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Filmkritik mit Hilfe von ChatGPT erstellen

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Filmkritik mit Hilfe von ChatGPT erstellen

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1. Was kann dir ChatGPT über die Meinungen im Internet zu einem Ihrer Lieblingsfilme* verraten? Finden Sie es heraus, indem Sie möglichst gute Prompts schreiben.

* Wählen Sie bitte einen anderen Film als denjenigen für das Padlet "Filmerlebnisse" aus.

https://chat.openai.com/

Im nächsten Abschnitt finden Sie ein Beispiel einer ChatGPT-Abfrage von Reto Neuhaus (https://padlet.com/ner_kvbl/filmkritik-wkg-2023-2024-5ab5o54t9m3ipi86/wish/2638132663) und in den nachfolgenden Posts mehrere Video-Tutorials als Hilfestellung.

2. Welchen Meinungen können Sie sich anschliessen, welchen nicht? Erstellen Sie aus den Antworten von ChatGPT Ihre eigene Filmkritik.

Sie soll 20 bis 30 Sätze lang sein inkl. einer kurzen Einleitunge und eines Fazits am Ende. Flechten Sie in den Text persönliche Elemente ein wie beispielsweise ...

... die Beschreibung Ihrer Gefühle, die der Film auslöst,

... Parallelen des Films zu Ihrer eigenen Biographie und/oder der Biographie von Menschen, die Sie kennen,

... Parallelen des Films zu Dingen, mit denen Sie sich im Rahmen Ihrer Hobbies auseinandergesetzt haben,

... Parallelen des Films zu Dingen, welche Sie im Rahmen Ihrer Ausbildung gelernt haben,

... weiteren persönlichen Elementen, die Sie mit dem Film verbinden.

3. Posten Sie Ihren Text hier in dem Padlet "Filmkritik".

Fügen Sie dem Post auch einen Youtube-Link zu dem Originaltrailer sowie einen Link zu dem Wikipedia-Artikel des Films hinzu.

4. Welche Vor- und Nachteile bietet ChatGPT für das Verfassen einer Filmkritik?

Machen Sie im Abschnitt "Vor- und Nachteile von ChatGPT" hier im Padlet "Filmkritik" je einen Post zu den den Vorteilen und den Nachteilen mit einer nach Wichtigkeit geordneten Liste.

Als Hilfestellung können Sie sich auch die SRF-Sendung ansehen, die Sie im nächsten Abschnitt finden (https://padlet.com/ner_kvbl/filmkritik-wkg-2023-2024-5ab5o54t9m3ipi86/wish/2638142943).

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Beispiel der ChatGPT-Abfrage von Reto Neuhaus

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Beispiel der ChatGPT-Abfrage von Reto Neuhaus

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Lost Highway ist ein US-amerikanisch- französischer Psychothriller von David Lynch, der 1996 gedreht wurde und 1997 in die Kinos kam. Seine intensive Wirkung bezieht er sowohl aus einer rätselhaften, psychologisch dichten Handlung als auch aus einer ausdrucksstarken surrealistischen Bildsprache. Die Handlung wird nicht chronologisch erzählt und die Dramaturgie weist eine Reihe von verwirrenden Elementen auf.

Der Film ist grob in drei Teile geteilt: Fred und Renée stehen im Mittelpunkt des ersten Teils, der bis zur ersten Verwandlung Freds reicht. Im zweiten Teil treten Pete und Alice an die Stelle von Fred und Renée. Der dritte Teil behandelt die Auseinandersetzung zwischen Pete/Fred und Mr. Eddy/Dick Laurent. Die Figur des „Mystery Man" taucht in allen drei Teilen auf, ebenso Vertreter der Polizei.

Nach dem Vorspann, der die Sicht auf einen nächtlichen Highway aus einem fahrenden Auto heraus zeigt, beginnt die Filmhandlung mit dem Bild eines rauchenden, nervösen Mannes in einem etwas dunklen, aber wohlhabend eingerichteten Haus. Während der Mann gedankenversunken raucht, klingelt es an der Tür. Eine Stimme sagt durch die Sprechanlage: „Dick Laurent ist tot!" Danach hört man quietschende Reifen in der Ferne. Als der Mann aus dem Fenster schaut, ist niemand zu sehen.

Kurz darauf erfährt man, dass der Mann, Fred Madison, Jazz- Saxophonist und verheiratet ist. Aber die Ehe zwischen ihm und seiner Frau Renée steht nicht zum Besten. Die Kommunikation zwischen beiden scheint gestört zu sein: Renée lügt Fred an, während dieser sie misstrauisch auszufragen versucht, warum sie nicht auf sein Konzert am Abend mitkomme. Außerdem vermutet Fred, der seine Frau sexuell zu befriedigen nicht imstande ist, dass sie ihn betrügt. Als er während des Konzertes zuhause anruft, geht niemand ans Telefon, obwohl Renée ihm gesagt hatte, sie wolle lesen. Als er nachts nach Hause kommt, liegt Renée schlafend im Bett.

Eines Morgens finden die beiden einen anonymen Umschlag vor ihrer Haustür, in dem sich ein unbeschriftetes Videoband befindet. Sie sehen es sich gemeinsam an - es enthält eine kurze Sequenz einer Außenaufnahme ihres eigenen Hauses. Am nächsten Morgen finden sie ein weiteres Videoband, das nun auch das Innere des Hauses, unter anderem das schlafende Ehepaar, zeigt. Die Polizei wird zu Rate gezogen, kann jedoch keine Einbruchsspuren feststellen. Auf die Frage eines Polizisten, ob das Ehepaar eine Videokamera besäße, antwortet Renée, dass Fred von diesen nichts hielte. Fred ergänzt, dass er sich lieber auf seine Art an die Dinge erinnere. Als der Polizist insistiert und von Fred wissen will, wie er dies meine, antwortet Fred etwas verstimmt und zugleich irritiert, dass er sich an die Dinge erinnere, wie er sie im Kopf behalten hat und nicht unbedingt, wie diese wirklich passiert sind.

Am Abend gehen die beiden auf eine Party eines Freundes von Renée, Andy, den Fred zum ersten Mal trifft. Auf dieser Party wird Fred von einem mysteriösen, optisch an die Figur des Mephisto erinnernden, Mann angesprochen (im Abspann „Mystery Man" genannt), der behauptet, Fred schon einmal begegnet zu sein. Weiterhin sagt er zu Fred: „Ich bin bei Ihnen zu Hause. Ich bin jetzt gerade dort." Zum Beweis gibt er Fred ein Mobiltelefon und fordert ihn auf, seine eigene Nummer zu wählen. Tatsächlich geht der Mann ans Telefon, der Fred auf der Party gerade gegenübersteht. Fred fragt den Mann am Telefon, wie er in sein Haus gelangt sei - dieser antwortet: „Sie haben mich eingeladen. Es ist nicht meine Art, dorthin zu gehen, wo ich nicht erwünscht bin." Dann fordert er ihn auf, das Telefon zurückzugeben. Der seltsame Gast verabschiedet sich und verschwindet.

Fred erkundigt sich beim Gastgeber Andy nach dem mysteriösen Mann, aber dieser kennt ihn nicht und vermutet, er sei ein Freund von Dick Laurent. Fred antwortet spontan, dass Dick Laurent doch tot sei. Andy ist verwundert und meint, dass dies unmöglich sein könne. Als Fred und Renée nach Hause fahren, fragt er sie, woher sie das „Arschloch" Andy kenne. Sie deutet an, sie habe ihn in einem Club kennengelernt und dass Andy ihr einmal einen Job verschafft habe, führt dies jedoch nicht weiter aus.

Zu Hause angekommen, denkt Fred, dass jemand im Haus ist. Aber als er nachsieht, ist niemand zu sehen - nur das Telefon klingelt zweimal. Später sieht man im Haus, das nur spärlich beleuchtet ist, Renée nach Fred suchen, der plötzlich verschwunden ist. Renée ruft verängstigt nach Fred. Es ist dieselbe Situation wie in einem Traum, den Fred einen Tag vorher geträumt und den er Renée nach einem misslungenen Geschlechtsakt erzählt hatte.

In der nächsten Szene sieht man Fred, wie er sich eine weitere Videoaufnahme ansieht. Erneut sieht man die Vorderseite des Hauses, dann, wie jemand die Treppe hinaufgeht und das Schlafzimmer filmt. Dort kniet Fred im Blutrausch über der zerstückelten Leiche seiner Frau. Man hört, wie er den Namen seiner Frau ruft. Durch einen schnellen Schnitt vom Video in die Realität sitzt Fred plötzlich auf einem Polizeirevier und wird von einem Polizisten ins Gesicht geschlagen. Sie halten ihn für den Mörder seiner eigenen Frau, aber Fred kann sich an nichts erinnern und leugnet die Tat. Trotzdem wird er zum Tode verurteilt und inhaftiert.

Im Gefängnis leidet Fred an unerträglichen Kopfschmerzen. Visionen plagen ihn - so träumt er vom Mystery Man und von der Fahrt auf einem verlassenen Highway, aber er sieht auch Bilder vom Mord an seiner Frau, sowie einige andere, von hellem Licht durchflutete Bilder, die schwer zu erkennen sind, aber an eine Geburtsszene erinnern. Schließlich kollabiert Fred in seiner Zelle.

Am nächsten Morgen aber finden die Wärter nicht Fred in der Zelle vor, sondern einen zunächst unbekannten jugendlichen Mann - Pete Dayton. Die Polizei lässt ihn, der ja kein Verbrechen begangen hat, nach der Identifikation frei, beschattet ihn aber, um dem unbegreiflichen Vorfall auf die Spur zu kommen.

Pete geht am nächsten Tag wieder an seine Arbeit in einer Autowerkstatt, wo der Gangsterboss Mr. Eddy (den die Polizei unter dem Namen Dick Laurent kennt) vorbeikommt, um seinen schwarzen Mercedes reparieren zu lassen. Mr. Eddy nimmt Pete auf eine Spritztour mit, bei der Mr. Eddy und seine Leibwächter einen unbekannten Autofahrer brutal verprügeln, da dieser zu dicht auffuhr. Mr. Eddy bringt Pete zurück zur Werkstatt und bietet ihm eine Videokassette an, worauf sich ein Pornofilm befinden soll. Pete lehnt dankend ab.

Mr. Eddy bringt ihm am nächsten Tag auch einen anderen Wagen, einen Cadillac, zur Reparatur. Dabei sieht Pete die schöne Freundin von Mr. Eddy, Alice Wakefield. So wie Pete in vielerlei Hinsicht ein exaktes Gegenstück zu Fred darstellt (unter anderem ist er sexuell potent), ist Alice das (von derselben Schauspielerin gespielte) Gegenstück zu Renée, von der sie sich nicht nur durch ihre Haarfarbe (blond statt dunkelbraun), sondern auch durch ihre Art unterscheidet (charismatisch und extrovertiert statt introvertiert und tumb). Pete ist ganz verzaubert von ihrer Erscheinung und sieht ihr gebannt hinterher.

Später am Abend kommt Alice dann mit einem Taxi allein zur Werkstatt zurück und möchte mit Pete ausgehen. Der hat zwar zunächst Angst vor Mr. Eddy, kann ihr aber doch nicht widerstehen. In einem Motel schlafen die beiden miteinander und verlieben sich offensichtlich. Bei weiteren Treffen planen sie, gemeinsam zu fliehen - was auch nötig erscheint, da der für seine Skrupellosigkeit bekannte Mr. Eddy bereits Verdacht schöpft.

Als Pete irgendwann nach Hause kommt, möchten seine besorgten Eltern mit ihm über einen Vorfall sprechen, der sich vermutlich ereignet hat, kurz bevor Pete im Gefängnis gefunden wurde; aber Pete kann sich nicht erinnern. Seine Eltern erzählen ihm, dass er an jenem Abend mit seiner Freundin Sheila nach Hause kam und dass ein unbekannter Mann dabei war, wollen aber - den Tränen nahe - nicht mehr erzählen. Plötzlich schießen Pete Bilder vom Mord an Renée in den Kopf.

Am nächsten Tag trifft Pete sich wieder mit Alice im Motel. Sie berichtet ihm unter anderem, wie sie an Mr. Eddy geraten ist. Ein Bekannter habe ihr „einen Job" angeboten und sie zu Mr. Eddy bestellt. Dieser zwang sie dann mit vorgehaltener Waffe, in Pornofilmen mitzuspielen. Pete und Alice überlegen, wie sie vor Mr. Eddy, der über ihr Verhältnis mittlerweile Bescheid weiß, fliehen können. Alice schlägt vor, Andy zu überfallen und seine Villa auszurauben - es handelt sich bei diesem Andy um den Gastgeber der Party am Anfang des Films. Bereits Renée berichtete von ihm, er habe ihr „einen Job" vermittelt. Pete solle abends in der Villa warten, um Andy niederzuschlagen, während sie ihn ablenke.

Als Pete vorher noch einmal nach Hause kommt, erwartet ihn Sheila, seine verschmähte Freundin, und stellt ihn bezüglich Alice zur Rede. Sheila meint, dass irgendetwas mit ihm passiert sei und dass er nicht mehr er selbst sei. In diesem Moment ruft Mr. Eddy an, der mit drohendem Unterton fragt, ob es Pete gut gehe. Dann gibt er den Hörer an einen „Freund" weiter, der ebenfalls mit Pete sprechen wolle. Es ist der mysteriöse Mann, der wie schon im Gespräch mit Fred auch zu Pete sagt, dass die beiden sich schon einmal in seinem Haus begegnet seien. Pete ist erschrocken und versteht nicht, was das alles zu bedeuten hat.

Abends fährt er wie verabredet zur Villa von Andy, um sich dort hinter der Bar zu verstecken. Im Wohnzimmer läuft auf einer großen Leinwand ein Pornofilm mit Alice in der Hauptrolle. Als Andy nach unten kommt, wird er von Pete bewusstlos geschlagen. Als er wieder zu Bewusstsein gelangt und sich auf Pete stürzen will, stolpert er und rammt sich im Fallen die Kante eines Glastisches tief in den Kopf. Pete ist entsetzt über diesen Unfall, aber noch mehr über Alices kalte Art, als sie ihm auf seine Bemerkung: „Wir haben ihn umgebracht." antwortet: „ Du hast ihn umgebracht."

Während Alice alle auffindbaren Wertgegenstände einsammelt, entdeckt Pete eine Fotografie auf einer Kommode. Sie zeigt nebeneinander Andy, Renée, Alice und Mr. Eddy. Pete fragt: „Bist du das? Bist du alle beide?!" Alice zeigt auf die blonde Frau und sagt: „Die hier bin ich."

Pete bekommt plötzlich furchtbare Kopfschmerzen. Als er nach oben geht, um das Badezimmer zu suchen, wird er von einer Vision heimgesucht: Er befindet sich plötzlich im langen Gang eines Hotels und öffnet das Zimmer mit der Nummer 26. Darin sieht er Alice im Schein roten Lichts, wie sie mit jemandem schläft, ihn dabei ansieht und ihm sarkastisch zuruft: „Du wolltest mich sprechen, ja? Du wolltest mich fragen: Warum!?" Pete schließt schnell die Tür und ist wieder in der „Wirklichkeit". Unten bedroht ihn Alice mit einer Pistole, als wolle sie ihn erschießen, tut es jedoch nicht, sondern lässt es als Scherz erscheinen („Ich dachte, du vertraust mir."). Im Hintergrund läuft noch immer der Pornofilm.

Pete und Alice fahren in die Wüste zu einem Hehler, der ihre Beute einlösen soll. Es ist dasselbe Haus wie jenes, das in einer von Petes Visionen lichterloh brennt. Weil das Haus leer ist, gehen sie zurück zum Wagen. Pete fragt Alice, warum sie gerade ihn ausgesucht habe; sie antwortet: „Du willst mich doch noch, oder, Pete? Mehr als je zuvor." Als sie daraufhin im Scheinwerferlicht des Autos miteinander schlafen, sagt Pete: „Ich will dich!" Darauf flüstert ihm Alice ins Ohr: „Du wirst mich niemals kriegen." Sie steht auf, dreht ihm den Rücken zu und geht in das Haus.

Nun ist Pete plötzlich wieder Fred Madison. Im Auto sitzt der mysteriöse Mann und sieht Fred an, dann ist er mit einem Mal verschwunden und ruft stattdessen vom Haus her: „Hier bin ich!" Fred zieht sich an und geht in das Haus. Er fragt nach Alice, aber der Mann sagt, eine Frau namens Alice habe es nie gegeben, ihr Name sei Renée. Dann fragt er Fred nach seinem Namen, während er eine Videokamera auf ihn richtet, vor der Fred flieht. Fred rennt zum Auto und fährt den Highway entlang, bis er an einem Motel, dem „Lost Highway Hotel", Station macht.

In einem Zimmer des Motels, das Fred bereits aus der Vision in Andys Haus kennt, sieht der Zuschauer Renée, wie sie mit Mr. Eddy/Dick Laurent schläft. Fred läuft an der geschlossenen Tür mit der Nummer 26 vorbei und nimmt das Zimmer 25. Dort beobachtet er dann durch das Fenster Renée, wie sie das Hotel verlässt und wegfährt. Fred klopft an die Tür mit der Nummer 26. Als Laurent öffnet, schlägt Fred ihn mit der Pistole, die ihm Alice gegeben hat, nieder und sperrt ihn in den Kofferraum von Laurents Mercedes, mit dem er davon fährt. Von einem anderen Hotelzimmer aus beobachtet der mysteriöse Mann hinter einem Vorhang versteckt die Geschehnisse mit ernstem Blick.

Fred fährt in die Wüste zu dem Haus. Als er den Kofferraum öffnet, springt ihm Laurent entgegen, aber der plötzlich ebenfalls anwesende mysteriöse Mann reicht Fred ein Messer, mit dem dieser Laurent die Kehle durchschneidet. Der mysteriöse Mann gibt dem schwer Blutenden einen Taschenfernseher. Auf dem Bildschirm ist Laurent zu sehen, wie er Renée küsst, während sie und seine Freunde einen Pornofilm ansehen, in dem unter anderem Brian Hugh Warner, der Frontmann der Band Marilyn Manson, einen Kurzauftritt hat. Nachdem Laurent den Fernseher zurückgeben musste, sagt er zu dem mysteriösen Mann: „Sie und ich, Mister, wir stellen all die andern Scheißkerle bei weitem in den Schatten. Nicht wahr?"

Der Mann antwortet nicht, sondern tötet Laurent mit zwei Pistolenschüssen. Dann flüstert er - für den Zuschauer unhörbar - Fred etwas ins Ohr. Im nächsten Augenblick steht nur noch Fred alleine vor dem erschossenen Laurent und steckt sich die Pistole in die Hose.

Die Polizei hat inzwischen die Leiche von Andy gefunden. Überall sind Fingerabdrücke von Pete Dayton. Das Foto auf der Kommode ist noch da, aber es sind nur drei Personen abgebildet: Andy, Renée und Dick Laurent. Der Polizeibeamte erkennt die ermordete Ehefrau von Fred.

Fred fährt unterdessen mit Laurents Mercedes zu seinem eigenen Haus und klingelt an der Tür. Nach kurzer Zeit geht jemand an die Sprechanlage, und Fred sagt den Anfangssatz des Films: „Dick Laurent ist tot." Währenddessen kommen zwei Polizeibeamte, die das Haus bzw. Fred observieren, herbeigelaufen. Fred springt in den Wagen und flüchtet. Es beginnt eine Verfolgungsjagd, bei der wieder das Bild des nächtlichen Highways erscheint, mit dem der Film begann. Fred sitzt schreiend am Steuer. Es scheint eine weitere Verwandlung zu beginnen. Sein Kopf bewegt sich wie im Zeitraffer und in Zeitlupe wechselnd, er scheint stark deformiert. Zudem erinnern Gesichtsausdruck und Kopfbewegungen an die Zuckungen der Delinquenten bei einer Hinrichtung auf dem elektrischen Stuhl. Fred wurde dazu verurteilt, nachdem er des Mordes an Renée schuldig gesprochen wurde.

Viele Interpreten des Films verstehen die Handlung von der Verwandlung an als Halluzination Freds im Gefängnis, der sich in Pete ein Alter Ego herbei phantasiert, um seine Situation erträglich zu machen und seine Schuld zu leugnen. Pete ist in vielen Details das exakte Gegenstück zu Fred - vor allem ist er sexuell potent und kann Alice, das blonde Gegenstück zu Freds Frau Renée, befriedigen. Immer wieder jedoch scheint das Trauma des Mordes auch in dieser Halluzination hindurch, wenn nämlich Pete selbst Visionen hat, die ihn mit einem Ereignis konfrontieren, das er nicht versteht. Zum Beispiel erzeugt die Musik (Tenorsaxofon Improvisation) im Radio der Autowerkstatt bei Pete heftige Kopfschmerzen - es ist identisch zum Saxofonspiel von Fred im Nachtclub im ersten Drittel des Films. Fred, der eigentliche Pete, verleugnet und verdrängt seine Schuld, die aber auf symbolische Weise wiederkehrt - als das Geheimnis, über das Pete mit seinen Eltern spricht und an das er sich nicht erinnern kann. Die Vision eines brennenden Hauses, die Pete erscheint, ist womöglich eine indirekte Erinnerung an den Mord, während dessen ein brennendes Feuer im Kamin zu sehen ist.

