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ANALYSE

1. Généralités.

L'album paraît le 10 octobre 1970. Il est écrit de mars à juillet. C'est le 5ème album du groupe.C'est un vinyl 33 tours, dont chaque face est composée ainsi :

Comme dans Ummagumma et Meddle, AHM est donc constitué d'une partie " expérimentale ", concept et d'une autre constituée de chansons, ceci sans doute pour des raisons un peu mercantiles.
AHM n'est donc pas à proprement parlé un album concept, car il n'y a aucun rapport entre les 2 faces du disque, cependant, le morceau " conceptuel " AHM de la face A ayant tellement occulté les autres morceaux, il est souvent admis de considérer l'album en son entier comme un album concept.
a. La pochette

" La pochette à la vache " est devenue l'une des plus mythiques de l'histoire du rock. Storm Thorgerson (photographe du groupe), souhaite surprendre les fans avant-gardistes avec une photo aussi ordinaire et aussi peu psychédélique que possible. On lui parle alors du papier peint orné de vaches d'Andy Warhol.

Andy Warhol, Cow, 1966

Il roule alors en voiture dans l'Essex (Angleterre), il immortalise spontanément la première vache qu'il aperçoit. La fière noiraude s'appelle Lulubelle III. On ne verra qu'elle sur la pochette de l'album sans titre (même le nom du groupe est absent).
b. Titres
Ron Geesin (voir plus bas) trouve le titre de l'album alors que le groupe doit passer a un show radio de la BBC pour interpréter un morceau sans nom. Il déniche dans Evening Standard un article sur une femme enceinte qui porte un pacemaker nucléaire, intitulé " Atom Heart Mother " (Mère au cœur atomique). Pour son côté absurde et décalé, les membres du groupe adoptèrent ce titre sur le champ.

Les titres de chaque section de AHM sont aussi dénué de sens :

1) Father's shout (Le cri du père)
2) Breast milky (Sein plein de lait)
3) Mother fore (Mère antérieure)
4) Funky dung (Bouse puante)
5) Mind your throats, please (Fais attention à ta gorge s'il te plaît)
6) Remergence (Renaissance)

Outre le fait que le titre de ces sections n'ait pas de sens, musicalement, elles ont aussi peu de rapport les unes avec les autres (Gilmour parlera de " patchwork " musical). C'est à un voyage que les PF souhaitent nous convier, Waters parlera " d'Odyssée ", on peut aussi employer le terme de poème symphonique (mais sans argument littéraire). Il n'y a donc aucun sens à tiré de la pochette et des différents titres. Ron Geesin et les PF " s'amusent " ici à créer un univers absurde, surréaliste et décalé.
c. Première représentation
La première représentation du morceau AHM eut lieu avant la sortie de l'album. On peut en entendre une ébauche lors du concert que le groupe donna au Théâtre des Champs-Elysées le 23 janvier 1970.

Gilmour présente le dernier morceau ainsi : " C'est le dernier morceau qu'on va fairehttp://www.musique-orsay.fr. On ne sait pas très bien ce qu'on va faire. On l'a écrit la semaine dernière. " Le morceau porte alors le titre provisoire de The Amazing Pudding.

ECOUTE : The Amazing Pudding (23 janvier 1970) The Amazing Pudding

Comme souvent chez les PF, la naissance d'une nouvelle composition se fait au cours de longues improvisations collectives, à base de blues. Cette pièce est donc largement improvisée, mais on y décèle déjà quelques éléments précurseurs de AHM :
- Introduction bruitée
- Partie A en mi (mais pas encore de thème)
- Partie B avec ostinato à l'orgue (pas encore de solo de violoncelle)
- Partie C avec voix
- Partie D très bluesy
La pièce sera ensuite régulièrement jouée en concert jusqu'à l'intervention de Ron Geesin en mai. Elle sera jouée le 27 juin au festival de Bath avec cuivres et chœurs, sous le titre The Amazing Pudding (titre provisoire remplacé par Epic, puis par Atom Heart Mother).

ECOUTE : The Amazing Pudding (27 juin 1970)
d. Musiciens supplémentaires.
Les PF font appellent à deux musiciens " classiques " pour l'enregistrement de l'album.
- Ron Geesin

Ron Geesin est compositeur, musicien, architecte, écrivain, designer né en 1943, inspiré par le surréalisme, et attiré par l'absurde. Ses influences musicales sont Prokofiev, Rachmaninov, Elgar, Wagner, Schönberg, Varèse et Berio.

Nicl Mason dira :
" Pour créer les arrangements d'Atom Heart Mother, Ron s'imposait. Il maitrisait toutes les techniques de la composition et de l'arrangement, et ses idées étaient suffisamment originales pour nous distinguer des œuvres orchestrales en vogue à l'époque. En ces temps, les arrangements obéissaient à des idées très conservatrices : les musiciens de formation classique avaient été́ endoctrinés pour mépriser le rock. Ceux qui s'aventuraient dans cette voie étaient considéré́ comme des traîtres. Nous avions la certitude qu'avec Ron, nous de ferions pas dans le style " le London Symphonic Philharmonia joue du Pink Floyd. " AHM lui doit :
- La forme générale (apparentée à la forme sonate)
- Toute l'introduction
- L'arrangement des cuivres et des chœurs
- Le solo de violoncelle de " Breast Milky "
- John Alldis

John Alldis est un chef de chœur anglais (1929-2010). En 1962, il crée le John Alldis Choir à Londres, formation qui aborde aussi bien le répertoire contemporain que les grands ouvrages lyriques. Lors des enregistrements, c'est lui qui dirigera le chœur, avec plus de professionalisme que Ron Geesin pour l'orchestre. Dans l'enregistrement définitif, il reste en effet beaucoup d'erreurs dans les parties de cuivres, au contraire, les parties vocales sont parfaitement enregistrées.

Ron Gessin et John Alldis sont donc deux musiciens, au bagage musical important, qui vont permettre au PF d'atteindre des sommets dans le rock progressif. L'album mélange expérimentation sonore, écriture contemporaine, il est ancré dans la tradition classique et savante(instruments classiques, organisation formelle), tout en gardant l'esprit des traditions musicales populaires (recours constant à l'improvisation, références au blues).
e. Forme générale

Il y a discution sur l'indexation des sous-parties. Dans le CD sortie en 1994, les sections étaient minutées comme ci-dessus (colonne de gauche), cependant, ce découpage semble peu pertinant. Aussi, le découpage de la colonne du centre est celui qui est communément admis. C'est celui qu'il faut retenir pour l'épreuve de Bac !

