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-Mescla un estilo elegante y moderno
-tiene decoraciones naturales, muchas flores
-tiene un mensaje de conciencia social, los pobres merecen belleza ycfelicidad

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2 paquetes Cartulina
3 carretes de Hilo blanco
Varias Agujas (10)
4 Cartones grandes
Diario
Pintura o spray dorada
5 Masking tape

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Vamos a hacer en un cartón/hoja de block muy grande este dibujo, pero sin pintar. El resto tendrá que pintarlo con puntitos de colores que vamos a hacer con cartulinas. Los colores que se tengan que usar van a estar indicados con números.

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Cubículo representativo
Pieza de cuadros impresionista
Objetos pintados de distintas obras
Representación con pinturas en ultravioleta
Estructura hecha de obras
Cuadros de distintas formas que se unan para formar una obra y que sea armable como un rompecabezas

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Mucha tiza

Espejos

Impresiones y dibujos del renacentismo para marco espejos

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Vamos a hacer que manos, caras y otras partes del cuerpo salgan de la pared. Nuestra idea es que estos elementos estén “atravesando la pared” de un mundo a otro, de esta manera crear una instalación surrealista.

Materiales
- Vendas
- Hieso en polvo y Venda de hieso
- guantes de latex
- Pintura y pinceles
- Vaselina
- Alusaplas
- Bombillas o pajitas
- gorra de piscina

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- Cartón forrado
- Cartulina piel, negro, rojo, azul, amarillo
- Tijeras
- Lápiz
- Pegamento

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Un marco gigante de entrada. Al pasar se va a sentir como un personaje en el cuadro porque van a haber adornos como los de estos cuadros

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Duró desde 1907 hasta 1914. Sus principales pintores fueron Georges Barque y Pablo Picasso. Fue la primera vez que no se imitaba la naturaleza a la perfección (arte occidental) lo que supuso un conflicto con los conservadores. Es por esto que se considera el precursor de la subjetividad artística.

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1890-1905
Es un movimiento artístico nacido en Europa. Buscaba democratizar el arte, porque antes era algo que solo las clases altas podían disfrutar. Hacían arte desde objetos necesarios para el día a día de la persona común, por ejemplo escaleras, lámparas, anuncios, estaciones de metro, etc.

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Convertir la escalera del colegio en una escalera nouveau, y dibujamos en tinta ultravioleta situación de pobreza en la parte baja de la escalera, y en la parte de arriba situaciones de extrema riqueza

Convertir la escalera del colegio en una escalera nouveau. Hacer como si fuera la escalera de una casa, pero todo es art nouveau, las fotos de personas son cuadros

Poner cuadros de este estilo, y encima dibujamos con pintura ultravioleta una historia

Living de este estilo art nouveau. Alguien se disfraza como un personaje de esos cuadros. Pasamos flores para que pongan en diferentes lugares como en las pinturas

Ponemos pinturas que se pinte por número

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Remedios Varo, Creación de las aves (1957) . 

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Salvador Dalí, The Persistence of Memory (1931) 

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La Última Cena, de Leonardo da Vinci (1498)

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- Búsqueda del inconsciente: busca descubrir todo aquello que está oculto a la razón humana.

- Interpretación de los sueños: los sueños eran la máxima la prueba de la existencia de un mundo inconsciente.

- Arte bizarro: muchas de las creaciones artísticas surrealistas buscaban lo bizarro como medio para poder expresar aquella verdad que está oculta a la mente humana.

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El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton (durante el período de la segunda guerra mundial).
El surgimiento de este género está asociado a un discurso contra hegemónico, un sentimiento de desencanto, una suerte de visceralidad intelectual que incita a la búsqueda.

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- Árbol volando
- mundo al revés
- Algo saliendo de la pared

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El nacimiento de Venus, de Sandro Botticelli (1482-1485)

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2) Características principales en el arte del renacimiento 

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2) Características principales en el arte del renacimiento 

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El arte en el renacimiento se caracterizaba por:
-El interés de crear una respuesta emocional en el espectador.
-El uso de colores vívidos, la sombra y la iluminación.
-Uso de formas sutiles y objetos cotidianos para dar un significado adicional.
-Creación de retratos, escenas y pasajes detallados e inclinados al hiperrealismo.

https://www.worldhistory.org/trans/es/1-19090/arte-renacentista/

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El arte del periodo renacentista en Europa (1400-1600) incluye algunas de las pinturas y esculturas más reconocidas y queridas del mundo. Los maestros solían ser expertos tanto en pintura como en escultura, y al estudiar el arte de la antigüedad y añadir sus conocimientos teóricos sobre la perspectiva matemática y las nuevas técnicas pictóricas, produjeron obras de arte realmente únicas. El realismo, el detalle, el dramatismo y las sutiles capas de significado se convirtieron en características del arte religioso y secular. Los artistas se liberaron finalmente de su antigua condición de artesanos y alcanzaron una nueva posición como contribuyentes vitales a la cultura y el prestigio de las sociedades en las que vivían.

