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Aprendi lo que era una infografia,para que se utilizaba,  y como se organizaba. No vengo de un background de diseño por lo cual nunca habia tenido que utilizar una. Y comence a trabajar en ilustrator por primera vez. Escribi la informacion principal que queria mostrar en mi infografia

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infografia Mauricio Gonzalez primera version

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Paula Scher es una de las diseñadoras gráficas más influyentes del mundo. Descrita como la “maestra conjuradora de lo instantáneamente familiar”, Scher se encuentra entre la cultura pop y las bellas artes en su trabajo. Icónico, inteligente y accesible, sus imágenes han entrado en la lengua vernácula estadounidense.

Durante los años 80 Paula Scher desarrolló un estilo propio muy potente, inspirado en el Art Decó y el Constructivismo Ruso. Además en 1984 fundó su propio estudio, junto a Terry Koppel.

Durante siete años produjeron multitud de identidades corporativas (como la de City o Windows 8), portadas de libros, packaging y publicidad; incluyendo su icónico cartel para Swatch.

Además, el estilo de Scher se define por “ilustrar con tipografías”, construyendo una imagen potente y sumamente vanguardista.

Dato curioso

Dijo en una entrevista: “La manera en que consideraba al diseño y al mundo era lo que sucedía a mi alrededor, y que las cosas que sucedieron cuando entré al mundo del diseño eran el enemigo. Yo, odiaba la helvética!! la odiaba muchísimo!! Pensaba que la Helvética era la más limpia, la más aburrida, más fascista y la más extremadamente deprimente fuente tipográfica de la historia, y odiaba todo lo que estaba diseñado con ella. Así que mi meta en la vida se convirtió en hacer cosas que no tuvieran la Helvética, y eso era realmente difícil en esa época (los 70s). Así que empecé a experimentar con otros estilos no porque quería ser posmodernista ni nada de eso, yo no sabía que era, lo único que yo sabía era que odiaba la helvética.”

Me gustan mucho los colores fuertes y vivos que suele usar en su trabajo asi como tambien las tipografias y fuentes que utiliza. Sin dejar de mencionar que fue la creadora de uno de los logos mas conocidos que es el de Windows 8 que cuenta con la tipografica clasica de windows y el logo de las 4 ventanas

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Aprendi a trabajar con ilustrator y a hacer mejores infografias . Aprendi a utilizar mejor los espacios, los colores, y a ordenar mejor la informacion para establecer diferentes jerarquias. Mejore la informacion que tenia, y la organice de manera diferente para empezar a ver jerarquias. Aplique tambien diferentes colores y tamaños para hacer mas llamativas partes que queria resaltar. Tambien busque mas imagenes y las puse en la infografia. Este fue el resultado con lo aprendido.

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Segui trabajando con la infografia corrigiendo las cosas que habian marcado los profesores. Agregue mas jerarquias en la parte del medio, cambie los colores y modifique el orden de algunas cosas.En especial la parte de personalidad y relaciones, que queria que destaquen. Tambien cambie las imagenes de movimiento para mostrar como se mueve el personaje cuando vuela y cuando se transporta. Sintetice un poco mas la informacion de los colores y del contexto y agregue puntos fuertes y debiles del personaje. Tambien agregue mas imagenes para la parte de personalidad y de movimiento Aprendi bastante de ilustrator y ya se me hace mas facil trabajar con el mismo.

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En clase aprendimos sobre las distintas definiciones del diseño,  las areas que este incluye. Vimos definiciones del didseño por varios diseñadores, dentro de los cuales se encuentra Tomás Maldonado .
El, es un pintor, diseñador industrial y teórico del diseño argentino. Es conocido por su considerable influencia en el pensamiento y la práctica del diseño en la segunda mitad del siglo XX y es considerado como uno de los principales teóricos del llamado enfoque científico del diseño:

Fue uno de los primeros en ver al diseño como una actividad proyectual. Segun el. Es la actividad proyectual que consiste en determinar las propiedades formales de los objetos producidos industrialmente.

Se empieza a hablar de diseño un poco despues de la revolucion industrial.

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Segui trabajando con mi infografia. Corrigiendo los ultimos detalles que me mencionaron en la ultima clase. Modifique la zona central que es la que queria que se empiece a leer, sacando los contenedores, y distribuyendo mejor la informacion y las imagenes, para poder incluir mas informacion y mas imagenes. Modifique levemente los colores de los contenedores, los tamaños de las letras y de las fotos, y modifique los espacios en blanco, no usados,  para que fueran de un tamaño similar.
Tambien reduje un poco el contexto, y reescribi algunas de las caracteristicas de la personalidad, cambie de lugar los poderes y agrande el contenedor de texturas

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Realice tambien una segunda version de la infografia, a partir del post anterior de la misma clase. Aun no decidi cual voy a entregar, Creo que me gusta un poco mas esta version respecto a la anterior, por que esta mejor delimitado en donde esta la info de poderes y de relaciones, pero a su vez, pierde un poco de atraccion visual la parte de personalidad, por que pasa a ser mas chica y quiero marcar bien la jerarquia de que el lector empiece la infografia por ahi

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Cassandra Calin nacio el 4 de noviembre de 1994 en Rumania. Es dibujante de celebridades, artista de cómics, ilustradora y diseñadora gráfica. Saltó a la fama por su serie de cómics web semi-autobiográficos sobre su vida cotidiana llamada Cassandra Comics. En estos comics, habla acerca de su vida, los problemas del dia a dia y sus expectativas y metas de vida. Tambien es autora de comics como  Still Just Kidding y I left the house today

Fundó una tienda en línea llamada Society6 store que presenta sus obras de arte y productos.

Es originaria de Rumania, pero se mudó a Montreal, Canadá a los diez años.

Tiene tambien otros trabajos interesantes , esta vez  a color, como por ejemplo Fear of flying donde ilustra el miedo a volar y pensamientos y escenarios que su cabeza creaba mientras estaba sentada en el avion por horas.