Andy wäre aus psychoanalytischer Sicht dann ein Rivale von Fred, mit dem Renée ihn betrügt, weshalb Pete ihn im zweiten Teil umbringt. Mr. Eddy/Dick Laurent stellt nach Žižek ( SZ vom 2. April 2005) eine obszöne Vaterfigur dar, die ein sexuelles Genießen ( Jouissance) verkörpert, zu dem Fred selbst nicht fähig ist. Auf diese phallische Dimension deutet bereits Laurents Name hin: „Dick" heißt auf Englisch „Schwanz" bzw. Penis. Als eigentlicher Besitzer von Alice repräsentiert die Vaterfigur Mr. Eddy zugleich ein ödipales Verbot, weshalb er von Fred am Ende durch eine Art Vatermord getötet wird.

Bezüglich seiner Gesamtkonzeption analysiert Robert Blanchet den Film mit Bezug auf Žižek als Möbiusschleife - als kreisförmiges Gebilde, das kein Ende kennt, wobei aber nach der Kreisbewegung nicht wieder von vorne begonnen wird, sondern eine Veränderung stattgefunden hat. Ähnlich beschreibt auch Georg Seeßlen die Wiederaufnahme des Anfangssatzes am Ende des Films:

„Für Fred Nr. 1 beginnt die Geschichte von vorn, für Fred Nr. 2 geht sie weiter auf der Flucht vor Polizeiwagen, aber anstatt in den Tag rast er ziellos seinen ‚Lost Highway' hinab in eine ewig anmutende Nacht, mit dem Schrei eines Wahnsinnigen ... Der Teufelskreis hat sich geschlossen, der Weg heraus ist der in die ewige Verdammnis, die Hölle."

Letztlich ist der Film nur schwer abschließend zu interpretieren, da er eine Vielzahl möglicher Interpretationsansätze bietet. So kann er sowohl psychologisch als Traum-Phantasie und Seelenbild eines unglücklichen Saxophonspielers gelesen werden, wie auch als Mystery- oder Horrorfilm mit „realen" Ereignissen. David Lynch sagte, man könne den Film interpretieren, aber man solle es nicht tun, sondern ihn in seiner Bildgewalt wirken lassen. So kritisiert er die Haltung vieler Zuschauer:

„Jedes einzelne Element eines Films muß auf Anhieb verstanden werden - und zwar verstanden auf dem kleinsten gemeinsamen Nenner. Es ist eine wahre Schande. Es gäbe so viele Orte, an welche sich die Leute begeben könnten, wären sie nicht so eng an diese Beschränkung gebunden." (Interview im Rolling Stone, 6. März 1997)

Andererseits antwortete Lynch auf die Frage, ob er seine Zuschauer mit Lost Highway verwirren wollte:

„Nein, nein. Er erfordert nur eine bestimmte Methode - es geht nicht um Verwirrung, sondern darum, das Geheimnis zu fühlen. Jemand sagte mal: ‚Mystery ist gut, Verwirrung ist schlecht, und es gibt einen großen Unterschied zwischen beidem.' Ich will nicht zu viele Worte darüber verlieren - wenn man nicht gerade ein Dichter ist, werden die Dinge oft kleiner, wenn man über sie spricht. Aber Hinweise für eine richtige Interpretation sind genug da, und ich würde sehr wohl sagen, dass es letztlich in vielerlei Hinsicht eine durchaus geradlinige Geschichte ist. Es gibt nur ein paar Dinge, die etwas verschroben sind."

Andreas Thomas interpretiert den Film als „ Faust im Medienzeitalter", wobei der mysteriöse Mann die Rolle des teuflischen Mephisto einnimmt:

„‚Lost Highway' handelt von der Hölle. Von der Hölle vor und nach dem Teufelspakt. Von der Hölle des Lebens in einer ‚alltäglichen' Unausweichlichkeit, von der Trennung vom Leben, der Vergeblichkeit der Liebe und der Isolation. Die Einsamkeit eines Paares in seiner Partnerschaft, in seinem Haus, in dessen Dunkelheit es sich zu verlieren droht, das mit seinen dicken Mauern und schießschartenartigen Fenstern anscheinend Sicherheit geben soll, aber jede Lebendigkeit erstickt. Und nun der Faustruf nach Entgrenzung. Wie eine verzweifelte Beschwörung diabolischer Mächte klingt Freds Saxophonsolo, und das Videoband belegt: Der Geladene ist schon da, ihm zu helfen - und ihn zu observieren. Aus dem Pudel ist eine Überwachungskamera geworden."

Dass eine gründliche analytische Interpretation des Films weit führt, zeigt folgender Auszug aus einer Interpretation des Films von Ralf Ramge, in der einige Hinweise auf Korrespondenzen zwischen den verschiedenen Teilen des Films aufgezählt werden, die eine sehr bewusste Regie-Arbeit Lynchs erkennen lassen:

„Das Gespräch zwischen Fred und dem Mystery Man während Andys Party wird im Wesentlichen wortgleich zwischen Pete und dem Mystery Man wiederholt. Das gleiche Gespräch zum gleichen Zeitpunkt?

Renée wird am zweiten Tag durch das Bellen eines Hundes in der Nachbarschaft geweckt. Fred will wissen, wem der Hund gehört - nun, eigentlich sollte er es wissen, denn in der Einstellung, in welcher Pete im Garten herumliegt, sieht man den Hund im Garten des Nachbarn herumlaufen.

Die Wohnung von Fred und Renée ist düster, weite Bereiche werden von der Dunkelheit verschluckt, die Musik ist bedrohlich. Petes Welt erstrahlt in hellem Licht, wie uns die Gartenszene gleich vermittelt. Ein krasser Gegensatz, wie die dunklen und hellen Aspekte der Psyche?

Als Pete im Radio die Musik hört, welche Fred in der Bar spielte, kann er sie nicht ertragen. ‚Gute' und ‚böse' Seite der Psyche zum zweiten? Zumal die Musik jeweils am Arbeitsplatz von Fred/Pete erschallt - übrigens haben auch beide eine Begegnung mit Renée/Alice an diesem Ort, welche durch Laurent/Eddy überschattet wird."

Ramge führt den Gedanken einer Entsprechung von erstem und zweitem Teil noch weiter:

„Durch die Geschehnisse, die in jeder der beiden Welten stattfinden, läßt sich sogar ein tatsächlicher chronologischer Ablauf der Geschehnisse feststellen. (...) Bevor Pete das Haus [von Andy] betritt, schaut er kurz auf seine Uhr - man vergleiche die Uhrzeit mit jener, welche man auf der Uhr in Freds Zimmer des ‚Lost Highway Hotel' ablesen kann. (...) So läßt sich durch genaue Analyse sogar der genaue Zeitpunkt des Todes von Renée/Alice bestimmen, die Furcht Freds vor der Videokamera des Mystery Man, die Hinrichtung Freds auf dem elektrischen Stuhl ist in dem Film zu sehen, usw."

Geht man davon aus, dass Fred im Gefängnis hingerichtet wurde, so erschiene der Rest des Films plötzlich als eine Art Leben nach dem Tode - auch diese Interpretation ist nicht auszuschließen und bedingt zusammen mit den anderen möglichen Interpretationen die kaum zu schließende Offenheit des Films, auf der gerade sein Reiz beruht.

Da das Originaldrehbuch als Taschenbuch veröffentlicht wurde (in Deutschland im S. Fischer Verlag), kann man die Abweichungen zum fertigen Film nachvollziehen. Dies sind die wichtigsten:

Die Polizisten, die wegen des beunruhigenden Videos zu den Madisons gerufen wurden, wundern sich über die Kameraführung, da diese „so glatt, wie geschmiert" ist und außerdem „aus einem so steilen Winkel" aufgenommen wurde (S. 23 f.)

In einer langen Sequenz erhalten die Madisons ein drittes Videoband, auf dem nicht nur das schlafende Ehepaar zu sehen ist - in dieser Aufnahme schreckt Fred aus dem Schlaf hoch und kriecht auf allen vieren um das Bett herum, um dann mit gequältem Gesicht direkt in die Kamera zu blicken. Fred kann sich daran nicht erinnern, was er auch den Polizisten mitteilt (S. 26-30).

Renée hat ein Déjà-vu, als Fred ihr sagt, sie solle draußen warten; wer das Ende kennt, weiß, dass ein Déjà-vu naheliegt (S. 35 f).

Eine längere Passage beschreibt die Autopsie an Renées Leichnam (in der fertigen Filmversion zeugt lediglich das letzte Videoband von ihrem Tod); daraufhin ist die Urteilsverkündung im Gericht dargestellt, sowie Leute, die in einem Kleidergeschäft über den Fall Madison und die Todesstrafe an sich sprechen (S. 39-44).

Eine ausführliche Sequenz beschreibt die Hinrichtung eines Mitgefangenen von Fred auf dem elektrischen Stuhl (S. 45-49).

Auf den Seiten 57-69 wird in der längsten Auslassung über den plötzlichen Identitätswechsel von Fred zu Pete diskutiert; innerhalb der Polizeistation, mit den Eltern und mit Pete selbst.

Einige Gespräche mit Petes Freunden wurden gestrichen (z. B. S. 74-77).

Die inhaltlich wichtigste Änderung ist wohl die Tatsache, dass Pete im Originaldrehbuch häufig plötzlich unsichtbar zu werden scheint - in der ersten dieser Szenen sieht Pete seine Eltern einen Joint rauchen; als diese sich zu ihm umdrehen, sehen sie ihn nicht (S. 92). Auch seine Freundin Sheila blickt ihn ab und zu direkt an, sieht ihn aber nicht (S. 102, 117); nachdem Pete mit Mr. Eddy das Telefonat geführt hat, das enthüllt, dass dieser über Petes Betrug Bescheid weiß, können seine Eltern Pete erneut nicht sehen (S. 122).

„[eine] Achterbahnfahrt [...] Momente ‚reinen' Filmemachens [...] eine Meisterschaft über Bild und Ton, wie sie seit Blue Velvet nicht mehr zu sehen/zu hören war"

„Unter brachialem Einsatz assoziationsgeladener Bilder, Geräusche und Töne kommuniziert Lynch mit dem Persönlichsten des Einzelnen"

„Führt schließlich zu der enormen Annahme, dass wir möglicherweise alle nicht im Fahrersitz sitzen [...] (Anschauen in einem Kino mit vernünftigen Lautsprechern lohnt sich)"

„Andererseits aber ist der studierte Maler und Photokünstler David Lynch eben doch kein Autorenfilmer im europäischen Sinn [...] Denn Lynch hat [...] von Anfang an alle seine Filme auch als Industrieprodukte betrachtet [... er] will immer beides, befreien und überwältigen, den offenen Horizont und die geschlossene Form. [...] "Lost Highway" zerbricht daran. [...] Es sind die beiden Verwandlungen: von Fred in Pete, von Pete in Fred. [...] gerade in diesen entscheidenden Momenten, da die Illusion unbedingt funktionieren müßte, beginnt Lynchs Film zu stammeln. [...] Doch es gibt auch große und wunderbare Augenblicke in diesem Film, Bilder, deren Schönheit sich ohne psychoanalytisches Sehbesteck und postmodernes Wortkonfetti sofort erschließt. Es gibt jene ersten vierzig Minuten einer schleichenden Ehehölle, die zum Besten gehören, was Lynch je gedreht hat: das Licht wie von Edward Hopper, die Figuren wie von Kafka, die Gesten und Töne wie in einem Gedicht von Robert Frost. Es gibt das Stilleben mit dem kleinen Segelschiff und dem blauen Ball im Kinderplanschbecken, das Pete beim Blick in den Nachbargarten erhascht - ein Schnappschuß der versiegelten Zeit, der Unschuld, die nie wiederkommt. Und es gibt die unglaubliche Patricia Arquette, die [...] endlich ihren ganzen Medusen-Zauber ausspielen darf - Lady, Hexe, Hure, Mädchen und Kind; wie Wetterleuchten zucken die Klischees über ihr Gesicht, und selbst in der Umarmung der Männer bleibt sie unberührbar, Ikone einer kalten, irrealen Lust."

„Verstörende, äußerst komplexe Reise ins Unheimliche, die mit den Mitteln der Verrätselung und des Horrorfilms den Zuschauer in Bann schlägt. Ein filmisches Meisterwerk, das über viele Fragen der Gegenwart zur Auseinandersetzung zwingt."

Lynch berichtete, dass die Eingangsszene des Films aus seinem Leben gegriffen sei: Tatsächlich habe einmal ein Mann an seiner Tür geklingelt und den Satz „Dick Laurent is dead" durch die Sprechanlage gesprochen. Als Lynch aus dem Fenster blickte, sei niemand mehr zu sehen gewesen.

Vier Jahre nach dem Start des Films wurde die Frau von Robert Blake, dem „Mystery Man", ermordet - ein Verbrechen, für das der Schauspieler 2002 zunächst angeklagt, später aber freigesprochen wurde.

Immer wieder diskutiert wird der Einfluss des Films Tanz der toten Seelen (Carnival of Souls, 1962) auf David Lynchs Film. Der Mystery Man und der von Herk Harvey dargestellte Untote sind ähnliche Figuren, und die Hauptdarstellerin trägt denselben seltenen Vornamen (Candace) wie Pete Daytons Mutter. Auch die Geschichte weist gewisse Verwandtschaften auf: Der Film schildert die Todesvision einer bei einem Autounfall ums Leben gekommenen Frau, die träumt, wie sie von den Toten verfolgt und in deren Welt hineingezogen wird.

Das Sound-Design zu Lost Highway stammt wie in einigen anderen seiner Filme von David Lynch selbst.

Die Dreharbeiten des Films mit einem Budget von 15 Millionen US-Dollar begannen im September 1995 unter anderem in Barstow und Los Angeles, Kalifornien und in Chapel Hill, North Carolina in den USA und wurden im Februar 1996 beendet.

Lost Highway kam am 15. Januar 1997 in die französischen, am 21. Februar 1997 in die US-amerikanischen und am 10. April 1997 in die deutschen Kinos. Dabei spielte der Film in den USA nur rund 4 Millionen US-Dollar ein. Weltweit brachte er ein Einspielergebnis von rund acht Millionen US-Dollar ein.

Der Film ist eine Co-Produktion von Asymmetrical Productions, CiBy 2000, Lost Highway Productions LLC und October Films im Verleih von Senator Film (Deutschland).

Olga Neuwirth und Literaturnobelpreisträgerin Elfriede Jelinek haben Lost Highway als Oper aufbereitet. Uraufführung war am 31. Oktober 2003 in Graz.

Henry Rollins von Black Flag ist als Gefängniswärter zu sehen, Scott Ian, Rhythmusgitarrist bei Anthrax, mimt einen Häftling.

Brian Hugh Warner, der Sänger der Band Marilyn Manson, der Bassist Twiggy Ramirez und die deutsche Pornodarstellerin Dru Berrymore sind als Pornodarsteller in Nebenrollen zu sehen.

Die Rockgruppe Rammstein erfuhr durch die Verwendung zweier Lieder ( und Heirate mich aus dem Album in dem Soundtrack internationale Aufmerksamkeit. Die Songs wurden von Lynch kurzfristig noch in den Soundtrack aufgenommen, als er von der Plattenfirma der Band eine CD geschickt bekam, eigentlich verbunden mit der Anfrage, ob er Lust hätte, mit der noch unbekannten deutschen Gruppe - die Musiker waren Fans von David Lynch - ein Video zu drehen. In einem Spiegel-Interview berichtete Lynch später, die gesamte Filmcrew sei verrückt nach der Musik gewesen. Die Band habe darum 70 CDs nachschicken müssen - für jedes Crewmitglied eine.

Der Soundtrack wurde von Trent Reznor produziert. Die Liste des offiziellen Titel ist:

1. David Bowie - I'm Deranged

2. Trent Reznor - Videodrones; Questions

3. Nine Inch Nails - Perfect Drug

4. Angelo Badalamenti - Red Bats With Teeth

5. Angelo Badalamenti - Haunting & Heartbreaking

6. The Smashing Pumpkins - Eye

7. Angelo Badalamenti - Dub Driving

8. Barry Adamson - Mr. Eddy's Theme 1

9. Lou Reed - This Magic Moment

10. Barry Adamson - Mr. Eddy's Theme 2

11. Angelo Badalamenti - Fred & Renee Make Love

12. Marilyn Manson - Apple of Sodom

13. Antônio Carlos Jobim - Insensatez

14. Barry Adamson - Something Wicked This Way Comes

15. Marilyn Manson - I Put a Spell on You

16. Angelo Badalamenti - Fats Revisited

17. Angelo Badalamenti - Fred's World

18. Rammstein - Rammstein (Edit)

19. Barry Adamson - Hollywood Sunset

20. Rammstein - Heirate Mich (Edit)

21. Angelo Badalamenti - Police

22. Trent Reznor - Driver Down

23. David Bowie - I'm Deranged (Reprise)

Nicht auf dem offiziellen Soundtrack enthalten ist der Titel Song to the Siren von This Mortal Coil, welcher im Film immer beim Auflösen der jeweiligen Realität abgespielt wird, bevor eine Verwandlung stattfindet.

Slavoj Žižek: The Art of the Ridiculous Sublime: On David Lynch's Lost Highway. University of Washington Press, 2000, ISBN 0-295-97925-9. (englisch)

Tanja Michalsky: David Lynch: „Lost Highway". Ein filmischer Beitrag zur Medientheorie. In: Thomas Hensel, Klaus Krüger, Tanja Michalsky (Hrsg.): Das bewegte Bild - Kunst und Film. Fink, München 2006, ISBN 978-3-7705-4150-8, S. 397-418.

Andreas Kilb: David Lynch kehrt mit „Lost Highway" in die Welt seiner frühen Filme zurück - und bleibt auf halbem Wege stehen. In: , Nr. 16/1997, Rezension

David Foster Wallace: David Lynch bewahrt kühlen Kopf, in: ders.: Der Spass an der Sache. Alle Essays. Köln 2018. S. 607-680.

1. Robert Blanchet: Circulus Vitiosus. Spurensuche auf David Lynchs Lost Highway mit Slavoj Žižek, cinetext.

2. Ralf Ramge: Analyse bei Retro-Park.de retro-park.de, Link nicht mehr verfügbar.

3. Jonathan Rosenbaum: Splitting Images. In: Chicago Reader. 1997, abgerufen am 27. Januar 2009 (englisch): „a [...] kind of roller-coaster [...] moments of "pure" filmmaking [...] mastery of sound and image on display here hasn't been seen or heard since Blue Velvet"

4. Janet Maslin: Lost Highway (1997) - Eerie Visions With a Mood Of Menace. In: The New York Times. 21. Februar 1997, abgerufen am 27. Januar 2009 (englisch): „Eventually it raises the overwhelming possibility that nobody is entirely in the driver's seat. [...] (It's worth the extra trouble to see this film in a theater with decent speakers.)"

5. Andreas Kilb: David Lynch kehrt mit „Lost Highway" in die Welt seiner frühen Filme zurück - und bleibt auf halbem Wege stehen. In: , Nr. 16/1997

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Lost Highway ist ein US-amerikanisch- französischer Psychothriller von David Lynch, der 1996 gedreht wurde und 1997 in die Kinos kam. Seine intensive Wirkung bezieht er sowohl aus einer rätselhaften, psychologisch dichten Handlung als auch aus einer ausdrucksstarken surrealistischen Bildsprache. Die Handlung wird nicht chronologisch erzählt und die Dramaturgie weist eine Reihe von verwirrenden Elementen auf.

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Filmkritik zu «Lost Highway»

Düster, düsterer, Lost Highway

von Reto Neuhaus

"Lost Highway" ist ein surrealistischer Film von David Lynch aus dem Jahr 1997, der von mehreren Kritiker*innen als ein Meisterwerk des Psychothrillers und des Film Noir bezeichnet wurde. Da es sich um einen meiner Lieblingsfilme handelt, stimme ich dieser Aussage natürlich zu. Für mich ist er ein absolutes Meisterwerk. Der Film beinhaltet viele Elemente, die ich persönlich sehr mag. In dieser Filmkritik möchte ich auf die Stärken des Filmes eingehen und aufzeigen, welche Emotionen der Film bei mir auslöst.

Ich war 18 Jahre alt, als ich den Film das erste Mal gesehen habe. Zu dieser Zeit habe ich intensiv mit Musik auseinandergesetzt. Jede Woche kaufte ich mir zwei bis drei neue Alben. Als ich dann erfuhr, dass ein Film in die Kinos kommen wird, dessen Soundtrack (https://en.wikipedia.org/wiki/Lost_Highway_(soundtrack)) von vielen meiner damaligen Lieblingsbands produziert wurde, war klar: Diesen Film muss ich sehen. Das erste Mal habe ich ihn im Kino gesehen, dann ein zweites Mal in einem Open-Air-Kino und später viele weitere Male mehr zu Hause auf DVD.

