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Al principio su vida transcurre en Zaragoza, desde donde viaja por su cuenta a Italia después de haberse presentado sin éxito en dos ocasiones
a la Real Academia de San Fernando, con la vana esperanza de ser premiado con una beca.

A su regreso realiza sus primeras obras  y luego se traslada a Madrid, donde desde 1774 a 1792 se introduce y se afianza plenamente en el mundo cortesano.

Es designado como pintor en la Real Fábrica de Tapices, donde ejecuta cartones, es decir, cuadros al óleo con el mismo tema y las mismas medidas que después tendrán los tapices definitivos.

Goya tiene que someterse entonces a unas normativas que le impiden crear libremente, además se le impone un estilo muy sencillo que facilite la posterior transformación del cuadro en tapiz.

A partir de aquí, ingresa en la Real
Academia en 1780 y empieza a trabajar al servicio de Carlos III en 1786
y de Carlos IV tres años después.

Desde entonces, su principal dedicación es retratar a la
familia real y a la nobleza.

Al mismo tiempo, va asimilando el espíritu ilustrado hasta el punto de identificarse con la Revolución Francesa, lo que produce en él un cambio ideológico.

Desde 1786 a 1791 Goya asume una postura ilustrada, por lo que se muestra sensible por cuestiones de tipo social. Además, censura al ignorante y supersticioso por medio de la deformación y de la ironía.

Desde 1792 a 1808 vive una crisis provocada por la sordera, y por su recelo de una monarquía absoluta corrupta que causa el gran atraso de España.

En 1793 empieza una serie de cuadros de gabinete de pequeño formato y lo culmina después a través del grabado, donde critica los males sociales de su tiempo como fruto del camino equivocado que el hombre toma cuando está fuera de los límites de la razón.

Solapa las sátiras y alusiones a los poderes establecidos y a los vicios más generalizados. Con ello refleja su visión pesimista del mundo, llena de
monstruos y fantasmas, que, con sus formas distorsionadas, sintetizan la estupidez humana

Al mismo tiempo sigue atendiendo múltiples encargos: retratos para la nobleza y para el rey, o también obras religiosas y, desnudos.

La Guerra de Independencia española determina una nueva etapa en su carrera.

Al tiempo que es pintor del rey francés José I y, luego se pone al servicio de Fernando VII, sigue dejando constancia del horror vivido, pero esta vez para glorificar la valentía del pueblo español, que, como víctima, recibe una condición heroica.

En sus últimas obras las culmina con personajes que parecen salidos de un sueño y con seres deformes que, desde la brujería hasta lo mitológico, sacan afuera las fuerzas del mal que deshumanizan al hombre.

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Frente a la preferencia de las clases altas por los pintores extranjeros en el siglo XVII, Hogarth es el primer artista autóctono del siglo XVIII inglés que, con su inconformismo hacia lo oficialmente establecido, se muestra independiente de los maestros del pasado y aspira a ser valorado por su originalidad.

Consciente del predominio foráneo en la pintura inglesa durante mucho tiempo, cuando los coleccionistas sólo se interesan por las obras italianas, quiere atraer al público de su país, formado en la tradición puritana, por lo que crea para él un nuevo tipo de cuadro que se caracteriza por su carga moralizante.

También se refiere el modelo humano ideal, lo hace a través de la sátira, con acciones cercanas a lo vulgar, llegando a la deformación y a la caricatura. Pretende así mostrar los vicios de la sociedad, como los casamientos por conveniencia, la corrupción política o el libertinaje propio de la aristocracia. De este modo, engrandece actitudes acordes con el sentido común y con las virtudes de la burguesía, por lo que sus obras poseen una utilidad evidente que las hace peculiares.

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En Londres pinta retratos de pequeño formato donde capta a sus personajes con naturalidad, fijando las calidades y fomentando tanto la gracia y la delicadeza como los efectos de luz y color transmitiendo valores como la naturaleza y la libertad, que se contra-
ponen a lo artificial del mundo francés, lo que se inserta perfectamente en una cultura ilustrada.

Los moradores de ésta son los mismos que posan para sus retratos, personas que hacen gala de su alto nivel político, social y económico con satisfacción. Contribuye así a establecer el inconfundible carácter del retrato inglés.

En los paisajes, no reproduce la naturaleza tal como es, como sucede en el jardín inglés. Aunque no encuentra compradores para ellos y, por eso, la mayoría se quedan en bocetos, son importantes porque marcan el comienzo del paisajismo inglés.

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Es un destacado pintor de frescos de la época a nivel europeo, con un sentido grandioso y teatral.

Su actividad se inicia en Venecia, donde conoce ya el éxito, alcanza su máximo apogeo en Austria y termina en Madrid.

Tiepolo crea un mundo fabuloso donde predomina el color, siempre en una gama fría y luminosa, y donde el espectador es engañado con recursos ilusionistas como la fusión de las artes y la perspectiva para expresar
la aparente opulencia de una sociedad aristócrata ya en decadencia.

