria. En principio se muestra el amor hacia un hijo mostrando como este se carga en brazos con intención de protegerle; por otra parte, por el contexto de la obra podemos inferir que tiene como propósito que está dinastía sea recordada por milenios, y lo ah conseguido.

Referencias bibliográficas

Guerrero, Teresa. (2022): "Historia del arte del antiguo Egipto". Recuperado de: del arte del Antiguo Egipto | Egipto.com

Klave. (2015): "El Arte Egipcio en historias del arte". Recuperado de: EL ARTE EGIPCIO | ARTESAN.NATO (wordpress.com)

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: Poseidón, encontrada en el mar ceca al cabo Artemisio
Autor: Desconocido
Técnica: Tallado en bronce
Fecha: (470 – 460 a. C.)

En la imagen se muestra al dios griego Poseidón tallado en bronce, este aparece en desnudo, con una postura propia de un héroe. Se muestra una expresión gestual fuerte y serio, el brazo izquierdo está en tensión - mientras que el derecho está listo para realizar el lanzamiento- y con los dedos de la mano derecha ajusta la trayectoria del tiro. Esta escultura basa su imponencia en la sensación de estar frente a un dios que esta a instantes de realizar un golpe. En la obra se observa un dios humanizado elegante y rudo, esto se debe a que posee el cabello y barba perfectamente organizados pero el rostro con una expresión severa. La barba, formada por rizos, refuerza la mirada y la musculatura exalta la belleza del cuerpo humano y la fuerza de un dios.

Con respecto al amor, la desnudez que presenta la escultura es muestra del amor que el autor tiene por la anatomía y el cuerpo humano. Es la necesidad de mostrar el amor por el hombre, y la representación de un dios en su forma humana, la que deriva en la creación de esta escultura. Por otra parte, el hecho de que esta escultura se encuentre hecha en bronce es muestra de que se busca su preservación y, además, rendir tributo a una creencia fuertemente arraigada.

Referencias bibliográficas:

Mywowo. (2015): "Museo arqueológico, Poseidón sala 15". Recuperado de: Audioguía MUSEO ARQUEOLÓGICO DE ATENAS - Poseidón Sala 15 (ES) | MyWoWo

N.N. (2015): "Historia del Arte I - Galeria". Recuperado de: Galería – Historia del Arte I (wordpress.com)

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: Castigo de Ixión
Lugar de exposición: de la Casa de los Vettii
Autor: Desconocido
Técnica: Pintura en lienzo
Fecha: 60 - 79 AD

La obra del "Castigo de Ixión" muestra a Ixión, el rey de Tesalia, siendo torturado mediante una rueda que gira infinitamente. Esta obra muestra la forma en que los dioses, en este caso Zeus, castiga a un hombre que busco burlarse de él. La representación grafica de este acto es una forma de expresar el respeto que se le tenia a los dioses el en contexto de la Roma imperial. Dando un poco de contexto, Ixión fue atrapado intentando seducir a la esposa de Zeus (Hera) mientras esta era suplantada por una nube (Nephele).

Analizando la composición de la obra, en principio se observan tres secciones diferentes en la pintura. En la parte izquierda se muestran dos hombres (Vulcanus e Ixión) en desnudez pero con una posición del cuerpo dominante frente al resto de la obra. El primer hombre rubio se encuentra sosteniendo se encuentra sosteniendo el cuerpo de Ixión atado a la rueda con otra figura masculina atrás observando. En la parte derecha se muestran dos mujeres con vestidos largos y recostadas sobre una pared. Una de las mujeres (Juno) se muestra una postura de dominancia frente a la parte inferior de la pintura, debido a esto, y a el bastón que sostiene, se piensa en ella como parte de la realeza; no obstante, la otra mujer (de vestido azul) se muestra como una conseja de esta persona. Finalmente, en la parte inferior del centro se observa una mujer (Nephele) sentada a los pies de uno de los hombres con una posición de sumisión y temor. Esta persona muestra el respeto/miedo que se le tiene a las personas presentes en la parte izquierda de la obra.