Las características que definen el arte del Renacimiento son:

un interés por captar los elementos esenciales del arte clásico, en particular la forma y las proporciones del cuerpo humano;

un interés por la historia del arte contemporáneo y por forjar un camino continuo de desarrollo;

una mezcla de iconografía pagana y religiosa, pero con la humanidad como centro;

una tendencia a la monumentalidad y a las posturas dramáticas;

el interés por crear una respuesta emocional en el espectador;

el desarrollo de una perspectiva matemática precisa;

interés por los retratos, escenas y paisajes hiperrealistas y detallados;

el interés por el uso de colores vivos, la sombra y la captación de los efectos de la luz;

el desarrollo en el uso de las pinturas al óleo y las impresiones finas;

el uso de formas sutiles y objetos cotidianos para darles un significado adicional;

el aumento del prestigio de los artistas como artesanos superiores que combinaban los estudios intelectuales con las habilidades prácticas.

Orígenes medievales

Se solía pensar que el arte del Renacimiento surgió de la nada en un milagroso renacimiento de ideas y talento, pero la investigación de los historiadores modernos ha revelado que muchos elementos del arte del Renacimiento se estaban experimentando en el siglo XIV. Artistas como Giotto (fallecido en 1337) querían hacer sus cuadros más realistas y por eso utilizaban escorzos para dar una sensación de profundidad a la escena. El uso que Giotto hace de los escorzos, las luces y las sombras, la emoción y la elección dinámica de las escenas se puede apreciar mejor en sus frescos religiosos de la Capilla Scrovegni de Padua (hacia 1315). Estas técnicas, y el éxito del artista a la hora de hacer que los personajes cobren vida, influirán enormemente en los artistas posteriores. Por esta razón, a menudo se hace referencia a Giotto como el "primer pintor del Renacimiento", aunque viviera antes del Renacimiento propiamente dicho.

Los mecenas adinerados fueron la fuerza motriz del arte renacentista en un periodo en el que la gran mayoría de las obras artísticas se realizaban por encargo. Las iglesias fueron las beneficiarias habituales de este sistema en la primera parte del Renacimiento. Los paneles pintados para retablos y frescos eran la forma más común de decoración artística, a menudo mostrando la sacra conversazione, es decir, la Virgen y el Niño rodeados de santos y bienquerientes. Los retablos monumentales de varios metros de altura se enmarcaban a menudo de forma elaborada para imitar los desarrollos contemporáneos de la arquitectura. El retablo más famoso de todos es el de Gante de 1432, obra de Jan van Eyck (c. 1390-1441). Los temas del Renacimiento temprano, por tanto, son muy similares a los populares durante la Edad Media.

La evolución del arte fue relativamente lenta, pero a medida que algunos artistas se hacían famosos, podían desarrollar nuevas ideas y hacer que su arte fuera diferente del anterior.

Los mecenas privados, como los papas, los emperadores del Sacro Imperio Romano Germánico, los reyes y los duques, veían el beneficio de embellecer sus ciudades y palacios, pero también estaban muy interesados en obtener una reputación de piedad y un conocimiento de las artes y la historia. Una vez que un mecenas encontraba un artista que le gustaba, solía contratarlo a largo plazo como artista oficial de la corte, le encargaba todo tipo de tareas, desde retratos hasta el diseño de libreas. Los mecenas pagaban, por lo que a menudo hacían peticiones específicas sobre los detalles de una obra de arte. Además, aunque un artista podía hacer uso de sus habilidades y su imaginación, tenía que mantenerse dentro de los límites de las convenciones, ya que los personajes de sus obras debían ser reconocidos por lo que eran. Por ejemplo, no era bueno hacer un fresco de la vida de un santo si nadie reconocía quién era. Por esta razón, la evolución del arte fue relativamente lenta, pero a medida que algunos artistas adquirían gran fama, podían desarrollar nuevas ideas en el arte y diferenciarlo de lo que había hecho antes.

El renacimiento clásico

Una de las características que definen el periodo del Renacimiento fue el reinterés por el mundo antiguo de Grecia y Roma. Como parte de lo que ahora llamamos humanismo renacentista, se consultó la literatura, la arquitectura y el arte clásicos para extraer ideas que pudieran transformarse para el mundo contemporáneo. Lorenzo de Médicis (1449-1492), cabeza de la gran familia florentina, fue un notable mecenas, y su colección de obras de arte antiguas fue un punto de estudio para muchos artistas. Los jóvenes artistas, que se formaban en los talleres de los maestros consagrados, también tenían acceso al arte antiguo o, al menos, a reproducciones de dibujos.

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Los artistas imitaban directamente las obras de arte clásicas o partes de ellas en sus propias obras. En 1496, por ejemplo, Miguel Ángel (1475-1564) esculpió el Cupido dormido (hoy perdido), que envejeció a propósito para que pareciera una auténtica obra antigua. Otra recreación de la antigüedad, esta vez totalmente imaginaria, es el fresco de la Escuela de Atenas de Rafael (1483-1520). Realizado en 1511 y ubicado en el Vaticano, este fresco muestra a los principales pensadores del mundo antiguo. Las imágenes comunes de la mitología clásica fueron especialmente populares, se volvieron a imaginar y, en algunos casos, incluso han superado al arte antiguo en nuestras mentes cuando pensamos en ciertos temas. El Nacimiento de Venus (c. 1484, Galería de los Uffizi, Florencia), de Sandro Botticelli (1445-1510), es un ejemplo de ello. Por último, la representación de la arquitectura antigua y de las ruinas era una de las favoritas de muchos artistas del Renacimiento para dar un ambiente de fondo a sus obras mitológicas y religiosas.