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Finalmente, me decidi por la primer version ya que creo que ordena mejor la informacion importante. Realice algunos cambios en el color de fondo, de los contenedores y de las letras, para que resalten mas los puntos que queria destacar. Tambien agregue marco a todas las imagenes

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Esta clase comenzamos a trabajar digitalizando un fotograma de mi personaje y pintandolo de blanco y negro. Me llevo bastante tiempo ya que tenia muchos detalles pero el resultado creo que fue bastante bueno. Asi fue como quedo

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Comenzamos luego a ver la teoria de gestalt y tuvimos que realizar al menos 2 trabajos en donde se vean aplicadas las leyes vistas en clase

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Este fue el primero de mis trabajos en donde quise dar la ilucion de que el personaje se movia aplicando esta ley

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2 trabajo aplicando las mismas leyes, creando ilucion de que el personaje se mueve hacia abajo

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Este fue el 3 trabajo que entregue, el en el cual utilizando esta ley podemos ver la palabra CATRINA, pero enrealidad son muchos dibujos del personaje juntos en distintas direcciones formando esas letras

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En la clase vimos que el caso de la 3 foto con la palabra catrina era figurativo, y la idea del trabajo era no formar algo conocido con el personaje, por lo cual tuve que descartar este trabajo. En cuanto a las primeras dos, me dijeron de guardarlas para mas adelante para poder utilizarlas cuando haya que trabajar con grillas

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para esta clase, realice de 0 esta composicion, utilizando la ley de cierre. En clase habian dicho que no la utilizaramos, pero como les gusto la composicion a los profesores, decidieron dejarme utilizar esta. Se puede ver que las calaveras blancas se ven como completas aunque estan cortadas, pero como su trazo es blanco igual que el fondo, se produce este efecto

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Realice tambien este trabajo aplicando la ley de direccion comun, queriendo simular varias catrinas volando hacia la misma direccion. Me dijeron que como mi personaje tenia bastantes detalles, quizas era mejor re hacerlo utilizando grillas, para enfocarme en los detalles del personaje

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Hice tambien este trabajo, utilizando la ley de continuidad, queriendo causar el efecto de caida. Al igual que con el trabajo anterior me dijeron que lo re haga para la proxima clase, y me enfoque mas en los detalles del personaje, ya que tenia muchos detalles que se perdian cuando el tamaño era chico

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En esta clase comence a trabajar con la grilla luego de ver varios conceptos en la ultima clase referidos a las mismas. Y tuve que hacer 3 composiciones, una informal, una formal, y otra semiformal. Ademas, una composicion debia ser con un objeto del personaje, la otra con el personaje y el objeto, y la ultima con el personaje solamente

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Me quede con esta composicion como informal, con solo el objeto, utilizando la ley de figura-fondo y la ley de cierre, que se vean las calaberas blancas completas aunque estuviesen cortadas por el fondo.

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Realice esta composicion utilizando la grilla. Quise que sea formal, ya que elgi el criterio de centrar cada personaje, en uno de los cuadrilateros de la grilla. Y quise dar la impresion de que volaban en la misma direccion. Me dijeron que siga probando para la proxima clase, y ver si podia enfocarme mas en los detalles del personaje, como por ejemplo la expresion

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Hice tambien este trabajo, con el personaje y el objeto. Es informal. Las catrinas y calaveras estan centradas en los cuadrilateros de la grilla, y hay algunas desplazadas para dar la impresion de que estan girando y siendo absorvidos por el centro. Me dijeron que la idea estaba bien, pero tenia demasiados objetos la composicion y no se llegaba a ver bien el efecto por esta razon. Tenia que tratar de eliminar mas calaveras o catrinas para que se note mas

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Utilizando grillas, hice este nuevo trabajo en donde quise enfocarme en la expresion de mi personaje. Como criterio , centre el personaje, o la cara de mi personaje en uno de los triangulos mas chiquitos que se formaban en la grilla. Es formal ya que esta centrado en la grilla.

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Tambien rehice la composicion de la clase pasada, quitando algunos objetos del medio, para que sea mas claro el efecto que queria dar. Quise dar la impresion de que todo estaba siendo absorvido por el centro mezclando personaje con objeto. Quise hacer una composicion semiformal, ya que algunas calaberas y catrinas no estan centradas en la grilla

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En cuanto a la composicion formal, me dijeron que habia problemas cuando utilizaba a catrina tan chiquita por que no se notaba el personaje, por la cantidad de detalles que tiene. Para esta clase, la rediseñe, segui con la idea de giro, y de utilizar la grilla circular, pero se me ocurrio que catrina viera a las calaberas girar a su alrededor, como en una especie de semi esfera. Este fue el resultado para la composicion formal. Utilice la ley  de continuidad, direccion comun y proximidad, para causar la impresion de asombro y amenaza, en catrina viendo las calaberas girar a su alrededor. Como criterios, centre todas las calaberas en uno de los rectangulos de la grilla, y a catrina hice que la punta izquierda de su ojo este en el centro de la grilla

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Luego de presentar en clase el trabajo anterior, los profesores me indicaron que les gusto la idea,pero que podia incluir en las ventanas alguna imagen que muestre mas el cuerpo de catrina, y que no dejara los dos brazos juntos abajo. Esta fue la version que hie para esta clase de la composicion semi formal. Basicamente hice de 0 la composicion, y agregue tambien una ventana en donde se puede ver el Ojo expresando enojo. Acomode las ventanas de los brazos. Creo que quedo mejor. Intente, utilizando la ley de proximidad y de direccion comun, dar la sensacion de enojo. Ademas, esta va a ser mi composicion semi formal, y la formal va a ser de catrina y los objeto, que son sus calaberas

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Patricio Oliver

Egresado en la carrera de diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, donde ejerce como docente de Tipografía desde el año 2000 y de Ilustración desde el año 2014.

Como ilustrador y diseñador gráfico, su trabajo ha sido publicado y reconocido por editoriales internacionales como Gestalten y Taschen, participando de conferencias, muestras y talleres en Chile, Colombia, USA, Tailandia, Taiwan, Reino Unido, España, Canadá, Alemania y Japón.

Su trabajo hace foco en un amplio rango temático desde el género de superhéroes, la diversidad, la naturaleza y las relaciones cotidianas bajo una mirada estética que amalgama el diseño gráfico con la ilustración narrativa e editorial.

