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Eu colaborei, dando ideias de cortar a foto, fazendo pesquisas sobre artigos e manchetes sobre violência domésticas, na parte visual, fiz parte da fotografia, imprimi a fotografia, tendo em vista que eu entendi que podemos inserir um assunto tão trágico de uma forma mas homogênea, expressando a responsabilidade do assunto porém com uniformidade. Eu entendi que a arte contemporânea nem sempre vai ser algo entendível, porque afinal tem que nós fazer pensar, porque tenta expressar sentimentos, sensações, texturas, com isso o artista pode expressar diversos temas. As etapas foram tirar a foto, imprimir, recortar, colar com espaçamentos, e a parte da escrita, e as ferramentas utilizadas foram as formas e as cores para mostrar como nem sempre as aparências são o que aparentam ser. O uso de cor e forma, tende a trazer muitos sentimentos, afinal, é algo muito desproporcional, cores quentes ou frias, então isso se junta muito com a arte contemporânea, porque os dois tem o mesmo objetivo, impactar, fazer o espectador pensar, assim como na obra que dizemos em sala de aula, recortamos a foto para mostrar a forma, com algo quebrado, e as cores para mostrar sentimentos, pensamentos e reflexões. No fim fazer esse trabalho foi bem interessante, eu gostei do processo de até tirar foto e ter a ideia de cortar em formas, um pouco parecido Ai Yaoi, assim expressando uma história. Em minha opinião só ficou uma estética descontraída porém, isso serve para dizer algo maior.

Vívian Pinheiro. N: 38

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Autoavaliação

01) como vc colaborou com as práticas artistas

R: eu colaborei na foto nas pesquisas e no fazer da colagem sobre a violência colocando frases de impacto e formas de denúncia.

02) oque vc aprendeu sobre a arte contemporânea?

R: eu entendi que a arte contemporânea é o tipo de arte mais usada para expressar os sentimentos reprimidos.

03) qual a sua percepção com relação ao uso da cor e da forma, como meio para expressividade

R: o uso das formas e das cores é usado para atrair e causar impacto trazendo sentimentos e emoções fortes, em nosso trabalho o uso de formas separadas é para representar uma família q aos olhares da sociedade é uma família perfeita, mas por traz dos panos é uma família emocionalmente destruída pela violência domestica, e o uso das cores vermelho e azul são para trazer esse olhar de emergência é para chamar a atenção, e tbm fazendo uma referência as cores das luzes usada nos carros de polícia.

Felipe miguel jusinskas Savano N9

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Kauany n⁰35, 2ª B

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Felipe n9

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Julia Elysie

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Julia Elysie

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Julia Elysie

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Julia Elysie

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Julia Elysie Amaral Pinto

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Julia Elysie Amaral Pinto

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Julia Elysie Amaral Pinto

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Julia Elysie Amaral Pinto

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Vívian lohanna Pinheiro

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Laiane Rodrigues n: 16

A escolha das cores é muito impo͏rtante para ver o efeito da obra. Fairey usa az͏uis e vermelhos, que lembram as cores de a bandeira dos EUA!

Em vez de ser uma representação realista, o retrato estilizado lembra o design de pôsteres de propaganda, especialmente os de movimentos revolucionários e progressistas, o que já traz uma conotação política forte de transformação e esperança.

Do ponto de vista político, o pôster teve um impacto significativo. Não foi um material oficial da campanha, mas acabou por ser amplamente adotado por apoiadores e pela mídia, tornando-se um marco visual associado à candidatura de Obama. Ele ajudou a construir um senso de unidade e engajamento entre os eleitores, especialmente entre os jovens. Essa imagem transcendeu as barreiras da política tradicional, criando um ícone atemporal de esperança e inspiração para mudanças.

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Shepard Fairey é um artista norte-americano famoso por seu trabalho com arte urbana e política. Ele começou a ganhar destaque com seu projeto "Obey Giant", que explorava a manipulação da imagem e a propaganda. Em 2008, Fairey criou o icônico cartaz "Hope" para a campanha presidencial de Barack Obama. A imagem de Obama, estilizada com cores patrióticas (azul, vermelho e bege), simbolizava esperança e mudança, temas centrais da campanha. Com essa obra, Fairey buscava inspirar o público a acreditar em um futuro melhor, tornando a arte um poderoso símbolo de apoio político e transformação social.

