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Il lavoro dell'artista elettronico Rafael Lozano-Hemmer si concentra sulla sorveglianza, l'inganno e la percezione nella società contemporanea. Creando installazioni interattive all'intersezione tra architettura e performance art, altera una serie di tecnologie e dispositivi, tra cui fotocamere, telefoni cellulari, Internet e robotica, per creare piattaforme per la partecipazione del pubblico. Ha cercato di riconfigurare il discorso sulla specificità del sito creando opere che sono specifiche della relazione, attingendo ai punti in cui la tecnologia inizia a connettere individui e comunità.

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Joseph Kosuth con l’opera Una e tre sedie (One and Three Chairs) riflette sul concetto di realtà e di rappresentazione. Nell’installazione infatti l’artista si interroga sul concetto di sedia. Per fare questo espone un oggetto reale accanto ad una sua immagine e ad una sua definizione letterale tratta da un dizionario. Ci si può chiedere se questa operazione sia arte. Joseph Kosuth rispose a questa domanda che fare arte significa creare significato. Quindi nel suo caso l’artista riflette sul significato “sedia” e ne propone diverse rappresentazioni.

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Il testo racconta del rapporto tra l'interaction design e il paesaggio urbano, di come le installazioni interattive dialogano con essa spesso cambiandolo. Una città che diventa sensibile agli sviluppi architettonici. L e installazzioni interattive diventano dunque un ponte tra il vecchio e il nuovo, un contesto che sembra non memorizzare e percepire gli stimoli della modernità e dei suoi stessi abitanti diviene grazie alla tecnologia un ambiente rivestivo di una pelle sensibile agli input esterni, una smart city inclusiva e percettiva.

"Una città invisibile, nascosta, dormiente, (in)discreta che si attiva quando percepisce una scelta operata sulla sua pelle, dove l'estetica della visione si confonde con una estetica delle relazioni che fa spostare l'attenzione da come e dove vengono visualizzate immagini, a come e in che tempi si esperisce la situazione cioè l'evento interattivo. "

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Extradimensioni è un’installazione interattiva, dove il
visitatore verrà portato a confrontarsi con l’ossessivo
controllo a cui è sottoposto ogni giorno, tramite una
composizione realizzata da tre specchi.

Quando il visitatore si posiziona di fronte ad essi, la sua figura si deforma e contorce attraverso l’unione di
immagini da diverse prospettive.

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Fondata a Parigi da Helen Evans e Heiko Hansen,
entrambi laureati al Royal College of Art in computer
design, Hehe è un collettivo di artisti il cui lavoro
lavoro mira a ripensare i sistemi tecnologici esistenti
tecnologiche esistenti che ci circondano, ovvero i trasporti, la pubblicità e il monitoraggio dell'inquinamento, per dare loro
un nuovo uso sociale e critico. Vedono lo sviluppo della tecnologia come una sorta di immagine frattale, al centro della quale si trova l'invenzione originale, circondata da un gruppo di innovazioni successive, sempre più innovazioni successive, sempre più marginali. Questa nuvola di innovazioni ricorsive ci impedisce di vedere il potenziale
aggiornato dell'invenzione originale, alimentando così
di perfezionamenti successivi e senza fine. Tornando all'invenzione di base e navigando liberamente attraverso
tempo, lo spazio e la cultura, Hehe crede che sia possibile
reinventare una vecchia tecnologia senza accettare
convenzioni consolidate. Per questo utilizzano un processo artistico che chiamano "culturale inversa: partendo dal concetto originale dell'invenzione, re-immaginano le decisioni di progettazione che in un certo momento della storia sono state considerate sfavorevolmente, ma che potrebbero essere altrettanto valide per domani. Si tratta di un abile ibrido concettuale tra riappropriazione e una sorta di archeologia del design.
Train e Flying Carpet sono i primi risultati di questo metodo.
Tra urbanistica, progettazione di veicoli e automazione, Train esplora l'estetica del movimento e del viaggio. Ispirato al binario della ferrovia parigina "La Petite Ceinture", che correva lungo una trafficata circonvallazione e che ha cessato di funzionare nel 1934. Hehe si è ispirato alle
alle origini della ferrovia per proporre un'opera individuale.

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Una nuvola luminosa fluttuante di palloncini con LED incorporati che ascolta le onde elettromagnetiche nel cielo.

I campi elettromagnetici (EMF) esistono praticamente ovunque nella nostra atmosfera. Le località urbane, in particolare, hanno una cultura hertziana varia e vibrante, con telefonate da cellulare che si sovrappongono a messaggi di testo, combinando trasmissioni televisive con apriporta di garage che interferiscono con le trasmissioni radio e computer portatili senza fili, ecc., per non parlare dei campi elettromagnetici naturali che già esistono nel atmosfera. Questo progetto è un'indagine spaziale di alcuni di questi fenomeni.