El aumento del estatus de los artistas

Otra novedad fue el interés por reconstruir la historia del arte y catalogar quiénes eran exactamente los grandes artistas y por qué. El erudito más famoso que recopiló esta historia fue Giorgio Vasari (1511-1574) en sus Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos (1550, revisada en 1568). Esta historia es un registro monumental de los artistas del Renacimiento, sus obras y las historias anecdóticas asociadas a ellas, por lo que Vasari está considerado como uno de los pioneros de la historia del arte. Los artistas también se beneficiaron de que se escribieran biografías específicas sobre sus vidas y obras, incluso cuando aún estaban vivos, como la Vida de Miguel Ángel, de 1553, escrita por Ascanio Condivi (1525-1574). Los artistas también escribieron textos sobre técnicas en beneficio de otros, los primeros fueron los Comentarios de Lorenzo Ghiberti (1378-1455), escritos hacia 1450. Como los Comentarios incluyen detalles de la vida y la obra de Ghiberti, son también la primera autobiografía de un artista europeo.

Este interés por los artistas del Renacimiento, por su vida privada y por cómo llegaron a crear obras maestras refleja el elevado estatus del que gozaban. Los artistas seguían siendo considerados como artesanos, al igual que los zapateros y los carpinteros, y estaban obligados a afiliarse a un gremio. Esto empezó a cambiar durante el Renacimiento. Los artistas se diferenciaban obviamente de los demás artesanos porque podían adquirir una amplia fama por sus obras y crear un sentimiento de orgullo cívico entre sus conciudadanos. Sin embargo, fueron los esfuerzos intelectuales de pintores como Leonardo da Vinci (1452-1519) y Alberto Durero (1471-1528) los que finalmente elevaron a los pintores a la categoría de "artistas", un término antes restringido a los que estudiaban las artes liberales tradicionales, como el latín y la retórica. Los artistas se interesaron por estudiar la historia del arte, lo que ocurría en el mundo del arte en otros lugares, escribieron tratados sobre su oficio e hicieron experimentos con la perspectiva matemática. Todo ello elevaba el arte a la categoría de ciencia.

Otro rasgo que define a los artistas del Renacimiento, especialmente a los del Alto Renacimiento (1490-1527), es su extraordinaria habilidad en diversos medios. Figuras como Miguel Ángel y Leonardo eran tan buenos pintores como escultores, y ambos, como muchos otros maestros, se dedicaron también a la arquitectura. Estos maestros de éxito dirigían grandes talleres, que servían de base para la formación de la siguiente generación de artistas.

Una mayor confianza en sus habilidades, sus conocimientos y su contribución a la cultura en general se puede apreciar en el creciente número de artistas que se autorretratan. Otro síntoma era la frecuente firma de las obras de arte, a veces en partes muy destacadas del cuadro (aunque los ayudantes del taller del maestro solían rematar las obras).

Pintura y nuevas técnicas

Los pintores del Renacimiento eran versátiles y a menudo experimentaban, pero por lo general, a medida que el Renacimiento avanzaba, utilizaban la técnica del fresco para las paredes, la del temple para las tablas y la del óleo para los paneles o lienzos. Tanto el fresco (pintar sobre un fondo de yeso húmedo) como el temple (utilizar pigmentos mezclados con yema de huevo) eran técnicas empleadas mucho antes del periodo renacentista. Sin embargo, se experimentó con pinturas al óleo (pigmentos mezclados con aceite de linaza o de nuez) que proporcionaban colores más ricos, una gama más amplia de tonos y más profundidad que los colores tradicionales. Los óleos permitían mostrar más detalles en la pintura y que las pinceladas se convirtieran en un efecto visual. Así pues, a finales del siglo XV, la mayoría de los artistas importantes utilizaban el óleo cuando trabajaban en el caballete, y no el temple. La desventaja de los óleos era que se deterioraban rápidamente si se utilizaban en las paredes en lugar de un verdadero fresco.

Había diferentes estilos y técnicas de pintura según el lugar. Por ejemplo, la técnica del colore (o colorito) prevalecía en Venecia (donde se utilizaban colores contrastados para efectuar y definir una composición armoniosa) mientras que en Florencia se prefería el disegno (donde primaba el dibujo lineal de la forma). Otras técnicas perfeccionadas por los artistas del Renacimiento son el chiaroscuro (el uso contrastado de luces y sombras) y el sfumato (la transición de los colores más claros a los más oscuros).