Para resaltar, con respecto a su composición, es claro que en esta figura Vulcanus (foco) adopta una postura de poderío y dominancia frente al resto de figuras que se encuentran en la pintura. Esta posición se muestra como una forma de presentar el poderio de la voluntad de los dioses frente a las desiciones humanas.

Con respecto al tema a tratar, esta figura es fruto del amor que sentía Ixión por Hera. Fue este sentimiento de amor el que lo llevó a desafiar la voluntad de este Dios y, en consecuencia, resultar siendo castigado infinitamente.

Referencia Bibliográficas

Alamy. (2017): " CASTIGO DE IXION". Recuperado de: . Inglés: CASTIGO DE Ixion: en el centro está sosteniendo el caduceo de mercurio. A la derecha está Juno en su trono, y detrás de ella está el iris y gestos. A la izquierda está la figura rubia (Vulcanus) Dotación de la rueda, con Ixion ya atados a la rueda. Nephele se sienta a los pies de mercurio. Fresco romano de la muralla oriental del triclinio de la Casa dei Vettii ('Casa de los Vetii', VI, 15, 1) en Pompeya, cuarto estilo (60 -79 AD). Deutsch: Bestrafung Ixions: im Vordergrund mit puñalada Merkur, rechts dahinter Juno, Iris, ganz enlaces Vulkan mit dem auf das Rad gebundenen Ixion. Zu Füßen von Merkur morir si Fotografía de stock - Alamy

"
Por la Grecia de Zeus. (2020): "El castigo de Ixión". Recuperado de: El castigo de Ixión – Por la Grecia de Zeus

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Ficha técnica:

Fecha: 1958
Autor: Eduardo Ramírez Villamizar
Nombre: El dorado
Técnica: Mural en madera y hojilla de oro

En la obra es posible observar patrones tallados sobre un tronco de madera. Estos patrones no muestran, a primera impresión, una imagen clara de algún elemento realista. En este sentido, se toma la imagen como un arte abstracto que, a través del color del oro, busca exaltar la belleza de algún tipo de patrón y su importancia para el autor.

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Fichas técnicas:
a) Nombre de la obra: El Arlequin
Lugar de exposición: Universidad de los Andes
Autor: Eduardo Ramírez Villamizar
Técnica: Pintura sobre lienzo
Fecha: 1956

b) Nombre de la obra: Ángel flautista
Lugar de exposición: Universidad de los Andes
Autor: Eduardo Ramírez Villamizar
Técnica: Pintura sobre lienzo, óleo, pastel y temple
Fecha: 1948

Dadas las dos imágenes anteriores, ambas de Eduardo Ramírez Villamizar, es posible observar una clara diferencia entre la técnica usada y el mensaje a transmitir. En la primera figura (a) se observa un rostro retratado mediante la figuras geométricas, mientras que en la segunda (b) se muestra una persona acurrucada, tocando una flauta, pintada mediante óleo, pastel y temple. Esta primera obra (a), el Arlequin, es muestra de la influencia que tuvo Eduardo en sus viajes realizados a Francia, donde el cubismo venía siendo la técnica con mayor fuerza a mitades de los años 50´s. Adicionalmente, se puede ver un manejo de colores vivos, como el amarillo y el naranja, característicos de este movimiento. Por otra parte, la segunda obra (b), presenta un estilo propio del expresionismo, siendo este el movimiento que  más influenciaba a Eduardo en la segunda parte de la década de los 40's. En esta imagen se observan colores opacos y un rostro con detalles faciales poco expresivos.