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Under Scan                                                          Relational Architecture 11               

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Under Scan                                                          Relational Architecture 11               

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“Under Scan” (Relational Architecture 11) è un'installazione di video arte interattiva per lo spazio pubblico. Nell'opera i passanti vengono rilevati da un sistema di tracciamento computerizzato, che attiva dei video-ritratti proiettati all'interno della loro ombra. Oltre mille video-ritratti di volontari sono stati realizzati a Derby, Leicester, Lincoln, Northampton e Nottingham da un team di registi locali. Per la sua presentazione londinese a Trafalgar Square, la Tate Modern ha filmato oltre 250 registrazioni aggiuntive. Poiché le persone erano libere di ritrarre se stesse in qualsiasi modo desiderassero, è stata catturata un'ampia gamma di performance. Nell'installazione, i ritratti appaiono in posizioni casuali. Si "svegliano" e stabiliscono un contatto visivo con uno spettatore non appena la sua ombra li "rivela". Mentre lo spettatore si allontana, il ritratto reagisce distogliendo lo sguardo,

Ogni 7 minuti l'intero progetto si ferma e si resetta. Il sistema di tracciamento viene rivelato in una breve sequenza di luci "intermezzo", che proietta tutte le griglie di calibrazione utilizzate dal sistema di sorveglianza computerizzato.

L'opera è stata ispirata dalla rappresentazione en abîme, in cui i ritratti stabiliscono un contatto visivo con lo spettatore, come si trova nelle opere di Jan Van Eyck, Parmigianino, Velázquez o Leon Golub. Altri riferimenti per questo lavoro includono il dispositivo post-fotografico descritto in La invención de Morel, scritto da Adolfo Bioy Casares (1940) e i ritratti spettrali creati da Gary Hill, Lynn Hershman-Leeson, Paul Sermon e Luc Courchesne.

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DA VICINO NESSUNO È NORMALE                                                                                                                     Roma, Biblioteca Cencelli, Santa Maria della Pietà, Museo Laboratorio della Mente, 2012                                               

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DA VICINO NESSUNO È NORMALE                                                                                                                     Roma, Biblioteca Cencelli, Santa Maria della Pietà, Museo Laboratorio della Mente, 2012                                               

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A più di 30 anni dalla legge Basaglia, i servizi di salute mentale in Italia sono oramai ampiamente integrati nel Sistema Sanitario Nazionale. Nel complesso di Santa Maria della Pietà, ex-ospedale psichiatrico, il percorso del MUSEO LABORATORIO DELLA MENTE a piano terra, progettato da Studio Azzurro nel 2008, narra la storia dell’istituzione e le dinamiche dei manicomi. Da vicino nessuno è normale è un’anteprima del nucleo partecipativo del progetto per il secondo piano del museo, dedicato al racconto della rappresentazione sociale della malattia mentale, della discriminazione e dello stigma attraverso testimonianze dirette. L’opera è stata presentata nel novembre 2012 in una sede temporanea: le sale della Biblioteca Cencelli, nel Padiglione principale del complesso di Santa Maria della Pietà.

Da vicino nessuno è normale è un ambiente sensibile, uno spazio interattivo che permette di ascoltare le testimonianze di ex-internati, parenti, medici, operatori e infermieri dell’Ospedale Psichiatrico Santa Maria della Pietà, ma anche di decostruire preconcetti sulla malattia mentale.

Il visitatore è accolto in una sala della Biblioteca Cencelli, custode di un fondo con volumi che risalgono al XVI secolo. Tra gli scaffali vi è una lunga parete, su cui sono proiettate figure in cammino. Come in altre opere del ciclo Portatori di storie, il visitatore può scegliere di fermare un personaggio, toccandolo con la mano per ascoltarlo. Questi si arresta e gli rivolge alcune parole, una breve frase su di sè. Se il visitatore vuole udire il suo racconto può accompagnarlo verso la stanza affianco, conducendolo con la mano fino alla fine della parete. Lì il personaggio si mette in fila dietro le altre figure condotte dai visitatori e attende il suo turno. Questo gesto – accompagnare, attraverso il contatto fisico – stabilisce una dimensione personale e di relazione tra visitatore e personaggio. Quando la stanza si libera, la figura compare seduta dall’altra parte e, in una condizione più intima, inizia a raccontare la sua storia. Talvolta, ascoltandola, il visitatore si può trovare sorpreso ad avere scambiato, dall’apparenza e da quelle brevi parole udite poco prima, medici e internati. E si costringe, così, a ripensare le proprie categorie, la propria facilità di giudizio, le proprie considerazioni sulla malattia mentale.

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IL VIAGGIO   Videoambientazione                   Milano, Fondazione Mudima, 1992        

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IL VIAGGIO   Videoambientazione                   Milano, Fondazione Mudima, 1992        

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Quasi sempre il viaggio esprime un desiderio profondo di cambiamento interiore, un bisogno di esperienze nuove o di ritorno alle origini. Ma questo è un viaggio alla rovescia, un viaggio capovolto. Non sono le persone a partire, ma gli oggetti: simboli, desideri, ricordi che se ne vanno.

Le immagini ai raggi X fluiscono ininterrottamente dentro gli schermi, fredde e incisive. Gli oggetti scorrono, portando con sé incubi, obiettivi, speranze. Ogni oggetto si muove con il suo alone di esperienza umana, ognuno con il suo alone di storia, forse la nostra.

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Museo interattivo della fotografia                   Mestre (Venezia), Italia 2005          

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Museo interattivo della fotografia                   Mestre (Venezia), Italia 2005          

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Progetto espositivo per un Museo interattivo della fotografia presso il Centro Culturale Candiani di Mestre, Venezia. I moduli dell'archivio consentono ai visitatori di sfogliare e zoomare le foto a mani nude. L'archivio fotografico è visualizzato come una grande griglia di miniature quadrate, che possono essere spostate e zoomate senza soluzione di continuità a schermo intero. È previsto anche un audioscape specifico per i contenuti. Il sistema è concepito come un framework basato sui contenuti.