El tema de la pintura era otra oportunidad para la experimentación. Pintar figuras con posturas dramáticas se convirtió en una moda del Renacimiento, como se aprecia en el techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel en Roma (1512). El uso del contrapposto por parte del artista, es decir, la asimetría entre la parte superior e inferior del cuerpo de las figuras, una técnica utilizada por Leonardo y muchos otros, crea una gran sensación de movimiento. Otra idea era crear formas en la escena, especialmente triángulos. El objetivo era crear una composición armoniosa y dar más profundidad, como se puede ver en el mural de la Última Cena de Leonardo en Santa Maria delle Grazie de Milán (c. 1498) o en la Galatea de Rafael (c. 1513, Villa Farnesina, Roma).

Los artistas se esforzaban por conseguir una sensación de realidad cada vez mayor en sus pinturas, y esto se podía lograr reproduciendo la perspectiva que uno esperaría ver en una vista tridimensional. Andrea Mantegna (c. 1431-1506) utilizó técnicas de escorzo al igual que Giotto. Véase su obra La agonía en el jardín (c. 1460, National Gallery, Londres). Mantegna también era partidario de pintar sus escenas como si se miraran desde abajo, otro truco que daba profundidad a su obra. A veces, la profundidad se lograba en el centro del cuadro mientras las figuras dominaban el primer plano, acercándolas al espectador. Se trata de una técnica innovada por Pietro Perugino (c. 1450-1523) y que puede se ver mejor en Los desposorios de la Virgen (c. 1504, Pinacoteca de Brera, Milán) de Rafael, que fue alumno de Perugino.

Por su parte, pintores como Piero della Francesca (c. 1420-1492) fueron más allá y utilizaron principios matemáticos precisos de la perspectiva, como puede verse en su Flagelación de Cristo (c. 1455, Galería Nacional de las Marcas, Urbino). Algunos críticos consideraron que algunos artistas fueron demasiado lejos en el uso de la perspectiva, por lo que se perdió el sentido original de su pintura; Paolo Uccello (1397-1475) fue una víctima particular de esta afirmación. La cacería de Uccello (c. 1460, Museo Ashmolean, Oxford) es por cierto una pintura audaz, con su vista panorámica de un bosque simétrico que se adentra en un fondo cada vez más oscuro, mientras que el primer plano está dominado por los cazadores y sus perros, todos convergiendo hacia un punto central distante.

Otro paso hacia una mayor realidad fue asegurar que la escena tuviera una única fuente de luz que proporcionara zonas de sombra coincidentes en todos los elementos del cuadro. Véase, por ejemplo, el San Francisco en éxtasis de 1480 (Colección Frick, Nueva York) de Giovanni Bellini (c. 1430-1516). Los artistas incluso empezaron a jugar con el espectador, como el espejo del Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (1434, National Gallery, Londres) de Jan van Eyck, que muestra los reflejos de figuras que deben estar al lado del espectador. Todas estas técnicas tenían la ventaja adicional de crear un "factor sorpresa" en los espectadores no acostumbrados a ver tales innovaciones.

Los pintores del Renacimiento querían añadir a sus obras otro nivel de significado que no fuera solo la primera impresión visual. Las escenas mitológicas solían estar cargadas de simbolismo, para distinguir al espectador culto del que no lo era. Tiziano (c. 1487-1576) llegó a describir sus pinturas mitológicas como una forma de poesía, lo que él llamaba poesia, tal era la densidad de referencias clásicas que contenían. Véase, por ejemplo, su Baco y Ariadna (c. 1523, National Gallery, Londres).

El retrato fue otro ámbito en el que destacaron los artistas del Renacimiento. El ejemplo más famoso es la Mona Lisa de Leonardo (c. 1506, Louvre, París), que muestra a una mujer no identificada. Leonardo no solo ha pintado un retrato, sino que también ha captado el estado de ánimo de la modelo. Los contornos, la perspectiva y las gradaciones de color se combinan para dar vida a la imagen. Además, la postura desenfadada y la vista de tres cuartos de la dama son otro indicio de movimiento. Este cuadro tuvo una gran influencia en los retratos posteriores. Otro avance fue el uso de objetos cotidianos en los retratos para insinuar el carácter, las creencias y los intereses del retratado. Los pintores neerlandeses fueron maestros en los retratos realistas, y sus ideas se extendieron a Italia, donde se pueden ver en la obra de, por ejemplo, Piero della Francesca, especialmente en su pintura de Federico da Montefeltro, duque de Urbino (c. 1470, Uffizi, Florencia).

Escultura y ruptura del molde clásico

Aunque muchos temas religiosos siguieron siendo populares en la escultura, como la Piedad (la Virgen María llorando sobre el cuerpo de Jesucristo), la iconografía convencional pronto dio paso a tratamientos más innovadores. Donatello (c. 1386-1466), por ejemplo, experimentó con el sacrificio de la técnica y el acabado para captar la emoción de una figura, una estrategia que se ve mejor en su María Magdalena de madera (c. 1446, Museo dell'Opera del Duomo, Florencia).

En el renacimiento clásico, los escultores crearon sus propias versiones de las figuras antiguas en madera, piedra y bronce. El más famoso de todos es el David de Miguel Ángel (1504, Galería de la Academia, Florencia). Esta figura de mármol, que representa al rey bíblico que, en su juventud, mató al gigante Goliat, es mucho más grande que el tamaño natural, con unos 5,20 metros de altura. Recuerda a las colosales estatuas de Hércules de la antigüedad, pero la tensión de la figura y su rostro totalmente decidido son invenciones del Renacimiento.