A partir de esta comparación formal, se pueden comparar elementos inferenciales de las imágenes. En la primera (a) se puede ver un rostro que, aunque en un principio sea antropomorfo, puede ser proveniente de un gato o animal; es en este sentido que, debido a las características del cubismo, se intenta ver las formas geométricas más primitivas de un rostro no humano. Por otra parte, la segunda obra no es posible imaginar ninguna posición o movimiento que nos permita comprender las relaciones entre las distintas partes del cuerpo del personaje.

A nivel de forma, ambas imágenes muestran una figura (foco) centrado con respecto al resto del cuadro, de esta manera se busca que toda la atención del espectador se la lleva una única parte de la obra. Entre la composición de los cuerpos y los colores se encuentra la mayor diferencia entre vas imágenes

Referencias:

Carlos Arturo Fernández – "Grupo de Teoría e Historia del Arte en Colombia, Universidad de Antioquia". Recuperado de: https://www.sura.com/arteycultura/obra/angel-flautista-eduardo-ramirez-villamizar/

Pamplona. (2014). "Eduardo Ramírez Villamizar". Recuperado de: http://lamazone.co/artistas/eduardo-ramirez-villamizar/

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: Il Bacio di Giuda
Capilla de los Scrovegni, Padua (Italia)
Autor: Giotto
Técnica: Pintura en lienzo
Fecha: 1305

La obra del "Bacio di Giuda" muestra a Jesús siendo entregado por Judas mediante un beso. Esta obra muestra el conflicto generado entre los romanos y los seguidores de Jesús tras su captura. La representación grafica de este acto es una forma de mostrar la traición de Judas, vendiendo a su pastor por 30 monedas, y la defensa del resto de sus seguidores.

Analizando la composición de la obra, en principio se observan tres secciones diferentes en la pintura. En la parte izquierda se muestra un grupo de personas alteradas buscando detener la detención de Jesús, no obstante, hay un hombre impidiendo el paso de la multitud. Del grupo de hombres se observan dos de ellos con areolas, estos se asume representan un par de los apóstoles. En la parte derecha se muestra otro grupo de personas, se asume romanos, incentivando la detención del hombre señalado por Judas. Uno de los hombres se encuentra señalando al hombre que está siendo besado por Judas, dando a entender que fue debido a este gesto que se identificó al sujeto buscado. Finalmente, en la parte central se muestran a dos hombres (Jesús y Judas) siendo el centro de atención de un gran número de personas. En esta parte se observa a Jesús con areola, buscando mostrar la divinidad frente al resto de los hombres.

Para resaltar, con respecto a su composición, es claro que en esta figura el beso de Jesús y Judas (foco) son fuente del conflicto generado entre los dos grupos de persona presentes en la pintura. Dada la ubicación de ambos hombres es fácil diferenciar quienes se encuentran a favor o en contra de la captura de Jesús. Es importante destacar la postura de los romanos frente al resto de personas. Estos individuos tienen una postura fuerte de sometimiento frente al resto de la pintura. Esta posición contrasta con la actitud de sumisión de Jesús, dada su mirada hacia abajo, frente a la situación

Con respecto al tema a tratar, esta figura muestra el amor presente por los seguidores de Jesús hacia su maestro. Es con bajo este sentimiento que este grupo de persona busca impedir la detención de su pastor; no obstante, es también el amor promulgado por Jesús que este se muestra sumiso frente a la decisión de Judas, buscando impedir la detención a asesinatos de sus seguidores.

Referencia Bibliográficas

Miguel Calvo Santos. (2016):"El beso de Judas". Recuperado de: El beso de Judas - Giotto - Historia Arte (HA!) (historia-arte.com)

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Fichas técnicas
a) Nombre de la obra: Luz natural iluminando la basílica de Saint Denis a través de las vidrierías policromadas
Lugar de exposición: Francia
Autor: Pascal Delannoy
Estilo: Gótico
Fecha: 1862

b) Nombre de la obra: Vista exterior de la iglesia de San Martín de Frómista
Lugar de exposición: España
Autor: Manuel Aníbal Álvarez Amoroso
Estilo: Románico
Fecha: Siglo XI