Crediti

Progetto: Daniele Mancini, Francesca Sassaroli (Cliostraat) con Stefano Mirti, Barbara Ghella, Line Ulrika Christiansen, Manuela Serra
Web design e grafica: Franz Goria, Noemi Giangregorio
Audioscapes: Raphael Monzini
Fotografia: Ivan Gasparini
Elettronica e software: Alessandro Valli (Natural Interface)

progetto sviluppato per l'Istituto di Interaction Design di Ivrea

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Il progetto "Stranamente familiare" ripensa i dispositivi esistenti e ne sfrutta le funzionalità per renderli più comprensibili, significativi e piacevoli. Il veicolo di indagine sono stati i dispositivi digitali di uso quotidiano presenti nell'ambiente domestico. Questo lavoro è stato esposto per la prima volta il 22 gennaio 2005 come evento speciale presso AB+, Via Della Basilica 13, Torino (Italia). Una seconda iterazione del progetto è stata presentata con il nome di "Strangely Familiar Future. Oggetti insoliti per la vita lavorativa di tutti i giorni". La mostra si è svolta nella suggestiva atmosfera delle Vecchie Poste, all'interno della Stazione Centrale di Milano, durante il Salone del Mobile 2005, in collaborazione con Tecno.

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Crediti del progetto
Massimo Banzi, Dario Buzzini, Heather Martin con Tecno e Lissoni Associati, Gianluca Martino, Edoardo Brambilla

Crediti video
Regia: Simone Muscolino
Fotografia: Maurizio Bonino
Musica e montaggio: Haraldur Hunnarsson
Produzione: e1

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Strangely Familiar. Unusual Objects for Everyday life

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Nuage Vert propone di utilizzare le emissioni del camino di una centrale elettrica come tela per il flusso di informazioni. L'intervento consiste nel tracciare e proiettare un'immagine laser sul contorno del vapore, regolandone la forma e le dimensioni per segnalare
informazioni in tempo reale. Queste informazioni vengono raccolte dalla centrale elettrica e si riferiscono alle attività ecologiche dei residenti locali.

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HeHe                                                                 Mirrorspace / Miroir aux silhouettes                    2003                   

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HeHe                                                                 Mirrorspace / Miroir aux silhouettes                    2003                   

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Sei tavoli comunicano attraverso immagini proiettate un senso di lentezza, ripetizione e staticità: una donna distesa, una mosca ronzante, una goccia d’acqua che cade ossessivamente su una ciotola. Questa sensazione di calma apparente viene bruscamente interrotta quando qualcuno tocca l’immagine: la figura reagisce, si attiva e mostra una piccola parte della propria storia.

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TAVOLI (Perchè queste mani mi toccano)

Videoambientazione interattiva

Milano, Triennale, "Oltre il villaggio globale", 1995

Sei tavoli comunicano attraverso immagini proiettate un senso di lentezza, ripetizione e staticità: una donna distesa, una mosca ronzante, una goccia d'acqua che cade ossessivamente su una ciotola. Questa sensazione di calma apparente viene bruscamente interrotta quando qualcuno tocca l'immagine: la figura reagisce, si attiva e mostra una piccola parte della propria storia.

Il rapporto tra reale e virtuale si sviluppa attraverso materiali familiari, senza nessun tipo di struttura tecnologica. Gli spazi si frammentano, ambiente fisico e progetto multimediale diventano tutt'uno. Il passaggio dell'immagine da oggetto di contemplazione a esperienza interattiva racchiude il senso di quest'opera.

6 programmi video
6 videoproiettori
6 lettori multimediali
1 computer
7 casse audio
progetto luci
6 tavoli di legno artigianali

Progetto e messa in scena Studio Azzurro
Ideazione Fabio Cirifino, Paolo Rosa
Regia Paolo Rosa
Collaborazione alla regia Paolo Ranieri
Fotografia Fabio Cirifino
Riprese video Mario Coccimiglio
Montaggio video Fanny Molteni, Paolo Ranieri
Suoni e musiche R. Benucci, A. Rigratti
Sistemi interattivi e tecnologici Stefano Roveda
Performer Angela Parmigiani

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TAVOLI (Perchè queste mani mi toccano) | Studio Azzurro

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Videoambientazione interattiva Milano, Triennale, "Oltre il villaggio globale", 1995 Sei tavoli comunicano attraverso immagini proiettate un senso di lentezza, ripetizione e staticità: una donna distesa, una mosca ronzante, una goccia d'acqua che cade ossessivamente su una ciotola. Questa sensazione di calma apparente viene bruscamente interrotta quando qualcuno tocca l'immagine: la figura reagisce, si attiva e mostra una piccola parte della propria storia.