Encuentro que su estilo tiene lineas muy marcadas en general, Tendiendo mucho mas a las ilustraciones que a las tipografias. Tiene un estilo muy colorido y geometrico Que me gusta por que es similar a muchas de las caricaturas y dibujos que pasaban en el canal cartoon networks en el pasado que era mi canal de tv favorito. Tambien encuentro que su estilo le queda muy bien a los libros- Si tuviera que pensar en un libro para enseñar en la escuela primaria,Lo primero en lo que pensaria es en un libro con ilustraciones similares a las que este artista realiza

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Luego de presentar el trabajo anterior en la clase, me dijeron que la idea estaba mucho mejor, pero que aun habia cosas que corregir. Corregi la posicion y direccion de los brazos, ya que en la composicion anterior, parecia que salian de la nariz y de la cara de catrina. Ademas, modifique la direccion de la cabeza de catrina en todas las ventanas, dando la impresion de que estaba mirando los brazos con la mano cerrandose, dando una sensacion aun mayor de enojo. Utilice la ley de direccion comun  y proximidad. Esta es mi composicion semiformal. Como criterio utilice que el modulo que utilice siempre este centrado en uno de los triangulos de la grilla, y la anomalia se puede ver en los brazos, cuya posicion no esta calculada utilizando la grilla

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Luego de presentar la version anterior en clase, me dijeron que debia modificar los epacios pintados de negro, que no sumaban nada. Ademas situe el centro de la grilla en el centro de la imagen, y eso causaba simetria. Tambien habia utilizado la grilla visible en todo momento. Para la entrega,  modifique  la composicion anterior, . Utilizando la ley de continuidad, proximidad y direccion comun, quise dar la impresion de que las calaberas giraban alrededor de catrina sintiendose amenazada y asombrada. Hice la grilla activa y visible por momentos. Situe el centro de la grilla en la esquina inferior izquierda. Ubique a catrina entera saliendo por encima de la grilla. Utilice dos criterios. En primer lugar, uno de los vertices de las flores del sombrero de catrina se ubico en el centro de la grilla.  Como segundo criterio, las calaberas se encuentran centradas en cada rectangulo de la grilla.  Esta es mi composicion formal

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Tambien mantuve esta version de la composicion informal, en donde las calaberas blancas se ven completas aunque no lo esten. Para ello utilice las leyes de figura fondo y de cierre

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Realice esta composicion tambien con dos tintas.  Elegi el color rojizo, para intensificar el sentimiento enojo en la cara de catrina. Ademas es un tono similar al que se utiliza en la pelicula en sus ojos, aunque este es un poco mas naranja(similar al fuego). Tambien lo utilizo para resaltar el brazo que es lo que las catrinas miran, y esta cerrandose dando la impresion de enojo

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En la clase comenzamos a ver diferentes conceptos para poder realizar una animacion. Y comence a trabajar en una aficheta para una animacion. Quise a travez de la ley de direccion comun y proximidad, dar la ilucion de que catrina observaba a Xibalba enojada. Realice estos trabajos.

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Luego de presentar en clase estos trabajos, me dijeron que la idea de la mirada de catrina estaba bien. Que estaria bueno si puedo hacer zoom in en la mirada y luego zoom out y que aparezcan las calaberas dirigiendose a Xibalba, para dar la impresion de que ella ganaba. Y que no utilizara las situaciones de las calaberas saliendo directamente de la mano de catrina, o ella convirtiendose en calaberas

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Luego de re pensar el trabajo, y tomar los consejos de los profesores, realice esta nueva composicion, en donde mantuve la idea principal que es que catrina enojada enfrenta a Xibalba hasta ganarle, pero tome los consejos del zoom en las calaberas. y Creo que utilice mejor la ley de direccion comun, y la ley de proximidad y de continuidad para dar idea de que las calaberas se movian hacia xibalba, provenientes de catrina. Este fue el resultado.

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La animacion que voy a entregar, ya en formato reducido a 7 cuadros es esta. Trate de capturar los momentos mas importantes de la animacion, en los cuales se presenta al personaje, se ve el sentimiendo de enojo y como es el movimiento de las calaberas y como aparece el logo

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Para esta clase, comence con la ultima parte del trabajo practico integrador, que consistia en confeccionar una aficheta con todo lo visto en clase durante el cuatrimestre. Lo que quise transmitir es El enojo y el amor que conviven y pelean todo el tiempo dentro de catrina, y los cambios de animo repentinos y abruptos que caracterizan al personaje. Para ello utilice la ley de direccion comun, y la ley de Proximidad, y coloque a las catrinas observando hacia el nombre de la pelicula

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Luego de presentar mi gif en clase, me dijeron que les gustaba la idea pero que tenia cosas que mejorar. En primer lugar, la imagen no parecia un stop motion ya que tenia demasiadas animaciones. Ademas me dijeron que era mejor si las calaberas venian de arriba y tapaban a xibalba. Asi que hice una nueva version, que es la que voy a entregar, corrigiendo estas cosas en el gif, y tambien hice la plantilla nuevamente con los cambios incorporados

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Tambien realice esta segunda opcion en donde sacaba el br azo de catrina enojada y lo reemplazaba por una imagen en donde se la podia ver feliz. Luego de presentar en clase la aficheta anterior, me dijeron que la idea estaba buena y que me enfoque mas en las expresiones de la cara de catrina y siga jugando con las miradas, para enfatizar mas los estados de animo. Tambien hacia falta incorporar color.  Utilice la ley de direccion comun, y la ley de Proximidad, y coloque a las catrinas enojadas observando a las catrinas felices. Gracias al acercamiento que tienen algunas de las fotos y la direccion en la que miran se pueden enfatizar sus sentimientos

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Tambien realice la version final de mi aficheta, corrigiendo lo que los profesores me marcaron. Realice mas retoques utilizando nuevos modulos, para conseguir mejor el efecto que buscaba que era enfatizar los feurtes sentimientos de catrina. Coloque a las catrinas enojadas observando a las felices, y gracias a la ley de direccion comun y de proximidad creo que pude lograr el efecto esperado.
La estructura que elegi es semi formal. Los modulos estan centrados todos en uno de los triangulos de la grilla, excepto por la catrina inclinada que se encuentra debajo, y por el cuadro en donde se puede ver su ojo, que serian las anomalias

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Realice tambien su version a color. Elegi el color rojizo por que es el color del traje de catrina en la pelicula, y por que me servia para enfatizar mas los fuertes sentimientos. Elegi ponerselo a las catrinas enojadas, para enfatizar el enojo que sentia y tambien lo utilice en su traje y en el fondo en algunos cuadros.