Donatello realizó su versión del David en bronce (década de 1420 o 1440, Bargello, Florencia) y esta obra supuso otro dramático alejamiento de la escultura antigua. La postura crea una figura sensual que no podría haberse producido en la antigüedad. Tanto el David de Miguel Ángel como el de Donatello recuerdan el estrecho vínculo entre arte y función durante el Renacimiento. David aparecía en el sello oficial de Florencia y, como asesino de Goliat, era un recordatorio oportuno de las luchas de los florentinos contra la ciudad rival de Milán.

Un arte relacionado con la escultura era el grabado. Donatello volvió a participar en él, produjo magníficos paneles de bronce en bajo relieve para el baptisterio de Siena y varias iglesias florentinas. La técnica de esculpir una escena con poca profundidad, pero con sentido de la perspectiva, se conoce como "relieve aplanado" o rilievo schiacciato. Una técnica muy diferente era la de crear paneles de metal con figuras de tan alto relieve que están casi en redondo. El ejemplo más famoso de esta técnica son las "Puertas del Paraíso" de Lorenzo Ghiberti, las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia (terminadas en 1452). Los paneles dorados de las puertas muestran escenas bíblicas e incluso un busto del propio Ghiberti.

A partir de 1420, los grabados en madera se hicieron populares, pero fue el desarrollo de las placas de cobre a partir de la década de 1470 lo que hizo que los grabados se convirtieran en una verdadera forma de arte. Las planchas de cobre ofrecían una precisión y un detalle mucho mayores. Mantegna y Durero fueron dos notables expertos en esta materia, y sus grabados se convirtieron en objeto de coleccionismo. El impresor de mayor éxito fue Marcantonio Raimondi (1480-1534), y sus grabados de bellas artes ayudaron a difundir las ideas en el norte de Europa y viceversa.

El legado del arte del Renacimiento

El coleccionismo de arte se convirtió en una afición de los ricos, pero a medida que las clases medias se enriquecían, también podían adquirir arte, aunque no tan grande. Los talleres, como los de Ghiberti, empezaron a producir arte no exactamente en masa, pero sí al menos a emplear elementos estandarizados tomados de un catálogo existente. En resumen, el arte ya no estaba restringido a los ricos, y para aquellos que aún no podían permitirse los originales, siempre podían comprar grabados. Los grabados también difunden la reputación de los artistas por todas partes. Gracias a la expansión del mercado del arte, los maestros ahora eran libres de producir arte como ellos pensaban que debía ser, y no como pensaba un mecenas.

El arte del Renacimiento estaba en continua evolución. El manierismo, por ejemplo, es un término vago que inicialmente se refería al arte extrañamente diferente que vino después del Alto Renacimiento. Posteriormente, el manierismo adquirió un significado más positivo: el estilo, la ambigüedad del mensaje, el contraste y, en general, el juego con las técnicas y las normas que los artistas del Renacimiento habían establecido. Véase, por ejemplo, San Marcos liberando al esclavo, de Tintoretto (c. 1518-1594, Academia, Venecia), de 1548. A partir del manierismo surgió el siguiente gran estilo del arte europeo, el barroco, altamente decorativo, que llevó los ricos colores, los finos detalles y las enérgicas poses del arte renacentista a un nuevo extremo de dramatismo y decoración abrumadores.

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El arte del periodo renacentista en Europa (1400-1600) incluye algunas de las pinturas y esculturas más reconocidas y queridas del mundo. Los maestros solían ser expertos tanto en pintura como en escultura, y al estudiar el arte de la antigüedad y añadir sus conocimientos teóricos sobre la perspectiva matemática y las nuevas técnicas pictóricas, produjeron obras de arte realmente únicas.

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El Renacimiento fue un importante movimiento cultural producido en Europa entre finales del siglo XIII y el siglo XVII. Es considerado como el paso entre la Edad Media y la Edad Moderna, ya que durante su existencia se lograron grandes avances en las artes y las ciencias, cambiando el mundo hacia uno más modernista.

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- Espejó en el centro y al rededor representar el sistema solar. (esto lo aremos en el patio del colegio)
- pazar un plumón para ir dibujandose en el espejo del gimnacio y asi lograr llenarlo de caras

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El impresionismo es un estilo pictórico que se origina en Francia, en la segunda mitad del siglo XIX. Se caracteriza por su persistente experimentación con la iluminación (similar al luminismo).

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El manejo de la luz se considera como un factor crucial para alcanzar belleza y balance en la pintura.

Los cuadros impresionistas se construyen técnicamente a partir de manchas bastas de colores, las cuales actúan como puntos de una policromía más amplia, que es la obra en sí. Por ello, al observar los lienzos es necesario tomar cierta distancia, para que aparezcan las luces sombras y figuras.

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1) Representa la realidad mediante elementos geométricos.

2) Los objetos representan como han sido consevidos por la mente.

3) Desconstruye los cuerpos a sus formas geométricas más esenciales.