Der Film zeichnet sich durch eine düstere und beklemmende Stimmung aus, die den Zuschauer in eine verstörende und surreale Welt eintauchen lässt. Die Kombination von unheimlicher Musik, rätselhaften Handlungssträngen und einer unklaren Realität schafft eine beunruhigende Atmosphäre. Mich ziehen solche Filme magisch an. Typischerweise spielen sie oft oder ausschliesslich in der Nacht, werden die Grenzen zwischen «gut» und «böse» stark vermischt, haben die Figuren sehr spezielle und doch sehr menschliche Charaktereigenschaften, und so weiter. Gewalt und der Umgang mit Gewalt spielen in diesen Filmen typischerweise eine wichtige Rolle. Das finde ich spannend, weil Gewalt verabscheuungswürdig ist und dennoch in der Welt und der Menschheit immer wieder in sehr unterschiedlicher Form vorkommt.

Viele meiner Freunde mochten den Film nicht und konnten nichts damit anfangen. Das kann ich gut nachvollziehen.  Die komplizierte und teils unlogische Handlung verwirrt die meisten Zuschauenden. Die verstörende Atmosphäre und der Umgang mit Gewalt schrecken viele ab. Schließlich ist David Lynch bekannt für seine avantgardistischen und experimentellen Ansätze, die nicht jedermanns Geschmack treffen. Als Jugendlicher war es für mich interessant, von einem Film fasziniert zu sein, der nicht den allgemeinen Geschmack trifft.

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ChatGPT und Co. – Wo künstliche Intelligenz verblüfft und wo sie scheitert | Einstein | SRF

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GLADIATOR | Official Trailer | Paramount Movies

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Gladiator ist ein mit fünf Oscars prämierter Monumentalfilm aus dem Jahr 2000. Er entstand unter der Regie von Ridley Scott und spielte weltweit ca. 457 Millionen US-Dollar ein. Allein in Deutschland sahen ihn bis Anfang 2001 rund 3,4 Millionen Menschen im Kino. Das US-Kinomagazin Empire listet die von Russell Crowe verkörperte Figur des Maximus Decimus Meridius auf Platz 95 der 100 wichtigsten Filmfiguren der Kino-Filmgeschichte.

Im Mittelpunkt des Filmes steht der von der Iberischen Halbinsel stammende erfolgreiche römische Feldherr Maximus Decimus Meridius, der ein treuer Gefolgsmann des Kaisers Mark Aurel (im Film mit seinem lateinischen Namen Marcus Aurelius angeredet) ist. Obwohl die mit den Römern verfeindeten Germanen fast besiegt sind, geben sie noch immer nicht auf. Nach einer flammenden Ansprache führt Maximus seine Truppen gegen die Feinde in die Schlacht. Der Kampf ist beiderseits verlustreich, doch die Römische Legion geht siegreich hervor. Obwohl er Maximus für die errungenen Siege lobt, plagen Mark Aurel wegen der geführten Kriege und eingenommenen Länder sowie der korrumpierten Politik in Rom Gewissensbisse. Er sieht sein Ende nahen und möchte Rom dem Volk wieder zurückgeben, also das Kaisertum abschaffen und die Republik wiederherstellen. Diese Aufgabe will er Maximus übertragen, der als Feldherr der nördlichen Provinzen hoch geschätzt ist.

Mark Aurels leiblicher Sohn Commodus wird zusammen mit seiner Schwester Lucilla, einer ehemaligen Geliebten von Maximus, ins Feldlager der Legion nach Germanien gerufen und erfährt dort von seinem Vater, dass nicht er der Thronfolger werden soll. Darüber bitter enttäuscht erstickt Commodus seinen Vater, bemäntelt dessen Tod als „natürlich" und erhebt sich selbst zum Römischen Kaiser. Maximus aber verweigert Commodus die Gefolgschaft, weil er Commodus' Taten, den Mord am Vater und den Verrat am römischen Volk, erkennt.

Commodus befiehlt daraufhin den Prätorianern die Hinrichtung bzw. Ermordung von Maximus und seiner Familie. Aber Maximus kann die Prätorianer überwältigen, wird beim Kampf verletzt und flüchtet nach Hause, nach Turris Julia (heute: Trujillo, Provinz Cáceres, Spanien) in der römischen Provinz Lusitania. Dort angelangt findet er seine Frau erhängt und verbrannt, seinen achtjährigen Sohn gekreuzigt und sein Haus niedergebrannt vor.

Nachdem er seine Familie begraben hat, verliert er schwer verletzt die Besinnung. Sklavenhändler nehmen ihn mit, verschleppen ihn nach Afrika ( Zucchabar) und verkaufen ihn als Sklaven an die Gladiatorenschule von Antonius Proximo, einem ehemaligen Gladiator. Als Gladiator ist Maximus ähnlich erfolgreich wie einst als Feldherr. Unter dem Pseudonym Der Spanier erwirbt er sich rasch den Respekt seiner mitkämpfenden Gladiatoren sowie die Begeisterung der Massen. Die Gladiatorentruppe wird nach Rom engagiert, als Commodus zu Ehren seines verstorbenen Vaters Gladiatorenspiele im Kolosseum ansetzt.

Gladiatoren, die Lieblinge des Publikums werden, haben die Chance, freigelassen zu werden. Dies ist das Ziel von Maximus. Nach einem erfolgreichen Kampf tritt Kaiser Commodus persönlich in die Arena und verlangt von Maximus die Preisgabe seiner Identität. Maximus nimmt den Helm ab, und Commodus muss erkennen, dass sein totgeglaubter Rivale um die Gunst seines Vaters ihm gegenübersteht. Maximus will Rache für die Ermordung seiner Familie und trachtet Commodus nach dem Leben.

Maximus steigt zum Idol der Massen auf, unter anderem bekannt als der Barmherzige, nachdem er einen Gladiatoren gegen den Willen Commodus´ verschonte. Zudem besucht ihn Lucilla. Sie betreibt seine Verbindung zu Senator Gracchus. Commodus spürt, dass der vom Volk geliebte Maximus sein Kaisertum bedroht. Commodus' Sehnsucht nach Anerkennung durch das römische Volk, die erotische Liebe zu seiner Schwester und seine psychopathische Machtgier treiben ihn an. Doch er sieht davon ab, Maximus in der Arena töten zu lassen, damit dieser nicht zum Volkshelden wird.

Gracchus, Lucilla und Maximus planen einen Staatsstreich. Sie wollen zusammen mit Gleichgesinnten Commodus absetzen und nach dem Wunsch des verstorbenen Kaisers Mark Aurel die Republik wiederherstellen. Maximus soll im Übergang seine ehemaligen Truppen befehligen und so die senatorische Macht absichern. Doch Lucillas kleiner Sohn Lucius verplappert sich und Commodus kann die Umsturzpläne aufdecken. Er lässt die Beteiligten festnehmen. Maximus gelingt es, aus der Gladiatorenschule zu fliehen, gerät jedoch in eine Falle und erneut in Gefangenschaft. Commodus sieht nun seine Chance. Er will seine eigene Dynastie begründen und dazu seine Schwester zur Inzucht erpressen.

Um Maximus endgültig zu überwinden, inszeniert er einen Schaukampf zwischen ihm und sich selbst im Kolosseum. Maximus schwächt er zuvor durch einen Dolchstich in den Brustkorb. Als Commodus im Kampf sein Schwert verliert, verweigert ihm der Prätorianerführer Quintus die Hilfe. Maximus gewinnt das Duell mit letzter Kraft, stirbt aber unmittelbar danach. Ein Ehrenzug trägt ihn aus der Arena, angeführt vom freigelassenen Gracchus und gefolgt von seinen befreundeten Gladiatoren und Quintus. Commodus lässt man im Staube liegen. Maximus' Vermächtnis, die Rückführung der Macht in die Hände des Senats, hat nun eine Chance.

Gladiator war der erste Monumentalfilm mit antiker Thematik seit den 1960er Jahren. Seine Handlung griff zahlreiche Elemente aus Der Untergang des Römischen Reiches aus dem Jahr 1963 auf. In diesem Film unter der Regie von Anthony Mann spielten Sophia Loren als Lucilla, Alec Guinness als Mark Aurel und Christopher Plummer als Commodus. Eine Maximus vergleichbare Gestalt namens Livius wurde von Stephen Boyd dargestellt, hierbei handelte es sich jedoch um einen Militärtribun.

Gladiator nutzte die rasante Entwicklung computergestützter visueller Effekte Ende der 1990er Jahre, um das antike Rom stark idealisiert wiedererstehen zu lassen. Dennoch konzentriert der Film sich zugleich auf das Schauspiel von Crowe und Phoenix sowie einer ganzen Reihe Schauspieler der „alten Garde" wie Richard Harris, Derek Jacobi oder David Hemmings, die aus dem Film einen klassischen Schauspielfilm machen. Oliver Reed starb während der Dreharbeiten. Das Drehbuch wurde umgeschrieben, sodass dessen Figur nun einen Heldentod sterben darf. Seine verbleibenden Szenen ergänzte man durch am Computer generierte Bilder und Körperdoubles.

Die Dreharbeiten fanden von Januar bis Mai 1999 hauptsächlich an drei Orten statt. Die Eröffnungsszene, die Schlacht in den germanischen Wäldern, wurde innerhalb von drei Wochen in den Bourne Woods bei Farnham in Surrey, England, gedreht. Als Ridley Scott von der Absicht der britischen Forstbehörde erfuhr, den Ort zu entwalden, überzeugte er diese, ihn die Szene dort drehen zu lassen und den Wald selbst während des Drehs zu zerstören.

Scott und der Kameramann John Mathieson nutzten in den Action-Sequenzen die Stop-Motion-Filmtechnik, in dem sie sich mehrerer Kameras mit verschiedenen Bildraten und Umlaufverschlüssen bedienten.

Die Szenen der Sklaverei, die Reise in die Wüste und die Schule der Gladiatoren wurden in den Atlas Corporation Studios in Ouarzazate, Marokko, über drei Wochen gedreht. Die Arena, in der Maximus seine ersten Gladiatorenkämpfe bestreitet, wurde dort aus Lehmziegeln gebaut.

Die Szenen des antiken Rom wurden auf Malta, im Fort Ricasoli über neunzehn Wochen gedreht. Dort wurde eine 15 Meter große Teil- Nachbildung des Kolosseums aus Gips und Sperrholz gebaut, die allerdings nur ein Drittel des originalen Bauwerks abbildete. Die restlichen zwei Drittel wurden per Videobearbeitung in der Postproduktion hinzugefügt. Der Bau dauerte mehrere Monate und kostete eine Million US-Dollar.

Der Dreh der spanischen Heimat des Protagonisten Maximus fand in Italien, im Val d'Orcia, einem UNESCO-Weltkulturerbe, in der Toskana statt.

Gladiator greift auf historische Personen, Ereignisse und Kulturen des Römischen Reichs zurück. Für einen Historienfilm typisch wurden dabei Änderungen und Verfälschungen der geschichtlichen Fakten zugunsten von Dramaturgie, Inszenierung und dem populären und idealisierten Bild der Epoche vorgenommen.

Pollice Verso von Jean-Léon Gérôme 1872

Scott und seinem Produktionsdesigner zufolge wurde die Idee eines „römischen" Filmes besonders vom Gemälde Pollice verso des Historienmalers Jean-Léon Gérôme inspiriert. Weitere, teils vom Jugendstil beeinflusste Historienmaler des ausgehenden 19. Jahrhunderts, wie Sir Lawrence Alma-Tadema, dienten Scott ebenfalls als Vorbild: „ Die größten Fotografen waren die Maler, die diese historischen Zeiten darstellten, vornehmlich aus dem 19. Jahrhundert."

Scott war auch von den alten historischen Monumentalfilmen der 1950er und 1960er Jahre fasziniert, besonders von , und . Dies wird sowohl in der Ausstattung als auch in den Monumentalszenen deutlich. Wie in den alten Monumentalfilmen nimmt Scott zudem Anleihen bei Leni Riefenstahls Inszenierung zu Triumph des Willens u. ä. So wird Commodus bei seiner Ankunft in Rom von tausenden angetretenen Prätorianern auf einem gewaltigen Vorplatz vor dem Palast empfangen - aber einen Platz dieser Größe gab es in der Innenstadt Roms nicht. Das einzig dafür geeignete Marsfeld lag zur dargestellten Zeit vor den Toren Roms. Es war aber im 2. Jahrhundert n. Chr. bereits so stark überbaut, dass auch hier fraglich ist, ob eine Machtdemonstration in diesem Ausmaß dort stattfinden konnte.

Weiter ließ sich Scott vom Film Der Soldat James Ryan inspirieren, besonders von der Landung in der Normandie. Dies wird bei den Kampfszenen deutlich, bei denen durch den massiven Gebrauch von brandbombenartigen Geschossen auch Erinnerungen an den Vietnamkrieg aufkommen.

Eine Hinrichtungsszene folgt ganz dem Muster moderner militärischer Erschießungen, nur dass die Gewehre durch Pfeil und Bogen ersetzt sind (anachronistischerweise lautet das Kommando zur Erschießung trotzdem „Fire!"). Eine solche Hinrichtungsmethode gab es in der Antike nicht; in der Kaiserzeit wurde üblicherweise das Schwert benutzt.

Handzettel, wie sie als Veranstaltungsankündigung in einer Szene in Rom zu sehen sind, gab es damals nicht, da weder billiges Papier noch die Technik für Massendruck zur Verfügung stand.

Scott hat die Gladiatorenspiele im Film freizügig inszeniert. Sie gleichen einem Gemetzel ohne Regeln, bei dem es darauf ankommt, dass möglichst viel Blut spritzt. Der historisch belegte Gladiatorenkampf lief dagegen nach festen strengen Regeln ab, wurde von Schiedsrichtern beaufsichtigt und endete auch nicht immer tödlich. Raubkatzen wurden nicht im Gladiatorenkampf, sondern bei Hinrichtungen und Tierhetzen im Amphitheater eingesetzt.

„Dies ist eine exakte Replik dessen, wie es ausgesehen hat, in Dimension wie in der Architektur", verkündet Scott zum Kolosseum auf der DVD-Version von Gladiator (Dreamworks und Universal Pictures, 2000). Und sein Produktionsdesigner Artur Max fügt hinzu: „Wir waren sehr genau - ich würde sagen, besessen genau." Das zu großen Teilen computeranimierte „Kolosseum" vermittelt ausgezeichnet die Atmosphäre, aber einige Details passen nicht: Die kegelförmigen Granitsäulen an den Arenarändern sind Wendemarken eines Circus. Dagegen fehlt das große Gitter vor den Tribünen zum Schutze des Publikums vor angreifenden Raubkatzen. Der Flug über die Stadt bis zum Amphitheatrum Flavium, das im Film fälschlicherweise bereits „Kolosseum" (eine mittelalterliche Wortfindung) genannt wird, ist von dem 1937 unter Benito Mussolini angefertigten Modell Plastico di Roma Antica abgefilmt und zeigt Rom einhundert Jahre nach der Handlung zur Zeit Konstantins des Großen. Auch in der restlichen „rekonstruierten" antiken Stadt finden sich weitere Ungereimtheiten und historische Fehler.

Kostüme und Ausstattung

Historisch sind die Kostüme so gut wie nie korrekt. Unter anderem tragen die Legionäre Fantasiehelme sowie Unterarmbänder, die es so nie gegeben hat. Seit den frühen Monumentalfilmen dienen diese Unterarmbänder allerdings als typisches Signalzeichen, wenn „Antike" vermittelt werden soll. Etwas befremdlich wirken auf Fachleute die wie stereotype Steinzeitmenschen gekleideten Germanen. Mark Aurels Tochter wiederum trägt ein nur leicht antikisierendes Gewand und teilweise orientalische Hennamalereien, die es nie im alten Rom gegeben hat. Ein weiteres Beispiel für Scotts Umgang mit dem historischen Ausgangsmaterial findet sich dann in den dargestellten Gladiatorenkämpfen: Die Gladiatoren kämpfen in Fantasieuniformen unterschiedlicher Zeitalter gegeneinander und nutzen Waffen verschiedener mittelalterlicher Völker. Russell Crowe trägt während seines ersten Kampfes im Kolosseum gar einen futuristischen Helm. Kopien historischer Originalausrüstungen, über die man heute sehr detailliertes Wissen besitzt, wurden zumeist nicht genutzt. Commodus ist im Film als glatt rasiert dargestellt, trägt aber auf allen erhaltenen antiken Bildwerken einen Vollbart, wie er damals Mode war.

Torsionsgeschütze der römischen Feldartillerie waren weitaus kompakter und leichter zu bewegen als im Film dargestellt. Es gab sie in verschieden großen Ausführungen. Als Carroballistae waren sie auf fahrbare Lafetten montiert, die von Hand oder durch Zugtiere bewegt werden konnten. Mit diesen Geschützen war es der römischen Artillerie möglich, auch tiefere Kampfräume schnell und flächig zu bestreichen

Schwere Wurfgeschosse wurden damals nur im Stellungskrieg eingesetzt - und dann auch sicher nicht in der gezeigten „Brandbomben-Variante", die bewusst an diverse Vietnamfilme erinnert. Der gezeigte Urwald in Germanien ist ein teilweise kahlgeschlagener, forstwirtschaftlich genutzter Fichtenbestand; eigentlich herrschten dort ausgedehnte Laubwälder vor. Historisch unzutreffend ist auch Maximus' Angaloppieren vor der großen Schlacht: Den ihn begleitenden deutschen Schäferhund gab es zu dieser Zeit noch nicht. Die Rossstirn seines Pferdes stammt aus dem Spätmittelalter. Der Thronsessel des Commodus schließlich ist die Kopie eines napoleonischen Thrones aus klassizistischer Zeit.

Die durch die Schlacht zu Beginn des Films angebliche „abgeschlossene Eroberung Germaniens" hat es nie gegeben: Nach dem Scheitern der römischen Vorstöße nach Germanien unter Augustus (siehe auch Varusschlacht) gab es zur Zeit Mark Aurels nur die beiden relativ kleinen römischen Rheinprovinzen Germania inferior und Germania superior, während der größte Teil des germanischen Siedlungsgebietes als „freies" (Germania libera) oder „großes" Germanien (siehe Germania magna) nicht unter römischer Herrschaft stand. Allerdings führte Mark Aurel tatsächlich einen langen Krieg gegen germanische Stämme und konnte die römische Grenze in schweren Kämpfen sichern. Die vom Kaiser wahrscheinlich angestrebte Eroberung des Markomannenreiches im späteren Böhmen scheiterte aber nach einigen Anfangserfolgen, auch wenn mehrere Quellen behaupten, man habe 180 kurz vor der Einrichtung von zwei neuen Provinzen gestanden. Zwar ist zweifelhaft, ob dies stimmt, doch schließt der Film in dieser Hinsicht also immerhin an die antike Überlieferung an.

Der im Film angedeutete Inzest zwischen Commodus und seiner Schwester ist dagegen eine freie Erfindung der Autoren, wohl angelehnt an das dem Kaiser Caligula und seiner Schwester Drusilla nachgesagte inzestuöse Verhältnis. Der Film bedient sich dabei zugleich aus dem Repertoire der klassischen Tyrannentopik.

Gladiator erzählt im letzten Akt den Tod des Commodus historisch falsch, inspiriert vom 1964 entstandenen Film Der Untergang des Römischen Reiches. Das Motiv des Schwertkampfes zwischen Commodus und dem Filmhelden Livius von 1964 wird in Gladiator neu interpretiert. Die Wahrheit ist aber, dass Commodus - der als „Hercules" in Scheinkämpfen aufzutreten pflegte - den antiken Quellen zufolge vom Ringer Narcissus erdrosselt wurde, den Marcia, eine Konkubine des Commodus, angeheuert hatte, weil dieser sie anlässlich des Saturnalienfestes im Jahre 192 mutmaßlich hinrichten lassen wollte. Der Tod ereilte ihn in seinem Palast, nicht aber öffentlich im Kolosseum.

In Teilen zwar nachvollziehbar, aber dennoch nicht historisch ist der im Film dargestellte Gedanke des Kaisers Mark Aurel, seinen fähigsten Feldherrn anstelle seines leiblichen Sohnes zum Nachfolger zu ernennen. Mark Aurel war nach Nerva, Trajan, Hadrian und Antoninus Pius der letzte der sogenannten Adoptivkaiser. Aufgrund ihrer Kinderlosigkeit erhoben die vier erstgenannten jeweils einen General oder Verwaltungsbeamten - wie im Falle des Antoninus Pius - zu ihrem Erben. Dazu muss jedoch relativierend gesagt werden, dass zwischen den Adoptivkaisern zum Teil verwandtschaftliche Beziehungen bestanden. Jedenfalls ließ Mark Aurel in Wirklichkeit niemals einen Zweifel daran, dass sein Sohn als Nachfolger vorgesehen war: Bereits als Fünfjähriger wurde dieser im Oktober 166 zum , also zum Thronfolger, erhoben; 175 wurde er princeps iuventutis, 176 feierte er gemeinsam mit Mark Aurel einen Triumph, und seit 177 war er als Mitherrscher seines Vaters. Er besaß bei dessen Tod also bereits seit knapp drei Jahren alle Rechte und Vollmachten eines Kaisers, die Nachfolgefrage war längst geklärt. Der „Philosophenkaiser" Mark Aurel starb in Wirklichkeit im Jahre 180 auch nicht durch die Hand seines Sohnes, sondern erlag nahe Wien (Vindobona) der Pest. Commodus regierte danach über zwölf Jahre als Alleinherrscher (der Film suggeriert hingegen eine Herrschaft von allenfalls einigen Monaten).