Dadas las dos imágenes anteriores, la primera de ellas de un estilo gótico y la segunda con un estilo románico, es posible observar una clara diferencia entre la arquitectura y el mensaje a transmitir. En la primera figura (a) se observa una basílica en plena luz del día siendo iluminada por luz natural, mientras que en la segunda (b) se muestra la parte exterior de una iglesia española a plena luz del día. Esta primera obra (a), la basílica de Saint Denis, es muestra de la forma en que se pensaba la construcción de un templo a mediados del siglo XIX, en esta se observa la presencia de vitrales grandes en los costados que, aunque generar una atenuación de la intensidad, dejan pasar bastante luz natural. Adicionalmente, se puede ver un manejo de colores oscuros, como el morado y azul, en las esculturas y paredes del recinto. Por otra parte, la segunda obra (b), presenta un estilo románico, esta es muestra de la forma en que se manejaba la construcción de las iglesias Europeas durante el siglo XI. En esta imagen se observan colores claros en la infraestructura; no obstante, la poca presencia de ventanas hace que solo una pequeña parte de la estructura se encuentre iluminada durante el día.

A partir de esta comparación formal, se pueden contrastar elementos inferenciales y estructurales de las estructuras. En la primera (a) se muestra como los costado opacos y la forma de la iluminación le dan un aire sombrío al recinto, esto se hace con el fin de experimentar el misterio, horror y divinidad de la religión. Por otra parte, la segunda estructura (b), en contraste, presenta una altura menor que la de la primera imagen, esto se debe a la característica del arte gótico de (mediante estructuras altas) buscar la cercanía a Dios. Esta segunda estructura (b), dado que es más pequeña, sigue el concepto de "sencillez y humildad" que buscaba proyectar la religión del siglo XI; no obstante, esta idea se fue perdiendo con el tiempo, llegando a la construcción de estructuras oscuras he imponentes como la de la primera imagen (a).

A nivel de forma, ambas imágenes estructuras buscan (cada una a su manera) proyectar la representación de la religión, es en este sentido que ambas tienen como foco el altar de la eucaristía y las esculturas religiosas.

Referencias:

Algargos, Arte e historia. (2014) "El Arte Románico. Diez obras de arquitectura, escultura y pintura para reconocer y comentar". Recuperado de: Algargos, Arte e Historia: EL ARTE ROMÁNICO. DIEZ OBRAS DE ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA PARA RECONOCER Y COMENTAR. (algargosarte.blogspot.com)

Comes Cervera Álvaro. (2020) "Introducción al arte gótico", en HistoriaE. Recuperado de:El Arte Gótico: introducción a la época de las grandes catedrales (historiaeweb.com)

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Renacentista Italiano vs Renacentista Europeo

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Renacentista Italiano vs Renacentista Europeo

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Fichas técnicas
a) Nombre de la obra: Paisaje con la destrucción de Sodoma y Gomorra
Lugar de exposición: Museo Boymans Van Beunigen, Róterdam
Autor: Joachim Patinir
Estilo: Arte Renacentista Europeo del norte
Fecha: 1520

b) Nombre de la obra: Representación del juicio final
Lugar de exposición: Capilla sixtina
Autor: Miguel Angel Buonarroti
Estilo: Arte renacimiento Italiano
Fecha: 1500