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"I nastri sono il simbolo dell'arte, sono leggeri, effimeri, sono appena di un colore, non servono a nulla."                      Maria Lai

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"I nastri sono il simbolo dell'arte, sono leggeri, effimeri, sono appena di un colore, non servono a nulla."                      Maria Lai

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I nastri sono il simbolo dell'arte, sono leggeri, effimeri, sono appena di un colore, non servono a nulla.
Maria Lai

Legarsi alla montagna, di Maria Lai, fu un evento unico a cui partecipò l'intera comunità di Ulassai in un giorno simbolico di resa come l'8 settembre, ma era il 1981. L'operazione materiale durò tre giorni, protagonista nessun maresciallo, solo un nastro azzurro lungo 27 km. Il primo giorno venne tagliato, il secondo fu distribuito e il terzo, fu legato fra porte, finestre e terrazze di case, ridisegnando così le relazioni vecchie e nuove fra donne, bambini, pastori e anziani. Fu una festa senza precedenti. Alla fine delle manovre, scalatori esperti legarono il nastro al Monte Gedili, la montagna più alta sopra il paese, luogo emblematico per il sostentamento che nella memoria collettiva era stato anche portatore di morte.
La giornata fu documentata dagli scatti di Piero Berengo Gardin (del quale pubblichiamo la foto di copertina con intervento a pennarello di Maria Lai, gentilmente concessa da Archivio Maria Lai), nonché dall'artista Tonino Casula che realizzò un documentario sull'evento ( Legare collegare. Un filo di Maria Lai), fino ad oggi unico se non fosse che era presente anche una telecamera Rai. Qualche giorno dopo infatti, nella rubrica d'informazione "Cronache italiane", supplemento del telegiornale quotidiano, la televisione nazionale ne dava notizia come una particolare festa di paese per la quale erano tornati ad Ulassai anche i lavoratori emigrati ( Il nastro di Ulassai). Firma questo servizio il giornalista ulassese Romano Cannas, futuro direttore della sede Rai della Sardegna (2003-2013). All'epoca, Legarsi alla montagna fu giudicata dai circuiti dell'arte nazionale una festa folcloristica e solo Filiberto Menna capì sin dall'inizio il valore di questa esperienza.

Forse che il grande sogno ad occhi aperti dell'arte moderna di cambiare la vita si è realizzato, sia pure una volta soltanto, proprio qui, in questo luogo lontano dove i nomi prestigiosi dell'avanguardia artistica non sono altro che nomi? Credo di sì: qui, l'arte è riuscita là dove religione e politica non erano riuscite a fare altrettanto. Ma c'è voluta la capacità di ascolto di Maria Lai che ha saputo restituire la parola a un intero paese e rendersi partecipe della memoria e dei fantasmi della gente comune, aiutandola a liberarsi della parte distruttiva di sé e ad aprirsi con disponibilità nuova al colloquio e alla solidarietà
Filiberto Menna, 1982

Tuttavia su Legarsi alla montagna cadde il silenzio per oltre vent'anni e solo nel nuovo millennio maturò la consapevolezza che quel giorno Maria Lai aveva fatto la prima operazione di Arte Relazionale, ossia aveva reso il pubblico partecipe alla costruzione e alla definizione dell'opera stessa.
Ormai ristabilita nel suo paese d'origine, dopo anni di peregrinazioni, nel 1979 Maria Lai è contattata dal sindaco del paese Antioco Podda per realizzare un monumento ai Caduti in Guerra del posto, ma l'artista rifiuta. Per un anno e mezzo il Consiglio comunale e un gruppo di cittadini guidati dall'insegnante Alberto Cannas (nel 2006, sarà Presidente della Fondazione Stazione dell'Arte), discutono e promuovono l'idea di un'opera per il presente, come suggerito dall'artista. La gestazione della performance è molto lunga, fin da subito i popolani non condividono le dinamiche e si rifiutano di collaborare, le proposte della Lai suscitano infatti il risvegliarsi di antichi rancori tra abitanti. In seguito, Maria Lai confessò che le donne furono le prime a lasciarsi coinvolgere. Sul filo teso della discussione nascono le prime trattative non prive di compromessi:

Lasciai a ciascuno la scelta di come legarsi al proprio vicino. E così dove non c'era amicizia il nastro passava teso e dritto nel rispetto delle parti, dove l'amicizia c'era invece si faceva un nodo simbolico. Dove c'era un legame d'amore veniva fatto un fiocco e al nastro legati anche dei pani tipici detti su pani pintau
Maria Lai

Reinterpretando l'antica leggenda del paese, Sa Rutta de is'antigus, cioè La grotta degli antichi, Maria Lai trovava ispirazione in un fatto realmente accaduto ad Ulassai nel lontano 1861, quando crollò un costone della montagna travolgendo un'abitazione. Morirono tre bambine, ma una riuscì a salvarsi e aveva in mano proprio un nastro celeste. I popolani considerarono il fatto un miracolo divino e ne conservarono il ricordo, tramandando di generazione in generazione una versione in parte veritiera che, arricchita di fantasia, diventava leggenda sarda: per inseguire un filo azzurro che volava in cielo tra i fulmini, una bambina esce della grotta poco prima del crollo.