La forme d'AHM peut donc " s "apparenter " à une forme sonate, telle qu'elle était pratiquée aux XVIIIe et XIXe siècle. C'est-à-dire :
Thème A - Thème B - Développemnt - Réexposition (A et B) - Coda
Exemple de musique utilisant le plan de la forme sonate :

ECOUTE : 5e symphonie, 1er mvt, de L.v. Beethoven 5e symphonie, 1er mvt

Mais attention, si AHM a bien deux thèmes A et B contrastant, une réexposition et une coda, le developpement n'en est pas vraiment un. On peut donc seulement dire que AHM se rapproche du plan de la forme sonate.
f. Orchestration
- Trois Solistes Femmes et chœur mixte
- Ensemble de Cuivres (3 trompettes, 3 trombones, 3 Cors, un Tuba), un violoncelle solo
- Orchestre rock traditionnel : basse, batterie, guitare, claviers.

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Atom Heart Mother - Analyse - musique-orsay.fr

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Œuvre sélectionnée : I nalt be clode on the frolt pour soprano et ensemble (flûte, hautbois, clarinette, percussion, piano, harpe, violon, alto, violoncelle)

Durée : 7'34 soit trois mouvements : 1. Cherche titre ; 2. Cherche femme ; 4. Vends maison

Année de composition : 2018

Création : 19 mai 2018 à Radio France (Paris) par Marion Tassou (soprano) et l'Ensemble l'Instant Donné

Commanditaires : Radio France et l'Ensemble l'Instant Donné

Enregistrement : 17 mars 2021 à Radio France par France Musique

Interprètes de l'enregistrement : Marion Tassou (soprano) et l'Ensemble l'Instant Donné

Partition : Inédite

Diffusion : Création Mondiale et Concert du soir (France Musique)

" I nalt be clode on the frolt ". Vous savez ce que ça veut dire ? Vous êtes bon en anglais ? Sûrs ?

En réalité, vous pouvez toujours chercher, cette phrase de titre est un filtre, un filtre en yaourt bulgare pourrait-on dire, souvenir lointain d'une chanson entendue enfant par le personnage principal imaginaire de ces chansons pour soprano et ensemble. Il cherche le titre, se remémore des bribes de texte...en phonétique bien entendu !

C'est là tout le sel de la musique de Mikel Urquiza pour ses courtes pièces. Le filtre d'un souvenir passé au tamis d'un humour ravageur. Une définition en forme de maxime, qui n'est pas sans rappeler l'univers de son maître Gérard Pesson, à qui la pièce est d'ailleurs dédiée.

Dans ses chansons, Mikel Urquiza imagine des personnages, et des atmosphères à la fois variées, et au raffinement d'écriture constant. Après avoir cherché le titre d'une chanson...notre héros...cherche une femme ! Mais loin d'adopter la première venue, l'annonce s'avère précise ! D'abord " douce, gentille, belle, non-fumeuse et pas alcoolique ", la future dulcinée du héros ne devra " pas (être) en pantalon sept jour sept ", mais surtout, et là c'est à l'impératif : " grosse poitrine obligatoire " ! Il y a des impératifs, et celui du machisme en est un !

Après avoir trouvé une femme...on veut une maison pour l'installer à l'intérieur non ? " Vends maison " est une parodie acide encore une fois, au jazz grinçant et acerbe.

La musique de Mikel Urquiza est drôle et au second degré, pour nous inviter à voir plus loin que la double barre.

Thomas Vergracht

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GPLC - Grand Prix Lycéen des compositeurs -

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Œuvre sélectionnée : I nalt be clode on the frolt pour soprano et ensemble (flûte, hautbois, clarinette, percussion, piano, harpe, violon, alto, violoncelle) Durée : 7'34 soit trois mouvements : 1. Cherche titre ; 2. Cherche femme ; 4.

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C'est le théorbe joué par Caroline Delume qui s'invite cette semaine dans Création Mondiale, à la faveur d'une suite sonore de Pascale Jakubowski mixée au GRM de la radio : ses Iridescences pour théorbe et environnement électroacoustique.

Pascale Jakubowski et Caroline Delume, © Francis Proudhom et Nicole Bergé

" Iridescences " pour théorbe et environnement électroacoustique de Pascale Jakubowski
AvecCaroline Delume, théorbe
Création en collaboration avec leGRM
Diffusion intégrale et portrait de la compositrice
Aujourd'hui dimanche, Création Mondiale propose la CODA du puzzle sonore qui s'est fait entendre cette semaine par fragments : les Iridescences de Pascale Jakubowski, composées sur mesure pour la guitariste et théorbiste Caroline Delume. Le choix du théorbe s'est fait avec évidence : la guitare était déjà familière aux oreilles de la compositrice, elle s'est laissée séduire par la nouveauté du théorbe.

" Le théorbe apparaît à la fin du seizième siècle pour prolonger le luth d'origine perse, arabe, asiatique... nous renvoyant ainsi à des temps immémoriaux, des instruments très anciens, parfois anthropomorphes ou zoomorphes. Puis il disparaît au 18ème pour réapparaitre au 20ème et mieux nous étonner. Notre regard redécouvre un instrument aux proportions impressionnantes, à la forme surprenante avec ses deux chevillers, ses cordes du grand jeu comme autant de notes polaires suspendues au-dessus du vide, sa coque en bois fins et ses rosaces dont les délicates sculptures ornent le passage de l'intérieur du corps sonore vers l'espace accueillant ses vibrations graves et envoutantes. Son apparente fragilité, son aspect singulier voire merveilleux, son effacement et sa résistance séculaires, nous font osciller entre tangible et intangible, exerçant un attrait considérable et un désir de prospections sonores. " (Pascale Jakubowski)

Depuis que la compositrice et la musicienne se sont rencontrées, elle sont partagé un vrai compagnonnage, avec des moments de musique, et des moments de vie, d'échange. Un jour, sur la page Facebook de Caroline Delume la compositrice découvre un paysage noyé dans les brumes matinales, photographie prise par la théorbiste dans la campagne près de Vézelay. Ces nuances délicates du paysage, Pascale Jakubowski les connaît bien, elle qui a vécu longtemps dans le parc régional du Pilat. D'où le choix du titre Iridescences :

" L'iridescence est la faculté qu'ont certains corps composés de microstructures complexes de faire apparaître différentes couleurs selon l'angle de vue adopté et l'intensité de la lumière qui se dépose sur eux. "

Les Iridescences sont nées dans les studios du GRM de Radio France, grâce à la complicité d' Emmanuel Richier, qui a assuré l'enregistrement de la partie du théorbe et participé au mixage de la pièce avec la partie d'électroacoustique.