Dadas las dos imágenes anteriores, la primera de ellas del renacimiento Europeo del norte y la segunda del renacimiento Italiano, es posible observar una clara diferencia entre la forma de la pintura y el mensaje a transmitir. En la primera figura (a) se presenta la representación del relato bíblico de la destrucción de Sodoma y Gomorra, mientras que en la segunda (b) muestra la representación del juicio final relatado con la biblia. Esta primera obra (a), es muestra del estilo planeado en las pinturas realizadas en el renacimiento Europeo del norte, en esta se ofrece un nuevo arte desde la mejora experimental de las tradiciones medievales, no obstante se busca presentar pinturas de estilo gótico. Adicionalmente, se puede ver un manejo de colores oscuros, como el gris, negro y rojo, en representación de la destrucción presente en la ciudad. Por otra parte, la segunda obra (b), es muestra del estilo presente en las pinturas renacentistas Italianas, en estas se busca la representación de la realidad del cuerpo humano y la recuperación de las formas clásicas. En esta imagen se observan colores claros en las representaciones (como el azul, el blanco y el color piel); no obstante, la presencia de tantas representaciones del desnudo humano fuerza al uso de colores mayormente claros en la pintura.

A partir de esta comparación formal, se pueden contrastar elementos inferenciales de las pinturas. En la primera (a) se muestra como los costados opacos y la forma de la iluminación le dan un aire sombrío a la obra, esto se hace con el fin de experimentar el misterio, horror y divinidad de la religión y las consecuencias del pecado bíblico. Por otra parte, la segunda pintura (b), en contraste, presenta un suceso bíblico trágico de una forma poco gótica, esto se debe a la característica del arte clásico retomado en Italia donde no se tiene como fin generar terror en el espectador de la obra. Esta segunda obra (b), dado que se encuentra expuesta en un recinto religioso, presenta una forma menos sombría y misteriosa de la religión y sus relatos; no obstante, la primera obra (a) no presenta esta restricción, esto le permite dar un mensaje más ligado al temor a Dios presente en la religión.

A nivel de forma, ambas imágenes buscan (cada una a su manera) proyectar la representación un relato bíblico, sin embargo, ambas presentan focos diferentes. En el caso de la primera obra (a) el foco se ve presente en la parte superior izquierda, donde se muestra la destrucción de la ciudad generada por Dios. Para la segunda obra (b) el foco se presenta en la pare central, donde se reúne la mayor cantidad de personajes/ángeles de la pintura.

Referencias:

González, María y Guzmán, Jorge (2014, 27 de octubre). Renacimiento italiano. Historia Universal. https://mihistoriauniversal.com/edad-moderna/renacimiento-italiano

Tasararte (2020,23 de Obtubre). El renacimiento en Italia y en el norte e Europa. El Renacimiento en el norte de Europa. - tasararte.com

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: Baco y Ariadna
National Gallery, Londres
Autor: Tiziano
Técnica: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1520 - 1523

La obra del "Baco y Ariadna" plasma el relato del encuentro de Baco con Ariadna tras el abandono de Teseo. En este se observa a Baco que, junto con su sequito, trata de reconfortar a Ariadna con palabras de amor. Junto a este grupo de personas se muestra la presencia de animales cercanos a la mujer y el bosque de la isla de Naxos, donde fue abandonada Ariadna.

Analizando la composición de la obra, en principio se observan tres secciones diferentes en la pintura. En la parte izquierda se muestra una mujer y un par de animales que la acompaña, ella se muestra sorprendida tras la presencia del resto de personajes de la pintura. Del grupo de animales se muestran dos leopardos representando una pareja usual. En la parte derecha se muestra otro grupo de personas, ellas pertenecen al sequito de Baco. y se muestran en un tono alegre y musical. Las mujeres de este grupo se encuentran con instrumentos en sus manos y con una inclinación del cuerpo característica el baile. Finalmente, en la parte central se muestran un hombre semi denudo (Baco), cuyo manto rosado u posición corporal son parte del acto que, junto con el grupo de personas, realizan para la mujer de la izquierda.