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Por ultimo, la version en donde se puede ver la grilla

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Luego de presentar en clase el trabajo anterior me hicieron las primeras correcciones:

En primer lugar, la idea les gusto bastante, pero estaba usando 4 modulos en vez de 3 , asi que tenia que modificar esto. Adicionalmente, me dijeron que seria bueno si en la parte inferior utilizo algun modulo mas pequeño, para que no este tan cargado. Por ultimo, la zona en donde se encuentra el logo, por la forma de rombo que tiene llamaba mucho la atencion y hacia que la mirada se desviara hacia ella mucho, asi que tambien tuve que cambiar esto. Esta fue la version que corregi para la clase de hoy

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Con grilla

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Luego de presentar en clase los trabajos anteriores, me hicieron las siguientes correcciones: El logo podia colocarlo arriba con la catrina enojada. Tenia que sacarlo de la forma del triangulo, y evitar utilizar formas de este tipo para el logo, ya que llamaban demasiado la atencion y desviaban la vista. Ademas, las catrinas felices, no quedaba bien con la grilla, y me dijeron que probara rotarla o cambiar su tamaño. Ademas debia sacar el color rojo de la ropa de catrina y solo utilizarlo en los ojos para enfatizar el enojo y en el fondo. Estas son las versiones que realice con las correcciones

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Jessica Hische es una autora y artista especializadas en trabajos tipograficos, proveniente de estados unidos. Creo los diseños de muchicimas marcas conocidas, utilizando diferentes tipografias y ha escrito tambien muchos libros con ilustraciones para niños .

ENtre los principales clientes que ha tenido se encuentran Adobe,American Express,Alaska Airlines,Apple,Barack Obama,Facebook,Honda,Kellogg’s, Pinterest y Samsung, entre otros.
En la gran mayoria de sus composiciones se observan estructuras semi formales, y formales, siendo estas las menos

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Milton Glaser, fue uno de los diseñadores graficos mas conocidos del mundo. Nació en el Bronx en 1929, estudió en Manhattan y en Italia y estuvo casado con la fotógrafa Shirley Girton durante más de 50 años. Entre sus logros mas significativos, el fue quien creó la revista New York Magazine creo la estetica para los periodicos La Vanguardia, O Globo y Washington Post. Murió a finales de este mes de junio.

En 1954 fundó junto a Seymour Chwast y Edward Sorel, entre otros, el Push Pin Studio. Aqui, diseño su primer gran éxito. Este fue el dibujo de Bob Dylan con serpientes de colores en el pelo.

Diseño tambien uno de los logos mas conocidos del mundo.Dibujó un boceto del logo I love New York en una servilleta mientras iba en taxi. Luego, en 2001, tras los atentados que destruyeron las Torres Gemelas, cambio su logo por I love New York more than ever. Su simpicidad lo convirtió en el reclamo de merchandising más rentable de Estados Unidos.

Odiaba las computadoras y lo digital, decia que estas eran para el diseño como el microondas para la cocina. Decia que la ilustracion ayudaba a pensar y a mejorar la mente, mientras que las computadoras enseñaban solo a buscar cosas ya hechas en vez de a producirlas uno mismo.

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Luba Lukova es considerada una de las creadoras de imágenes más originales que trabajan en la actualidad. Utiliza los recursos de la línea, color y texto para señalar temas esenciales de la humanidad o para visualizar los comentarios sociales.

En el arte de Lukova, los elementos gráficos tienen pocos detalles finos, pero la intención es clara. Busca reflejan en sus obras, la condición humana, la equidad fundamental y la justicia. Utiliza muchas imágenes impactantes y metafóricas

Los trabajos de Lukova están incluidos en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York; Museo de Arte de Denver; Bibliothèque nationale de France, París; Museo del Patrimonio de Hong Kong; Centre de la Gravure et de l'Image imprimée, La Louvière, Bélgica; la Biblioteca del Congreso; y el Banco Mundial, Washington Dc, entre otros.

Busca con sus obras reflexionar sobre problemas sociales ya que cree que el arte es fundamental para la existencia humana y que la moralidad y la creatividad están alineadas.
En 2008 lanzó su portafolio llamado Social Justice , que aborda temas como la paz, la censura, la inmigración, la ecología, el hambre y la corrupción. Estas fueron sus publicaciónes de mayor venta y las solicitudes de exhibiciones y reproducciones en revistas, periódicos y libros llegaron de todo el mundo. La colección se incluyó en la prestigiosa exhibición de arte en la primera toma de posesión del presidente Obama en Washington DC y se ha exhibido ampliamente en los Estados Unidos, Francia, Turquía, Grecia, Israel y México.

Entre sus clientes se encuentran Sony Music, Canon, The New York Times , la Universidad de Harvard, entre otros. Verve Records, Ella Fitzgerald y Duke Ellington en Cote D'Azur , que fue nominada a un premio Grammy al mejor diseño de paquete de grabación

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Reza Abedini es un diseñador gráfico iraní y profesor universitario en la Universidad de Teherán en diseño gráfico y cultura visual. Realiza obras modernas, en donde combina los patrones islámicos tradicionales, la caligrafía y la cultura. Combina ilustraciones simples con tipografía poética y diseños elegantes y cultura persa. También es crítico de arte, director de arte independiente en Reza Abedini Studio y editor en jefe de la revista Manzar en Irán.

Se graduó en 1985 en la Escuela de Bellas Artes de Teherán, con especialización en diseño gráfico. Luego obtuvo una segunda licenciatura y se especializó en pintura en la Universidad de Arte de Teherán y obtuvo una licenciatura en artes en 1992. Después, fue editor de la sección visual de Sureh Monthly Magazine.

En 1993, fundó Reza Abedini Studio, un estudio independiente de consultoría de diseño y dirección de arte
Abedini es miembro de la Sociedad de Diseñadores Gráficos de Irán.

Fue miembro del jurado en varias competencias en todo el mundo. Su nombre figura en Meggs History of Graphic Design, como uno de los diseñadores gráficos post digitales más destacados del mundo.

Se especializa en la edición de libros y revistas, y la creacion de logotipos e  imágenes coordinadas.

En muchas de sus obras manipula las palabras individuales y caracteres para lograr su estilo tipográfico. Aunque Abedini utiliza tipografía moderna, con ella intenta “revivir las cualidades poéticas de la caligrafía persa en sus carteles”. Segun ha afirmado anteriormente.

Abedini ha ganado muchos premios de diseño nacionales e internacionales. En 2006 recibió el Gran Premio Príncipe Claus, en reconocimiento por su creatividad en la creacion de diseños, y por la manera personal en la que aplica y redefine el conocimiento y los logros de patrimonio artístico de Irán. El premio también se centra en la atención a la diversidad de la historia y de la cultura moderna de Iran, reconociendo el impacto del diseño gráfico como un medio influyente de comunicación internacional.

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James Victore es un autor, diseñador, activista, artista y profesor, que enseña a los creativos cómo iluminar sus dones individuales y como aprender a pensar. James es conocido por su sabiduría oportuna y sus apasionados puntos de vista sobre el diseño y su lugar en el mundo.