Le théorbe n'est pas le seul instrument de musique entendu dans ces miniatures. Ici ou là aussi, quelques percussions , enregistrées par la compositrice et intégrées à la partie électroacoustique. Parfois aussi, le théorbe se transforme en percussion imaginaire, ou prend les sonorités d'une harpe ou d'une guitare électrique. A ces métamorphoses s'ajoutent des souvenirs sonores de la compositrice : réminiscences de sons de percussions jamaïcaines et souvenirs de chants d'Afrique sub-saharienne revisités. Il y a chez Pascale Jakubowski un goût pour les ailleurs qui lui vient de ses origines métissées (naissance en Algérie et père polonais).
Actualités de la compositrice :

Création de " Migration de la Belle-Dame " pour violon et environnement électroacoustique par Sara Chenal le 21 novembre / Eglise Saint-Merry Paris

Sortie d'un CD avec " Inclinaisons ajourées " pour violoncelle (Espagne)

En préparation un opéra et une pièce pour quatuor à cordes et environnement électroacoustique

Actualités de la théorbiste/guitariste Caroline Delume :
Le 29 octobre, création de AB pour guitare frettée de Francisco Luque / Institut Cervantès à Paris

Programmation musicale : œuvres de Pascale Jakubowski

En plus des Iridescences :

" Le destin des petits rien ", pièce électroacoustique

" Sous tes cils une énigme ", concerto pour clarinettes sib, basse et contrebasse et ensemble instrumental. Clarinette contrebasse: Hervé Cligniez avec l'Ensemble orchestral contemporain, direction Daniel Kawka.

" Passerelles " dans le cycle " Ellipses ". Piano : Elena Tarasova

" concertino pour saxophone soprano et octuor de violoncelles ", créé par Paul Wehage au Festival Donne un Musica à Fiuggi en 1998. Saxophone soprano : Paul Wehage avec l'Octuor de violoncelles de Paris, direction Pascale Jakubowski.

" D-li " pour voix de baryton et piano par Thomas Dolié et Henri Bonamy. Commande de Radio France 2006 pour l'émission de Gaëlle le Gallic (Génération Jeunes Interprètes)

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" Iridescences " pour théorbe et électroacoustique de Pascale Jakubowski (Diffusion intégrale et portrait)

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C'est le théorbe joué par Caroline Delume qui s'invite cette semaine dans Création Mondiale, à la faveur d'une suite sonore de Pascale Jakubowski mixée au GRM de la radio : ses Iridescences pour théorbe et environnement électroacoustique.

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Philip Glass, du minimalisme au maximalisme - #Cultureprime

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La musique minimaliste
Sommaire de ce chapitre
Introduction

La musique minimaliste désigne toute musique utilisant des matériaux limités, que ce soit en termes de notes, d'instruments, de rythme ...

En voici un exemple avec un extrait de , de Moondog, joué sur une seule note.

Né aux Etats-Unis, le minimalisme représente une part importante de la musique classique de ce pays, mais des compositeurs d'autres pays ont aussi été associés au minimalisme tels Arvo Pärt et Henryk Górecki, souvent qualifiés de minimalistes mystiques.

On considère que le minimalisme nait avec le " Trio pour cordes " (1958) de La Monte Young (1935 -), œuvre composée uniquement de sons tenus durant plusieurs minutes tels des bourdons, ce qui caractérise le courant musical appelé " drone ".

Plus sur la musique minimaliste sur .

Les origines

Moondog (1916-1999)

Pourquoi Moondog en tête de ce chapitre ? Et bien parce que les compositeurs Terry Riley, Steve Reich et Philip Glass qui l'ont rencontré en 1969 lui ont donné le titre de " fondateur du minimalisme ".

Moondog, de son vrai nom Louis Thomas Hardin, est né à Marysville (Kansas) le 26 mai 1916. Suite à l'explosion d'un bâton de dynamite, il devient aveugle à l'âge de 16 ans.

En 1949, il commence à jouer dans les rues de New-York, prenant l'apparence d'un viking, puis se produit dans le quartier des clubs de jazz, devenant ainsi le " Viking de la 6e Avenue ".

En 1969 il se lie avec les jeunes compositeurs Philip Glass, Steve Reich puis Terry Riley, qui le sacrent " fondateur du minimalisme " et " patriarche ".

En 1974, il s'installe en Allemagne où il restera jusqu'à sa mort le 8 septembre 1999 à Münster.

La musique de Moondog est inclassable : S'inspirant des classiques du Moyen Age et de la Renaissance, de la musique amérindienne ou encore du jazz, elle est proche du courant minimaliste, mais totalement atypique et hors du temps.

Moondog a laissé une œuvre considérable dont 81 symphonies, des œuvres pour orchestre, pour ensembles de cuivres et ensembles de chambre (notamment avec du saxophone), des œuvres pour piano et pour orgue, et des dizaines de chansons...

Parmi ses œuvres les plus connues, on peut citer :

La Monte Young (1935-)

La Monte Young est né le 14 octobre 1935 à Bern (États-Unis)

Pendant ses années de formation, il se nourrit aussi bien de musique classique que de jazz et de musique indienne.

Il s'intéresse d'abord au sérialisme de Schoenberg et Webern puis développe ses propres idées dont la technique des sons tenus un long moment. Son " Trio for strings " de 1958 peut être considéré comme la première pièce minimaliste.

En 1959, il se rend à Darmstadt où il rencontre Stockhausen et étudie l'œuvre de John Cage.

Dans les années 1960, il s'intéresse aux techniques de bourdon (appelé drone).

En 1962 il rencontre celle qui allait devenir sa compagne et aussi sa grande partenaire de travail, Marian Zazeela.

En 1963, il fonde l'ensemble " The Theatre of Eternal Music ", entièrement dévoué à sa musique.

En août de cette même année, il conçoit avec Marian Zazeela la première installation visuelle et sonore du nom de " Dream House ". De nombreuses autres installations seront présentées par la suite pour des durées variables dans des musées et galeries d'art, jusqu'en 1993 où une " Dream House " est installée de façon permanente à la MELA Foundation de New York, et en 2012 où une version définitive est installée au Musée d'art contemporain de Lyon.

En 1964, il compose la première version de " Well-tuned piano ", qui utilise un piano réaccordé selon une gamme naturelle de sa définition, et comprend une installation lumineuse de Marian Zazeela. Cette œuvre, d'une durée de 5 à 6 heures, sera créée à Rome en 1974 et sera suivie de nombreuses autres versions.

En 1967, il rencontre le chanteur indien Pandit Pran Nat, spécialiste du raga indien et du style Kirana, dont Marian et lui deviennent les disciples. Ils font avec lui un grand nombre de concerts de musique indienne, puis poursuivent la pratique du raga avec leur groupe " The Just Alap Raga Ensemble ".