Maximus bezeichnet sich im Film als „Spanier" (engl. „Spaniard") und wird auch von anderen so genannt. Er soll also vermutlich aus einer Gemeinde in einer der drei Provinzen auf der Iberischen Halbinsel stammen, deren Einwohner das römische Bürgerrecht besaßen. Seine Familie könnte zum Ritterstand gehören. Maximus dürfte sich über verschiedene militärische Funktionen schließlich zum Armeekommandeur hochgearbeitet haben, dem bei Bedarf (also nur befristet) Armeen für eine spezielle Aufgabe anvertraut wurden. Seine Bezeichnung als Tribun wäre allerdings sehr ungewöhnlich; richtiger wären Präfekt, Prokonsul oder Legat (im englischen Original wird er schlicht „General" genannt). Ähnliche Karrieren sind in der Zeit Mark Aurels tatsächlich belegt. Historisches Vorbild für die Gestalt des Maximus dürften mehrere historische Personen gewesen sein: Feldherren wie Tiberius Claudius Pompeianus, der tatsächliche Ehemann Lucillas, oder Marcus Nonius Macrinus ( Konsul im Jahre 154), aber auch der Ringer Narcissus, der Commodus im Dezember 192 tötete.

Auch die am Ende des Films suggerierte Erneuerung der freien res publica hat es nie gegeben, und sie wurde vom Senat, der 192 längst nicht mehr ein Hort von Freiheit oder gar „Demokratie" war, auch gar nicht angestrebt (der Film scheint dagegen vorauszusetzen, dass das Publikum irrtümlich Parallelen zwischen dem modernen US-Senat und dem antiken römischen Gremium annimmt). Nachfolger des ermordeten Commodus als Kaiser wurde zunächst Pertinax, der aber nach wenigen Monaten ebenfalls ermordet wurde, woraufhin im Reich ein langer Bürgerkrieg ( Zweites Vierkaiserjahr) ausbrach, in dem sich schließlich Septimius Severus als neuer Herrscher durchsetzte. Dieser ließ die damnatio memoriae des Commodus aufheben und beanspruchte sogar, der Sohn Mark Aurels und Bruder des Commodus zu sein.

Der Name Maximus Decimus Meridius entspricht in keiner Weise der im antiken Rom gebräuchlichen Praxis, sondern ist ein modernes Phantasieprodukt, das vor allem auf assoziative und klangliche Wirkung hin gewählt wurde. So ist „Maximus" kein Vorname (), sondern kam nur als Beiname () vor (etwa bei Marius Maximus). Schauspieler Russell Crowe selbst schlug den Namen vor und ersetzte damit den ursprünglich vorgesehenen Namen „Narcissus", den der Mörder des historischen Commodus trug. Crowe dagegen hielt Narcissus für einen ungeeigneten Heldennamen, da ein Narziss nur sich selbst liebe. Maximus hingegen heißt „der Größte", und Decimus Meridius deute, so Crowe, eine Herkunft aus traditionsreichem Hause an; es heiße frei übersetzt: der Zehnte aus der der Meridianer.

Die Filmemacher weisen im Abspann darauf hin, dass es sich hier um eine „fiktive Geschichte" handelt. So sind vor allem die Biografien der Personen als Bestandteile eines Kunstwerks zu betrachten, nicht als Geschichtsdarstellung. Dennoch betonen sie stets, dass dem Betrachter authentisches römisches Ambiente geboten werde. Da dies nicht stimmt, kommentierte z. B. die historische Beraterin des Films, Kathleen M. Coleman von der Harvard University: „Historische Authentizität scheint eine etwas periphere Überlegung zu sein." In dem Essay The Pedant Goes to Hollywood: The Role of the Academic Consultant fasste sie später ihre Erfahrungen zusammen.

Der große Erfolg des Filmes bewirkte, dass weitere Filme mit antiken Themen in Produktion gingen. von Wolfgang Petersen, der die Regie für Gladiator abgelehnt hatte, sowie eine Verfilmung des Lebens Alexanders des Großen durch Oliver Stone - ersterer übertraf sogar das internationale Einspielergebnis von Gladiator (allerdings bei einem deutlich höheren Budget), letzterer war kommerziell nur wenig erfolgreich. Deutsche Fernsehproduktionen waren Held der Gladiatoren, Attila und Die Nibelungen; letztere brachte es zu hohen Einschaltquoten.

Gladiator erhielt eine Reihe von Auszeichnungen. So wurde der Film bei den Academy Awards als bester Film des Jahres ausgezeichnet. Dazu erhielt Russell Crowe die Auszeichnung als bester Schauspieler. Weitere Preise gingen an den Film in den Kategorien Kostümdesign an Janty Yates, für den besten Ton an Ken Weston und die besten Spezialeffekte.

Nominiert waren des Weiteren Joaquin Phoenix, Ridley Scott und Hans Zimmer sowie die Verantwortlichen in den Kategorien Art Direction-Set Decoration, Kamera, Schnitt und Drehbuch.

Die Deutsche Film- und Medienbewertung FBW in Wiesbaden verlieh dem Film das Prädikat „besonders wertvoll".

„Monumentales Epos, das mitfühlend sentimental und zugleich barbarisch brutal eine antike Soap Opera entwickelt, die durch die stupende Rekreation gigantischer Schlachten und phänomenaler Architektur einen Anflug von Größe erhält. Dank der ausgefeilten Bildsprache wird das individuelle Drama des Protagonisten durchaus glaubwürdig."

„Gerade in der Schlusssequenz kommt der durch Bild und Ton erzeugten atmosphärischen Dichte die ebenso präzis wie poetisch formulierten Dialoge des Drehbuchs mit ihrer lakonischen Knappheit und ihrem verhaltenen Pathos sehr wirkungsvoll zu Hilfe. Sie sind frei von geschwollener Altertümelei oder aufdringlichen Modernismen und verleihen der Sprache einen überzeugend ‚römischen' und zugleich zeitlosen Charakter. Im Zusammenklang mit der herausragenden schauspielerischen Leistung Russell Crowes entsteht so das weitaus gelungenste Finale sämtlicher Monumentalfilme, das sich nicht ohne Erfolg auf die Höhen Shakespearscher Tragödie aufzuschwingen versucht. [...] Und noch eines macht der grandiose Schluß erneut klar: Dies ist kein Film über reale geschichtliche Ereignisse und über reale geschichtliche Individuen, sondern über archetypische Personifikationen der dunklen und der lichten Idee von Rom. Und es ist erst recht nicht ein Film über das reale Rom, weder das vergangene, noch das gegenwärtige, sondern über Rom als überzeitlicher Traum."

„Ridley Scott erfindet das Genre zwar nicht neu, liefert aber ein furioses Schlachtenepos im Stil von Mel Gibsons Braveheart. Ein Budget von 100 Millionen Dollar hatte Scott für seinen ‚Gladiator' zur Verfügung. Das erlaubte ihm, fulminante Kampfszenen und eine bombastische Ausstattung zu bieten. Der australische Hauptdarsteller Russell Crowe vereint schauspielerische Klasse (Oscarnominierung für ‚ The Insider ') und physische Präsenz."

„Ridley Scott [fand] in Gladiator [...] brillante visuelle Lösungen für die mörderische Degeneration des römischen Imperiums [...]. [So führt] Scott den Zuschauern die Brutalität des römischen Eroberungskrieges mit einer Schlachtszene vor Augen [...], deren Ästhetik sich deutlich an die Schützengräben des Ersten Weltkriegs anlehnt. [...]. Mehr noch: Als der neue Kaiser Commodus triumphal nach Rom zurückkehrt, wird dies visuell den Einzügen Hitlers bei den Nürnberger Reichsparteitagen nachempfunden, wie man sie aus Leni Riefenstahls Filmen kennt. Eindrucksvoller hätte man den tyrannischen Schrecken des vom Cäsarenwahn geschüttelten Römischen Imperiums kaum ins Bild setzen können."

Die IMDb verzeichnet für „Gladiator" 24 Filmpreise (in 51 Kategorien) und weitere 27 -nominierungen (in 78 Kategorien). Eine Auswahl dieser ist hier gelistet:

Oscarverleihung 2001

Golden Globe Awards 2001

British Academy Film Awards 2001

Bester Film

Bester Schnitt - Pietro Scalia

Beste Kamera - John Mathieson

Bestes Szenenbild - Arthur Max

Publikumspreis

weitere Nominierungen:

Bester Hauptdarsteller - Russell Crowe

Bestes Original-Drehbuch - David Franzoni, John Logan, William Nicholson

Bester Nebendarsteller - Joaquin Phoenix

Bester Nebendarsteller - Oliver Reed (posthum)

Bester Ton - Ken Weston, Scott Millan, Bob Beemer, Per Hallberg

Bestes Make-up - Paul Engelen, Graham Johnston

Beste visuelle Effekte - John Nelson, Tim Burke, Rob Harvey, Neil Corbould

Bestes Kostümdesign - Janty Yates

Anthony Asquith Award (Preis für die beste Filmmusik) - Hans Zimmer, Lisa Gerrard

David Lean Award (Preis für die beste Regie) - Ridley Scott

ASCAP Awards 2001

Top Box Office Films - Hans Zimmer, Lisa Gerrard

Bogey Awards 2000

Bogey Award in Silber (für 2 Millionen Kinobesucher in 20 Tagen)

Die deutsche Synchronisation entstand nach einem Dialogbuch von Michael Nowka unter der Dialogregie von Tobias Meister im Auftrag der damaligen Berliner Synchron AG in Berlin.

Nachdem Regisseur Ridley Scott über mehrere Jahre hinweg bekundet hatte, eine Fortsetzung zum oscarprämierten Film persönlich drehen zu wollen, wurde Ende 2018 der Drehbuchautor Peter Craig für das Projekt verpflichtet. Im Juni 2019 äußerten sich die Produzenten Walter F. Parkes und Laurie MacDonald, dass die Fortsetzung tatsächlich verwirklicht werde. Beide verrieten zudem, dass Gladiator 2 das nächste Projekt von Scott sei und es inhaltlich um den erwachsenen Lucius gehen werde, auf den Maximus auch noch 25 Jahre nach seinem Tod einen bleibenden Eindruck hinterlassen hat. Die Hauptrolle wurde im Januar 2023 mit Paul Mescal besetzt. Gladiator 2 soll am 22. November 2024 in die US-amerikanischen Kinos kommen.

Andrew James Johnston: Robin Hood. Geschichte einer Legende. C. H. Beck, München 2013, ISBN 978-3-406-64541-9, S. 118 f.

Thomas Koebner: Gladiator. In: Filmklassiker - Beschreibungen und Kommentare. Hrsg. von Thomas Koebner. 5. Auflage, Reclam junior, Stuttgart 2006, ISBN 978-3-15-030033-6; Band 5: ab 1993, S. 225-230.

Marcus Junkelmann: Hollywoods Traum von Rom: „Gladiator" und die Tradition des Monumentalfilms. Mainz 2004, ISBN 3-8053-2905-9 (Rezension bei Sehepunkte; Rezension bei H-Soz-u-Kult).

Gladiator: film and history. Hg. von Martin M. Winkler. Blackwell 2004 m ISBN 1-4051-1043-0, ISBN 1-4051-1042-2 (Sammelband von wissenschaftlichen Aufsätzen über den Film und seine Hintergründe; Rezension bei H-Soz-u-Kult).

Anja Wieber: Hauptsache Helden? Zwischen Eskapismus und Identifikation - Zur Funktionalisierung der Antike im aktuellen Film. In: Pontes II. Antike im Film. Hg. von Martin Korenjak und Karlheinz Töchterle. Innsbruck 2002, ISBN 3-7065-1715-9, S. 13-25 (Artikel mit Schwerpunkt auf „Gladiator").

Ridley Scott: Gladiator. The Making of The Ridley Scott Epic. New York 2000, ISBN 1-55704-428-7 (Bildband über die Dreharbeiten)
Deutschsprachige Übersetzung: Gladiator. Die Entstehung des Epos. Nürnberg 2001, ISBN 3-933731-71-2.

1. ↑ Freigabebescheinigung für Gladiator. Freiwillige Selbstkontrolle der Filmwirtschaft, September 2005 (PDF; Prüfnummer: 84 722 V/DVD).

2. ↑ Alterskennzeichnung für Gladiator. Jugendmedienkommission.

3. Team Empire: ↑ The 100 Greatest Movie Characters. Abgerufen am 14. Januar 2018 (englisch).

4. ↑ Diana Landau: a Gladiator: The Making of the Ridley Scott Epic. Hrsg.: Newmarket Press. New York, ISBN 1-55704-428-7.b c d

5. ↑ Martin Winkler: Gladiator: Film and History. Hrsg.: Blackwell Publishing. New York, ISBN 1-4051-1042-2, S.256.

6. ↑ KODAK: In Camera July 2000 - Gory glory in the Colosseum. 9. Februar 2005, archiviert vom Original am 9. Februar 2005 ; abgerufen am 22. Juni 2020. Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.

7. ↑ Malta Film Commission. (Nicht mehr online verfügbar.) 29. Juli 2012, archiviert vom Original am 29. Juli 2012 ; abgerufen am 22. Juni 2020. Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.

8. Jon Solomon, Martin M. Winkler: ↑ Gladiator from Screenplay to Screen. Hrsg.: Blackwell Publishing.

9. ↑ Toskania. Najpiękniesze punkty widokowe. In: Italia by Natalia. 8. Februar 2014, abgerufen am 22. Juni 2020 (amerikanisches Englisch).

10. Christina Zappella-Kindel: ↑ Bella Ciao: Auf Spurensuche in der Toskana. In: OOOM Magazine. 5. Dezember 2018, abgerufen am 22. Juni 2020 (deutsch).

11. ↑ Marcus Junkelmann Hollywoods Traum von Rom, S. 294ff.

12. ↑ Artikel „Todesstrafe" in: Der Kleine Pauly, Lexikon der Antike, Band 5, S. 879

13. Marcus Junkelmann: ↑ Das Spiel mit dem Tod. Verlag Philipp von Zabern, Mainz 2000, ISBN 3-8053-2563-0.

14. ↑ Quelle: Audiokommentar Drehbuchautor im Begleitmaterials der Deluxe-Edition DVD „Gladiator", 2 CDs., Universal Studio, 2000

15. Kathleen M. Coleman: ↑ The Pedant Goes to Hollywood: The Role of the Academic Consultant. In: Martin M. Winkler (Hrsg.): Gladiator: Film and History. Blackwell, Malden u. a. 2004, ISBN 1-4051-1043-0, S. 45-52.

16. ↑ Gladiator. In: Lexikon des internationalen Films. Filmdienst, abgerufen am 2. März 2017.

17. ↑ Filmkritik auf filmstarts.de

18. Andrew James Johnston: ↑ Robin Hood. Geschichte einer Legende. C. H. Beck, München 2013, ISBN 978-3-406-64541-9, S. 119.

19. vgl. ↑ IMDb

20. ↑ Gladiator in der Deutschen Synchronkartei

21. Tobias Tißen: ↑ "Gladiator 2" kommt tatsächlich - und das könnte gar nicht mehr so lange dauern. In: Filmstarts. 13. Juni 2019, abgerufen am 19. Juni 2019.

22. Justin Kroll: ↑ Paul Mescal To Star In Ridley Scott's 'Gladiator' Sequel For Paramount. In: Deadline.com. 6. Januar 2023, abgerufen am 7. Januar 2023.

23. Anthony D'Alessandro: ↑ 'Gladiator 2′ Gets Pre-Thanksgiving 2024 Release. In: Deadline.com. 3. Februar 2023, abgerufen am 3. Februar 2023.

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Gladiator ist ein mit fünf Oscars prämierter Monumentalfilm aus dem Jahr 2000. Er entstand unter der Regie von Ridley Scott und spielte weltweit ca. 457 Millionen US-Dollar ein. Allein in Deutschland sahen ihn bis Anfang 2001 rund 3,4 Millionen Menschen im Kino.

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"Gladiator" aus dem Jahr 2000, inszeniert von Ridley Scott und mit Russell Crowe in der Hauptrolle, erhielt überwiegend positive Kritiken von Kritikern*innen und auch von Publikum.

Durch die detailgetreue Rekonstruktion des Römischen Reiches im Jahr 180 n. Chr. sowie die Verwendung verschiedener Perspektiven und Farben in der gesamten Filmografie gelingt es Ridley Scott, den Zuschauer mit einem audio-visuellen Kunstwerk zu fesseln. Das gilt auch für mich persönlich, denn als ich diesen Film vor 10 Jahren auf Empfehlung meines Vaters zum ersten Mal sah, war ich fasziniert. Er wurde zu meinem Lieblingsfilm aller Zeiten.

Die Mischung aus zur Geschichte passender sowie ruhig Musik, philosophischen Dialogen sowie philosophische Geschichte und sympathischen Charakteren liess meinen Kindheitstraum, ein römischer Legionär zu sein, wahr werden.

Insgesamt wurde "Gladiator" von vielen, inklusiv ich, als ein Meisterwerk des Genres Historie Filme gesehen.

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Der Teufel trägt Prada | Trailer Deutsch / German

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Pirates of the Caribbean : The Curse of the Black Pearl

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Pirates of the Caribbean : The Curse of the Black Pearl

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Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl Official Trailer 1 (2003) HD

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Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl is a 2003 American fantasy supernatural swashbuckler film directed by Gore Verbinski, produced by Jerry Bruckheimer Films and distributed by Walt Disney Pictures. Produced by Jerry Bruckheimer, the film is based on Walt Disney's Pirates of the Caribbean attraction at Disney theme parks and the first film in the Pirates of the Caribbean film series.. The story follows Captain Jack Sparrow ( Johnny Depp), whose pirate life capsizes after Hector Barbossa ( Geoffrey Rush) steals his ship, the Black Pearl, and later kidnaps the governor's daughter, Elizabeth Swann ( Keira Knightley). Young blacksmith Will Turner ( Orlando Bloom), joins forces with Jack to rescue Elizabeth from Barbossa's crew, who attempt to restore the treasure of cursed Aztec Gold, which doomed them to become undead skeletons in the moonlight.

Jay Wolpert developed a script in 2001, and Stuart Beattie rewrote it in early 2002. Around that time, producer Jerry Bruckheimer became involved in the project; he had Ted Elliott and Terry Rossio work on the script, adding the plot device of a supernatural curse to the story to bring it in line with the original theme park ride. Filming took place from October 2002 to March 2003 in Saint Vincent and the Grenadines and on sets constructed around Los Angeles, California.

The first film released under the Walt Disney Pictures banner to be rated PG-13 by the MPAA, The Curse of the Black Pearl had its world premiere at Disneyland Park in Anaheim, California, on June 28, 2003. Defying low pre-release expectations, the film was a huge box-office success, grossed $654.3 million worldwide; making it the fourth-highest-grossing film of 2003. It received generally positive reviews from critics, with Depp's performance receiving universal acclaim. The film has been widely cited as the film that launched Depp as a box-office leading man after many years as a cult movie star. Depp won the Screen Actors Guild Award for Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role, in addition to Best Actor nominations at the Academy Awards, BAFTAs, and Golden Globes. The Curse of the Black Pearl was also nominated for four other Academy Awards and BAFTAs. The film became the first in a franchise, and was followed by four sequels: Dead Man's Chest (2006), At World's End (2007), On Stranger Tides (2011), and Dead Men Tell No Tales (2017).

In 1720, while sailing to Port Royal, Jamaica, aboard HMS Dauntless, Governor Weatherby Swann's crew encounters a shipwreck and recovers a boy, Will Turner. Swann's daughter, Elizabeth, discovers a golden pirate medallion around Will's neck, and takes it. Eight years later, Captain James Norrington is promoted to commodore and proposes to Elizabeth. Her corset makes her faint and fall into the sea, causing the medallion to emit a pulse. Captain Jack Sparrow, having just arrived in Port Royal to commandeer a ship, rescues Elizabeth. Norrington identifies Jack as a pirate, and a chase ensues. Jack encounters Will, now a blacksmith. They duel, and Jack is imprisoned.