Quando Maria Lai concepiva Legarsi alla montagna, era un'artista che aveva avuto il suo primo importante riconoscimento alla Biennale veneziana di tre anni prima (1978). Ma il clima culturale stava già cambiando, lo sperimentalismo avanguardistico degli anni Settanta che aveva invaso piazze e città, lasciava il posto a un nuovo ritorno all'ordine. Ricompariva la pittura, imponente nei grandi formati della transavanguardia e il quadro, grazie a una favorevole congiuntura economica, tornava ad essere merce preziosa per gallerie e nuovi mercati. Contro la smaterializzazione dell'arte, ridotta a concetti minimalisti, fotografie e parole, i giovani artisti recuperavano la manualità, i valori tattili e visivi del colore, lo spazio dello studio, i pennelli, ma soprattutto l'intimità del creare. Maria Lai non aveva mai lasciato tutto questo, lo portava con sé nel quotidiano della sua esperienza creativa, per questo è stata capace di anticipare i decenni successivi. In Legarsi alla montagna infatti, c'è la consapevolezza del valore terapeutico dell'arte, c'è la cognizione profonda che è questo un canale per stringere legami e per riflettere sull'uomo e sul mondo. Maria Lai aveva fatto emergere ed ampliato tutti i significati dell'essere comunità e del vivere collettivo, un'operazione artistica molto politica la sua, stimolata da una bambina capace di salvarsi perché in grado di vedere nuovi mondi e modi di pensare.

Si ringrazia Archivio Maria Lai.

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Maria Lai, "Legarsi alla montagna" - Arte - Rai Cultura

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I nastri sono il simbolo dell'arte, sono leggeri, effimeri, sono appena di un colore, non servono a nulla. Maria Lai Legarsi alla montagna, di Maria Lai, fu un evento unico a cui partecipò l'intera comunità di Ulassai in un giorno simbolico di resa come l'8 settembre, ma era il 1981.

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Stalker, il tappeto volante                                                                                                                                   Migliaia di cordicelle di canapa che riproducono le muqarnas del soffitto della Cappella Palatina di Palermo costituiscono il progetto del gruppo Stalker, realizzato dalla comunità curda esule a Roma          

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Stalker, il tappeto volante                                                                                                                                   Migliaia di cordicelle di canapa che riproducono le muqarnas del soffitto della Cappella Palatina di Palermo costituiscono il progetto del gruppo Stalker, realizzato dalla comunità curda esule a Roma          

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La stop motion è una tecnica d'animazione che a partire da una serie di scatti fotografici attraverso il montaggio li trasforma in un video.

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La Project Room - a cura di Giulia Zorzi - ospita il lavoro della fotografa e artista visiva Giulia Iacolutti, centrato su progetti di arte relazionale attinenti all'identità e alle tematiche di genere.

Il progetto dal titolo Casa Azul è un'indagine socio-visiva sulle storie di cinque donne trans recluse in uno dei penitenziari maschili di Città del Messico. L'opera richiama i processi di costruzione del sé e le pratiche di persone i cui corpi sono considerati doppiamente abietti sia per la loro identità che per la condizione d'isolamento.

'Azul' (blu) è il colore degli abiti che le donne trans, come tutti i detenuti maschi del penitenziario, sono obbligate a indossare.

Realizzati a mano con la tecnica della cianotipia, caratterizzata dal tipico blu di Prussia, i ritratti delle protagoniste condividono lo spazio con i loro manoscritti e alcune fotografie di cellule prostatiche sane scattate al microscopio e trattate in rosa, in collaborazione con l'Istituto di Ricerca Biomedica di Bellvitge (IDIBELL). Dove il blu evoca l'apparenza e l'identità imposta, il rosa si riferisce all'interiorità, all'essere e all'autodeterminazione.

L'opera invita a una riflessione sul binarismo di genere e sull'eterna lotta che queste persone devono affrontare per essere quello che sono: donne.

Sabato 11 dicembre l'artista condurrà un laboratorio sulla gestualità dell'affetto aperto a partecipanti con e senza disabilità al fine di abbattere le barriere e abitare lo spazio proprio e dell'altro, aumentando la consapevolezza sulla necessità psico-fisica condivisa del provare affetto e piacere. Il laboratorio è pensato in occasione della 17° Giornata del Contemporaneo, promossa da AMACI Associazione dei Musei d'Arte Contemporanea Italiani - di cui il PAC è socio fondatore - con il sostegno del Ministero della Cultura e in collaborazione con il Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale.

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Giulia Iacolutti (1985) fotografa e artista visiva, si dedica principalmente a progetti di arte relazionale attinenti all'identità. e alle tematiche di genere. Oltre alla fotografia, utilizza differenti linguaggi e supporti (video, audio, ricamo, performance). Il suo lavoro è parte di collezioni pubbliche e private ed è stato esposto in Argentina, Bolivia, Colombia, Germania, Italia, Lituania, Messico, Spagna, Svizzera e Stati Uniti. Tra gli ultimi riconoscimenti la nomina al Foam Paul Huf Award, il premio nazionale Marco Bastianelli - sezione libro d'artista, e il Premio d'Arte Contemporanea Paolo Cardazzo. Giulia Iacolutti è rappresentata dalla Galleria studiofaganel di Gorizia.

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La Project Room - a cura di Giulia Zorzi - ospita il lavoro della fotografa e artista visiva Giulia Iacolutti, centrato su progetti di arte relazionale attinenti all'identità e alle tematiche di genere. Il progetto dal titolo Casa Azul è un'indagine socio-visiva sulle storie di cinque donne trans recluse in uno dei penitenziari maschili di Città del Messico.

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Daniela Comani affronta la questione, estremamente attuale, del femminicidio. Con un'installazione site-specific l'artista condivide la propria riflessione con riproduzioni di articoli di giornale raccolti, selezionati, archiviati e manipolati, che riportano notizie di omicidi avvenuti fra le mura domestiche.