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1) Poner figuras a diferentes distancias, las cuales vistas desde un ángulo, formen un cuerpo u obra.

2) Creación de retratos a partir de figuras y formas, de manera libre para el espectador.

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Las figuras las vamos a hacer con cartón piedra las cuales van a tener una o 2 capas y luego las vamos a pintar con tempera. Ya listas las figuras, las vamos a poner en una zona donde se puedan juntar y formar diferentes tipos de imágenes

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-6 cartones piedra
-Acrílicos de distintos colores

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Portrait of Georges Braque "Un hombre en un sombrero" (1909). By Pablo Picasso.

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"Mont Sainte-Victoire" seen from Les Lauves (1904). By Paul Cézanne.

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surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en Estados Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la década de los años 80.
las obras creadas dentro de este movimiento expresan una crítica social

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- Inspiración en la sociedad de consumo y cultura de las masas
- Colores intensos
- Formatos repetitivos

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Mediante la unión de dos disciplinas artísticas, como son el arte digital y la creación musical, creamos un entorno sensorial inversivo que favoreciera a magnificar las emociones en el público, a través de la unión de una pieza musical contemporánea interpretada por un solo de violoncelo, y acompañada visualmente por diferentes escenas evocadoras de arte digital. Los visuales se complementan con la interpretación musical, y la música complemente a los visuales de arte digital.
Magnificar la experiencia artística y cultural del espectáculo, consiguiendo ese entorno creativo e inspirador al inicio del evento.
Digital.
Evento internacional Bilbao Bizkaia Design Week.

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En esta instalación podemos ver como el espectador presta la distinción que caracteriza esta obra al integrarse en ella para observar lo que parece un salón de pinturas minimalistas

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La más reciente instalación de Miguel Chevalier , titulada pixels noir lumière, se exhibirá en el Museo de los Pueblos en la ciudad francesa de Rodez.

Se trata del homenaje más grande a la obra del pintor Soulages. , cuyo cumpleaños número 100 se conmemora el 24 de diciembre de 2019. De esta manera, la muestra presenta dos instalaciones digitales generativas e interactivas. La primera de ellas: 'pixeles líquidos'. La segunda: 'l'origine du monde '- que exploran el uso de la luz como material artístico.

Lira Hevia Sole

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Crystal Universe es una Instalación Digital Interactiva creada por teamLab, mediante la instalación de LEDs en un espacio tridimensional, creando una obra de arte interactiva en tiempo real, con movimientos 3D. El propósito es que el espectador sea el centro del universo y forme una comunión con la iluminación de la instalación. Los espectadores, ademas podrán aportar cambios a la instalación a través del acceso con un teléfono inteligente, seleccionando un elemento del universo, frente a la instalación Crystal Universe, y deslizar el dedo hacia la instalación para agregar el elemento seleccionado a la obra de arte. Esta instalación se encuentra en Pola Museum Annex de Tokio (Japón)

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A forest where gods live, ruins and heritage – the nature of time de TeamLab, es una instalación digital hecha en el parqueMinfuneyama Rakuen, esta es una instalación que quiere dar la impresión de que emerge del piso, no se trata de imágenes programadas, de hecho estas se mueven con el movimiento del espectador

Cristobal Cruz
Daniela Gamez

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Esta instalación de tipo digital se caracteriza por la constante interacción visual al cambiar tonalidad e intensidad de luces e sus cuerpos lo que genera una sensación de movimiento

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Un número aparentemente infinito de LEDs que están instalados dentro de un espacio tridimensional generan un impresionante espacio que supone una activación de todos los sentidos y permite al espectador “vagar por un universo de cristal” en el que cada imagen está acompañada por un aroma distinto, tarea para la cual ha colaborado la astronauta Naoko Yamazi.

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Esta es una instalación artística-solidaria, creada por los zapatos de los habitantes deVitoria-Gasteiz. La obra pretende crear un movimiento artístico comunitario para reivindicar la importancia de la unidad. Cada zapato representa una persona creando lazos Inter-personales de lucha y evolución

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Lira Hevia Sole

Esta interacción se llama PORTAL y se encuentra en Lublin, Polonia.
Tiene materiales de alta tecnología que fueron trabajados durante 5 años para lograr este resultado.
Su propósito es representar la unidad de todo el mundo a través de un portal y lo interesante que podría ser tener uno real de estos. Habría un sentimiento mucho más fuerte de unidad y globalidad que hoy en día está muy olvidado por el egocentrismo. Permite a la persona “viajar” al otro lado de la pantalla. Lo que se quiere lograr es que se instale en muchas partes del mundo y que éstas se conecten a través de las imágenes

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Se llama cloud, es una instalación interactiva a escala por los artistas Caitlind R.C. Brown y Wayne Garett, apareció como parte de la “Nuit Blanche Calgary” en Alberta, Canada. Su material son 6000 bombillas recicladas. Estos artistas quieren demostrar que podemos crear arte solo con objetos cotidianos.