That night, the crew of the Black Pearl attacks Port Royal, searching for the medallion. The pirates capture Elizabeth, taking her to meet Captain Barbossa. Elizabeth claims her last name is Turner, to conceal her identity as the governor's daughter. Barbossa explains that the medallion is the last of 882 gold pieces his crew took from a lost treasure of Hernán Cortés on Isla de Muerta. Cortés had accepted the treasure as payment to prevent the Fall of Tenochtitlan, but did not fulfill his part of the bargain. The Aztec gods cursed the treasure; Barbossa and any members of his crew who took the coins were cursed and became undead who can only feel endless hunger and pain whose true, skeletal forms are revealed in moonlight. To lift the curse, they must return the treasure, each coin stained with either its taker's blood or the blood of the taker's direct relative. Assuming Elizabeth is the daughter of Bill Turner (whom Barbossa tried to drown after discovering he sent the medallion to his child), Barbossa decides to use her blood on the medallion.

To save Elizabeth, whom he loves, Will frees Jack, who was the previous captain of the Black Pearl before Barbossa staged a mutiny. The two commandeer HMS Interceptor, a small sloop-of-war, and head for Tortuga. There, Jack enlists his friend Joshamee Gibbs to help them assemble a crew. Chasing the Pearl to the Isla de Muerta, Will and Jack witness Barbossa cut Elizabeth's hand, stain the coin, and return it to the chest. As she is not Bill Turner's relative, the curse does not lift. Will rescues Elizabeth and brings her to the Interceptor, while Jack is captured by Barbossa and locked in the brig of the Pearl. The Pearl pursues the Interceptor, destroying it and taking Jack's crew hostage. Realizing that it is him Barbossa wants, Will makes a deal with Barbossa to release Elizabeth in exchange for his blood. Barbossa agrees, but maroons Jack and Elizabeth on an island. Elizabeth makes a smoke signal, and Norrington brings the Dauntless to rescue Elizabeth and arrest Jack. Elizabeth promises to marry Norrington if he will pursue the Pearl and save Will.

That night, the Dauntless arrives at Isla de Muerta. Jack tells Norrington he will lure the pirates out to be ambushed by the crew of the Dauntless, but instead persuades Barbossa's crew to attack the Dauntless before they lift the curse and lose their immortality. Elizabeth escapes the Dauntless and frees Jack's crew from the brig of the Pearl. They refuse to rescue Jack and Will, so Elizabeth sets out on her own. Jack again switches sides, freeing Will and dueling Barbossa, while Elizabeth and Will fight off Barbossa's crewmen. When Barbossa stabs Jack, it is revealed that Jack took a piece of gold from the chest and is likewise cursed and unable to die. Jack shoots Barbossa, and Will returns both coins to the chest with his and Jack's blood on them. The curse is lifted; Barbossa dies from Jack's gunshot, and the rest of Barbossa's crew, no longer immortal, are arrested.

At Port Royal, Jack is to be hanged for piracy. Elizabeth diverts Norrington's attention while Will attempts a rescue, but Jack and Will are surrounded. Elizabeth intercedes and declares her love for Will. Governor Swann pardons Will and gives his blessing for Elizabeth to marry him. Jack dives into the sea and escapes aboard the nearby Pearl, reclaiming the ship and his new crew. Norrington permits Jack and the Pearl "one day's head start" before initiating pursuit.

Johnny Depp as Jack Sparrow: An eccentric and trickster pirate characterized by his slightly drunken swagger, slurred speech and awkwardly flailing hand gestures. He has gained a reputation with made-up stories of how he escaped from the deserted island he was put on. He is determined to regain the Black Pearl, which he captained ten years before. The role was originally written especially for Hugh Jackman, thus the name "Jack Sparrow"; however, he was not well known outside of his native Australia, so Disney cast the more famous Depp as Jack. Depp found the script quirky: rather than trying to find treasure, the crew of the Black Pearl were trying to return it in order to lift their curse; also, the traditional mutiny had already taken place. Initially Sparrow was, according to Bruckheimer, "a young Burt Lancaster, just the cocky pirate." At the first read-through, Depp surprised the rest of the cast and crew by portraying the character in an off-kilter manner. After researching 18th-century pirates, Depp compared them to modern rock stars and decided to base his performance on Keith Richards, who would appear as Jack's father in the third film. Although Verbinski and Bruckheimer had confidence in Depp, partly because it would be Bloom who was playing the traditional Errol Flynn type, Disney executives were confused, asking Depp whether the character was drunk or gay, and Michael Eisner at one point proclaimed, "He's ruining the film!" Even Bruckheimer "was slightly uncomfortable" with Depp's decision to actually cap his teeth with gold. Depp later recalled, "I said, 'Look, these are the choices I made. You know my work. So either trust me or give me the boot.' And luckily, they didn't."

Geoffrey Rush as Captain Barbossa: The captain of the Black Pearl, he was Captain Jack Sparrow's first mate before he led a mutiny ten years before. He and his crew stole cursed Aztec gold, for which they are cursed to walk the earth forever. Barbossa was conceptualized as a villain, as a "dark trickster" and evil counterpart to Jack Sparrow, Johnny Depp created the name "Hector Barbossa" on set though the name was never revealed onscreen. Verbinski approached Rush for the role of Barbossa, as he knew he would not play it with attempts at complexity, but with a simple villainy that would suit the story's tone. Contrarily, Rush felt that he was playing the unsung hero of the film, who only dreamed about lifting the curse and living as a rich rogue with his prized pirate bride and developed an intricate backstory for the character to play him more convincingly. Originally, Rush was only second choice for the role behind Robert De Niro, who turned it down as he expected the film to flop like previous pirate films did.

Orlando Bloom as Will Turner: A blacksmith's apprentice working in Port Royal, he is in love with Elizabeth Swann. Will struggles with the fact his father, "Bootstrap" Bill, was a pirate, unable to reconcile that he was a good man too. Tobey Maguire, Jude Law, Ewan McGregor, Ben Peyton, Christian Bale and Heath Ledger were considered for the role. Tom Hiddleston auditioned for the role. Bloom read the script after Geoffrey Rush, whom he was working with on , suggested it to him.

Keira Knightley as Elizabeth Swann: The daughter of Governor Weatherby Swann, Elizabeth has been fascinated with pirates since childhood. During the Black Pearl's attack on Port Royal, she gives her name as Turner and is mistaken for "Bootstrap" Bill's child. She also is in love with Will Turner. Knightley came as a surprise to Verbinski; he had not seen her performance in Bend It Like Beckham and was impressed by her audition.

Jack Davenport as Norrington: An officer in the Royal Navy who is in love with Elizabeth and has a deep-seated dislike for pirates. The character was only named "Norrington" in the film, whereas his first name "James" was only revealed in a deleted scene. He first served as Lieutenant aboard HMS Dauntless in the beginning, then was a Captain promoted to Commodore for the remainder of the film.

Kevin R. McNally as Joshamee Gibbs: Jack Sparrow's loyal first mate. The name "Joshamee Gibbs" only appeared in the credits, while only his last name was named onscreen. He was once a sailor for the Royal Navy, serving under Lieutenant Norrington aboard HMS Dauntless, and is the one who tells Will about the mutiny against Jack Sparrow as well as the pirate's marooning and legendary escape.

Zoe Saldana as Anamaria: A female pirate who signs up to join Will Turner and Mr. Gibbs for a chance to confront Jack Sparrow for stealing her ship. He promises her the Interceptor in an attempt to assuage her. Screenwriter Terry Rossio confirmed that the name was chosen simply because "AnaMaria" is the middle name of his daughter.

Jonathan Pryce as Governor Weatherby Swann: father of Elizabeth Swann and Governor of Port Royal, Jamaica. Tom Wilkinson was negotiated with to play the part, Brian Cox turned down the role as he didn't want to work with Depp, but the role went to Pryce, whom Depp idolized.

Treva Etienne as Koehler: A member of Barbossa's cursed crew aboard the Black Pearl. Among other roles in the film, he is one of the pirates who visits Jack Sparrow in his prison cell and is later killed by Commodore Norrington.

David Bailie as Cotton: A member of Jack's crew. He is introduced as a sailor who is mute because he had his tongue cut out and now has a parrot to talk for him.

Lee Arenberg as Pintel: A member of Barbossa's cursed crew aboard the Black Pearl. Along with Ragetti, Pintel provides the majority of the comic relief for the pirate side of the story. He says "Hello poppet" to Elizabeth, a line used in later films, as well as has an issue whenever someone says "parley".

Mackenzie Crook as Ragetti: A member of Barbossa's cursed crew aboard the Black Pearl. Along with Pintel, Ragetti provides the majority of the comic relief for the pirate side of the story. He has a wooden eye that never seems to stay in place.

Trevor Goddard as Grapple: A member of Barbossa's cursed crew aboard the Black Pearl. This was Goddard's last on-screen appearance before his death.

Isaac C. Singleton, Jr. as Bo'sun: A member of Barbossa's cursed crew aboard the Black Pearl.

Brye Cooper as Mallott, a member of Barbossa's cursed crew aboard the Black Pearl.

Supporting characters appearing in the film include Martin Klebba as Marty, a dwarf pirate; Damian O'Hare as Lt. Gillette; Greg Ellis as Officer; as well as Giles New and Angus Barnett as Murtogg and Mullroy. Although characters like Marty only had a single line of dialogue in the film, each of these characters reprise their roles in the Pirates sequels, respectively.

During the early 1990s, screenwriters Ted Elliott and Terry Rossio began to think of a supernatural spin on the pirate genre. Walt Disney Pictures had Jay Wolpert write a script based on the ride in 2001, which was based on a story created by the executives Brigham Taylor, Michael Haynes, and Josh Harmon. This story featured Will Turner as a prison guard who releases Sparrow to rescue Elizabeth, who is being held for ransom money by Captain Blackheart.

Disney was unsure whether to release the film in theaters or direct-to-video. The studio was interested in Matthew McConaughey as Sparrow because of his resemblance to Burt Lancaster, who had inspired that script's interpretation of the character. If they chose to release it direct-to-video, Christopher Walken or Cary Elwes would have been their first choices.

Stuart Beattie was brought in to rewrite the script in March 2002, because of his knowledge of piracy. When Dick Cook managed to convince producer Jerry Bruckheimer to join the project, he rejected the script because it was "a straight pirate movie." Later in March 2002, he brought Elliott and Rossio, who suggested making a supernatural curse -as described in the opening narration of the ride-the film's plot.

In May 2002, Gore Verbinski signed on to direct Pirates of the Caribbean. He was attracted to the idea of using modern technology to resurrect a genre that had disappeared after the Golden Age of Hollywood and recalled his childhood memories of the ride, feeling the film was an opportunity to pay tribute to the "scary and funny" tone of it.

Jim Carrey was considered for the part of Jack Sparrow. However, the production schedule for The Curse of the Black Pearl conflicted with Bruce Almighty. Others considered for the role include Michael Keaton and Christopher Walken. Although Cook had been a strong proponent of adapting Disney's rides into films, the box-office failure of The Country Bears (2002) made Michael Eisner attempt to shut down production of Pirates of the Caribbean. However, Verbinski told his concept artists to keep working on the picture, and when Eisner came to visit, the executive was astonished by what had been created.

As recalled in the book , Eisner asked "Why does it have to cost so much?" Bruckheimer replied, "Your competition is spending $150 million," referring to franchises like The Lord of the Rings and . Eisner concurred, but with the stigma attached to theme-park adaptations, Eisner requested Verbinski and Bruckheimer remove some of the more overt references to the ride in the script, such as a scene where Sparrow and Turner enter the cave via a waterfall.

Influence of the Monkey Island series of games

Ted Elliott was allegedly writing a George Lucas-produced animated film adaptation of The Curse of Monkey Island, which was cancelled before its official announcement, three years prior to the release of The Curse of the Black Pearl. This film was allegedly in production at Industrial Light and Magic before being cancelled.

Ron Gilbert, the creator of the Monkey Island series, has jokingly expressed a bitterness towards Pirates of the Caribbean, specifically the second film, for its similarities to his game. Gilbert has also stated that On Stranger Tides, a novel by Tim Powers which was adapted into the fourth film, was the principal source of inspiration for his video games.

Verbinski did not want an entirely romanticized feel to the film: he wanted a sense of historical fantasy. Most of the actors wore prosthetics and contact lenses. Depp had contacts that acted as sunglasses, while Rush and Lee Arenberg wore dulled contacts that gave a sinister feel to the characters. Mackenzie Crook wore two contacts to represent his character's wooden eye: a soft version, and a harder version for when it protrudes. In addition, their rotten teeth and scurvy skin were dyed on, although Depp did have gold teeth added, which he forgot to remove after filming.[citation needed ] Depp also used a genuine pistol which was made in 1760 in London, which the crew bought from a dealer in Connecticut. A number of swords were built for the production by blacksmith Tony Swatton. The crew spent five months creating the cavern in which Barbossa and the Black Pearl crew attempt to reverse their curse, filling it with five feet of water, 882 Aztec coins, and some gold paint on the styrofoam rocks for more impressions of treasure. The crew also built the fortress at Port Royal in Rancho Palos Verdes, California, and Governor Swann's palace was built at Manhattan Beach. A fire broke out in September 2002, causing $525,000 worth of damage, though no one was injured.

The filmmakers chose St. Vincent as their primary shooting location, as it contained the quietest beach they could find, and built three piers and a backlot for Port Royal and Tortuga. Of most importance to the film were the three ships: Black Pearl, Dauntless, and Interceptor. For budget reasons, the ships were built on docks, with only six days spent in the open sea for the battle between Black Pearl and Interceptor. Dauntless and Black Pearl were built on barges, with computer-generated imagery finishing the structures. Black Pearl was also built on the Spruce Goose stage, in order to control fog and lighting. Interceptor was a re-dressed Lady Washington, a full-scale replica sailing ship from Aberdeen, Washington, fully repainted before going on a 40-day voyage beginning December 2, 2002, arriving on location on January 12, 2003. A miniature was also built for the storm sequence.

Principal photography began on October 9, 2002, and wrapped by March 7, 2003. The quick shoot was only marred by two accidents: as Jack Sparrow steals Interceptor, three of the ropes attaching it to Dauntless did not break at first, and when they did snap, debris hit Depp's knee, though he was not injured, and the way the incident played out on film made it look like Sparrow merely ducks. A more humorous accident was when the boat Sparrow was supposed to arrive in at Port Royal sank. In October, the crew was shooting scenes at Rancho Palos Verdes, by December they were shooting at Saint Vincent and the Grenadines, and in January they were at the cavern set at Los Angeles. The script often changed with Elliott and Rossio on set, with additions such as Gibbs ( Kevin McNally) telling Will how Sparrow allegedly escaped from an island-strapping two turtles together with rope made of his back hair-and Pryce was written into the climactic battle to keep some empathy for the audience.

Because of the quick schedule of the shoot, Industrial Light & Magic immediately began visual effects work. While the skeletal forms of the pirates revealed by moonlight take up relatively little screentime, the crew knew their computer-generated forms had to convince in terms of replicating performances and characteristics of the actors, or else the transition would not work. Each scene featuring them was shot twice: a reference plate with the actors, and then without them to add in the skeletons, an aesthetic complicated by Verbinski's decision to shoot the battles with handheld cameras. The actors also had to perform their scenes again on the motion capture stage. With the shoot only wrapping up four months before release, Verbinski spent 18-hour days on the edit, while simultaneously spending time on 600 effects shots, 250 of which were merely removing modern sailboats from shots.

The film score was composed by Klaus Badelt, while Hans Zimmer served as music producer. Seven other composers, including Geoff Zanelli, who later went on to compose the score for Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales and Ramin Djawadi, are credited for "additional music". Verbinski oversaw the score with Badelt and Zimmer, who headed 15 composers to finish it quickly.

Composer Alan Silvestri, who had collaborated with Verbinski on and The Mexican, was originally hired to write the score for The Curse of the Black Pearl. However, due to creative differences between the producer Jerry Bruckheimer and him, Silvestri left the project before recording any material. Verbinski and Bruckheimer decided to go with Hans Zimmer's team instead, who were frequent collaborators of their productions. Verbinski asked Hans Zimmer, with whom he had worked on , to step in. Zimmer declined to do the bulk of the composing, as he was busy scoring The Last Samurai, a project during which he claimed he had promised not to take any other assignments. As a result, he referred Verbinski to Klaus Badelt, a relatively new composer who had been a part of Remote Control Productions (known as Media Ventures at the time) for three years.

The song Elizabeth Swann sings in the opening of the film as a child, and then later on the island marooned with Jack Sparrow, is called Yo Ho (A Pirate's Life for Me) and was written by George Bruns with lyrics by Xavier "X" Atencio. It is the song heard throughout the attraction Pirates of the Caribbean in Disneyland and Magic Kingdom.

The first teaser trailer was attached to The Lord of the Rings: The Two Towers while the theatrical trailer debuted in front of Anger Management and Disney's Holes.

Pirates of the Caribbean was the first film released under the Walt Disney Pictures banner to be rated PG-13 by the MPAA; one executive noted that she found the film too intense for her five-year-old child. Nonetheless, the studio was confident enough to add The Curse of the Black Pearl subtitle to the film in case sequels were made, and to attract older children. Verbinski disliked the new title because it is the Aztec gold rather than the ship that is cursed, so he requested the title to be unreadable on the poster.

The DVD and VHS editions of the film were released December 1, 2003, in the UK and December 2, 2003, in the US, with 11 million copies sold in the first week, a record for live action video. It earned $235 million from DVDs as of January 2004. This THX certified DVD release featured two discs, featuring three commentary tracks (Johnny Depp & Gore Verbinski; Jerry Bruckheimer, Keira Knightley & Jack Davenport; and the screenwriter team), various deleted scenes and documentaries, and a 1968 Disneyland episode about the theme park ride. A special three-disc edition was released on November 2, 2004, in the U.S. and April 25, 2005, in the UK.

A PSP release of the film followed on April 19, 2005. The high-definition Blu-ray Disc version of the film was released on May 22, 2007. This movie was also among the first to be sold at the iTunes music store. The Curse of the Black Pearl had its UK television premiere on Christmas Eve 2007 on BBC One at 20:30 and was watched by an estimated 7 million viewers.

On 2 January 2022, The Curse of the Black Pearl was released on Ultra HD Blu-ray. However, the film's remaster was criticized by various online reviewers for being upscaled from 2K resolution, excessive application of digital noise reduction and various other shortcomings. A review by Martin Liebman of Blu-ray.com compared the release unfavorably to the previous 2007 Blu-ray release, stating: "The picture's grain has been reduced to a meshy, artificial appearance, looking frozen and flat and certainly less than genuine and flattering. Edge enhancement is in evidence. Textures have been scrubbed down and sharpened back up. Details appear waxy and lacking complexity [...] This is just a real clunker of a UHD image and one of the least impressive the format has seen."

Before its release, many journalists expected Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl to be a flop. The pirate genre had not been successful for years, with Cutthroat Island (1995) being a notable flop. The film was also based on a theme park ride, and Depp, known mostly for starring in cult films at the time, had little track record as a box-office leading man.

Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl opened at #1 above Terminator 3: Rise of the Machines, grossing $46,630,690 in its opening weekend and $70,625,971 since its Wednesday launch. It would also outgross another pirate-themed film, Sinbad: Legend of the Seven Seas. The film was overtaken by during its second weekend, but still made $34 million. It eventually made its way to $654,264,015 worldwide ($305,413,918 domestically and $348,850,097 overseas), becoming the fourth-highest-grossing film of 2003. Box Office Mojo estimates that the film sold over 50.64 million tickets in the US.

Internationally it dominated for seven consecutive weekends at the box office, tying the record of Men in Black II at the time. Only three movies after that broke the record; its sequel, Dead Man's Chest, (with nine consecutive #1 weekends and ten in total), (with 11 consecutive #1 weekends) and (with eight consecutive #1 weekends). As of February 2021, it is the 141st-highest-grossing film of all time.

On review aggregator Rotten Tomatoes, the film has an approval rating of 80% based on 220 reviews, and an average rating of 7.1/10. The site's critical consensus reads, "It may leave you exhausted like the theme park ride that inspired it; however, you'll have a good time when it's over." At Metacritic, which assigns a weighted average rating to reviews, the film received an average score of 63 out of 100, based on reviews from 40 critics, indicating "generally favorable reviews". Audiences polled by CinemaScore gave the film an average grade of "A" on an A+ to F scale.

Alan Morrison of felt it was "the best blockbuster of the summer," acclaiming all the comic performances despite his disappointment with the swashbuckling sequences.

The performance of Johnny Depp as Jack Sparrow was particularly praised by critics and audiences alike. Review site PopMatters applauds Depp's performance by saying "Ingenious and mesmerizing, Johnny Depp embodies the film's essential fantasy, that a pirate's life is exciting and unfettered." James Berardinelli of ReelViews also applauds Depp's performance by saying " Pirates of the Caribbean belongs to Johnny Depp...Take away Depp, and you're left with a derivative and dull motion picture."

Roger Ebert acclaimed the performances of Depp and Rush, and particularly that "It can be said that [Depp's] performance is original in its every atom. There has never been a pirate, or for that matter a human being, like this in any other movie... his behavior shows a lifetime of rehearsal." However, he felt the film went on for too long, a criticism shared by Kenneth Turan's negative review, feeling it "spends far too much time on its huge supporting cast of pirates (nowhere near as entertaining as everyone assumes) and on bloated adventure set pieces," despite having also enjoyed Depp's performance. Mark Kermode described the film as "a triumph of turgid theme-park hackery over the art of cinema".