Do meu ponto de vista, a obra "Hope" de Shepard Fairey é um pouco exagerada em sua idealização. Embora tenha se tornado um símbolo icônico da campanha de Obama, a imagem parece simplificar demais a complexidade da política, como se apenas a figura do candidato pudesse representar toda a esperança de um país. O uso das cores patrióticas e a palavra "Hope" são poderosos, mas, ao mesmo tempo, podem dar a impressão de ser uma mensagem superficial, sem realmente refletir as dificuldades e desafios reais que viriam. Em resumo, acho que a obra funcionou bem como marketing, mas não necessariamente capturou a profundidade do momento político.

Felipe miguel j. Savano

N9

2ºB

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Shepard Fairey é um artista e designer gráfico americano conhecido por sua arte de rua e pelo uso de mensagens políticas em suas obras de arte. Fairey se destacou na arte de rua e na cultura pop com seu movimento “Obey Giant”, onde explora temas como propaganda, poder e resistência anticonsumo. Seu trabalho costuma ser uma combinação de estilo gráfico ousado e mensagens sociais e políticas. “Obama Hope” foi criado por Fairey em 2008 durante a campanha presidencial de Barack Obama. Esta impressão artística detalhada do rosto de Obama com as cores vermelho, azul e bege acompanhada da palavra “ESPERANÇA” tornou-se o símbolo da campanha e a promessa de mudança. Criou esta estampa para manifestar uma mensagem de otimismo e mostrar que, embora fosse difícil conhecer o futuro, tudo poderia acontecer.

Sinceramente falando eu realmente não via muito sentido, a única coisa que eu entendi seria que ele seria um fã, ou queria demonstrar a luta das pessoas negras e o quão longe elas conseguiram chegar, levando em consideração o quão preconceituoso é os Estados Unidos ao longo de sua história até os tempos atuais.

Aluna: Kauany; n⁰35.

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Banksy é um artista britânico de identidade desconhecida, conhecido por sua arte de rua provocativa e com críticas sociais e políticas. Seu estilo único combina humor, ironia e uma mensagem contundente, explorando temas como consumismo, guerra, poder e desigualdade. Suas obras, que surgem em paredes e lugares inesperados, desafiam as convenções e frequentemente geram polêmicas.

A obra "Girl with Balloon" é uma de suas mais icônicas e representa uma menina estendendo a mão em direção a um balão vermelho em formato de coração, que parece escapar de seu alcance. A imagem pode simbolizar esperança, amor ou perda, dependendo da interpretação do espectador. O balão, como algo precioso que está se afastando, remete à fragilidade dos sonhos e dos sentimentos. Com essa obra, Banksy convida o público a refletir sobre a efemeridade das coisas que valorizamos e a importância da esperança, mesmo em tempos de incerteza.

No meu ver, a obra me remeteu algo mais como um abandono, como se aquele balão representase algo ou alguém preciso para ela e que a esta deixando sozinha, como a imagem traz uma criança acredito que traga a fragilidade e a dependência, assim como a necessidade extrema de cuidado e acolhimento. Não passava pela minha cabeça o cenário de guerra e morte, a perda nesse sentido, que era o que eu acredito ser o intuito do artista.

Aluna: Kauany Maciel

n⁰35

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“A arte politica nunca foi tão necessária como hoje” disse shepard em uma luta a favor de Obama, a obra "Hope" do Shepard Fairey, aquele pôster do Obama, mexeu muito com a política na época da campanha de 2008. Ela virou um símbolo de esperança e mudança bem no meio de uma crise nos EUA. Sem ser oficial, o pôster foi ganhando força e conectou Obama com várias pessoas, usando uma imagem simples e poderosa com aquelas cores dos EUA (azul, vermelho e branco). O pôster mostrou o poder da arte na política, principalmente nas redes sociais. Todo mundo compartilhava, reproduzia e até criava novas versões. Isso ajudou Obama a ganhar apoio e também trouxe debates sobre direitos autorais, já que a imagem veio de uma foto de um fotógrafo. Em resumo, "Hope" mostrou que a arte pode impactar muito em campanhas políticas e inspirou artistas no mundo inteiro.