Parmi les principales œuvres de La Monte Young, on peut citer :

On trouvera une biographie, une analyse de l'œuvre et la liste des œuvres de La Monte Young sur Ressources-IRCAM.

Le minimalisme répétitif

Terry Riley est considéré comme le premier compositeur minimaliste répétitif, suivi par Steve Reich et Philip Glass qui vont proposer de nouveaux processus de composition, puis par John Adams qui va y intégrer plus de mélodie et d'harmonie.

La musique minimaliste répétitive est caractérisée par :

-Un retour à la tonalité

-Une pulsation régulière

-La répétition de phrases ou de cellules musicales.

Terry Riley (1935-)

Terry Riley est considéré comme le fondateur de la musique minimaliste répétitive.

Terry Riley est né le 24 juin 1935 à Colfax en Californie.

De 1953 à 1958 il étudie le piano, la théorie et la composition.

En 1959, il entre à l'Université de Californie à Berkeley, où il se lie d'amitié avec La Monte Young avec qui il va souvent collaborer.

Vers 1960, Riley fait ses premières manipulations d'enregistrements sur bandes magnétiques comme dans " Mescalin Mix " (1961).

Après avoir obtenu son " Master of Arts " en 1961, il effectue de nombreux voyages en Europe, au Maroc, en Russie. Il participe à des happenings au Danemark et à du théâtre de rue à Helsinki.

En novembre 1964 a lieu la première de " In C ", sa pièce répétitive minimaliste la plus célèbre. Cette œuvre influencera beaucoup les travaux de Steve Reich, Philip Glass et John Adams.

Terry Riley décrit ainsi la façon de la jouer : " Tous les interprètes jouent la même partition de 53 motifs à répéter (...). Chaque interprète a la liberté de choisir le nombre de répétitions avant qu'il ne passe au motif suivant. Aucune règle ne fixe le nombre de répétitions ".

En 1965, Riley part pour New York où il restera quatre ans. C'est là qu'il inaugure en 1967 les " All-Night Concerts ", durant lesquels il joue, essentiellement en improvisant, de la tombée de la nuit jusqu'au petit matin.

À cette époque, ses œuvres font davantage place à l'improvisation et abandonnent, pour une grande part, la notation musicale, comme dans son album expérimental (1968), œuvre " hypnotique " alors très bien accueillie par le monde de la pop music.

En 1970, il étudie la musique hindoustani avec Pandit Pran Nath à New Delhi. Influencé par la musique orientale, il compose, en 1972, " Persian Surgery Dervishes " d'après les cérémonies soufies.

De 1971 à 1981, il enseigne la musique indienne et la composition au Mills College d'Oakland où il rencontre les membres du " Kronos Quartet " pour lequel il écrira de nombreux quatuors dont " Salome Dances for Peace ", " The sand " et " Sun Rings ".

En 1991, il compose sa première œuvre orchestrale, " Jade Palace ", pour le centenaire de Carnegie Hall.

Actuellement, Terry Riley professe et interprète le chant raga indien et le piano.

Les principales œuvres de Terry Riley

On trouvera une biographie et le catalogue des œuvres de Terry Riley sur Ressources-IRCAM

Et bien d'autres choses sur son site officiel : http://terryriley.net/

Steve Reich (1936-)

Steve Reich est né le 3 octobre 1936 à New York.

Il entre à la Cornell University en 1953 et obtient une licence de philosophie en 1957.

De 1958 à 1961, il étudie le piano, les percussions et la composition à la Juilliard School où il fait la connaissance de Philip Glass.

En 1964, il participe à la création de la pièce répétitive " In C " de Terry Riley qui influence fortement son approche de la musique répétitive. Il expérimente alors la technique du " phasing ", en particulier dans " Piano phase " et " Violin phase " (1967).

Il appliquera cette technique au rythme et aux timbres dans (1976).

La technique du phasing (déphasage) consiste à répéter de courts motifs musicaux par plusieurs voix, en introduisant petit à petit un décalage entre ces voix, créant un déphasage.

Steve Reich a découvert le phasing par hasard en 1965, lors de la composition de " " en utilisant deux magnétophones de mauvaise qualité qui se désynchronisaient. Selon Steve Reich, le phasing est un cas particulier de la forme classique du canon.

En 1966 il fonde avec trois autres musiciens l'ensemble " Steve Reich and Musicians ". Il fait également partie du " Tape Music Center " de San Francisco dont il deviendra l'un des membres les plus actifs.

Après avoir étudié les percussions africaines au Ghana pendant l'été 1970, il compose " Drumming " (1971), où il exprime sa fascination pour le rythme.

En 1973 et 1974, il étudie la technique du gamelan indonésien. En 1988, il compose " Different Trains ", pour quatuor et bande magnétique, œuvre évoquant les trains de son enfance et " d'autres trains " roulant en Europe vers les camps de la mort.

En 1993, il compose son premier opéra, " The Cave ".

De 1998 à 2002, il compose " Three Tales ", vidéo traitant de la domination technologique du 20e siècle à travers trois épisodes : le crash du Zeppelin en 1937 (Hindenburg), les essais nucléaires américains dans le Pacifique de 1946 à 1952 (Bikini) et la brebis clone conçue en 1997 (Dolly).

En 2009, il reçoit le prix Pulitzer de la musique pour " Double Sextet "

En 2011, il crée " WTC 9/11 ", en commémoration des attentats contre le World Trade Center.

Les principales œuvres de Steve Reich

On trouvera une biographie et le catalogue des œuvres de Steve Reich sur Ressources-IRCAM

Voir aussi une biographie sur physinfo.org .

Philip Glass (1937-)

Philip Glass est sans doute le compositeur vivant le plus joué et le plus influent de son temps.

Philip Glass est né le 31 janvier 1937 à Baltimore.

Précoce, il obtient une licence en philosophie et mathématiques à l'Université de Chicago à dix-neuf ans, puis il entre à la Juilliard School de New York où il étudie le piano.

Pendant l'été 1960, il étudie avec Darius Milhaud, alors aux Etats-Unis.

De 1964 à 1967, il vit à Paris où il analyse les partitions de Bach, Mozart et Beethoven sous la férule de Nadia Boulanger . C'est là qu'il découvre en 1965 la musique du compositeur sitariste Ravi Shankar et ses structures répétitives à évolution lente.

En 1966 il voyage en Inde où il s'imprègne de philosophies hindouiste et bouddhiste. Profondément influencé par la musique indienne, il retournera en Inde chaque année de 1967 à 1979, et aura à cœur de traduire la musique traditionnelle indienne en notes interprétables par les occidentaux.

En 1967, de retour à New York, il fonde le Philip Glass Ensemble avec lequel il créera la plupart de ses propres œuvres.