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Las nuevas instalaciones de Chevalier sumergen a los espectadores en un mundo de ensueño tecnicolor que pretende emular el mar ibicenco. Fractal Flowers 2015 es una obra interactiva diseñada para que “las flores se rebajen como un arco con el fin de dar la bienvenida al público en este jardín virtual y misterioso, y luego muestren sus más bellos colores y formas que se fusionan en fondos de color”, según se lee en la nota de prensa de la obra.

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Esta instalación se llama seven magic mountains del autor Rondinone, instalada en el desierto de Mojave. Su materia son rocas y colores. Su propósito es parecerse a un juego de construcción infantil pero de una gran dimensión. El autor se inspiró en los montículos de piedra que los antiguos indígenas realizaban

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Falling Garden - Gerda Steiner y Jörg Lenzlinger

Estos dos artistas suizos- Gerda Steiner y Jörg Lenzlinger-, a través de su instalación 'Falling Garden', consiguen crear una especie de lluvia o cascada a través de distintos elementos como flores, semillas o pequeñas esculturas.

La característica principal es que la lluvia se mantiene suspendida en el espacio ya que los diversos elementos permanecen colgados desde el techo. Consiguen que el espectador se adentre en un ambiente en el que el tiempo está detenido, dando una sensación de permanencia.

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'Unwoven Light' es una instalación realizada con material rígido industrial que destaca por transmitir la sensación de que la escultura se encuentra suspendida en el aire. El objetivo de su creadora, Soo Sunny Park, es plasmar formas orgánicas y naturales en las que la luz se convierte en un elemento esencial.

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Esperanza Carrasco
Cristóbal Vásquez

En la instalación Strandlines de Michelle Higa Fox, se utilizan casi 200 kilos de arena para visualizar las mareas locales en cascada de Rhode Island.  El título hace referencia a la mancha que queda después de una marea alta, ya que el proyecto consiste en proyecciones animadas sobre el stand, bañándolo en forma de color, imitando el oleaje del mar.

Así es como El artista lo describe en su sitio web:
Strandlines es una instalación de arte generada dinámicamente.  Las ondas digitales suben y bajan a través de 400 libras de arena.  La marca de agua de la instalación corresponde a las mareas locales, y nunca hay dos olas iguales.

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Creada por Cassandra Warnery y Jeremy Floto

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Es una instalación que representa la naturaleza, por lo que convive con ella y se asemeja a raises de un árbol pero fuera de la tierra con el propósito de su apreciación visual y fue hecho a través de materiales reciclados.

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Estela Pereda presenta la "Tela participativa", obra que propone la intervención del público.
"La tarea es de las mujeres y de los varones, todos cosiendo en la misma tela..."
Museo de la mujer- Pasaje Rivarola 147 (entre Bartolomé Mitre y Perón), Ciudad de Buenos Aires

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Anita y Pato/ Está obra está ubicada en una iglesia y consiste en proyectar láseres en el techo para crear un ambiente mágico 

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Renata morales             Martina carvallo

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Cim del Catiú d’Or (1988) es una instalación muy poética de Perejaume. La moldura de un marco pictórico se aplica a las irregularidades de una roca. El artista aquí no pinta un paisaje, lo enmarca, y coloca a la naturaleza como creadora.

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Parque Juan Pablo segundo
Durante la pandemia se han utilizado varios parques como centros vacunatorios, donde la gente se ha puesto la vacuna para combatir con el coronavirus. Se puede ver en la salida del vacunatorio una pared llena de colores; está se ha ido formando a través de el tiempo, cuando la gente se vacuna pega su sticker, así llenando la pared decorativa con stickers de su número de turno de vacuna.

Lira Hevia Sole

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Lira Hevia Sole

Diferentes zonas Chile en el Festival Hecho en Casa de Entel
Su material es de hule
Su propósito del artista es demostrar su “niño interior”, tirando sus juguetes y dejándolos repartidos en las “diferentes casas” (partes del mundo)

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Anita y Pato /Esta es una obra por la PACE ubicada en time square, que consiste en pegar círculos en una ubicación específica para crear una imagen 

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El arquitecto Tomas Saraceno utiliza en su obra 'Cloud Cities' 20 esferas de plástico situadas a diferentes alturas. De esta forma, quedan suspendidas en el aire gracias a la ayuda de unos hilos negros que caen desde el techo.

Con esto, la estructura busca que el espectador se sienta en directa conexión con el entorno y la naturaleza, motivo por el que algunas de las esferas son envueltas con plantas. Esta exposición ofrece una idea futurista en la que se prima la importancia de que las viviendas estén en contacto directo con el entorno natural

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 Esperanza Carrasco y Cristobal Vásquez 

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Esa instalación artística es de Philippe Echaroux el cual quiere hacer un llamado de atención sobre la deforestación de la selva amazónica. El artista francés ha realizado una serie de retratos de autóctonos de la tribu Suruí. Cada retrato fue luego proyectado sobre los árboles de la selva.

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Un Mar de plástico hecho en Etopia, Centro de Arte y tecnología. Es una instalación informativa que se fue construyendo con la participación de niños y adultos, por medio de plásticos reciclados y descartados por empresas de embalajes, mientras construían esta instalación aprendían sobre el tema.