Para resaltar, con respecto a su composición, es claro que en esta figura el baile realizado por Baco (foco) y la posición de la mujer son las que permiten entender el papel que juegan todos los grupos de la imagen, esto sin necesidad de un gran contexto previo. Dada la diferencia con respecto a las alturas que se maneja entre los 3 grupos (izquierda, derecha y centro) es posible inferir la posición de dominancia, en este caso generada por una divinidad del hombre de la mitad, entre todos los personajes de la obra. En este caso la mujer tiene una postura de subordinación, donde su mirada está direccionada hacia arriba, mientras que Baco presenta su fuerza mediante una mirada de dominancia (mirando hacia abajo).

En la parte izquierda de esta pintura se muestra un uso de colores claros, como el azul y el rosado, mientras que en la parte derecha se presentan colores opacos y poco brillantes. Esto con el fin de mostrar claridad en la historia que la obra busca narrar.

Con respecto al tema a tratar, esta obra nace del amor presente entre los dos personajes relevantes que la componen, Baco y Adriana.

Referencia Bibliográficas

Rynck, Patrick de: «Tiziano, Baco y Ariadna.» Cómo leer la pintura, pp. 176-177 2005, Grupo Editorial Random House Mondadori, S.L., ISBN 84-8156-388-9

Wethey, Harold: Titian the Mythological and Historical Paintings III. Londres: Phaidon,1975.

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: Salomé recibe la cabeza de San Juan Bautista
Autor: Caravaggio
Técnica: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1607 - 1610

La obra del recibimiento de la cabeza de Juan Bautista plasma el relato bíblico del momento en que es mostrada públicamente la cabeza de Juan (el primo de Jesús). En este se observa a un hombre que, junto con otra persona, le hace entrega de la cabeza decapitada de Juan a una mujer.

Analizando la composición de la obra, en principio se observan tres secciones diferentes en la pintura. En la parte izquierda se muestra una mujer con el rostro recostado hacia un costado y con las manos extendidas sosteniendo una bandeja. En la mirada de la mujer se alcanza a percibir tristeza y dolor frente a lo que está pasando en el resto de la obra. En la parte derecha se muestra un hombre mirando fijamente la cabeza que tiene sostenida sobre la mano del brazo derecho, el cual está extendido. Este hombre presenta una cara de seriedad y rostro firme frente a lo que está aconteciendo en la obra. Finalmente, en la parte trasera del cuadro se observa un hombre que, al igual que la mujer, se muestra dolido frente a la presencia de la cabeza entregada por el hombre de la derecha.

Para resaltar, con respecto a su composición, es claro que en esta figura la cabeza de Juan (foco) y la expresión de la cara de la mujer juegan un papel importante en la interpretación de lo que puede estar pasando en el relato. Dada la diferencia de expresiones entre la mujer y el hombre de la izquierda, donde se observa la mirada de la mujer lo más lejos del foco, se evidencia la forma en que esta percibe la aparición de la cabeza de Juan.

En el totol de la obra se hace uso de colores oscuros, tanto en la vestimenta, fondo y rostro de los integrantes de la pintura. Esto se puede deber a la necesidad del autor por mostrar la dureza del acto de la entrega de la cabeza y la crueldad que esto representa.

Referencia Bibliográficas

Comunicación, estética y Arte, 2009. "Barroco". Recuperado de: Comunicação, Estética e Arte: Barroco (esteticaarte2009.blogspot.com).

Veja, 2015. "As obras de Caravaggio". Recuperado de: As obras de Caravaggio | VEJA (abril.com.br).

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Fichas técnicas
a) Nombre de la obra:  El juramento de los Horacios
Lugar de exposición:  Museo del Louvre, Paris, Francia
Autor: Jacques-Louis David:
Técnica:  Óleo sobre lienzo
Fecha: 1784-1785

b) Nombre de la obra: La balsa de Medusa
Lugar de exposición: Museo del Louvre, Paris, Francia
Autor: Théodore Géricault
Técnica: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1819

Dadas las dos imágenes anteriores, la primera de un estilo neoclásico y la segunda una obra del arte romántico, se observa una clara diferencia entre la forma de la pintura y el mensaje a transmitir. En la primera figura (a) se hace la representación del juramento realizado por los horacios romanos, mientras que la segundo imagen (b) muestra el relato del naufragio de fragata francesa, encallada frente a la costa de Mauritania. Esta primera obra (a), es muestra del estilo planeado en el arte neoclasico, en esta se observa el uso de formas y colores sencillos; además, en esta se representa un relato de la antigua Roma. Por otra parte, la segunda obra (b), es muestra del estilo romántico donde se hacia uso de pinceladas sueltas y contornos imprecisos.