En 1976 son opéra " Einstein on the beach " est créé au Metropolitan Opera.

Les années 1980 voient la création de 2 autres opéras, " Satyagraha " (1980) et " Akhnaten " (1983), formant une trilogie avec " Einstein on the beach ".

D'autres opéras suivent avec " The voyage " (1992) et une nouvelle trilogie basée sur les œuvres de Jean Cocteau : " Orphée " (1993), " La Belle et la Bête " (1994) et " Les Enfants Terribles " (1996).

Philip Glass écrit également de la musique de film dont de Stephen Daldry (2003), et " Le rêve de Cassandre " (2007) de Woody Allen.

En 2007, il écrit " Book of Longing " sur un cycle de chansons et de poèmes écrits par Leonard Cohen.

Les principales œuvres de Philip Glass

On trouvera une biographie et le catalogue des œuvres de Philip Glass sur Ressources-IRCAM

Voir aussi une biographie sur physinfo.org .

John Adams (1947-)

D'abord très proche du minimalisme de Steve Reich et de Philip Glass, John Adams s'en éloigne peu à peu en y introduisant plus de mélodie et d'harmonie, dans des œuvres orchestrales très élaborées.

John Adams est né le 15 février 1947 à Worcester (Massachusetts).

Il étudie la musique au Harvard College de 1965 à 1971, puis se fixe à San Francisco, où pendant dix ans, il enseigne et dirige au Conservatoire de Musique.

A partir de 1977, il trouve sa voie dans le minimalisme avec sa pièce " Phrygian Gates ".

En 1978, son septuor à cordes " Shaker Loops " lui amène une certaine notoriété.

En 1983, il rencontre le metteur en scène Peter Sellars avec qui il élaborera plusieurs œuvres scéniques fortement engagées politiquement, parmi lesquelles " Nixon in China " qui connait en 1987 un succès international, " The Death of Klinghoffer " (1991) qui sera porté à l'écran en 2003, " I Was Looking at the Ceiling and Then I Saw the Sky " (1995), " Doctor Atomic " (2005).

Pour commémorer la mémoire des victimes des attentats du 11 septembre 2001, il compose en 2002 " On the Transmigration of Souls " qui lui vaut en 2003 le prix Pulitzer.

Les principales œuvres de John Adams

On trouvera une biographie et le catalogue des œuvres de John Adams sur Ressources-IRCAM

Voir aussi une biographie sur physinfo.org .

Le minimalisme mystique

Certains compositeurs, chez qui on voit une forte inspiration religieuse, sont appelés minimalistes " mystiques ". Il s'agit principalement de Henryk Górecki, Arvo Pärt, John Tavener, Giya Kancheli, Hans Otte.

Arvo Pärt (1935-)

Arvo Pärt est un compositeur estonien né le 11 septembre 1935 à Paide.

Il entre en 1954 à l'École secondaire de musique de Tallinn, puis au conservatoire de Tallinn en 1957, dont il sort diplômé en 1963.

Parallèlement, il occupe un poste d'ingénieur du son à la radio estonienne, de 1954 à 1967.

A cette époque, l'Estonie était toujours sous domination soviétique, mais Pärt prend très vite ses distances avec les recommandations officielles et entre dans sa période dodécaphonique, en particulier avec ses Symphonies n°1 (1964) et n°2 (1966), et son Concerto pour violoncelle " pro et contra ". (1966).

Pendant dix ans, de 1966 à 1976, il cherche de nouvelles voies dans l'étude de la musique médiévale, cessant quasiment alors de composer si ce n'est deux tentatives vers une nouvelle manière avec le en 1968 et la Troisième Symphonie en 1971 dans laquelle il abandonne la musique sérielle.

L'année 1976 marque un nouveau départ dans la carrière d'Arvo Pärt qui privilégie contemplation, transcendance et mysticisme. Avec sa pièce pour piano " Für Alina " il inaugure un nouveau style, qualifié par lui-même de " style tintinnabuli ".

C'est le début d'une succession de chefs-d'œuvre souvent d'inspiration religieuse.

Le style général adopté par le compositeur participe de la recherche d'une nouvelle simplicité musicale que l'on peut assimiler à une variante de minimalisme.

Les principales œuvres d'Arvo Pärt

On trouvera une biographie et la liste des œuvres d'Arvo Pärt sur Ressources-IRCAM .

Voir aussi une biographie sur physinfo.org .

Henryk Górecki (1933-2010)

Henryk Górecki est un compositeur polonais, né le 6 décembre 1933 à Czernica. Nous l'avons déjà rencontré dans le cadre de la musique polonaise du vingtième siècle .

La musique de Górecki couvre une large variété de styles mais tend toujours vers la simplicité harmonique. D'abord adepte du sérialisme, il s'en éloigne progressivement dans les années 1970 pour tendre vers une écriture plus douce et plus expressive, privilégiant la mélodie, comme dans sa Symphonie n°2 " Copernicienne " (1972).

Symphonie n°3
" des chants plaintifs "

Comme celles d'Arvo Pärt, à qui il est parfois comparé, ses œuvres sont empreintes de minimalisme et de musique sacrée. Ceci apparait particulièrement dans sa 3e symphonie, dite " Symphonie des chants plaintifs " de 1976, son " " de 1981 ou son hymne papal " " de 1987).

Parmi ses autres œuvres, citons " Trois danses " (1973), " " pour baryton, chœur et orchestre (1979) et ses trois quatuors à cordes sous-titrés " Already it is dusk " (1988), " Quasi una Fantasia " (1992) et " Songs are sung " (1995).

On trouvera une biographie sur physinfo.org et la liste des œuvres de Henryk Górecki sur .

John Tavener (1944-2013)

John Kenneth Tavener est un compositeur anglais né le 28 janvier 1944, à Londres.

De 1961 à 1965, il fait ses études musicales à la Royal Academy of Music de Londres. Parallèlement, dès 1960, il est organiste à Saint John's à Kensington.

En 1968, à l'âge de 23 ans, Tavener devient célèbre dans le monde entier avec sa cantate dramatique " " (La Baleine), une relecture musicale de l'histoire biblique de Jonas pour récitant, solistes, chœur et orchestre.

A partir de 1969, il enseigne la composition au Trinity College of Music de Londres.

Catholique, il se convertit en 1977 à l'Église orthodoxe russe ce qui influencera fortement sa musique. La décennie 1977-1986 est ainsi entièrement marquée par des œuvres d'inspiration orthodoxe. John Tavener se définit alors davantage comme un intermédiaire avec le monde spirituel que comme un compositeur. Bien qu'orthodoxe, il s'intéresse aussi aux autres religions.