For his performance as Captain Jack Sparrow, Johnny Depp won several awards, including Outstanding Performance by a Male Actor in a Leading Role at the 10th Screen Actors Guild Awards, Best Male Performance at the 2004 MTV Movie Awards, and Best Actor at the 9th Empire Awards. Depp was also nominated for Best Actor - Motion Picture Musical or Comedy at the 61st Golden Globe Awards, Best Actor in a Leading Role at the 57th British Academy Film Awards, and Best Actor at the 76th Academy Awards, in which The Curse of the Black Pearl also received nominations for Best Makeup, Best Sound Editing, Best Sound Mixing, and Best Visual Effects. Awards won by Curse of the Black Pearl include Best Make-up/Hair at the 57th British Academy Film Awards, Saturn Award for Best Costumes, Golden Reel Award for Sound Editing, two VES Awards for Visual Effects, and the People's Choice Award for Favorite Motion Picture.[citation needed ]

The film spun off four sequels, with the latest sequel released in 2017. The first two were back-to-back sequels in 2006 and 2007, Dead Man's Chest and At World's End, respectively. The third sequel, On Stranger Tides, was released in 2011. The fourth sequel, Dead Men Tell No Tales, was slated to begin production in October 2014 for a summer 2016 release, but was eventually delayed to May 2017. It was directed by Joachim Rønning and Espen Sandberg. A sixth film is currently in development.

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Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl - Wikipedia

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Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl is a 2003 American fantasy supernatural swashbuckler film directed by Gore Verbinski, produced by Jerry Bruckheimer Films and distributed by Walt Disney Pictures. Produced by Jerry Bruckheimer, the film is based on Walt Disney's Pirates of the Caribbean attraction at Disney theme parks and the first film in the Pirates of the Caribbean film series..

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Meine erfundene Frau (Originaltitel Just Go with It) ist eine US-amerikanische Liebeskomödie mit Adam Sandler und Jennifer Aniston aus dem Jahr 2011.
Timothy Dowling und Allan Loeb schrieben das Drehbuch und Dennis Dugan führte Regie. Der Film wurde von den Unternehmen Happy Madison Productions und…

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"Star Wars: Die Rückkehr der Jedi-Ritter"

Der Film ist der letzte Teil der Star Wars Originaltrilogie und zeigt die Rebellenallianz im Kampf gegen das galaktische Imperium. Luke Skywalker konfrontiert seinen Vater Darth Vader und Imperator Palpatine. Die Kämpfe zwischen der Allianz und dem Imperium sind spannend gestaltet, weil die Rebellen zwar Zahlenweise unterlegen sind, jedoch mit ihrem Durchhaltevermögen den Kampf für sich entscheiden.

Die Charakterentwicklung ist ein Höhepunkt, besonders Lukes Reise zum Jedi-Ritter. Han Solo, Prinzessin Leia und Chewbacca bereichern den Film.

Für mich sind die einzigen Schwächen die kindlichen Szenen mit den Ewoks und sich wiederholende Storymuster.

Insgesamt ein mitreissendes Finale, dass alle Fragen der Fans beantwortet und die Originaltrilogie würdig abschliesst. Somit ist Star Wars: Die rückkehr der JediyRitter ein zeitloser Sci-Fi-Klassiker.

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Ocean's 8 ist eine US-amerikanische Heist- Filmkomödie. Der Film ist ein Ableger mit weiblicher Besetzung und die Fortsetzung der Filme Ocean's Eleven, und . Gary Ross hat die Regie übernommen und zusammen mit Olivia Milch das Drehbuch geschrieben. Der Film wurde am 8. Juni 2018 von Warner Bros. in den USA veröffentlicht. Der deutsche Kinostart war am 21. Juni 2018.

Die kürzlich auf Bewährung entlassene Hochstaplerin Debbie Ocean, die jüngere Schwester des verstorbenen Danny Ocean, überzeugt ihre ehemalige Komplizin und Partnerin Lou Miller, sich ihr bei einem neuen Trickdiebstahl anzuschließen. Sie stellen ihr Team zusammen: die bankrotte Modedesignerin Rose Weil, die Goldschmiedin Amita, die unbedingt aus dem Haus ihrer Mutter ausziehen möchte, die im Umgang mit Sicherheitssystemen erfahrene Hackerin Nine Ball, die Straßenräuberin und Taschendiebin Constance und die Geschäftsfrau Tammy, die in der Garage ihres Vorstadthauses gestohlene Waren lagert und weiterverkauft.

Debbie plant, ein 150 Millionen Dollar teures Cartier- Collier während der bevorstehenden Met-Gala zu stehlen und dabei den Filmstar Daphne Kluger als unwissende Komplizin zu benutzen. Das Team manipuliert Daphne, damit sie Rose anheuert, und überzeugt Cartier, Daphne das Collier zur Verfügung zu stellen. Auf einer Vorbesichtigung scannen sie das Collier digital ein und stellen davon eine Zirkonia-Nachbildung her. Tammy sichert sich einen Job bei der Modezeitschrift Vogue und kann sich so an der Organisation der Gala beteiligen. Sie lässt Lou als Ernährungsberaterin einstellen, während Debbie Daphne dazu bringt, den Kunsthändler Claude Becker, dessen Verrat Debbie ins Gefängnis brachte, als ihren Tischherrn einzuladen. Lou wirft Debbie vor, ein Racheplan gegen Becker könne den Diebstahl gefährden, doch Debbie beschwichtigt sie.

Zufällig erfährt Rose, dass das Collier, einmal angelegt, nur mit einem speziellen Magnetschlüssel wieder abgenommen werden kann. Darauf bittet Nine Ball ihre jüngere Schwester Veronica um Hilfe bei der Herstellung eines Duplikats dieses Schlüssels.

Auf der Gala versetzt Lou Daphnes Suppe mit einem Brechmittel und zwingt sie so zu einem überstürzten Besuch der Damentoilette, wo Nine Ball zuvor durch langsames Verstellen der Sicherheitskameras einen toten Winkel geschaffen hat. Während die Wachleute draußen warten und Daphne sich in der Toilette erbricht, entfernt Constance geschickt das Collier von Daphnes Hals. Sie lässt es von einem abräumenden Hilfskellner zu Amita in die Küche bringen, die es in einer dort zuvor eingerichteten Geheimwerkstatt zerlegt. Als die Sicherheitskräfte Daphne ohne das Collier aus der Toilette kommen sehen, wird das Museum sofort abgeriegelt und durchsucht, bis Tammy das Duplikat „findet". Constance verteilt die Teile des Colliers an das Team, Debbie schiebt Becker ein Stück davon unter. Als die Frauen anschließend ihren Erfolg feiern, erscheint Daphne. Sie eröffnet ihnen, dass sie von dem Vorhaben wusste, und nimmt das Angebot eines Anteils an.

Zurück bei Cartier wird das Collier als Fälschung erkannt und der Versicherungsermittler John Frazier mit der Untersuchung beauftragt. Frazier verdächtigt Debbie, aber ihre Anwesenheit auf dem Videomaterial der Gala gibt ihr ein wasserdichtes Alibi. Sie sagt Frazier, dass sie möglicherweise weiß, wer das Collier gestohlen hat. Daphne besucht Becker und schickt Frazier ein Bild des ihm untergeschobenen Teiles. Um Becker noch mehr in die Falle zu locken, heuert Debbie Schauspielerinnen an, die sich als ältere Damen ausgeben, um das Collier Stück für Stück zu verkaufen und das Geld auf ein Konto Beckers einzuzahlen. Die Polizei nimmt Becker in Gewahrsam.

Während die acht ihren Erfolg feiern, enthüllt Lou ein zusätzliches Ziel der Aktion: Während die Gala evakuiert wurde, ersetzten sie und Yen, ein Akrobat und früheres Teammitglied von Danny, die gesamte Met-Ausstellung königlicher Juwelen durch Nachbildungen, was den Gesamtwert der Beute mehr als verdoppelte. Mit einem unerwartet hohen Anteil geht dann jedes Mitglied des Teams seinen eigenen Weg: Amita reist mit einem Mann nach Paris, Rose zahlt ihre Schulden ab und eröffnet ihren eigenen Laden, Constance kauft ein geräumiges Loft in der Stadt und wird YouTuberin, Tammy erweitert ihr Geschäft mit gestohlenen Waren, Nine Ball eröffnet eine Billardhalle, Daphne wird Filmregisseurin, Lou unternimmt eine Geländefahrt und Debbie mixt und genießt einen Martini an Dannys Urnengrab, wohl wissend, dass er stolz auf sie wäre.

Im August 2016 wurde bestätigt, dass Sandra Bullock, Cate Blanchett, Helena Bonham Carter und Mindy Kaling die Hauptrollen in dem Film übernehmen werden. Später wurden Anne Hathaway, Rihanna, Awkwafina und Sarah Paulson als weitere Hauptrollen benannt.

Heidi Klum, Serena Williams, Katie Holmes und Anna Wintour haben Cameo-Auftritte im Film.

Am 25. Oktober 2016 begannen die Dreharbeiten des Filmes in New York. Im März 2017 verkündete Cate Blanchett, die Produktion sei offiziell beendet.

Besetzung und Synchronisation

Die deutsche Synchronisation des Films entstand bei der Interopa Film nach einem Dialogbuch von Sven Hasper unter der Dialogregie von Axel Malzacher.

Die Anfangsszene ist eine Referenz an den ersten Film der Reihe, Ocean's Eleven, in der Danny Ocean in ähnlicher Weise befragt wird wie Debbie Ocean und ähnlich Auskunft gibt.

Während des Coups schlüpft Debbie Ocean in die Rolle einer Hilda Schneider. Sie spricht dabei durchgehend Deutsch, was Darstellerin Sandra Bullock aufgrund ihrer deutschen Mutter fast akzentfrei beherrscht. Während der MET-Gala spricht sie auch mit Heidi Klum, die sich selbst spielt, auf Deutsch.

Neben der Grabplatte von Danny Ocean befindet sich das Grab einer Helga Meyer. Das ist der Geburtsname von Sandra Bullocks Mutter. Die Lebensdaten stimmen allerdings nicht überein.

Der Schmuckraub während der Met-Gala wird in der Simpsons Folge „Die weiblichen Verdächtigen" (Staffel 32, Folge 17, Originaltitel „Uncut Femmes") parodiert.

Ocean's 8 konnte 69 Prozent der Kritiker auf Rotten Tomatoes überzeugen und erhielt auf Metacritic einen Metascore von 61 von 100 möglichen Punkten.

Catherine Newmark von Zeit Online findet, Ocean's 8 sei ein temporeicher und unterhaltsamer Heist-Film, bei dem sich das Star-Ensemble mit spürbarer Lust in seine Rollen hänge. Der Film, der Teil eines weiblichen Trends in Hollywood sei, „inszeniert die eingeschworenen weiblichen Bande explizit, und die Darstellerinnen verschwestern sich auch außerhalb der Fiktion", wodurch die weibliche Solidarität im realen Hollywood in Zeiten von MeToo sehr angenehm sei. Zwar erkennt Newmark, dass der Film wenig mit der Realität zu tun habe, allerdings sei er genauso „leichtherzig, sinnlos und lustvoll anzusehen" wie die männlichen Vorgängerfilme und erschließe dabei neue Rollenfelder für Schauspielerinnen.

Im Gegensatz zu Catherine Newmark sieht Daniel Krüger vom Musikexpress in Ocean's 8 keinen Fortschritt der Frauenbewegung in Hollywood, bei der man Darstellerinnen gleiche Gagen wie ihren männlichen Kollegen, mehr Dialoge und wichtige Hauptrollen geben wolle. Obwohl der Film wie ein Schritt in die richtige Richtung wirke, setze er dennoch nur auf das Prinzip „Frauen statt Männer", wobei Regisseur Gary Ross keine interessanten Figuren schaffe und vor allem Sandra Bullocks Figur sich nur über „ihre Verwandtschaft mit dem von George Clooney in drei Filmen unter Soderbergh gemimten Danny Ocean definiert [...]". Das Drehbuch sei uninspiriert, wobei vor allem die langweilige Vorbereitung auf den Coup und die viel zu einfache Durchführung des Raubüberfalls negativ hervorgehoben werden, und könne auch nicht durch Kameratricks und Schnitte kaschiert werden. Dass darüber hinaus der gesamte Coup nur durch einen altbekannten Mann gelinge, sei, so Krüger zusammenfassend, „wie ein Schlag ins Gesicht der Frauenbewegung in Hollywood".

David Kleingers von Spiegel Online fasst Ocean's 8 als routinierten Heist-Movie auf. Die Figuren werden ohne detaillierte Figurenzeichnung nur knapp umrissen, wodurch der Film wie ein „Schaulaufen der Stars" wirke, allerdings seien in diesem Genre die tatsächliche Umsetzbarkeit des Coups oder die Hintergründe dazu nur Nebensache. Vielmehr gehe es um die möglichst raffinierte Umsetzung, die der Film nicht schlechter als seine Vorgänger mache, aber trotzdem nur „Altbekanntes in neuen Gewändern" präsentiere. Außerdem würden einige sanft-ironische Spitzen nicht ausreichen, um die überkommenen Geschlechterrollen zu überholen und ein „Akt der Gleichberechtigung" zu sein. Zusammenfassend meint Kleingers, Ross habe es nicht geschafft, dem Glanz auch etwas Substanz zu verleihen.

Einspielergebnis

Am ersten Wochenende lag Ocean's 8 auf Platz 1 der US-Kinostarts und spielte 41,5 Millionen US-Dollar ein, womit er die Prognosen deutlich übertraf. Am Startwochenende in Deutschland gelangte der Film auf Platz 2 der Kino-Charts. Die weltweiten Einnahmen liegen bei 297,72 Millionen US-Dollar. Allein 140,22 Millionen US-Dollar spielte er in den USA ein. In Deutschland verzeichnete der Film 788.454 Besucher und nahm 7,4 Millionen US-Dollar ein.

Auszeichnungen

Nickelodeon Kids' Choice Awards 2019

People's Choice Awards 2018

Teen Choice Awards 2018

Nominierung als Choice Summer Movie

Nominierung als Choice Summer Movie Actress (Sandra Bullock)

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Ocean's 8 ist eine US-amerikanische Heist- Filmkomödie. Der Film ist ein Ableger mit weiblicher Besetzung und die Fortsetzung der Filme Ocean's Eleven , und . Gary Ross hat die Regie übernommen und zusammen mit Olivia Milch das Drehbuch geschrieben. Der Film wurde am 8. Juni 2018 von Warner Bros.

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STAR WARS: Episode VI - Die Rückkehr der Jedi Ritter Trailer German Deutsch (1983)

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TRADING PLACES | Trailer | Paramount Movies

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Ich habe mich dazu entschieden eine kurze Filmkritik zur Komödie «Die Glücksritter» zu schreiben. "Die Glücksritter" (Originaltitel: "Trading Places") ist eine Komödie, die im Jahr 1983 unter der Regie von John Landis veröffentlicht wurde. In den Hauptrollen sind Eddie Murphy als der obdachlose Bettler Billy Ray Valentine und Dan Aykroyd als der wohlhabende Louis Winthorpe III zu sehen. Dieses ungleiche Duo brilliert in seinen Rollen und trägt maßgeblich zum Erfolg des Films bei.

Die Handlung des Films dreht sich um einen skrupellosen Millionär und einen obdachlosen Bettler, die in einem sozialen Experiment die Rollen tauschen. Dabei werden Themen wie soziale Klassenunterschiede, Wirtschaftskorruption und die Auswirkungen von Geld auf das Verhalten der Menschen auf unterhaltsame und satirische Weise behandelt. Der Film kombiniert geschickt Elemente der Komödie mit Drama und Gesellschaftskritik.

"Die Glücksritter" war nicht nur ein großer kommerzieller Erfolg, sondern erfreute sich auch bei Kritikern und Zuschauern gleichermaßen großer Beliebtheit. Der Film erhielt mehrere Nominierungen und Auszeichnungen, darunter eine Oscar-Nominierung für die beste Filmmusik.

Besonders bemerkenswert ist der Einfluss des Films auf die Karriere von Eddie Murphy, der durch diese Rolle zu einem der bekanntesten Komiker in Hollywood aufstieg.

Alles in allem bleibt "Die Glücksritter" ein bedeutender Film in der Filmografie von Eddie Murphy und ein Klassiker der 1980er Jahre. Er wird nach wie vor für seine soziale Satire und seinen humorvollen Ansatz geschätzt.

Der Film ist für mich eine kleine Kindheitserinnerung. Ich kann nicht mehr genau sagen, wie alt ich war, als ich den Film das erste Mal sah, jedoch hat er mich durch viele Jahre begleitet und es vergeht kein Jahr, in dem ich diesen Film mir nicht anschaue. Ich mag diesen Film sehr, da es noch gute Komödie ist. Ich bin eine Person, die gerne lacht und dieser Film bietet mir genau diese Anforderung. Und auf jeden Fall mag ich den Film auch, da Eddy Murphy als Hauptdarsteller mitspielt. Er ist für mich eine Filmikone und ich kenne keinen Film, der schlecht ist, wo er mitspielt.

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Pirates oft he Caribbean: The Curse of the Black Pearl von Gore Verbinski aus dem Jahre 2003 erhielt überwiegend positive Kritik von Kritiker sowie vom Publikum. Viele Kritiker heben immer wieder hervor wie gut Johnny Depp seine Rolle als Piraten Captain selbst inszeniert hat. Er sei ebenfalls ein Grund warum der Film so erfolgreich war. Für mich ist Pirates of the Caribbean mehr als nur ein Film. Das Zusammenspiel von dem lustigem und aufgestellten Captain Jack Sparrow und dem ernsten Turner, harmonieren wunderbar. Ausserdem hat der Film eine kleine Anekdote an die James Bond Reihe. Nämlich muss Jack Sparrow immer wieder erläutern das es „Captain“ Jack Sparrow heisse, genauso wie in den Bond Filmen mit dem Zitat: „ Bond, James Bond“. Was mich persönlich immer wieder begleitet hat ist Musik vorallem das Lied „He‘s a Pirat“. Dieses war mein absolutes Lieblingslied, welches wir immer wieder in der Jugendmusik gespielt haben. Persönlich finde ich den ersten Film am besten gelungen, da Jack Sparrow auf seinen alten Kammeraden und Veräter Captain Barbossa trifft, welcher mit Abstand mein lieblings- Charakter ist, da Barbossa in den 5 Filmen einen rissen Schritt in der Charakterentwicklung macht. Diese zu verfolgen ist extrem spannend.

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Durch das verwenden von ChatGPT spart man zwar Zeit und bekommt einen lesbaren Text, jedoch merkt man sofort das der Text unpersönlich und kalt wirkt. Zudem sind die verwendeten Begriffe sehr spezifisch. Dadurch ist die Kritik zwar Inhaltlich sehr gut, doch es fehlen Emotionen um eine richtige Filmkritik zu imitieren.

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Roman von Lauren Weisberger veröffentlicht im Jahre 2006, Regie: David Frankel, USA amerikanische Filmkomädie. 109 Minuten.
Die Hauptdarsteller sind, Meerly streep, Anne Hatahway.

In diesem Film wird die Modewelt richtig gut gezeigt dies ist auch der Grund weshalb ich diesen Film gewählt habe. Seit ich klein war, war es immer mein Traum einen Teil der Modewelt zu sein und wie die Darstellerin Anne Hatahway zeigt ist es nicht immer einfach an die Spitze zu gelangen. Jedoch werden auch andere Seiten wiederspiegelt, z.B wird gezeigt wie die Arbeitskultur in der Modebranche ist das finde ich gut den, in der Modewelt zu arbeiten, hört sich an wie ein Traum ist jedoch nicht zu unterschätzen. Die Kostum Wahl im Film, ist sehr erstaunlich. Es gibt verschiedene couture Teile. Dieser Film würde nicht nur Leute wie mich, die sich für die Mode interessieren ansprechen, sondern auch andere Anspruchsgruppen. Der Film ist humorvoll und interessant gestaltet. Einige würden kritisieren das der Film zu oberflächlich sei, dies empfinde ich nicht als solches, da es auch viele Szenen gibt die in die Tiefe geht wenn man richtig hinschaut. Das die Rolle als strikte Modedesigner gespielt von, Meerly Streep wird als tyranisch gesehen, wird kritisiert das es zu übetrieben sei, welches die Glaubwürdigkeit des Films in frage stellt. Ich kann diese Kritik nachvollziehen, da es oftmals auch ein bisschen Klischeehaft ist, dass die Designer Tyrane sind. Ich kann mir aber unteranderem gut vorstellen das es in der Modewelt streng hin und zu geht.