A partir de esta comparación formal, se pueden contrastar elementos inferenciales de las pinturas. En la primera (a) se muestra como los costados claros y los personajes presentes en la obra buscan centrar la atención en el juramento realzado por el horario en la parte central (foco). Para la segunda imagen (b), en contraste, el uso de colores oscuros permite generar una atmosfera de drama, angustia y desamparo.

A nivel de forma, ambas imágenes buscan (cada una a su manera) proyectar la representación un relato antiguo romano, sin embargo, ambas presentan focos diferentes. En el caso de la primera obra (a) el foco se ve presente en la parte central, donde se muestra el juramento. Para la segunda obra (b) el foco se presenta en la parte superior derecha, donde se observa la estola rojiza que lleva el anciano que sujeta un cadáver con la mano.

Referencias:

González, María y Guzmán, Jorge (2014, 27 de octubre). Renacimiento italiano. Historia Universal. https://mihistoriauniversal.com/edad-moderna/renacimiento-italiano

Tasararte (2020,23 de Obtubre). El renacimiento en Italia y en el norte e Europa. El Renacimiento en el norte de Europa. - tasararte.com

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: Autorretrato de Courbet
Autor: Gustave Courbete
Técnica: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1843

La obra del autorretrato de Coubet muestra una pintura de estilo realista de cómo se veía a el mismo uno de los pintores más representativos de este movimiento artístico.

Analizando la composición de la obra, en principio se observan dos secciones diferentes en la pintura. En la parte superior y central se muestra la mirada y el cabello del artista. En esta se hace énfasis en la penetración de la mirada (generada por una dilatación en las pupilas) y en la estética del cabello siento agarrado por las manos. En la parte superior se muestra la barba, las mejillas rojas y el cuerpo de Coubet. En este se muestra la estética bien cuidada del bigote y la complementación de la expresión de sorpresa dada por las mejillas rojas.

Para resaltar, con respecto a su composición, es claro que en esta figura la mirada de Courbet (foco) busca mostrar una expresión de sorpresa mediante la dilatación de la pupila y lo rojizo de las mejillas. Dada la posición de las manos y los hombres se observa una pequeña inclinación del cuerpo la cual, junto con las mejillas, hace que el hombre muestre expresiones de alteración generada por algún tipo de noticia/acto.

Con respecto al tema a tratar (el amor) se puede ver la reacción plasmada en la obra como una mirada causada por la presencia de una enamorada.

Referencia Bibliográficas

Aidar Laura. (2015). "Realismo del arte". Recuperado de: Realismo na Arte: pintura, escultura e artistas - Toda Matéria (todamateria.com.br).

Imaginario Andrea. (2018). "Impresionismo: características, obras y artistas más importantes". Recuperado de: Impresionismo: características, obras y artistas más importantes - Cultura Genial.

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Ficha técnica:

Nombre de la obra: retrato de Iturrino
Bilbao, España
Autor: Juan de Echevarría
Técnica: Óleo sobre lienzo
Fecha: 1919

La obra del "Retrato de Iturrino" muestra el perfil de Iturrino (pintor) en traje. En esta obra se observa a un hombre sentado con una pierna sobre la otra mientras apoya una de sus manos sobre estas. En esta también se observa el contexto de una habitación/sala con una mesa central, la cual sostiene un florero, y un cuadro de fondo  recostado sobre una pared.