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Cosi fan tuttә - 9 semplici regole per non andarsela a cercare

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***ENGLISH BELOW***

Questo libro nasce dal concreto bisogno di denunciare un atteggiamento fin troppo radicato nella cultura italiana, e non solo. Il catcalling è una molestia sessuale, e come tale non va né accettata né taciuta, ma riconosciuta anche nelle sue forme più subdole e apparentemente innocue.

La libertà di vivere la propria indipendenza, viaggiare o semplicemente camminare per strada da solә senza vivere un costante senso di allerta non dovrebbe essere un'aspirazione, bensì un diritto scontato. Chiunque abbia mai provato almeno una volta cosa significa essere spudoratamente sessualizzatә ad alta voce, riconosce quella patina di umiliazione e disagio che si forma sulla pelle.

Il perno attorno alla quale si sviluppa il lavoro è il rapporto di accettazione che la vittima stabilisce con la molestia stessa, che si svela attraverso la messa in atto di una serie di sistemi di difesa talmente radicati da non essere riconosciuti come tali. Il progetto fotografico intende sottolineare l'assurdità di questi comportamenti autoindotti che la vittima mette in atto, sacrificando la propria libertà, spostando l'attenzione da chi davvero è responsabile di un atteggiamento censurabile.

Il libro si presenta come un manuale nella quale sono illustrate nove regole che vengono seguite tutti i giorni per evitare situazioni spiacevoli, sottolineandone l'assurdità attraverso un'estremizzazione molto spesso ironica, usando il linguaggio fotografico e grafico in maniera didascalica, accostando le fotografie a dei close-up volti a smascherare come spesso il catcalling sia considerato un aspetto folkloristico della cultura italiana.

***ENGLISH VERSION***

This book is born from the concrete need to denounce an attitude that is deeply rooted in Italian and global culture. Catcalling is sexual harassment, and as such should neither be accepted nor tacit, but also recognized in its most subtle and seemingly harmless forms.

The freedom to live your independence, to travel or simply to walk on the street alone without living a constant sense of alertness should not be an aspiration, but a granted right. Anyone who has ever experienced what it means to be shamelessly sexualized out loud, recognizes that patina of humiliation and discomfort that is formed under skin.

The core from which the work develops is the relationship of acceptance that the victim establishes with the harassment itself, which is revealed through the implementation of a series of defence systems so deeply-rooted that they are not recognized as such. The photographic project aims to underline the absurdity of these self-induced behaviors that the victim puts in place, sacrificing their freedom, shifting attention from those who are really responsible for a censoring attitude.

The book is presented as a pocket manual in which nine rules are illustrated that are followed every day to avoid unpleasant situations, emphasizing the absurd through an extreme, often ironic, use of photographic and graphic language. Combining photographs with close-ups in a didactic manner, Cosi fan tuttә unmasks how catcalling is often considered a folkloric aspect of Italian culture.

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Cosi fan tuttә - 9 semplici regole per non andarsela a cercare

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ENGLISH BELOW*** Questo libro nasce dal concreto bisogno di denunciare un atteggiamento fin troppo radicato nella cultura italiana, e non solo. Il catcalling è una molestia sessuale, e come tale non va né accettata né taciuta, ma riconosciuta anche nelle sue forme più subdole e apparentemente innocue.

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The Flower of Time. Guerrero's Red Mountain

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31 December, 2021

The project is a series of textured photographs that document the struggle that Indigenous poppy cultivators face in Guerrero, Mexico. The photographer put scratches and pinpricks into prints of the photographs, and then backlit them, to represent trauma as well as the process of scratching of the poppy flower during opium extraction. The color red is used to signify life, blood and violence.

Mexico is the third-largest opium producer in the world after Afghanistan and Myanmar. Over half of Mexico's opium is grown in its second-poorest state, Guerrero, which is home to several Indigenous ethnic communities. Neoliberal economic policies have been damaging traditional agriculture since the 1990s. This has led to small-scale farmers no longer being able to compete with foreign exporters, forcing them to abandon traditional crops, such as maize and coffee, for more lucrative crops such as opium poppies and marijuana. The drug economy constitutes a substantial portion of the local economy, and has transformed the social structure of these often Indigenous farming communities.

Areas of drug cultivation are controlled by drug trafficking organizations (DTOs) who essentially govern the social and economic aspects of life in the area. These areas experience conflict and violence due to the clash between DTOs, anti-crime militias and organized crime groups. However, poppy eradication campaigns, led by the military and law enforcement agencies, have actually encouraged relationships between low-income poppy farmers and DTOs. Drug-related violence continues to overwhelm the state, with Guerrero reporting some of the highest rates of forced displacement and unreported and uninvestigated crimes in Mexico. Farmers find themselves trapped between the violence of criminal organizations and policies that consider them criminals while offering few viable alternatives.

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The Flower of Time. Guerrero's Red Mountain

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A Mixtec elder on the Cerro de la Garza in Guerrero, Mexico. Every year, on 31 December, Mixtecs climb the hill to perform rituals commemorating the end and beginning of a life cycle. They perform processions, dances, and other Indigenous spiritual practices to demonstrate their gratitude to the earth.