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Der Teufel trägt Prada ( The Devil Wears Prada) ist eine US-amerikanische Filmkomödie von David Frankel aus dem Jahr 2006. In den Hauptrollen sind Meryl Streep und Anne Hathaway zu sehen. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Lauren Weisberger aus dem Jahr 2003.

Die frischgebackene Universitätsabsolventin Andrea Sachs, Andy genannt, übernimmt eine Stelle als zweite Assistentin von Miranda Priestly, der eisigen und sehr anspruchsvollen Chefredakteurin der führenden Modezeitschrift Runway. Andy sieht diesen Job als Qualifikation und Sprungbrett für größere Aufgaben. Von Mode hat sie keine Ahnung, hört jedoch von verschiedenen Personen, dass für diesen Job Millionen Frauen sterben würden. Die Angestellten, insbesondere die erste Assistentin Emily, machen sich über Andy lustig, da sie in ihren Augen vollkommen unmöglich gekleidet und dazu mit Kleidergröße 36 viel zu dick ist.

Die beruflichen Belastungen der folgenden Wochen sind hoch, die Erwartungen ihrer Chefin erscheinen Andy unerfüllbar. In ihren Bemühungen, den Anforderungen gerecht zu werden, unterstützt sie der künstlerische Leiter Nigel dabei, ihr Auftreten und Erscheinungsbild zu ändern und an die Erwartungen ihrer Mitarbeiter und ihrer Chefin anzupassen. Ihr Ansehen in der Redaktion steigt. Erste Anerkennung von der Chefredakteurin erhält sie, als sie über den Reporter Christian Thompson das Manuskript eines unveröffentlichten Harry-Potter-Bandes für die Kinder ihrer Chefin beschaffen kann. Andy findet an der Glamour-Welt der Mode langsam Gefallen. Andys Verwandlung belastet allerdings das Verhältnis zu ihren Freunden und insbesondere zu ihrem Freund, dem Saucier Nate.

Anstelle von Emily soll Andy Miranda Priestly zur jährlichen Modenschau nach Paris begleiten. Als Andy betont, wie viel die Reise ihrer Kollegin bedeute, entgegnet Miranda, sie müsse das beste Team dabei haben, und dass nur die Teilnahme an der Reise Andys Job sichere. Während Andy Emily anruft und ihr diese Botschaft überbringen möchte, wird ihre Kollegin auf den Straßen New Yorks angefahren und verletzt.

Kurz vor der Paris-Reise stellt Nate Andy zur Rede und sagt ihr, dass sie nun in zwei getrennten Welten lebten und sie in Wirklichkeit eine „Beziehung" mit ihrer Chefin führe. Andy hält ihm entgegen, dass sich niemand über Mirandas fordernden Führungsstil aufregen würde, wenn sie ein Mann wäre. Da ihre Chefin sie jedoch in diesem Moment anruft und sie erneut nicht ablehnen kann, beschließt das Paar, sich zu trennen und Paris als Auszeit zu nehmen.

In Paris angekommen, begegnet Andy dem Reporter Christian Thompson wieder. Die beiden verbringen eine Nacht miteinander. Andy erfährt von Thompson, dass Mirandas Stelle durch die Chefredakteurin der französischen Runway, ihrer direkten Konkurrentin, neu besetzt werden soll. Sie versucht, Miranda zu warnen, wird aber abgewiesen. Der künstlerische Leiter Nigel will unterdessen aus der Redaktion aussteigen und den Job des Geschäftsführers eines Modeunternehmens übernehmen. Er freut sich und feiert gemeinsam mit Andy. Während eines Empfangs verkündet Miranda allerdings, die gut bezahlte Stelle des Geschäftsführers solle nicht Nigel, sondern eben jene französische Redakteurin übernehmen, die als ihre Nachfolgerin gehandelt wurde.

Später sitzt Andy während einer Autofahrt mit Miranda auf dem Rücksitz. Miranda offenbart, dass sie von ihrer drohenden Entlassung gewusst und rechtzeitig gehandelt habe: Sie habe dem Besitzer der Zeitschrift gedroht, gemeinsam mit ihr würden die Zeitschrift auch die Modeschöpfer, Redakteure und Models verlassen, die sie im Laufe der Jahre entdeckt habe. Andy betont, dass sie nie tun könne, was Miranda Nigel angetan habe. Diese entgegnet, Andy habe dasselbe bereits ihrer Kollegin Emily angetan. Als Andy zu bedenken gibt, dass sie aber vielleicht nicht so werden wolle wie Miranda, verspottet diese sie und sagt, dass natürlich alle ihr Leben führen wollen würden.

Nach dem Aussteigen entfernt sich Andy unbemerkt aus Mirandas Tross. Miranda bemerkt das Verschwinden und ruft Andy an, diese wirft jedoch ihr Handy in einen Springbrunnen.

Andy bewirbt sich um einen neuen Job als Redakteurin einer New Yorker Zeitung. Miranda schickt ein Fax an den Chef und erklärt, keine ihrer Assistentinnen habe sie so enttäuscht wie Andy, aber er wäre ein Idiot, wenn er sie nicht einstellen würde. Daraufhin gibt er Andy die Stelle. Gleichzeitig findet Nate eine neue Anstellung als Souschef in einem renommierten Restaurant in Boston. Andy und Nate versöhnen sich wieder.

Etwas später ruft Andy in Mirandas Büro an, um Emily zu bitten, ihr die Kleider aus Paris abzunehmen. Emily gibt sich abweisend, willigt aber ein und lächelt nach dem Telefonat. Danach wendet sie sich an die neue zweite Assistentin, die nun Andys Platz eingenommen hat, und meint, die Fußstapfen, in welche sie nun trete, seien sehr groß.

Andy sieht auf der Straße Miranda, die in ihr Auto einsteigt. Sie winkt ihrer ehemaligen Chefin zu, diese tut jedoch so, als ob sie Andy nicht bemerkt hätte. Im Auto nimmt sie ihre Sonnenbrille ab und lächelt einen kurzen Moment, um dann ihren Fahrer harsch aufzufordern, er solle losfahren.

1. Jump - Madonna

2. Bittersweet Faith - Bitter:Sweet

3. City Of Blinding Lights - U2

4. Seven Days In Sunny June - Jamiroquai

5. Crazy (James Michael Mix) - Alanis Morissette

6. Beautiful - Moby

7. How Come - Ray LaMontagne

8. Sleep - Azure Ray

9. Feelin' Hypnotized (Black Liquid Remix) - DJ Colette

10. Tres Tres Chic - Mocean Worker

11. Here I Am (Kaskade Radio Edit) - David Morales & Tamra Keenan

12. Suite From The Devil Wears Prada - Theodore Shapiro

13. Suddenly I See - KT Tunstall

James Berardinelli schrieb auf ReelViews, der Film sei gleichzeitig eine „energiegeladene Satire auf die Modewelt" und ein „Melodrama". Er funktioniere als Satire, aber nicht als Melodrama. Berardinelli lobte die „starken" Darstellungen von Meryl Streep, Stanley Tucci und Emily Blunt. Anne Hathaway fehle es an Präsenz. Der Kritiker schrieb, er habe den Film bis auf die letzte „weinerliche" halbe Stunde und das „künstliche" Ende genossen.

Carina Chocano lobte in der Los Angeles Times Meryl Streep in ihrer „komischen Spitzenform". Die Komödie sei „scharf" und „überraschend witzig".

Das Lexikon des internationalen Films urteilte: „Die nach einem autobiografisch gefärbten Schlüsselroman flott gestaltete Filmkomödie macht sich über die Modewelt der Eitelkeiten und die ihr anhängenden Branchen lustig, ohne deren Reiz gänzlich in Abrede stellen zu können. In der Hauptrolle faszinierend gespielt, bietet der Film eine amüsante, letztlich aber bekannte Karikatur von Oberflächenreizen."

Der Film wurde bei der Interopa Film in Berlin vertont. Alexander Löwe schrieb das Dialogbuch, Oliver Rohrbeck führte die Dialogregie.

Oscar 2007

Golden Globe Awards 2007

British Academy Film Awards 2007

Satellite Awards 2006

Beste Hauptdarstellerin (Komödie/Musical) für Meryl Streep

Bestes Kostümdesign für Patricia Field

Nominierung in der Kategorie Bester Film (Komödie/Musical) für Wendy Finerman

Der Film als Beste Komödie, Emily Blunt, Meryl Streep sowie das aus Meryl Streep und Anne Hathaway bestehende Paar wurden 2006 für den Teen Choice Award nominiert. Meryl Streep wurde 2006 für den Chicago Film Critics Association Award sowie 2007 für den Screen Actors Guild Award und den Online Film Critics Society Award nominiert; sie gewann 2007 den National Society of Film Critics Award. Meryl Streep und Emily Blunt wurden 2007 für den London Critics Circle Film Award nominiert. Meryl Streep und der Film als Beste Komödie wurden 2007 für den Broadcast Film Critics Association Award nominiert.

Aline Brosh McKenna wurde im Jahr 2007 für den Writers Guild of America Award und - gemeinsam mit Lauren Weisberger - für den USC Scripter Award nominiert. Patricia Field wurde 2007 für den Costume Designers Guild Award nominiert. Mark Livolsi wurde 2007 für den American Cinema Editors Award nominiert.

Anne Hathaway, Stanley Tucci und Meryl Streep

Die Komödie wurde in den USA am 30. Juni 2006 aufgeführt. In Deutschland kam der Film am 12. Oktober 2006 in die Kinos. Der Titelsong Suddenly I See stammt von KT Tunstall.

Lauren Weisberger ist eine ehemalige Assistentin von Anna Wintour, Chefredakteurin der Vogue. Die Übereinstimmung der Hauptfigur mit Wintour wurde nie bestätigt. Wintour erschien zur Filmpremiere und trug dabei Prada.

In der Romanvorlage fehlt die Intrige um Mirandas Posten, aber auch jede Chance für Andy, zu der ausschließlich erfolgsorientierten Chefin einen menschlichen Kontakt aufzubauen. In der Emily des Films verschmelzen die Romanfigur, die wegen einer Krankheit nicht nach Paris fahren kann, und die Figur der Lilly, Andys bester Freundin. Erst zum Ende des Romans, nach einem schweren Unfall der betrunkenen Lilly, erkennt Andy den Vorrang menschlicher Beziehungen vor dem beruflichen Erfolg und verlässt Paris. Ihr beruflicher Neuanfang gelingt ohne jedes Handeln der früheren Chefin.

Neben Gisele Bündchen haben Heidi Klum, Valentino Garavani und Bridget Hall Cameo-Auftritte.

In dem Spielfilm sind Kleidungsstücke der Mannheimer Modeschöpferin Dorothee Schumacher zu sehen.

Das Budget für diesen Film lag bei 35 Millionen US-Dollar. Das Einspielergebnis betrug rund 327 Millionen US-Dollar.

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Der Teufel trägt Prada ( The Devil Wears Prada) ist eine US-amerikanische Filmkomödie von David Frankel aus dem Jahr 2006. In den Hauptrollen sind Meryl Streep und Anne Hathaway zu sehen. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Lauren Weisberger aus dem Jahr 2003.

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FAST & FURIOUS 10 Trailer German Deutsch (2023) [ML]

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Logo der Reihe

Die Filmreihe Fast & Furious besteht aus mehreren Filmen, die sich an Elementen des Street-Racings, Heist und Agentenfilm-Genre bedienen. Produziert wurden alle Teile von Universal Studios. Bislang besteht die Reihe aus zehn Kino-, zwei Kurzfilmen und einer Animationsserie.

Anfang Oktober 2018 wurde bekannt, dass Vin Diesel und Universal Pläne für einen Ableger mit weiblichen Darstellern haben, nachdem sich zuvor Michelle Rodríguez für mehr Gleichberechtigung und präsentere Frauenrollen innerhalb der Filmreihe eingesetzt hatte. Im Januar 2019 bestätigte Diesel, dass ein Ableger mit weiblicher Besetzung, das von Nicole Perlman, Lindsey Beer und Geneva Robertson-Dworet geschrieben werden soll, kommen werde. Informationen des Hollywood Reporter zufolge soll sich der Film dabei um die von Charlize Theron verkörperte Cipher drehen.

Darüber hinaus befindet sich das Spin-off Fast & Furious Presents: Hobbs & Reyes in Arbeit, das als Verbindungsstück zwischen Fast & Furious 10 und Fast & Furious 11 fungieren soll. Die titelgebenden Hauptrollen übernehmen Dwayne Johnson und Jason Momoa; das Drehbuch stammt von Chris Morgan.

Am 26. Dezember 2019 erschien auf Netflix die erste Staffel der Animationsserie Fast & Furious Spy Racers. Inhaltlich handelt die Serie von Tony Toretto, dem jungen Cousin von Dominic Toretto, der von der Regierung angeworben wird, um eine verdächtige Elite-Rennliga zu infiltrieren.

Ursprünglich als in sich abgeschlossene Filme geplant, entschieden sich Filmregisseur Justin Lin und Drehbuchautor Chris Morgan nach Fertigstellung von Tokyo Drift dazu, die Handlung innerhalb der Filme zu vereinen. Die folgenden Filme Fast & Furious - Neues Modell. Originalteile., Fast & Furious Five und Fast & Furious 6 spielen daher zwischen 2 Fast 2 Furious und Tokyo Drift. Fast & Furious 7 spielt zu Beginn parallel zu den Ereignissen in Tokio und setzt die Filmreihe nach dem (scheinbaren) Tod von Han fort. Nachfolgend die Handlungsabschnitte in chronologischer Reihenfolge:

Undercover-Polizist Brian O'Conner verschafft sich Zugang zur illegalen Straßenrennszene und erhofft sich dadurch, die Täter mehrerer LKW-Überfälle ausfindig zu machen. Trotz einer Rennniederlage verschafft sich Brian Respekt bei Dominic „Dom" Toretto, der offenbar an der Überfallserie beteiligt ist. Brian gerät in einen Zwiespalt, da einerseits seine Auftraggeber Ermittlungsergebnisse sehen möchten, aber andererseits eine Freundschaft zu Dom entsteht. Erschwerend kommt hinzu, dass sich Brian in Mia, die Schwester Doms, verliebt. Zudem kommt es zum Eklat zwischen Brian und Vince, einem treuen Gefolgsmann Dominics.

Zum Unmut Mias gesteht Brian ihr, dass er Undercover-Polizist ist und erfährt den Ort des nächsten Überfalls. Diesen will Brian verhindern. Brian und Mia erreichen die Szenerie, als Vince schwer verletzt am LKW hängt - der Überfall war misslungen. Mehrere Rettungsversuche seiner Teamkameraden scheiterten. Brian rettet Vince, woraufhin Dom mit Mia flüchten kann. Zwiegespalten seine Polizeiarbeit zu vollenden oder seinen Freund ziehen zu lassen, sucht Brian Dom auf. Nach einem Mord an Dominics Gefolgsmann Jesse, begangen durch einen Renngegner, verfolgt Brian Dom bis zu einer Ampel. Als diese Grün schaltet, fahren die beiden ein letztes Rennen. Dom verunfallt, aber Brian verhilft ihm im letzten Moment zur Flucht vor der anrückenden Polizei.

Dieser sechsminütige Film war Teil einer Sonderedition („Tricked Out Edition") der The-Fast-and-the-Furious- DVD aus dem Jahr 2003. Erzählt wird Brians Leben zwischen dem ersten und dem zweiten Teil der Reihe. Dieser flüchtet angesichts einer drohenden Verhaftung über mehrere Umwege nach Miami. Auf seiner Reise quer durch das Land bestreitet er immer wieder Autorennen und erwirbt den Nissan Skyline GT-R R34, der im zweiten Film eine größere Rolle spielt.

Weil Brian Dominic zur Flucht verhalf, wurde er vom Dienst suspendiert. Als er später bei einem Straßenrennen festgenommen wird, zwingen die Beamten ihn dazu, als verdeckter Ermittler gegen den Drogenhändler Carter Verone zu arbeiten. Er und sein alter Freund Roman Pearce können das Vertrauen Verones gewinnen und bekommen die Möglichkeit, diesen mitsamt seinen Handlangern dingfest zu machen. Da Verone jedoch Monica Fuentes, die ebenfalls als verdeckte Ermittlerin arbeitet, enttarnt, droht die Situation zu eskalieren. Brian und Roman können Verone verhaften und Monica befreien.

Der 20-minütige Film aus dem Jahr 2009 zeigt die Vorgeschichte der Charaktere des folgenden Films Fast & Furious - Neues Modell. Originalteile. und fungiert als Einleitung der ersten Szene. Produziert wurde der Film von Vin Diesel. Dieser Film war auf Sondereditionen der Fast & Furious - Neues Modell. Originalteile.-DVD sowie auf der Blu-ray-Disc-Ausgabe enthalten.

Dom ist immer noch auf der Flucht vor der Polizei und trennt sich von seiner langjährigen Partnerin Leticia Ortiz (Letty), um diese und weitere Teammitglieder nicht zu gefährden. Wenig später wird Letty ermordet, was Dom dazu bewegt, in die USA zurückzukehren.

Brian, jetzt Ermittler beim FBI, ist auf der Suche nach dem Drogenboss Arturo Braga und kann als verdeckter Ermittler für diesen arbeiten. Dominic, der für Lettys Tod Rache schwor, erhält ebenfalls einen Job bei Braga, in der Hoffnung, den Mörder ausfindig zu machen. Nach einem gemeinsam durchgeführten Auftrag eskaliert die Situation, als Dom dem mutmaßlichen Mörder Lettys, Fenix, gegenübersteht. Dominic und Brian können nach einer herbeigeführten Explosion den Handlangern Bragas entkommen. Gisele Harabo, ehemalige Mitarbeiterin der Drogenbande, verrät Brian und Dominic den Aufenthaltsort Bragas. Dadurch können sie ihn dingfest machen.

Schlussendlich tötet Dominic Fenix und verzichtet auf eine weitere Flucht. Obwohl Dominic half, die Drogenbande um Braga dingfest zu machen, wird er zu 25 Jahren Haft verurteilt.

Ein mehrköpfiges Team, darunter Brian und Mia, können Dominic aus einem Gefangenentransport befreien. Mit dieser Tat macht sich Brian zum Verbrecher, was die Drei dazu veranlasst, nach Südamerika zu flüchten. Dort angekommen nehmen sie, veranlasst durch Vince, an einem Raubüberfall teil. Dieser schlägt fehl, was sie nicht nur zu den Gejagten der örtlichen Polizei, sondern auch der Auftraggeber macht. Weil bei dem Überfall DEA-Agenten getötet wurden, schaltet sich nun auch DSS-Agent Luke Hobbs in die Verfolgung ein.

Um ihr Dasein als Flüchtige zu beenden, beschließen sie, einen letzten Coup durchzuführen, indem sie planmäßig die Geldverstecke von Hernan Reyes, einem zwielichtigen Geschäftsmann, ausrauben. Dank eines Täuschungsmanövers bringen sie Reyes dazu, sein ursprünglich dezentral gelagertes Geld in einem Tresor zu deponieren. Mit Hilfe eines zusammengestellten Teams gelingt den Akteuren der Raub des Tresors. Nach einer waghalsigen Flucht beginnen die Teammitglieder mit dem geraubten Geld ein neues Leben.

Letty, die angeblich getötete Lebenspartnerin Dominics, wird im Zusammenhang mit einem Raub in Berlin gesichtet.

Nach dem erfolgreichen Coup aus dem Filmvorgänger leben Brian, Dominic und ihr Team ein wohlhabendes Leben, können jedoch aufgrund der Strafverfolgung nicht in ihr Heimatland einreisen. Hobbs bietet der Gruppe an, den kriminellen Söldner Owen Shaw und seine Gefolgschaft, darunter Letty, zu stellen, und garantiert ihnen dafür Straffreiheit und die damit verbundene Möglichkeit, nach Hause zurückzukehren. Die Crew verfolgt Shaw an einigen Stationen Europas und Dom erfährt, dass Letty nach einem Gedächtnisverlust für Shaw arbeitet. Er gewinnt in einem Rennen gegen sie und schafft es, ihre Erinnerungen stückweise zurückzubringen. Sie weigert sich ihm zu folgen und kehrt zu Shaw zurück. Obwohl die Crew es letzten Endes schafft, Shaw zu stellen, werden sie von einer Komplizin verraten und Shaw möchte mit einem Militärflugzeug entkommen. Während die Maschine die Startbahn entlangrollt, verfolgt die Crew ihn und kann die Maschine am Start hindern. Bei dieser Aktion stirbt Hans Freundin Gisele und der schwer verwundete Shaw wird festgenommen. Hobbs gewährt der gesamten Crew die versprochene Amnestie.

Han integriert sich in die Straßenrenn- und Driftszene Tokios und führt eine Geschäftsbeziehung zu Takashi, örtlich auch als „Drift King" bekannt.