A partir de 1986, Tavener élargit son domaine musical, s'investissant également dans la musique profane.

En 2000, il reçoit le titre de chevalier dans la Millennium Honours List.

En 2007, " The Beautiful Names " est créé à la cathédrale Westminster. Cette œuvre, chantée en arabe, est une méditation sur les 99 noms d'Allah trouvés dans le Coran.

Quelques œuvres majeures de John Tavener

John Tavener a également écrit 2 opéras : " Thérèse " (1973) et " Mary of Egypt " (1991)

Le catalogue des œuvres de Tavener contient 297 opus, que l'on trouvera sur le site Music Sales Classical .

On trouvera une présentation de son œuvre sur physinfo.org .

Giya Kancheli (1935-2019)

Giya Kantcheli est un compositeur géorgien d'origine russe né à Tbilissi en Géorgie le 10 août 1935 et mort dans cette même ville le 2 octobre 2019.

Après des études de géologie, il étudie la musique au Conservatoire de Tbilissi de 1959 à 1963.

En 1963, il reçoit le Prix des jeunes compositeurs d'URSS pour son Concerto pour orchestre.

A partir de 1970, il enseigne la composition dans son conservatoire d'origine.

Sa Symphonie n° 4, écrite en 1976, lui vaut un prix d'Etat.

Il est nommé artiste national de l'Union soviétique en 1988.

En 1991 il quitte la Géorgie pour Berlin puis, en 1995, il s'installe à Anvers.

Il devient compositeur en résidence au Festival international de musique de Lucerne en 1999.

Giya Kancheli est d'abord connu pour ses 7 symphonies , mais il a également composé d'autres œuvres orchestrales, un opéra, de la musique de chambre, de la musique chorale et de la musique de film.

Les œuvres de sa maturité s'appuient sur la tonalité et des harmonies souvent simples, proches du minimalisme.

Quelques œuvres de Giya Kancheli

On trouvera une biographie de Kancheli et une analyse de son œuvre sur ainsi que la liste de ses œuvres .

Hans Otte (1926-2007)

Hans Günther Franz Otte est un compositeur allemand né le 3 décembre 1926 à Plauen et mort le 25 décembre 2007 à Brême, Allemagne. Il était également pianiste, animateur radio et auteur de nombreuses pièces de théâtre musical, d'installations sonores, de poèmes, de dessins et de vidéos d'art.

Hans Otte a étudié en Allemagne, en Italie et à l'Université de Yale aux États-Unis. Parmi ses professeurs figurait le compositeur Paul Hindemith.

Il a été directeur musical de Radio Bremen de 1959 à 1984.

Das Buch der Klänge

En 1991, sa " Hans-Otte-Klanghaus " (La maison sonore de Hans Otte) est devenue une installation sonore permanente du " Neues Museum Weserburg " à Brême.

Son catalogue contient plus de 100 œuvres. Ses pièces les plus connues sont " Das Buch der Klänge " (Le Livre des sons, 1979-1982) et " Stundenbuch " (Le Livre des heures, 1991-1998). Parmi ses œuvres, citons également " Wassermann musik " (aquarian music, 1995) pour harpe.

Autres compositeurs minimalistes

Pauline Oliveros (1932-2016)

Pauline Oliveros, accordéoniste et compositrice américaine, est née le 30 mai 1932 à Houston, Texas et morte le 24 novembre 2016 à Kingston, New York.

Elle est à l'origine du concept de " Deep Listening " qui vise à différencier " entendre " et " écouter ", deux façons de traiter la même information sonore. Cette pratique permet une conscience accrue de la musique et des sons et a ouvert de nombreuses voies de recherche à la musique contemporaine.

En 1988, elle fonde la " Deep Listenig Band " avec Stuart Dempster (tromboniste et compositeur) et Panaiotis (chanteur et compositeur) ensuite remplacé par David Gamper. Ce groupe enregistre l'album " Deep listening " en 1989, composé de 4 morceaux : , , et

Tom Johnson (1939-)

Tom Johnson est un compositeur franco-américain né le 18 novembre 1939 à Greeley (Colorado).

Installé à New-York en 1968, il étudie la composition avec Morton Feldman et, comme tous les musiciens américains de sa génération, subit l'influence de John Cage.

De 1971 à 1983, il est critique musical pour la revue " The Village Voice ", spécialisé dans les musiques nouvelles. C'est là qu'il commence à parler du minimalisme dont il affine la définition au fur et à mesure des années.

En 1983, il s'installe à Paris.

Sa musique minimaliste est caractérisée par l'utilisation de procédés mathématiques, tels que l'accumulation, le comptage, le déphasage ... d'abord utilisés dans " " (1979), puis dans ses musiques " à compter " telles que les " Rational Melodies " (1982). Elle est caractérisée également par un humour où l'absurde le dispute à la fantaisie.

Entre 1988 et 1992, Johnson compose l'une des pièces majeures de son répertoire, le " Bonhoeffer Oratorium ", qui reprend des sermons et textes contre le nazisme écrits par le pasteur luthérien Dietrich Bonhoeffer.

En 2000, il reçoit le prix des Victoires de la musique avec son œuvre pour saxophone " Kientzy Loops ".

Autres œuvres de Tom Johnson

On trouvera une biographie et la liste des œuvres de Tom Johnson sur Ressources-IRCAM .

Louis Andriessen (1939-2021)

Louis Andriessen est un compositeur néerlandais, né le 6 juin 1939 à Utrecht aux Pays-Bas et mort le 1 er juillet 2021 à Weesp.

Il étudie au Conservatoire Royal de la Haye de 1957 à 1962, puis avec Luciano Berio à Milan et Berlin de 1962 à 1965.

Après une incursion dans le sérialisme, il pratique une harmonie consonante ou polytonale, en s'inspirant du jazz, de Stravinsky et des minimalistes américains (notamment Steve Reich).

Son œuvre privilégie les formations inhabituelles, composées de guitares électriques, trombones, saxophones et percussions diverses, et couvre divers genres, de la musique de chambre et la musique concertante, à la musique de film et pour le théâtre, en passant par la musique électronique.

Quelques œuvres d'Andriessen

On trouvera une biographie et une analyse et la liste des œuvres de Louis Andriessen sur Ressources-IRCAM.

Voir aussi une biographie sur physinfo.org .

Gavin Bryars (1943-)

Gavin Bryars est un compositeur britannique né le 16 janvier 1943 à Goole (Yorkshire).

Dans les années 1960, il entame une carrière de contrebassiste de jazz, puis se consacre à la composition. Lors d'un séjour en Amérique, il fréquente John Cage et le chorégraphe Merce Cunningham avec qui il travaillera plus tard.