Se crio en el norte del estado de Nueva York. Abandono dos universidades diferentes y luego se convirtió en aprendiz del diseñador de portadas de libros Paul Bacon. Fue con Bacon que Victore encontró su voz como diseñador y comenzó a hacerse cargo de su propia educación y carrera como artista y diseñador autodidacta.

Tiene una linea de videos semanales llamada IDEAS PELIGROSAS con la que llega a miles de personas y dirige talleres y seminarios que ayudan a las personas creativas a vivir y trabajar con éxito.

Los carteles de Victore se han exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y se encuentran en las colecciones permanentes del Palais du Louvre en París, la Biblioteca del Congreso en Washington, DC, el Museo del Diseño en Zúrich y el Museo Stedelijk en Ámsterdam.

Entre sus clientes se incluyen Moët & Chandon, Aveda, la revista Esquire, la revista TIME, Yohji Yamamoto, los cosméticos Bobbi Brown, The New York Times y The School of Visual Arts en la ciudad de Nueva York.

James ha recibido premios notables por sus diseños, incluido un Emmy por animación televisiva y medallas de oro y plata del Club de Directores de Arte de Nueva York.

James llega a miles de personas en línea con sus boletines y vidas en las redes sociales, y dirige talleres y seminarios que cambian el juego que ayudan a los tipos creativos de todas las esferas a vivir y trabajar de manera creativa y exitosa. También ha fundado su propio programa de tutoría en línea diseñado específicamente para creativos llamado The Creative Warrior .

El trabajo de James ha sido exhibido en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y está representado en las colecciones permanentes de museos de todo el mundo. Sus clientes incluyen Bobbi Brown Cosmetics, Moet & Chandon, Yohji Yamamoto y The City of New York. Su trabajo fue publicado en una monografía titulada  Victore o Who Died and Made You Boss?  Victore enseña en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Vive, ama y trabaja en Brooklyn.

James fue siempre un maestro. Desde que empezo en la Escuela de artes visuales de Nueva York, enseñando diseño grafico. Sus materias no eran acerca del color , tipografia o las formas, sino que estaban diseñadas para forzar a los alumnos a pensar. En vez de enseñar diseño grafico, enseñaba a la gente como mirar en su interior para obtener las respuestas, como pensar y desarollar su propia opinion y poner eso en los trabajos. Enseñaba creatividad

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Victore attributes his compulsion to question authority to his childhood on a military base during the Vietnam War. After dropping out of art school, he began producing self-financed posters for nonprofit organizations devoted to the history and welfare of Native Americans, AIDS awareness, and race issues. Racism is a response to the riots between Hasidic Jews and African Americans in Crown Heights, Brooklyn, in summer 1993. Through this straight-forward depiction of "RACISM" eating itself, the designer brings attention to its destructive essence.

Gallery label from Born Out of Necessity, March 2, 2012-January 28, 2013.

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Victore attributes his compulsion to question authority to his childhood on a military base during the Vietnam War. After dropping out of art school, he began producing self-financed posters for nonprofit organizations devoted to the history and welfare of Native Americans, AIDS awareness, and race issues.

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Shigeo Fukuda ue un escultor, diseñador grafico y creador de ilusiones ópticas. La obra de Fukuda va desde lo bidimensional a lo tridimensional, utilizando diferentes objetos y sus reflejos, las luces y las sombras. Fue un maestro de ilusiones ópticas, que creaba figuras ambiguas imposibles y efectos mágicos de sombras y luces. Tenia un lenguaje único para comunicar imágenes con distintas posibilidades de interpretación.

Entre sus obras se destacan sus esculturas creadas con materiales heterogéneos y solidos, en las que las sombras proyectadas desde diversos ángulos representan distintas figuras  viendo la obra desde cualquier otra perspectiva. Sus imágenes pertenecen al mundo del surrealismo, del humor y del divertimento.Sus piezas de arte generalmente causan engaño a la vista, como su Lunch With a Helmet On, una escultura creada completamente con tenedores, cuchillos y cucharas, que proyecta la sombra detallada de una motocicleta.

En 1967 fue seleccionado su cartel para que fuera el Cartel Oficial de la Exposición de Japón 70. En 1972 en Varsovia le dan el máximo galardón por su cartel en la Bienal Internacional de Varsovia. A lo largo de su carrera gano también los siguientes premios: premio de plata en el Concurso Internacional de Diseño de Cartel de Colorado, premio de plata en la Bienal Internacional de Diseño Gráfico de Brno – premio de plata en el Concurso Internacional de Diseño de Cartel de Lahti, primer premio en la Bienal Internacional de Cartel de Moscú, Galardonado en el New York ADC: Hall of Fame.

Además de su labor como diseñador y escultor, también se ha dedicado a la docencia. Fue profesor de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio de 1973 a 2002 y en el Departamento de Diseño Gráfico de la Universidad de Yale en 1982 y 1984.

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Roman Cieślewicz nació el 13 de enero de 1930 en Lwów, Polonia (actualmente, Leópolis, Polonia) y murió el 21 de enero de 1996 en París, Francia. Sus intereses artísticos incluían pósters, impresiones, publicaciones, tipografías, fotografía, fotomontaje y exposiciones.​

El arte de Cieślewicz se inspira principalmente en la vanguardia constructivista rusa de la década de 1920 y en el grupo polaco Blok, conformado por cubistas, constructivistas y suprematistas de arte de vanguardia que estuvo activo en Varsovia a durante los años 1924 y 1926. Recurría a los tonos medios y el efecto de copia de imagen en espejo para hacer que sus carteles parecieran tridimensionales, vibrantes y palpitantes. Su arte también se caracterizaba por el uso del collage y el fotomontaje.

Estudió en la Escuela de Industria Artística de Lwów y de 1947 a 1949 y  asistió a la Escuela de Bellas Artes de Cracovia (1949-1955). Trabajó en Varsovia como editor artístico de Ty i Ja, la revista de moda más importante de ese país.

En 1963 se mudó a Francia y se naturalizó en 1971. Trabajó como director de arte en Vogue, Elle y diversas publicaciones y agencias de publicidad. Participó en numerosas exposiciones colectivas de arte gráfico, póster y fotografía, y fue miembro de la Alianza Gráfica Internacional (AGI), la Asociación de artistas y diseñadores polacos (ZPAP) y el Centro Internacional de las Artes Tipográficas (ICTA).

Diseñó carteles para el distrito de Montreuil, fue el director de arte de la agencia de arte, M.A.F.I.A. y diseñó la campaña publicitaria “Francia tiene talento”. Contribuyó a la casa editorial Editions du Dialogue y su arte fue publicado por el diario Liberation y las revistas Revolution y L’Autre Journal.