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La storia del MAAM. L'arte prende vita in uno strano museo a Roma (1) | Artribune

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Una occupazione sulla Prenestina. Al civico 913, in piena periferia est di Roma. Comincia così, nel marzo del 2009, la storia di quello che diventerà il Museo dell'Altro e dell'Altrove di Metropoliz. Una piccola inchiesta in due puntate.

C'ERA UNA VOLTA UN MATTATOIO
Nihil difficile volenti, "niente è arduo per colui che vuole". Il motto latino diventa un monito per il MAAM - Museo dell'Altro e dell'Altrove di Metropoliz e i suoi abitanti. La scritta, riprodotta dall'artista Pasquale Altieri, si riferisce al fatto che si può perfino andare nello spazio e tornare con la L.U.N.A., idealmente incastonata da Massimo De Giovanni fra le travi del soffitto del cortile, o perfezionare il progetto della Torre di Babele, perché stavolta la mescolanza di più lingue e culture non ha generato il caos ma ha realmente avvicinato un po' di più a un dio.
Ovviamente non si possono capire appieno il contesto e la realtà di questo luogo unico, dove l'arte salva lo spazio e lo spazio salva l'arte, senza conoscerne la storia. È il marzo 2009 quando l'ex stabilimento del salumificio Fiorucci in via Prenestina 913, periferia est di Roma, viene occupato con un duplice scopo: quello primario di risolvere problemi abitativi per molti e un atto dimostrativo contro un colosso delle costruzioni proprietario dell'immobile, la Srl Salini.
Prima si iniziava con gli animali vivi. I maiali entravano in un corridoio che si fa sempre più stretto, alla fine storditi con una pistola dalla punta di ferro e appesi per gli arti posteriori su una guidovia che procedeva verso la sala dove si eseguiva lo sgozzamento. Una volta colato il sangue, le carcasse passavano attraverso la macchina scuoiatrice, che ricorda un autolavaggio con tanto di spatole roteanti, finché si passava all'eviscerazione. Sul muro di fronte l'affresco della Cappella Porcina - eMAAMcipazione di Pablo Mesa Cappella e Gonzalo Orquín, che rivisita il percorso dei maiali nella fabbrica, ribaltandolo dalla morte alla vita. Nella sala adiacente, che ospitava le vasche di raccolta del sangue, le opere di Nicola Alessandrini e Vincenzo Pennacchi richiamano quello che queste pareti hanno effettivamente visto per anni.

C'È MUSEO E MUSEO
La suggestione di mettere l'arte in un luogo di morte che per decenni aveva dato da mangiare carne alla gente, Roma l'aveva già vissuta con il Macro dell'ex Mattatoio di Testaccio. Ma mettere "il vivere" dentro un museo e viceversa, come sta facendo il Maam di Tor Sapienza, non lo aveva ancora fatto nessuno. Il Macro, come tutti i musei da sempre pensati, è poi rimasto nella definizione: " acquisisce, ordina, cataloga, conserva, comunica e soprattutto espone cultura, scienza e tecnica". Bisogna andare in certi orari, di solito si deve pagare un biglietto, e l'opera è chiusa, protetta, per cui di fatto si richiede e si alimenta un certo distacco tra chi realizza e chi osserva, tra l'artista e lo spettatore.
Cosa succede invece se delle persone si insediano in un ex salumificio perché hanno bisogno di una casa e poi arrivano degli artisti che intendono raccontare e valorizzare questa azione? Nel tempo lo spirito dell'arte si allarga fino a coinvolgere tutti, abitanti e visitatori, alimentando la convinzione che possa essere la chiave per salvare tutto.
Siamo quasi in prossimità del Sacro Gra. Di fronte alla facciata imponente, dipinta da Borondo e Kobra, con la scintillante Malala che ti guarda, pensi quanto sia strano venire a sapere di un luogo del genere dal collega fotografo che vive a Parigi o che amici greci vi abbiano già fatto un concerto due anni fa rimanendone entusiasti: strano che il Maam non sia sulla bocca di tutti proprio nella sua città, a Roma, mentre richiama artisti in giro per il mondo.

OCCUPAZIONI E CAMPI ROM
Marzo 2009, dicevamo: grazie al contributo dei Blocchi Precari Metropolitani - organizzazione romana nata nel 2007 per rivendicare il diritto all'abitare - nasce Metropoliz. Ed è già una prima particolarità. Di solito le occupazioni riguardano scuole, uffici, altre case lasciate in stato di abbandono. Tanto che, oltre ai soliti problemi legati all'allacciamento di luce, acqua e gas, la notevole estensione dell'area (20mila mq) ha portato via tempo dedicato alla mappatura, in modo che fosse ben chiaro come e dove ricavare gli alloggi per le circa 200 persone coinvolte, una sessantina di nuclei familiari, con tanti bambini: italiani con i peruviani, rumeni, ucraini, marocchini, comunque persone accomunate da qualcosa, senza risorse e aiuti dallo Stato, che si sono fatte guidare dall'intraprendenza dei Bpm.
La seconda particolarità è stata l'inclusione dei rom nelle lotte per la casa. " Il gruppo del campo di Centocelle, sotto minaccia di sgombero, era incuriosito dal nostro esperimento di autogestione", racconta Irene dei Bpm. " Non volevano finire in un altro campo organizzato e insieme a noi, nelle manifestazioni, hanno fatto sentire la loro voce, mai ascoltata in questi termini". Una collettività da sempre avvezza a regole proprie ha iniziato a fare i conti con una realtà più complessa, accettando il compromesso per la crescita. Ad esempio " non concepivano la chiusura del cancello di ingresso", continua Irene, " difesa contro polizia e incursioni di gruppi di estrema destra" da una parte, e contro aspiranti occupanti dall'altra, non certo per cattiveria ma perché " non si può aumentare all'infinito il numero di abitanti mantenendo uno stile di vita dignitoso ".