Sean Boswell reist ebenfalls nach Tokio, um einer Haftstrafe in den USA zu entgehen. Schnell findet er Gefallen an der örtlichen Tuningszene und gerät in einen Streit mit Takashi. Mit einem Fahrzeug von Han bestreitet Sean ein Rennen gegen Takashi und verliert aufgrund mangelnder Driftkenntnisse kläglich. Um den Schaden an Hans Auto zu begleichen, arbeitet Sean fortan für diesen. Als Takashi herausfindet, dass Han ihn bestohlen hat, wird Han bei der anschließenden Flucht in einen Unfall verwickelt und stirbt vermeintlich. Dieser Unfall wird mutwillig von dem großen Bruder von Owen Shaw herbeigeführt. Sean, der sich in die Freundin Takashis verliebt hat, sieht sich nun ebenfalls in Gefahr. Er vereinbart ein Rennen mit Takashi unter der Voraussetzung, dass der Verlierer die Stadt verlässt. Sean besiegt Takashi und lässt sich als neuer „Drift King" feiern. Am Ende trifft er auf Dominic, der ihn zu einem Rennen herausfordert.

Dominic und Letty sind wieder ein Paar, wobei Letty sich aufgrund ihrer Amnesie mit der Situation schwer tut und sich zunächst von Dominic trennt. Brian und Mia (inzwischen Eltern eines Sohnes) genießen ihr Leben in Freiheit, als die Idylle gestört wird: Dom erhält einen Anruf aus Tokio und kurz darauf zerstört eine Paketbombe aus Tokio sein Haus. Deckard Shaw, der in Tokio gerade Han getötet haben soll, will der Crew, die seinen Bruder ins Koma brachte, ans Leder. Dom reist nach Tokio, um Hans Leiche zu holen und trifft - wie bereits am Ende von Tokyo Drift kurz zu sehen ist - auf Sean Boswell, der ihm Hans persönliche Gegenstände übergibt. Auch Lettys Kette, die Shaw bei Han hinterlassen hat, bekommt Dom so zurück.

Zurück in den USA will Dom Rache für Hans Tod und es beginnt eine Jagd, in die sich auch noch der Terrorist Mose Jakande einschaltet. Dieser hat es auf einen hochintelligenten Computerchip „Das Auge Gottes" und die Hackerin Ramsey abgesehen, die ihn bedienen kann. Auch Mr. Nobody, ein Agent der Regierung, will den Chip bekommen. Dieser bietet Dom einen Deal an: Beschafft er das Auge, darf er es zur Ergreifung von Shaw nutzen. Mit einem waghalsigen Manöver überfällt die Crew einen Konvoi in einem Pass im Kaukasus-Gebirge und befreit Ramsey.

Der Chip selbst befindet sich allerdings in Abu Dhabi im Hochhaus eines reichen Prinzen - verbaut in einem Lykan HyperSport. Brian und Dom stehlen den Sportwagen und springen mit ihm durch drei Hochhäuser, ehe sie den Chip ausbauen können, kurz bevor der Wagen in die Tiefe stürzt. Nach einigem Hin und Her gelingt es der Crew mit Hilfe von Agent Hobbs, Shaw zu stellen und Jakande zu töten. Letty erinnert sich letztlich wieder an alles - auch daran, dass sie und Dominic damals in der Dominikanischen Republik geheiratet haben. Die Kette, die sie bei Owen Shaw verloren hatte und die Deckard Shaw bei Hans Wagen hinterließ, diente als eine Art Ehering für Dom und Letty. Die Crew erkennt zudem, dass Brian seinen Fokus nun auf die Familie legen muss, denn Mia ist erneut schwanger. Brian und Dom fahren nebeneinanderher bis zu einer Weggabelung, wo sich ihre Wege trennen.

Eine Cyber-Terroristin namens Cipher überrascht Dom und Letty auf ihren Flitterwochen in Havanna. Sie macht Dom klar, dass sie seine frühere Liebschaft Elena entführt hat und diese einen gemeinsamen Sohn mit Dom hat. Sie droht Dom damit, den beiden etwas anzutun, sollte er nicht jedem ihrer Befehle gehorchen. So wendet sich Dom auf Ciphers Befehl gegen sein Team und stiehlt für sie eine EMP-Waffe sowie Nuklearcodes für russische Atomraketen. Nachdem Dom einem von Ciphers Befehlen nicht vollständig gehorcht hat, tötet sie Elena. In Sibirien soll er ein mit Atomwaffen bestücktes U-Boot stehlen. Dort wird er von seinem alten Team aufgehalten, das sich mit Erzfeind Deckard Shaw verbündet hat. Shaw schafft es, Doms Sohn aus den Klauen von Cipher zu befreien, die nun kein Druckmittel mehr gegen ihn besitzt. Dom zerstört das U-Boot, Cipher kann jedoch fliehen. Am Ende feiern alle zusammen auf dem Dach eines Hauses in New York. Dom verkündet, dass sein Sohn Brian heißt.

Die MI6-Agentin Hattie Shaw, die Schwester von Deckard, stellt in London ein tödliches Virus sicher, das der kybernetisch verbesserte Terrorist Brixton und dessen Organisation Eteon dafür nutzen wollen, die schwächere Hälfte der Menschheit auszurotten und so die Evolution künstlich voranzutreiben. Da Hattie von Eteon gegenüber dem MI6 als Abtrünnige inszeniert wird, werden ihr Bruder und Luke Hobbs darauf angesetzt, sie aufzuspüren. Das gelingt ihnen zwar recht schnell, doch Hattie kann beide von ihrer Unschuld überzeugen. Von Professor Andreiko, dem Erfinder des Virus, erfahren die drei, dass sich die einzige Maschine, die das Virus aus Hatties Körper extrahieren kann, in der Nähe von Moskau im Eteon-Hauptquartier befindet. So brechen die drei in die Einrichtung ein, kämpfen sich durch die Söldner und fliehen schließlich mit dem kaputten Gerät. Da Eteon mittlerweile auch Deckard und Luke Hobbs als Abtrünnige inszeniert hat, fliehen die drei nach Samoa, der Heimat von Hobbs. Dort kann Lukes Bruder Jonah die Maschine reparieren und das Virus aus Hatties Körper entfernen. Gleichzeitig kann der Hobbs-Clan die Eteon-Anhänger überwältigen, während Luke und Deckard Brixton gemeinsam besiegen können.

Als Dom und Letty zusammen mit ihrem Sohn Brian ein ruhigeres Leben führen wollen, wird Dom von seiner Vergangenheit in Form seines Bruders Jakob eingeholt. Zusammen mit seinem Team muss er sich nun dem Meisterdieb, Auftragskiller und Hochleistungsfahrer stellen. Zur allgemeinen Überraschung schließt sich der tot geglaubte Han dem Team an, und es wird erzählt, dass sein Tod nur vorgetäuscht war.

Es stellt sich heraus, dass der Widersacher von Fast & Furious 5, Hernan Reyes, einen Sohn namens Dante hat. Dieser hat den Geldüberfall mit angesehen und möchte sich nach dem Tod seines Vaters an Dominic Toretto sowie seiner gesamten Familie und Freunde rächen. Aus diesem Grund verübt Dante Reyes quer um den Globus mit allen möglichen Mitteln Anschläge gegen das Team.

Obwohl in den einzelnen Filmen unterschiedliche Themen abgewickelt werden, finden sich in fast allen Filmen einige Elemente wieder:

In den Teilen 1, 4, 5, 6 und 7 liefern sich Brian und Dom ein Straßenrennen, wobei Dominic meist als Sieger aus dem Vergleich hervorgeht. Oft bezichtigt Brian Dom der unfairen Fahrweise. In Teil 5 siegt erstmals Brian, dabei wird aber angedeutet, dass Dom ihn absichtlich gewinnen lässt, damit er die Siegprämie für sein ungeborenes Kind nutzen kann; der Ausgang eines weiteren Rennens am Ende desselben Teils bleibt ungewiss. Außerdem gewinnt Brian das Rennen, das den 6. Teil einleitet.

Mit Ausnahme von Teil 3 und 8 ist in jedem Film die Rede von einem 10-Sekunden-Auto. (In Teil 3 ist nur die Rede von einem 10-Sekunden-Rennen.)

Das Bier Corona wird in vielen Filmen der Reihe von den Akteuren bevorzugt.

In jedem Teil, in dem Brian mitspielt, muss er sich den Vorwurf der Gesetzesuntreue gefallen lassen (oder wechselt bewusst auf die andere Seite des Gesetzes).

In den Teilen 1, 4, 5, 6 und 8 sowie im Kurzfilm Los Bandaleros wird ein gemeinsames Essen veranstaltet, bei dem eine Person der Gruppe das Tischgebet sprechen muss. Bei jedem Essen gibt es eine Person, die sich zuerst vom Essen bedient und somit zum Gebetssprecher ernannt wird.

In den Teilen 1, 6, 7 und 8 werden harpunenartige Geräte bei der Durchführung eines Coups verwendet.

Seit 2009 war Filmeditor Christian Wagner an fünf Filmen der Reihe beteiligt. Fred Raskin wirkte an The Fast and the Furious: Tokyo Drift, Fast & Furious - Neues Modell. Originalteile. und Fast & Furious Five mit. Im April 2019 trennte sich das Studio Universal nach langjährigen Auseinandersetzungen von Produzent Neal H. Moritz, der die Reihe von Beginn an mit betreut hat.

Mit einem Gesamteinspielergebnis von mehr als 7 Milliarden US-Dollar steht The Fast and the Furious auf Platz 4 der bisher erfolgreichsten Filmreihen (Stand: August 2023). Zwei der Filme befinden sich in der Top 100 der finanziell erfolgreichsten Filme: Fast & Furious 7 auf Platz 11 (Stand: 5. September 2023) und Fast & Furious 8 auf Platz 24 (Stand: 5. September 2023). Fast & Furious 6 und Fast & Furious: Hobbs & Shaw befanden sich ehemals ebenfalls unter den Top 100, wurden dann jedoch von anderen Filmen verdrängt.

(Stand 8. August 2023)

Die nachfolgenden Videospiele wurden seit 2001 zum Fast & Furious-Franchise veröffentlicht:

Darüber hinaus wird der Filmreihe nachgesagt, dass sie die Orientierung der Spielreihe Need for Speed zeitweise geprägt hat. Während in dieser Serie bis 2002 hauptsächlich Luxusautos zum Einsatz kamen und das Tuning eine untergeordnete Rolle spielte, schlugen die Entwickler mit Need for Speed: Underground im Jahr 2003 einen neuen Weg ein. Autos wie der Nissan Skyline oder Honda S2000 rückten in den Vordergrund, die in den Filmen starke Präsenz hatten. Weiterhin wurde das Tuning, insbesondere durch Lachgaseinspritzungen, aufgewertet.

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Die Filmreihe Fast & Furious besteht aus mehreren Filmen, die sich an Elementen des Street-Racings, Heist und Agentenfilm-Genre bedienen. Produziert wurden alle Teile von Universal Studios. Bislang besteht die Reihe aus zehn Kino-, zwei Kurzfilmen und einer Animationsserie.

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Mama ist ein spanisch- kanadischer Horrorfilm von Andrés Muschietti aus dem Jahr 2013.

Der Film handelt von zwei kleinen Mädchen, die jahrelang allein im Wald lebten und von einem Wesen versorgt wurden, das sie „Mama" nennen. Seit ihrer Auffindung leben die Schwestern bei ihrem Onkel und dessen Partnerin, wohin sie anscheinend von „Mama" begleitet wurden. Die Weltpremiere fand am 18. Januar 2013 statt. Der Film wurde von J. Miles Dale, Barbara Muschietti und Guillermo del Toro produziert. Zu den Hauptdarstellern zählen Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier und Isabelle Nélisse. Es handelt sich um eine Neuverfilmung des gleichnamigen Kurzfilmes.

Im Zuge der Finanzkrise 2008 tötet ein Geschäftsmann namens Jeffrey seine Ehefrau und seine Geschäftspartner. Mit seinen beiden Töchtern, der zu diesem Zeitpunkt dreijährigen Victoria und ihrer einjährigen Schwester Lilly, flieht er in einen Wald, wo er einen Verkehrsunfall verursacht, den alle drei jedoch überleben. Sie begeben sich danach in eine abgeschiedene Hütte. Der verzweifelte Jeffrey entzündet ein Feuer im Kamin, dann will er erst seine Kinder erschießen, danach sich selbst. Als er abzudrücken versucht, wird er von einer schattenhaften Gestalt in die Luft gehoben und mit seiner eigenen Krawatte erwürgt. Victoria, die sich umgedreht hatte, kann nichts erkennen, weil ihr Vater zuvor ihre bei dem Unfall beschädigte Brille abgenommen hatte. Während die Kinder verängstigt vor dem Feuer im Kamin kauern, wirft ihnen die schattenhafte Gestalt eine reife Kirsche hin.

Fünf Jahre später werden sie in verwildertem Zustand von zwei Männern gefunden, die ihr Onkel Lucas, Jeffreys Zwillingsbruder, vor Jahren mit der Suche beauftragt hatte. Die Mädchen werden in eine Wohlfahrts klinik gebracht, die von Dr. Gerald Dreyfuss geleitet wird. Dreyfuss versichert Lucas und seiner Lebensgefährtin Annabel, ihren Sorgerechtsantrag gegenüber der Großtante der Mädchen, Jean Podolski, zu unterstützen. Er ist von den Bildern fasziniert, welche die Mädchen von einem mysteriösen Charakter namens „Mama" angefertigt haben. Mit diesem (für Dr. Dreyfuss unsichtbaren) Wesen reden und spielen die beiden.

Eines Nachts, während eines intimen Moments zwischen Lucas und Annabel, wird Annabel von einer schattenhaften Gestalt im Türrahmen des Schlafzimmers geängstigt. Als Lucas diesem Vorfall auf den Grund gehen will, wird er von "Mama" attackiert, stürzt die Treppe herunter und fällt in einen komatösen Zustand. Annabel, nicht mit den Mädchen verwandt, muss sich nun alleine um diese kümmern, während "Mama" ihre Besuche fortsetzt. Was das Verhalten der beiden Mädchen betrifft, kann Annabel bei Victoria Fortschritte erzielen, doch Lilly steht ihr weiterhin feindselig gegenüber. Alarmiert durch Albträume und einer Warnung über „Mamas Eifersucht", bittet Annabel Dr. Dreyfuss um weitere Nachforschungen.

Dr. Dreyfus argwöhnt zunächst, „Mama" könnte ein Alter Ego von Victoria sein, eine Erfindung des Mädchens, weil es in den einsamen Jahren die Mutterrolle übernehmen musste. Jedoch untermauern seine Nachforschungen Victorias Geschichte, dass Mama eine verstörte Mutter ist, die einst von ihrem Kind getrennt wurde. Er bringt die Geschichte von Edith Brennan ans Licht, einer Psychiatrie-Patientin, die im 19. Jahrhundert lebte. In einem forensischen Lagerhaus findet Dreyfuss eine Schachtel mit Überresten eines Säuglings und hat seine erste Begegnung mit Mama während einer Sitzung mit Victoria.

Annabel hat unterdessen einen Albtraum von Mamas Vergangenheit: Mama, sprich: Edith Brennan, sollte wegen einer Geisteskrankheit in einer Psychiatrie untergebracht werden, der Säugling wurde ihr von Nonnen weggenommen. Edith konnte sich jedoch befreien, sie erstach die Mutter Oberin und rannte mit ihrem Kind weg. Auf ihrer Flucht gelangte sie an eine hohe Klippe. Eingekesselt sprang Edith aus Verzweiflung von der Klippe. Während des Sturzes wurde das Kind durch den Aufprall auf einen Ast erschlagen, während die Frau ins Wasser fiel und ertrank. Annabel schlussfolgert, dass Mama nie erfahren hat, was mit ihrem Kind passiert ist und sich seitdem auf der Suche nach diesem befindet. In Victoria und Lilly sieht sie offensichtlich einen Ersatz.

Lucas kommt wieder zu Bewusstsein, nachdem er eine verstörende Vision von seinem toten Bruder Jeffrey gehabt hat, der ihm erzählt, er solle in die Hütte im Wald gehen. Annabel und die Mädchen werden unterdessen von Jean besucht. Diese versucht, Annabel wegen Kindesmissbrauchs anzuzeigen, nachdem sie einige Blessuren an den Mädchen entdeckt hat. Während Victoria Annabel immer mehr vertraut und sich ihr annähert, bevorzugt Lilly weiterhin die Nähe von "Mama".

Dr. Dreyfuss sucht die Waldhütte auf, um die Existenz von "Mama" zu beweisen. Bei dem Versuch, sie zu fotografieren, wird er von ihr umgebracht. Nachdem Annabel bemerkt hat, dass er vermisst wird, stiehlt sie die Akten der Mädchen aus Dreyfuss' Büro. Sie kommt zu dem Schluss, dass Edith und "Mama" dieselbe Person sind. Währenddessen verlässt Lucas das Krankenhaus, um sich auf die Suche nach der Hütte zu machen. Nachdem Victoria Annabel ihr Vertrauen gezeigt hat, werden Annabel und die Mädchen von der eifersüchtigen Mama angegriffen. Unterdessen betritt Tante Jean das Haus, um den angeblichen Kindesmissbrauch zu dokumentieren. "Mama" übernimmt den Körper von Tante Jean, überwältigt Annabel und entkommt mit den Mädchen. Als Annabel wieder zu Bewusstsein kommt, greift sie sich die Kiste mit den Überresten von Mamas Kind und begibt sich in den Wald, wo sie auf Lucas trifft.

Das Paar erspäht die Mädchen auf einer nahen Klippe, wo Mama (die Jean inzwischen umgebracht hat) sich darauf vorbereitet, ihren Selbstmord noch einmal zu durchleben und Victoria und Lilly dabei mit hinab in die Tiefe zu reißen. Als Lucas dazwischengehen will, wird er durch Mamas übernatürliche Kräfte bewusstlos geschlagen.

Annabel bietet Mama die Überreste ihres leiblichen Kindes an und Mamas aufgewühlte Seele durchläuft eine friedvolle Transformation, wodurch sie zu ihrer menschlichen Form zurückfindet. In diesem Moment ruft aber Lilly nach ihr, und Mama verwandelt sich erneut in ihre bösartige Form und greift an. Die Überreste ihres leiblichen Kindes wirft sie über die Klippe. Nach einem verzweifelten Kampf gelingt es Annabel, sich an Victoria zu klammern und diese festzuhalten. Als Mama erneut auf Annabel losgeht, stellt sich Victoria dazwischen und gesteht Mama, dass sie Annabel mehr liebt.

Danach verabschiedet sich Victoria von Lilly. Mama umhüllt sich und Lilly mit einer Art Kokon und springt von der Klippe. Hierbei trifft sie auf denselben Ast, der im 19. Jahrhundert ihr Kind getötet hat. Beim Einschlag verwandeln sich Mama und Lilly in einen Schwarm Motten. Während Victoria Annabel und Lucas umarmt, landet ein blau-schwarzer Schmetterling auf ihrer Hand, in dem sie Lilly erkennt.

Nachdem 2008 der Horror-Kurzfilm Mamá für Furore sorgte, wurde Andrés Muschietti durch Guillermo del Toro als Produzent ein Budget von 15 Millionen US-Dollar für eine abendfüllende Version von Mama mit Jessica Chastain und Nikolaj Coster-Waldau zur Verfügung gestellt.

Nach einem in seinem Besitz befindlichen Gemälde des italienischen Malers Modigliani gestaltete der Regisseur das äußere Erscheinungsbild der Titelfigur.

Als Inspiration für die Handlung des Filmes diente vorrangig die lateinamerikanische Legende der . Sie beschreibt den von Neid und Missgunst getriebenen Geist einer Mutter, die ihre eigenen Kinder ertränkt haben soll und nun anderen Familien deren Kinder wegnimmt.

Der Film wurde ab dem 3. Oktober 2011 in den Pinewood Toronto Studios gedreht. Die Dreharbeiten endeten am 18. Dezember 2011. Einige Filmteile wurden in Quebec aufgenommen. Die Premiere wurde von Oktober 2012 auf den 18. Januar 2013 verschoben.

Mama erzielte am ersten Wochenende einen Umsatz von 28,1 Millionen US-Dollar, an dem der Film in 2647 Kinos gelaufen ist. Bis zum 4. April 2013 setzte der Film 130 Millionen US-Dollar um und wurde hiermit zu einem Erfolg. Der Film erzielte überwiegend positive Kritiken. Er erreichte 65 % bei Rotten Tomatoes.

Das Lexikon des internationalen Films urteilt, die Filmproduktion sei ein „düsterer, in Ansätzen atmosphärischer Horrorfilm". Allerdings würden „die guten Ansätze der Story [...] durch ein pathetisches Finale" eine Banalisierung erfahren. Zudem werden „dramaturgische und inszenatorische Ungereimtheiten" bemängelt.

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Mama ist ein spanisch- kanadischer Horrorfilm von Andrés Muschietti aus dem Jahr 2013. Der Film handelt von zwei kleinen Mädchen, die jahrelang allein im Wald lebten und von einem Wesen versorgt wurden, das sie „Mama" nennen. Seit ihrer Auffindung leben die Schwestern bei ihrem Onkel und dessen Partnerin, wohin sie anscheinend von „Mama" begleitet wurden.

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