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La pintura veneciana destaca en las vistas urbanas que reproducen fielmente un lugar (veduttismo), pero fijándose sólo en los aspectos más amables, como sus monumentos, sus canales, sus regatas y sus ceremonias civiles o religiosas. En definitiva, se trata de una imagen parcial, que es la que interesa a los muchos visitantes que llegan a esta ciudad en el siglo XVIII y que quieren llevarse un recuerdo de ella.

Es un tipo de pintura más racional que imaginativa, pues el pintor pretende ser lo más exacto posible en la descripción del sitio elegido. Por ello, aunque no prescinde de la figura humana, ésta se limita a poblar el
lienzo con su tamaño diminuto.

Su máximo representante es Canaletto, quien se forma en Roma, donde efectúa pequeños cuadros que vende a los viajeros. A partir de 1720 trabaja en Venecia, donde tiene una gran clientela, sobre todo entre los ingleses residentes allí. Por esta razón, visita Londres (1746-1755) y al regresar a Venecia participa activamente en la vida académica de la ciudad hasta su muerte.

Su originalidad radica en su visión objetiva y científica de la realidad a través de la perspectiva, técnica con la que ordena geométricamente el espacio pictórico.

Con colores nítidos, iluminación uniforme y figuras estáticas, sus obras transmiten una sensación de intemporalidad.

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Concibe el mismo género que Canaletto de manera diferente.

Capta un momento determinado, con todos los aspectos cambiantes que esto entraña. El resultado es una pintura con menos precisión, pues su pincelada suelta y deshecha no se fija en todos los detalles, pero sí retiene más matices en cuanto a la luz y el color, que ahora se degrada con una delicadeza y una sensualidad más propias del Rococó.

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No procede del ámbito cortesano ni del académico.

Desarrolla un estilo muy próximo a Rubens del que hereda el predominio del color, aunque no el concepto clásico y heroico de la figura humana, que se sustituye por un sentimiento de melancolía ante la fugacidad de los placeres de la vida.

Crean un nuevo género, el de las fiestas galantes, escenas donde la mujer de la nobleza y de la alta burguesía acaparan toda la atención, sobre todo en los asuntos que conciernen a su vida cotidiana y a sus relaciones amorosas.

La fantasía y la realidad se entremezclan en sus obras hasta el punto de no distinguirse. Los personajes parecen actores de una representación donde tienen cabida la comedia y la mitología, pero con dioses menores, como Venus, Diana y Cupido, que, lejos de lo heroico, se trasladan a un mundo de ensueño, igual que hacen pastores y pastoras cuando se entregan al juego amoroso en el mundo idílico de las denominadas pastorales.

Para todo ello, el fondo más adecuado siempre es la naturaleza.

Sus obras reflejan la época de la Regencia, con toda su alegría de vivir, pero incorporando valores inéditos como la imaginación y la felicidad efímera cuando aún prima la pintura de historia.

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Sigue el camino iniciado por Watteau.

Ocupa un puesto académico, primero como profesor y luego como director, para convertirse en 1765 en primer pintor del rey.

Introduce una carga erótica y una superficialidad
que, como reflejo de la vida licenciosa de las clases altas, suponen el abandono definitivo de los
principios tradicionales, lo que le garantiza la fuerte crítica por parte de los neoclásicos.

Con una influencia veneciana que recibe de manera directa en su viaje a Italia.

Preferencias por la mitología galante, con el desnudo femenino como protagonista.

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Pertenece al mundo académico.

Se dedica a la pintura de costumbres y al bodegón.

Ampliamente difundidas a través del grabado, sus obras transmiten una simplicidad y un amor a la verdad que se alejan de la sensualidad, de la imaginación y de la frivolidad del Rococó.

Sus formas son sólidas, captan las calidades físicas de los objetos que armoniza con el color, siempre con predominio del marrón y del gris.

En sus cuadros de costumbres representa a la pequeña burguesía que, a mediados del siglo XVIII, adquiere cada vez más fuerza y contrapone sus ideales a los de las clases superiores.

Prescinde de la anécdota y de cualquier nota graciosa, y pone el acento en los personajes serios y concentrados.

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Es el último pintor de escenas galantes, lo que coincide plenamente con el Neoclasicismo y enlaza al final de su vida con el inicio del Romanticismo.

Aunque ingresa en la Academia, no participa del circuito artístico oficial porque sus obras se canalizan a través del coleccionismo privado.

De su maestro, Boucher, adopta el desnudo femenino y el sentido de la gracia, aunque aporta un gusto por lo trivial y algunos elementos prerrománticos, como el sentimiento apasionado.

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También sobresale en el retrato

Su carácter intelectual, lo lleva a ser el primer presidente de la Real Academia desde su fundación en 1768.

A partir de su experiencia de dos años en Roma, se convence de la necesidad de elevar el rango social del artista y da al arte un enfoque clasicista a través de sus conocidos Discursos, pronunciados cada año en la Academia. En ellos fija la doctrina artística a través de una serie de teorías y reglas.

Aboga por una mayor flexibilidad, más acorde con el sentido común. Por ello, aunque sus preferencias se dirigen a la pintura de historia, comprende que ésta no tiene éxito en Inglaterra, donde lo que más se demandan son retratos.

Reynolds enfatiza el elevado rango social de sus personajes tratándolos como estatuas antiguas o figuras mitológicas.