UN ANTROPOLOGO E TANTI ARTISTI
Ma fin qui può sembrare una normale storia di occupazioni, pur con la variabile rom. Finché alla porta della città meticcia arriva a bussare Giorgio De Finis, antropologo, artista e regista, accompagnato dal collega film maker Fabrizio Boni. È il 2012 e il primo progetto artistico in cui Metropoliz si imbatte riguarda la realizzazione del documentario Space Metropoliz - da poco sono online le ultime puntate - " per ridare voce al sogno", racconta Giorgio, " giocando sull'impossibile. L'impossibilità di avere una casa e di chiedere la luna, e visto che sono entrambe impossibili... meglio optare per la Luna".
Il loro film coinvolse i primi street artist che per l'allestimento del set segnarono le prime pareti. Dall'opera di Lukamaleonte, che si staglia sui tavoli (anche d'autore) dell'ampia cucina, che parla dell'extraterrestre/extracomunitario, all'omino di Hogre che risale la torre verso la Luna dove è puntato il telescopio (quasi) vero di Gian Maria Tosatti. Più tante altre opere interne e meno visibili, ma riconoscibili perché ispirate allo spazio nel senso più galattico del termine.

Gli artisti si susseguono, i loro segni arricchiscono lo spazio mentre la vita, sempre un po' meno precaria, va avanti. Dallo Space Metropoliz nasce il MAAM, il Museo dell'Altro e dell'Altrove, dove per "Altro" si intende la " città meticcia", come la definiscono gli stessi abitanti, in continua evoluzione, e per "Altrove" tutta l'intenzione di " continuare a mantenere le diversità perché sono un valore", precisa l'ora direttore artistico di questa enorme " cattedrale d'arte laica" Giorgio De Finis.
Anche gli abitanti, insieme a Francesco Careri di Stalker/Osservatorio nomade, iniziarono a farsi coinvolgere nel gioco dell'arte, contribuendo alla costruzione del razzo, l'essenziale mezzo e simbolo della conquista dell'impossibile. Dopo circa sei mesi, tramite una gru, fu tirato fuori un enorme galleggiante da una delle tre vasche esterne, serviva per la base: " Molti iniziavano a dubitare che la nostra impresa potesse giungere a buon fine, ma questo aveva lo scopo di dichiarare che non avremmo desistito tanto facilmente", racconta Boni nel film. C'era ancora molto da fare, " bisognava superare l'ambiguità di certi progetti, in posti del genere se alla gente non cambi realmente la vita resta delusa", racconta Giorgio.
Inizia una nuova metamorfosi, che vi racconteremo domani nella seconda parte di questa inchiesta.

Alice Rinaldi e Gabriele Santoro
www.museomaam.it

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La storia del MAAM. L'arte prende vita in uno strano museo a Roma (1) | Artribune

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Una occupazione sulla Prenestina. Al civico 913, in piena periferia est di Roma. Comincia così, nel marzo del 2009, la storia di quello che diventerà il Museo dell'Altro e dell'Altrove di Metropoliz. Una piccola inchiesta in due puntate. C'ERA UNA VOLTA UN MATTATOIO Nihil difficile volenti, "niente è arduo per colui che vuole".

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"Poi l'installazione risulta un commento ironico al tema della personalizzazione che la tecnologia del consumo impone, rendendo tutti letteralmente 'individui tematici', e al limite anche noi stessi, veri e propri prodotti 'etichettati'. Ma soprattutto lascia intendere la capacità tecnologica di discriminare l'identità di ciascuno cioè il gruppo etnico di appartenenza, i gusti personali, e anche le preferenze commerciali. Come è emerso in un recente convegno che aveva proprio come tema quello del Remote Control [12], la pratica di sorveglianza così diffusa nella nostra “modernità panottica” [13] e così specializzata da poter operare dei distinguo individuali, delinea inevitabilmente ghetti, enclave invisibili e in generale separazioni e discriminazione. Infatti lo spazio non viene recintato fisicamente, non viene perimetrato né limitato. "

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Nel 2017, JR ha creato una gigantesca installazione di un bambino di nome Kikito che sbircia oltre la recinzione di confine che separa gli Stati Uniti e il Messico. L'ultimo giorno dell'installazione, JR ha organizzato un picnic che si è svolto su entrambi i lati della recinzione. Kikito, la sua famiglia e centinaia di ospiti provenienti sia dagli Stati Uniti che dal Messico si sono riuniti per condividere un pasto.

Tutti si sono riuniti attorno a un lungo tavolo che si estendeva su entrambi i lati del recinto. La tavola mostrava gli occhi di un Dreamer, un termine che descrive gli immigrati privi di documenti arrivati ​​negli Stati Uniti da bambini. È stata un'occasione gioiosa in cui le persone si sono scambiate cibo e tè e si sono godute la musica di una banda di mariachi – metà dell'ensemble ha suonato su entrambi i lati della recinzione. Per alcune ore la divisione è scomparsa.