En 1979, realizó la película Cambio de clima para el Institut National Audiovisuel en París. En 1989, la Asamblea Nacional y el Ministerio de Cultura de Francia le pidieron que diseñara la decoración del edificio de la Assemblée Nationale para conmemorar el bicentenario de la Revolución Francesa y al año siguiente decoró el Ayuntamiento de París con motivo del centenario del nacimiento del general Charles de Gaulle.

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Jan Lenica nació el 2 de enero de 1928 en Poznan (Polonia), y murio el 5 de octubre 2001 en Berlin. Fue uno de los fundadores de la Escuela Polaca del Cartel, un verdadro vanguardista y artista,  diseñador de carteles,  ilustrador de libros infantiles,  escritor de articulos y libros sobre diseño, crítico de arte y director de películas animadas.

Era el hijo del pintor Alfred Lenica. Estudió música en la escuela secundaria música en Poznan y se graduo en arquitectura en la escuela Politécnica de Varsovia.  En 1945 realizó sus primeros dibujos y carteles, se publicaron recien en 1948 cuando su fama como cartelista comenzaba a consolidarse.  En 1950 asumio el control de la redacción del diario “Szpilki”, y cuatro años después, trabajo como profesor en la Academia de Bellas Artes de Varsovia.  En 1957 conocio al director y animador polaco Walerian Borowczyk y entro en contacto con el mundo de la animación. A partir de este momento, y huyendo de las presiones a las que se ve sometido por el régimen comunista, se traslado a París con la intención de desarrollar con libertad su carrera de animador.

Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia considerado únicamente como divertimento para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y filosóficas. Lenica combino en sus cortos el dibujo y el collage con imágenes reales , y con mucha simplicidad técnica, desmenuza los diferentes problemas de la existencia humana en unos ambientes surrealistas.

Ganó los premios: Principal Oberhausen (1963), FIPRESCI Annecy, Cracovia Premio Golden Dragon en la categoría de películas sobre arte en París Juventud Bienal, el Grand Prix de Buenos Aires, Especial para la animación en Melbourne, está en la lista de las mejores películas animadas del mundo, según un sondeo publicado en el MFFA Annecy.  Se le considera un precursor de la animación moderna.

Jan lenica fue un autor de una gran versatilidad, siempre le atrajo experimentar el arte sin limitaciones, lanzando desafíos estéticos.  Fue un maestro de la metáfora poética.  Era uno de los precursores de la moderna prensa de dibujo en Polonia. Sus primeros dibujos abstractos se mostraron en la Exposición de Arte Moderno de Cracovia en 1948.

Buscó su propia forma de expresión artística a través de los carteles de teatro y cine que le encargaban.  El período del realismo socialista le dio una libertad de creación relativamente alta sin la necesidad de recurrir a la fuerza ,a otras áreas artísticas académicas. En los años 50 pertenecía al grupo de jóvenes artistas que contribuyeron al fenómeno de la «Escuela Polaca del Cartel». Está considerado como el autor de este término, que sirvió como título de su artículo en el cartel polaco, publicado en la revista suiza «Graphis».

Entre 1950-1956, estaba bajo la influencia del realismo. El trabajo era principalmente ilustrativo y reflejaba la atmósfera de las películas anunciadas en obras de teatro. La siguiente etapa, Lenica lo describió como investigación formal. Se le relaciono con la introducción de diferentes técnicas de carteles, formas experimentales de expresión, tales como el collage de impresiones antiguas y recortes de papel.  Impulsó el estilo de collage hacia una comunicación más amenazante y surrealista en carteles y películas animadas experimentales, con un carácter metafísico y surrealista.

La tercera etapa en el desarrollo del trabajo de cartel, empleó la técnica de la escritura a mano.

Después, a mediados de los años 60, comenzó a usar líneas de contorno fluidas y estilizadas que se cruzaban a través del espacio y lo dividían en zonas coloreadas que formaban una imagen. Sus posters son en realidad pinturas en papel con la técnica del gouache,  la acuarela, y la témpera. Sus obras se caracterizan por la colores intensos, a veces monocromáticos, cargados de ironía, de una realidad grotesca. Sus carteles parecen hablar o incluso gritar al espectador, ya que, como el propio artista dijo: el cartel debe cantar.

Este cartel para la ópera “Wozzeck” de Alan Berg (1964), obtuvo el primer premio en la Bienal del Cartel en Varsovia (1966). En el vemos como el color y las formas que generan las líneas toman un gran protagonismo y podemos decir que la función informativa que en un principio tiene el cartel, queda supeditada a la calidad artística que genera su autor. Metafóricamente está representado el protagonista de la obra de Alban Berg en el momento en que explota y expresa su rabia y angustia, siendo la boca uno de sus principales elementos, mostrando dientes (agresividad). Esas “acumulaciones de rabia” están representadas por las distintas capas, como una cebolla. No hay nariz ni oído, porque en este momento no importa lo que digan los demás. Vemos que el fondo y el interior de la persona son lo mismo, es decir, este ser está saturado de lo que proviene del exterior, y luego en su escenario se revela lo que piensa sobre ese mundo que le rodea. El color rojo, al que suelen recurrir muy frecuentemente los polacos (recordemos que tienen influencia del comunismo y constructivismo ruso), son típicos del arte pop, estridentes, llamativos, aunque en este caso tiende a una gama siendo el rojo, rosa, negro y blanco los únicos colores utilizados. También hay influencia del Op art (ilusiones ópticas). Este grito también nos recuerda al famoso cuadro de Munch (expresionistas alemán).

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Aleksander Mikhailovich Rodchenko (San Petersburgo 1891-Moscú 1956) era de origen modesto, hijo de un artesano teatral y una lavandera. En 1905 se muda con sus padres a Kazán, al sureste de San Petersburgo. Abandona su aprendizaje como técnico dental para matricularse en la Escuela de Bellas Artes de Kazán bajo la tutela de Nikolái Feshin y Giorgi Medvédev. Fue un artista polifacético, con una extensa producción que incluyó la escultura, la pintura, el diseño gráfico y la fotografía.

De 1918 a 1921, Ródchenko, creaba series de premisas formales, como la superficie plana, la factura, la línea, la mancha, y también influenciado por la revolución bolchevique, su obra tenía como objetivo una sociedad ordenada.

Ródchenko se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual.

La nueva política económica provocó que la avant-garde perdiera el privilegio artístico, teniendo que competir contra otros grupos artísticos. En 1923, deciden afrontar esta pérdida de privilegio fundando el Frente de Izquierda del Arte, también llamado LEF (Lévyi Front Iskusstv). Ródchenko contribuyó en este grupo escribiendo artículos y prácticamente realizando portadas para las revistas del grupo.