Analizando la composición de la obra, en principio se observan dos secciones diferentes en la pintura. En la parte izquierda se muestran tres objetos, una mesa, un florero y un cuadro. Esta parte permite contextualizar el lugar donde se encuentra el hombre de la pintura. En la parte derecha se muestra a un hombre sentado con una pierna recostada sobre la otra. Este hombre presenta un rostro serio y un poco cansado frente a una posible conversación que esté tenido. La vestimenta que lleva, traje y corbata, muestra a Iturrino como un hombre de entre los 50 y 60 años y formal frente a sus interacciones sociales.

Para resaltar, con respecto a su composición, es claro que en esta figura rostro de Iturrino (foco) permite interpretar la actitud del hombre frente a un contexto especifico, como lo puede ser la realización de una charla en alguna habitación/sala de un colega.

Referencia Bibliográficas

Museo Nacional Centro de Arte. (2015). "Retrato de Iturrino". Recuperado de: Juan de Echevarría - Retrato de Iturrino (museoreinasofia.es)

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La idea corresponde a la representación de Instagram como un museo, donde cada perfil representa un periodo histórico o movimiento artístico. Para esto se tomaron las imágenes de la línea del tiempo como fotos de perfil de cada periodo histórico.

No es un secreto que con la aparición del internet se ha venido generando un cambio en la forma en que se transmite la información y en la que se desarrolla el arte. Ya las películas no se ven en cine sino por Netflix, la música no se escucha en vivo sino se escuchan por Spotify o YouTube, las fotografías no se guardan en un álbum sino se quedan en la galería del celular. Actualmente es muy poco la cantidad de gente que maneja una verdadera afición por ir a un museo a ver obras de arte, la mayor parte de las personas hace uso de las redes sociales o el internet para guardar imágenes propias que les guastaría preservan para la posteridad. Es en este sentido, donde se toma un perfil de Instagram como una exposición de arte en un museo.

Con la imagen presentada se busca expresar como cada movimiento artístico busca, a través de un perfil en una red social, preservar sus imágenes más representativas. Es en este sentido que, el caso que alguna persona externa quisiera conocer sobre la historia del arte basta con el ingreso a cada uno de los perfiles de los movimientos artísticos para ver las obras de arte más representativas de su periodo histórico. La forma en la que se ha venido usando Instagram puede tomarse como un museo, donde ingresar a cada uno de los perfiles se toma como la entrada a la galería de arte de una persona, en este caso el creador de perfil. Es en este sentido donde se toma a toda persona con un perfil de Instagram como un “Artista”. Con la imagen se muestra como esta red social se puede tomar como un museo, donde la entrada a cada uno de los perfiles corresponde al ingreso de una habitación con obras expuestas sobre un periodo histórico.

Referencias:

1. Guerrero, Teresa. (2022): "Historia del arte del antiguo Egipto". Recuperado de: del arte del Antiguo Egipto | Egipto.com

2. Mywowo. (2015): "Museo arqueológico, Poseidón sala 15". Recuperado de: Audioguía MUSEO ARQUEOLÓGICO DE ATENAS - Poseidón Sala 15 (ES) | MyWoWo

3. Algargos, Arte e historia. (2014) "El Arte Románico. Diez obras de arquitectura, escultura y pintura para reconocer y comentar". Recuperado de: Algargos, Arte e Historia: EL ARTE ROMÁNICO. DIEZ OBRAS DE ARQUITECTURA, ESCULTURA Y PINTURA PARA RECONOCER Y COMENTAR. (algargosarte.blogspot.com)

4. Comunicación, estética y Arte, 2009. "Barroco". Recuperado de: Comunicação, Estética e Arte: Barroco (esteticaarte2009.blogspot.com).

5. Aidar Laura. (2015). "Realismo del arte". Recuperado de: Realismo na Arte: pintura, escultura e artistas - Toda Matéria (todamateria.com.br).