Cristobal Cruz
Daniela Gamez

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   Martina carvallo      Renata morales 

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Continúan las exitosas instalaciones interactivas El hombre más chiquito del mundo y Petit, inspiradas en las series de Juan Pablo Zaramella e Isol Misenta, y las salas coordinadas por Magdalena Fleitas.

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1550 sillas de Doris Salcedo

Estructura instalada temporalmente en la 8va Bienal de Estambul. 1550 sillas ubicadas entre dos edificios, con el objetivo de abstractamente representar las repercusiones de la guerra y conflictos, especialmente en su país, Colombia. busca que las sillas sean recuerdo de las personas que una vez se sentaron ahí, y que ya nunca volverán a usar ya que gracias a la guerra, ya no se encuentran con nosotros. Obra de olvido y recuerdo, de la muerte y la guerra.

Daniela Gamez
Cristobal Cruz

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Esta instalación se llama “ven, subes mi nube” yla creadora es argentina. Su público esta entre los 4 y 8 años y su objetivo es que vivan un cielo por el suelo 

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Los materiales que utilizó son en su mayoría de goma

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Materiales: Plástico, luces led y personas dispuestas a pasar un buen rato con sus colegas.

The Medium is the Message" es el fascinante tema elegido para la séptima edición del Amsterdam Light Festival. El tema de la XIII edición de Luces de Artista de Salerno, "Mare, mito e divina costiera"

Consiste en entretenimiento a personas de todas las edades. Es un dominó a gran escala, dando un toque artístico gracias a su variedad de colores y tamaños y cantidad de piezas de dominó.

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Descripción: Se ven y escriben mensajes, logrando una conexión anónima entre personas y sus sentimientos y experiencias.
Materiales: Papel, lápiz, marcos estables, cordeles, ganchos y un corazón sensible dispuesto a compartir y relacionarse sentimentalmente.
Propósito: Conocerse a si mismo y al resto, quienes se sienten de la misma manera.
Lugar: Sala vacía que permita la concentración e identificación de sentimientos.

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Rainbow Net de Toshiko Horiuchi

Una instalación que tejió durante 2 años, con el propósito de crear una estructura de diferentes redes de colores entretenidos, para que los niños pudieran jugar y relacionarse en esta.

Daniela Gamez
Cristobal Cruz

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Renata morales
Martina carvallo

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Materiales: paraguas, cordeles de nilon transparente.

Estas obras se hicieron en diferentes lugares, lugares que pueden estar más desanimados o al contrario, lugares que son muy fiesteros y divertidos.

Esta instalación consiste en paraguas de variados colores, esto aporta para ayudar con el sol en la ruta y las lluvias, por lo que son conocidas como obras antilluvia. Y esto permite un toque mas colorido y animado a las calles de la ciudad.

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Anita Amenábar
Pato Cabrera

Esta es una obra interactiva que consiste en una sala con pantallas en sus cuatro paredes, techo y suelo que crean un ambiente fantástico.

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HYBYCOZO ó THE HYPERSPACE BYPASS CONSTRUCTION ZONE, es la colaboración entre los artistas Yelena Filipchuk y Serge Beaulieu
Esta instalación se encuentra en distintas partes del mundo. Su trabajo es una exploración sobre la luz, la sombra y la percepción a través de grandes esculturas poliédricas de metal en las cuales en sus caras se dibujan complejos modelos geométricos realizados mediante el sistema de corte láser. la idea de este proyecto es causar sensación de asombro y alegría; una sensación de sorpresa ante la forma, la luz y la sombra a cada persona que lo vea

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Esperanza Carrasco
Cristóbal Vásquez

Su obra presenta algunas características muy definidas: uso de elementos cotidianos, combinación de piezas creadas por el hombre con elementos naturales (ramas, taxidermias), una presencia consistente del equilibrio físico y la una característica muy importante para una instalación: idea de cosa efímera

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Esperanza Carrasco
Cristóbal Vásquez

Esta instalación posee unos paneles que explican las diferentes técnicas de ensamblaje, los materiales, herramientas, dinámicas creativas entre otras. Está formado por unas mesas equipadas con cajas de herramientas básicas y un remolque donde hay herramientas, materiales, objetos y un experto que ofrecerá su ayuda, si hace falta. También, en el interior del remolque, un photocall para inmortalizar las nuevas propuestas y a sus creadoras. Esta instalación ofrece la oportunidad de crear, compartir y experimentar.

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Esperanza Carrasco
Cristóbal Vásquez

Esta instalación invita a investigarla y recorrerla, probando distintos modos de sostenerse y apoyarse, sumándole el placer del vértigo.

En ese recorrido, los "espectadores", se suman a la obra, participando activamente acercándose y alejándose, probando distintos modos de desplazarse.
El autor quiere transmitir a través de la obra cómo arte y el juego son muy cercanos. Comparten la experiencia de la creación, el desafío, la incertidumbre, la búsqueda, los intercambios y los encuentros.

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1)una sala con poco idea llena de puntos de colores fosforescentes
2)tomar cosas del colegio y pintarlas y dejarlas por el colegio
3)ropa vieja y la hacemos arte pop con pintura y puntos
4) un cuadro que este dibujado pero no pintado y que el resto lo “pinte” con puntitos