Ródchenko exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura, ya que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. En 1924, al emplear materiales cada vez más raros para sus fotomontajes, recurrió al empleo de la cámara fotográfica.

En el campo de la fotografía, Ródchenko fue también célebre. Como la cámara permitía tomar fotos en cualquier posición, dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías como un objetivo de compromiso social. Formalmente, las fotografías solían ser o planos cenitales, planos opuestos totalmente al pictorialismo que impactaban al espectador y que le causaban dificultades para reconocer el objeto fotografiado. Fue así como Ródchenko se propuso liberar a la fotografía de todas las convenciones y puntos de vista comunes en la época, lo que le convirtió en uno de los más importantes pioneros del constructivismo fotográfico.

El artista decia que si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación completa del objeto.

En 1928 Ródchenko escribió sobre la fotografía un manifiesto en el que dijo esas palabras, justificando el uso de esos planos tan poco usuales. Estos planos fueron hechos gracias a la cámara Leica, que tenía un formato muy manejable para esos puntos de vistas tan difíciles de ejecutar.

Tuvo varias etapas fotográficas, desde la etapa del abstracto (etapa en la que llegó a la fotografía no figurativa), hasta etapas en las que fotografiaba actividades deportivas, paisajes o coreografías. Fundó un grupo llamado "Octubre", del que formaban parte fotógrafos y artistas del cine. También trabajó en la revista "SSR na stroike", fundada junto a su esposa Varvara Stepánova.

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Aleksandr Rodchenko - Russian Photography

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Feb 22, 2017 - Aleksandr Rodchenko - Russian Photography - Nailya Alexander Gallery

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Niklaus Troxler (nacido el 1 de mayo de 1947) es un diseñador gráfico suizo . Fue el organizador del Willisau Jazz Festival de 1975 a 2009.
Roxler estudió diseño gráfico en la Escuela de Arte y Diseño de Lucerna . Trabajó como director de arte en París en 1972 y posteriormente fundó su propia práctica de diseño en Willisau, Suiza.

Comenzó a organizar conciertos de jazz en Willisau en 1966 e inició el Festival de Jazz de Willisau en 1975. Organizó este Festival anual de renombre internacional hasta 2009 antes de pasar la tarea su sobrino, Arno Troxler.

Pertenece a la tradición afichista suiza, a pesar de considerarse lo opuesto. Segun dijo el artista, sus influencias vienen más del Arte Pop, estilos de arte diferentes y  de la música. Siempre quiso ponerle música a sus afiches, así como movimiento y ritmo. Empieza cada afiche buscando metáforas de la música, luego las expresa en ilustraciones o tipografía, pero nunca fotografía ya que la considera un cliché.

Las obras gráficas de Troxler (en particular sus carteles de conciertos y diseños de portadas de discos le hicieron ganar varios premios internacionales relevantes: la Medalla de Oro Toulouse-Lautrec (1987  y 1994  ), premios de diseño en Lahti ( 1993), Helsinki (1997), Hong Kong (2000), Hangzhou (2003), Ningbo (2006), Taiwán (2005),  y Colorado (2006). Ganó el Innerschweizer Kulturpreis (premio Cultural de Suiza Central) en 1982.

Troxler es miembro de Alliance Graphique Internationale. Sus carteles están representados en las colecciones de diseño más famosas del mundo, incluido el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de Toyama, el Museo de Arte e Industria de Hamburgo, el Museo Alemán del Cartel en Essen y el Stedelijk Museum de Amsterdam.

Troxler fue profesor de diseño de comunicación en la Academia Estatal de Arte y Diseño en Stuttgart de 1998 a 2013.

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20.10.2015 - Niklaus Troxler, 1995 - Jazz Festival Willisau

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Yūsaku Kamekura nació el 6 de abril de 1915 en Yoshidamachi , Nishi-Kambara , Prefectura de Niigata , Japón. Se graduó de la escuela secundaria de la Universidad de Nippon en 1933. De 1935 a 1937, Kamekura estudió en el Instituto de Nueva Arquitectura y Artes Industriales de Tokio . El Instituto fue fundado por Renshichiro Kawakita para llevar los preceptos del movimiento de diseño Bauhaus a Japón.  Además de la Bauhaus, Kamekura fue influenciada por el trabajo de Cassandre y el constructivismo ruso . John Clifford escribe que el trabajo de Kamekura "combinó la funcionalidad de estos movimientos modernos con la gracia lírica del diseño tradicional japonés", lo que resultó en "una estética minimalista audaz que utilizaba color, luz, geometría y fotografía".

Fue director de arte y editor de una serie de revistas: Nippon a partir de 1937, Kaupapu en 1939, Commerce Japan en 1949.

Yusaku Kamekura (1915-1997),  jugó un papel muy importante en la configuración del diseño gráfico moderno de Japón. Fue cnocido como el padrino del diseño gráfico japonés de la posguerra. Kamekura siempre había tratado de elevar el papel de los diseñadores gráficos en la sociedad japonesa y brindar oportunidades a las jóvenes generaciones de diseñadores talentosos. Él comenzó como aprendiz de arquitecto, y conoció a Ryuichi Yamashiro, quien influyó en su carrera y le inspiró a transformar sus conceptos.

Debido a la fuerte influencia del diseño industrial occidental, Kamekura enfatizó mucho las formas geométricas abstractas en su trabajo, utilizando colores llamativos y planos como el azul grisáceo, el amarillo cromo, el rosa gris y el naranja. Mientras continuaba con la tradicional expresión e iconografía japonesa, adoptó el constructivismo, la teoría del diseño firme y la simplicidad del modernismo. Sus carteles a menudo conservaban los motivos y formas tradicionales japoneses, pero al mismo tiempo se mezclaban con un uso reconocido internacionalmente de la imagen y el concepto. Creia que nosotros somos responsables de disolver primero nuestras tradiciones y luego crearlas de nuevo.

Para promover el estándar de diseño en Japón, Kamekura fundó varias organizaciones de diseño a lo largo de su vida. En 1951, hizo el primer grupo de diseñadores gráficos en Japón, JAAC (Japanee Advertising Artist’s Club). A medida que su país experimentó un gran período de crecimiento a través de la exportación, el diseño desempeñó un papel clave en el aumento del comercio y la publicidad. En 1978, Kamekura fundó JAGDA (Asociación de Diseñadores Gráficos de Japón) para reunir a diseñadores profesionales con talento y se desempeñó como primer presidente. De 1978 a 1984, se dedicó a la expansión, mejora e incorporación legal de la organización. A medida que los jóvenes diseñadores trabajaron en el objetivo común de ponerse al día con el diseño occidental y elevar el nivel de diseño en la nación, JAGDA mejoró la calidad de la producción de diseño a través de Japón.