En 1970, alors qu'il enseigne à l'école des beaux-arts de Portsmouth, il fonde " The Portsmouth Sinfonia " devenu célèbre pour ses interprétations et enregistrements du répertoire classique avec un minimum de compétence musicale.

Il se déplace en tournées internationales avec son " Gavin Bryars Ensemble " fondé en 1981, composé, selon les besoins, d'instruments traditionnels, éventuellement de saxophones, de guitares électriques et d'une bande préenregistrée.

Sa musique est qualifiée de zen, hypnotique. Ses œuvres les plus célèbres sont " The Sinking of the Titanic " (1969) et " Jesus' Blood Never Failed Me Yet " (1970, repris en 1993). Ce dernier morceau est construit autour d'une empruntée à un clochard anonyme et répétée en boucle.

Autres œuvres de Gavin Bryars

On trouvera une biographie de Gavin Bryars sur physinfo.org et la liste complète de ses œuvres sur .

Michael Nyman (1944-)

Michael Nyman est un compositeur anglais né à Londres le 23 mars 1944.

D'abord critique musical, il publie en 1974 " Experimental Music-Cage and Beyond ".

Il ne commence sa carrière de compositeur qu'en 1976 à l'occasion d'une commande d'arrangement d'une musique de Goldoni.

Il est essentiellement connu pour ses musiques de films, son plus grand succès étant la musique du film de Jeanne Campion " La Leçon de Piano " (1992).

Concertos

Mickael Nyman compose aussi des pièces pour concert, dont on peut citer les 5 quatuors à cordes , Six Celan songs (Mélodies sur des poèmes de Paul Celan, 1990), un concerto pour piano (1993), un concerto pour clavecin (1995), un Double Concerto pour saxophone, violoncelle et orchestre (1997).

On trouvera une biographie de Mickael Nyman sur Ressources-IRCAM .

Michael Gordon (1956-)

Michael Gordon est un compositeur américain né le 20 juillet 1956 à Miami Beach (Floride).

De 1974 à 1977, il étudie la musique à l'université de Floride et, de 1977 à 1982, la composition à la Yale School of Music de New York.

En 1983, il crée l'ensemble " Michael Gordon Philharmonic " pour jouer ses propres œuvres lors de tournées en Amérique et en Europe.

En 1987, il fonde, avec Julia Wolfe et David Lang, l'ensemble " Bang on a Can " dont l'objet est de promouvoir la musique classique contemporaine américaine.

Michael Gordon a longtemps travaillé avec l'ensemble Icebreaker de Londres avec lequel il a enregistré notamment " Yo Shakespeare ", pour ensemble (1992) et " Trance ", pour ensemble et voix samplées (1995).

Il a aussi travaillé avec Elliot Caplan sur une nouvelle forme de théâtre musical nommée opéra-vidéo, avec l'opéra " Van Gogh " en 1991 et la pièce pour orchestre et électronique " Weather

Il compose aussi bien pour l'orchestre que pour de la musique de chambre ou soliste, avec ou sans électronique. Sa musique utilise des éléments répétitifs issus du minimalisme et de la culture populaire.

Autres œuvres de Michael Gordon

On trouvera une biographie et la liste des œuvres de Michael Gordon sur Ressources-IRCAM.

David Lang (1957-)

David Lang est un compositeur américain né le 8 janvier 1957 à Los Angeles.

En 1987, il fonde " Bang on a Can " avec Michael Gordon et Julia Wolfe, organisation qui donne chaque année une série de concerts à New York, les " Marathon Concerts " et organise des tournées internationales.

En 2008, il reçoit le Prix Pulitzer de musique pour " La Passion de la Petite Fille aux allumettes ", inspiré par le conte d'Andersen et " La Passion selon saint Matthieu " de Jean-Sébastien Bach.

Son catalogue, riche de plus de cent cinquante œuvres, aborde tous les genres de musiques, dont la musique de ballet et la musique de film, ainsi que l'opéra (" modern painters ", " The whisper opera ", " Anatomy theater ").

Autres œuvres de David Lang

Julia Wolfe (1958-)

Julia Wolfe est une compositrice américaine née le 18 décembre 1958.

En 1987, elle est co-fondatrice de " Bang on a Can " avec Michael Gordon et David Lang.

Julia Wolfe s'inspire pour ses créations de la musique folk, de la musique classique et du rock.

En 2015, elle obtient le prix Pulitzer de musique pour " Anthracite Fields ". Cette œuvre commémore les travailleurs des grandes mines de charbon du nord-est de la Pennsylvanie. Elle poursuit son exploration de l'histoire du travail américain sur le thème des femmes dans l'industrie du vêtement à New York au début du siècle avec " Fire in my mouth ", pour orchestre et chœur de femmes créé en janvier 2019.

Autres œuvres de Julia Wolfe

On trouvera une biographie et la liste des œuvres de Julia Wolfe sur Ressources-IRCAM

Max Richter (1966-)

Max Richter est un compositeur germano-britannique né le 22 mars 1966 à Hamelin en Allemagne.

A dix-huit ans, il commence ses études de composition et de piano à l'université d'Édimbourg puis à la Royal Academy of Music de Londres ainsi qu'avec Luciano Berio à Florence.

En 1989, il cofonde " Piano Circus ", un ensemble de musique contemporaine, dans lequel il restera pendant 10 ans.

En 2002, il sort son premier album solo, " Memoryhouse ", qui intègre des sons électroniques, des enregistrements et des voix.

En 2004, c'est le morceau " On the Nature of Daylight ", issu de l'album " The Blue Notebooks ", qui lui permet d'asseoir sa notoriété, et qui reste aujourd'hui son œuvre la plus célèbre.

Max Richter est très sollicité par le cinéma et compose de nombreuses bandes originales de film. En 2008, il obtient le Golden Globe et l'European Film Award du meilleur compositeur pour " Valse avec Bachir " d'Ari Folman, et en 2018 le prix de la meilleure musique de film pour " Mary Queen of Scots " de Josie Rourke aux Hollywood Music in Media Awards.

Quelques œuvres de Max Richter

On trouvera une biographie de Max Richter sur edutheque.philharmoniedeparis

Citons encore :

Jóhann Jóhannsson (1969-2018), compositeur islandais.

Il a écrit pour le théâtre, pour des documentaires ainsi que des bandes originales de films dont The Theory of Everything (une merveilleuse histoire du temps), Arrival (premier contact), Sicario.

Parmi ses plus belles œuvres citons ses albums " Fordlandia " et " Orphée ".

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Sommaire de ce chapitre La musique minimaliste désigne toute musique utilisant des matériaux limités, que ce soit en termes de notes, d'instruments, de rythme ... En voici un exemple avec un extrait de , de Moondog, joué sur une seule note.

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Koki Nakano en Concerts Volants - ARTE Concert

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dies irae commentaire d'écoute comparé

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Schoenberg : "Farben" from 5 orchestral pieces Op. 16 -  Rattle*

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Messiaen. Quatuor Pour La Fin Du Temps I-Liturgia de cristal.

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Toru Takemitsu Quatrain II pour clarinette, violon, violoncelle et piano (1977)

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Entretien avec Wataru Miyakawa sur son livre « Écrits de Toru Takemitsu »

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Miles Davis - So What (Audio) (Official Audio)

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"So What" de Miles Davis. Guide d'écoute - Cité de la musique-Philharmonie de Paris

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Ma Mère l'Oye - IX. Laideronnette, Impératrice des Pagodes

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Musique traditionnelle chinoise, LI Yan(Erhu), CHEN Jian (Guzheng) en duo au TIZEN

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L'Erhu, un simple "VIOLON CHINOIS" ? - IWT #2

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Verdi - Falstaff - Fuga finale: "Tutto nel mondo è burla" (score)

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Prelude & Fugue No. 2 in C Minor, BWV 871: Fuga

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Brahms: Horn Trio Op.40 [Melnikov, Faust, van der Zwart] (Period instruments)

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Brahms: Horn Trio Op.40 [Melnikov, Faust, van der Zwart] (Period instruments)

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Symphonie pastorale n°6 Ludwig van Beethoven

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Symphonie pastorale n°6 Ludwig van Beethoven

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Symphony No. 6 in F Major, Op. 68 "Pastoral": I. Awakening of pleasant feelings upon arriving...

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Johannes Brahms - Symphony no.2, op.73 (complete)

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Ainsi, toujours poussés vers de nouveaux rivages,
Dans la nuit éternelle emportés sans retour,
Ne pourrons-nous jamais sur l'océan des âges
Jeter l'ancre un seul jour ?

Ô lac ! l'année à peine a fini sa carrière,
Et près des flots chéris qu'elle devait revoir,
Regarde ! je viens seul m'asseoir sur cette pierre
Où tu la vis s'asseoir !

Tu mugissais ainsi sous ces roches profondes,
Ainsi tu te brisais sur leurs flancs déchirés,
Ainsi le vent jetait l'écume de tes ondes
Sur ses pieds adorés.

Un soir, t'en souvient-il ? nous voguions en silence ;
On n'entendait au loin, sur l'onde et sous les cieux,
Que le bruit des rameurs qui frappaient en cadence
Tes flots harmonieux.

Tout à coup des accents inconnus à la terre
Du rivage charmé frappèrent les échos ;
Le flot fut attentif, et la voix qui m'est chère
Laissa tomber ces mots :

" Ô temps ! suspends ton vol, et vous, heures propices !
Suspendez votre cours :
Laissez-nous savourer les rapides délices
Des plus beaux de nos jours !

" Assez de malheureux ici-bas vous implorent,
Coulez, coulez pour eux ;
Prenez avec leurs jours les soins qui les dévorent ;
Oubliez les heureux.

" Mais je demande en vain quelques moments encore,
Le temps m'échappe et fuit ;
Je dis à cette nuit : Sois plus lente ; et l'aurore
Va dissiper la nuit.

" Aimons donc, aimons donc ! de l'heure fugitive,
Hâtons-nous, jouissons !
L'homme n'a point de port, le temps n'a point de rive ;
Il coule, et nous passons ! "

Temps jaloux, se peut-il que ces moments d'ivresse,
Où l'amour à longs flots nous verse le bonheur,
S'envolent loin de nous de la même vitesse
Que les jours de malheur ?

Eh quoi ! n'en pourrons-nous fixer au moins la trace ?
Quoi ! passés pour jamais ! quoi ! tout entiers perdus !
Ce temps qui les donna, ce temps qui les efface,
Ne nous les rendra plus !

Éternité, néant, passé, sombres abîmes,
Que faites-vous des jours que vous engloutissez ?
Parlez : nous rendrez-vous ces extases sublimes
Que vous nous ravissez ?

Ô lac ! rochers muets ! grottes ! forêt obscure !
Vous, que le temps épargne ou qu'il peut rajeunir,
Gardez de cette nuit, gardez, belle nature,
Au moins le souvenir !

Qu'il soit dans ton repos, qu'il soit dans tes orages,
Beau lac, et dans l'aspect de tes riants coteaux,
Et dans ces noirs sapins, et dans ces rocs sauvages
Qui pendent sur tes eaux.

Qu'il soit dans le zéphyr qui frémit et qui passe,
Dans les bruits de tes bords par tes bords répétés,
Dans l'astre au front d'argent qui blanchit ta surface
De ses molles clartés.

Que le vent qui gémit, le roseau qui soupire,
Que les parfums légers de ton air embaumé,
Que tout ce qu'on entend, l'on voit ou l'on respire,
Tout dise : Ils ont aimé !

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Le lac - Alphonse de LAMARTINE - Vos poèmes - Poésie française - Tous les poèmes - Tous les poètes

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Poème: Le lac, Alphonse de LAMARTINE. Poésie Française est à la fois une anthologie de la poésie classique, du moyen-âge au début du XXème siècle, et également un espace de visibilité pour l'internaute, amateur éclairé ou professionnel qui désire y publier ses oeuvres à titre gratuit.

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Raphaëlle Moreau : Ravel, Sonate en sol majeur, Blues (Révélations Classique 2020)

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"Nous avons cassé les frontières entre l'art populaire et l'art élitiste, entre le divertissement et la musique savante"
La musique de Philip Glass, né en 1937 aux Etats-Unis, du minimalisme à la musique répétitive, est partout : opéra, cinéma, publicité...
Quatre émissions autour de celui qui a connu le destin d'une pop star et nous hypnotise à l'infini...

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Philip Glass, répétez s'il vous plaît ! - série de podcasts à écouter - France Culture

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La musique de Philip Glass, né en 1937 aux États-Unis, du minimalisme à la musique répétitive, est partout : opéra, cinéma, publicité... Quatre émissions autour de celui qui a connu le destin d'une pop star et nous hypnotise à l'infini.

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Joe Hisaishi - Le Château ambulant (Original Soundtrack)

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Le Château ambulant (Original Soundtrack)

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La viole de gambe, comment ça marche ? Myriam Rignol - Culture Prime

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Jean-Philippe Viret & Atsushi Sakai - La VOD du Triton

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action BeetleJuice (1988) - Day-O (Banana Boat Song) #1080p

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Humour noir : réutilisation d'une musique existante

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Humour noir : réutilisation d'une musique existante

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BeetleJuice (1988) - Day-O (Banana Boat Song) #1080p