El trabajo de Yusaku Kamekura se caracteriza por la disciplina, el conocimiento profundo de las técnicas de impresión y la cuidadosa construcción de los elementos visuales. Uno de sus productos más notables es el conjunto gráfico diseñado para los juegos olímpicos de Tokyo en 1964, que resultó un hito visual en su momento.  Y para la Expo Mundial de 1970, en Osaka, también elaboró un logotipo y el afiche oficial. Con su obra hizo una contribución significativa al establecimiento del diseño gráfico como un factor esencial en la sociedad, el arte y la cultura modernos. Ha contribuido a la reputación del diseño gráfico japonés internacionalmente con su trabajo. Diseñó logotipos, carteles, libros, revistas, símbolos de empresas, letreros y empaques.  Fue un exitoso maestro, profesor y escritor y ha recibido numerosos premios por sus diseños en Japón e internacionalmente. Sus obras forman parte de importantes colecciones públicas, por ejemplo, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York o el Museo Stedelijk de Amsterdam. Una obra digna de revisión permanente.

Kamekura creó varios logotipos corporativos distintivos, incluidos NTT , Nikon, Meiji y TDK . Kamekura diseñó una serie de logotipos para Nikon y el distintivo del visor en forma de pirámide de la Nikon F .

Yūsaku Kamekura también fue un autor prolífico. Uno de sus trabajos más notables fue un examen de lo que él consideraba los mejores diseños de logotipos, Trademarks and Symbols of the World de 1965 , con un prefacio de Paul Rand . El trabajo de Kamekura se examina en su libro de 1983 The Works of Yusaku Kamekura.

En 1989 Kamekura fundó la revista de diseño Creation. Bilingüe en japonés e inglés, Creation presentó perfiles y portafolios de 20 páginas de diseñadores gráficos, ilustradores y tipógrafos internacionales seleccionados por Kamekura. Aproximadamente siete diseñadores se presentaron en cada número, y cada número tenía 168 páginas a todo color sin publicidad. La creación tuvo exactamente veinte números hasta 1993.

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Otl Aicher, también conocido como Otto Aicher, (Ulm 13 de mayo de 1922 - Günzburg 1 de septiembre de 1991), fue un diseñador gráfico y tipógrafo alemán.

Estudió escultura en la Akademie der Bildenden Kunste (Academia de Bellas Artes) en Múnich después de la Segunda Guerra Mundial. En 1946 junto con Max Bill y un grupo de intelectuales crearon la Hochschule für Gestaltung, la escuela de diseño de Ulm, que se convertiría en uno de los centros de educación en diseño líderes en Alemania entre los años 1953 y 1968, y que a diferencia de la Escuela de la Bauhaus descartó el arte y la exaltación de la forma por sí misma de sus aulas, y se centro en la función y a la inserción del diseño como factor fundamental en el mundo industrial.

Aicher antepone lo analógico y concreto a lo digital y abstracto, y lo hace con intención filosófica. Relativiza el papel de la razón pura y critica el racionalismo de la modernidad como fruto del predominio de un mero pensar abstracto. A juicio de Aicher, anteponer lo abstracto a lo concreto crea una falsa jerarquía, un orden, que es fatal para la cultura. Lo digital, abstracto, no es más elevado, mayor o más importante que lo analógico, concreto. Un aspecto esencial de sus trabajos es el anclaje en una filosofía del hacer, inspirada por pensadores como Guillermo de Ockham, Kant o Wittgenstein. Es autor también del libro El mundo como proyecto.

Entre sus creaciones se cuentan las imágenes corporativas de Braun, Lufthansa, ERCO y de los Juegos Olímpicos de Múnich. Es autor de Sistemas de signos en la comunicación visual y de Analógico y digital.

Dentro de la tipografía, suya es la familia Rotis, donde se combinan varias familias sans-serif, con serif, y semi-serif. Otra tipografía creado por él es la Traffic, utilizado en el aeropuerto de Múnich, y en el transporte público de dicha ciudad. También diseñó la señalética del metro de Bilbao.

En 1966 los organizadores de los Juegos Olímpicos de verano de 1972 en Múnich pidieron a Aicher que se convirtiera en el diseñador principal de los Juegos Olímpicos. Se le pidió que creara un diseño para los Juegos Olímpicos que complementara la arquitectura del estadio recién construido en Múnich diseñado por Günther Behnisch. Aicher consultó con Masaru Katsumie, quien había diseñado los Juegos Olímpicos de Tokio anteriores de 1964.

Basando su trabajo en parte en la iconografía de los Juegos del 64, Aicher creó un conjunto de pictogramas destinados a proporcionar una interpretación visual del deporte que presentaban para que los atletas y visitantes de la villa olímpica y el estadio pudieran encontrar su camino. Creó pictogramas utilizando una paleta de colores brillantes específica que eligió para estos Juegos. Estos diseños influyeron directamente en los pictogramas DOT, desarrollados en 1974 por el Departamento de Transporte de los Estados Unidos, que aplicaron los mismos principios a la señalización pública estándar, como los de inodoros y teléfonos; los pictogramas DOT a su vez han sido utilizados en todo el mundo. La serie de pictogramas que creó no fue una tarea simple; el objetivo de cada pictograma era funcionar como un claro signo de la actividad que representaba, manteniendo simultáneamente su comprensión universal.

Otl Aicher también ayudó a diseñar el logotipo de los Juegos Olímpicos de Múnich. Pasó por varias etapas con su equipo de diseño antes de finalmente encontrar el emblema. Una de sus primeras ideas fue utilizar un elemento del escudo de armas de la ciudad o Münchner Kindl dentro del diseño que mostraba a un monje señalando a lo lejos mientras sujetaba un libro en su mano. Otras ideas fueron utilizar las áreas circundantes de la ciudad, haciendo referencia al sol, las montañas y el paisaje dentro del diseño. Finalmente se creó el "Strahlenkranz", una guirnalda que representaba el sol pero también los cinco anillos olímpicos fusionados en forma de espiral. El diseñador Coordt von Mannstein reformuló el diseño original de Aicher a través de un cálculo matemático para fusionar la guirnalda y la espiral para obtener el diseño final.