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Adriana Varejão é uma artista contemporânea brasileira que se destaca por suas obras que misturam referências históricas, culturais e sociais. Nascida em 1964 no Rio de Janeiro, ela é reconhecida por abordar temas como identidade nacional, colonialismo e a complexa relação entre corpo e espaço. Formada em artes plásticas, Varejão utiliza uma variedade de técnicas, incluindo pintura, escultura e instalação, sempre buscando refletir sobre as influências que moldam a cultura brasileira.

Uma das suas obras mais conhecidas é "Ruína Brasilis", uma instalação que chama a atenção pela sua estética e pela profundidade de suas mensagens. Composta por azulejos que remetem ao estilo barroco, a obra evoca as ruínas de construções históricas do Brasil, simbolizando a mistura de culturas e as marcas deixadas pelo colonialismo. Ao usar azulejos, um material típico da arquitetura colonial brasileira, Varejão conecta o passado ao presente, ressaltando a continuidade das narrativas coloniais na formação da identidade nacional.

A proposta artística de "Ruína Brasilis" vai além da estética; ela traz uma crítica social e cultural poderosa. A obra convida o espectador a refletir sobre a história do Brasil e as tensões entre diferentes culturas que coexistem no país. Ao representar a ruína, Varejão sugere que o passado não está completamente desaparecido; ele continua a influenciar o presente e a moldar nossas percepções sobre identidade e cultura.

Além disso, "Ruína Brasilis" provoca uma reflexão sobre como as narrativas históricas são construídas e quem tem voz na nossa história. A artista questiona as versões oficiais da história brasileira, que muitas vezes ignoram ou minimizam as experiências dos povos indígenas e africanos. Assim, sua obra se torna um espaço para repensar essas histórias silenciadas e reconhecer a pluralidade da identidade brasileira.

Em suma, Adriana Varejão, através de "Ruína Brasilis", oferece uma crítica profunda das relações sociais e culturais no Brasil. Ela nos provoca a olhar para nossas raízes históricas e considerar como elas ainda reverberam nas questões contemporâneas. Sua arte não apenas embeleza espaços; ela também instiga diálogos importantes sobre quem somos como sociedade e como podemos construir um futuro mais inclusivo e consciente das nossas diversidades.

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Wangechi Mutu é uma artista contemporânea nascida em 22 de junho de 1972, em Nairóbi, Quênia. Conhecida por suas obras que exploram temas como identidade, gênero, cultura africana, colonialismo e meio ambiente, Mutu é reconhecida mundialmente por suas colagens, esculturas, instalações e performances que combinam elementos figurativos e surrealistas.

Mutu frequentemente trabalha com mitos, espiritualidade e metamorfose, abordando a dualidade entre o humano e o não humano, e entre o natural e o artificial. Suas colagens e esculturas costumam apresentar figuras híbridas que desafiam definições de raça e gênero. Em suas instalações, ela também utiliza materiais orgânicos, como barro, raízes e pedras, para explorar as conexões com a Terra e denunciar questões ambientais.

A obra ataca as noções conservadoras de casamento, sugerindo uma união que foge completamente das expectativas normativas. A noiva não se casa com um ser humano, mas com uma "cabeça de camelo" — um símbolo absurdo que pode ser interpretado como crítica ao caráter artificial e ritualístico de certos costumes sociais.

“The Bride Who Married a Camel's Head" é uma obra que desafia a compreensão tradicional do corpo, da identidade e das normas culturais, provocando uma reflexão crítica sobre como a sociedade lida com mudanças tecnológicas e culturais. Stelarc nos obriga a repensar o que significa ser humano e como as convenções culturais podem limitar nossa capacidade de abraçar o novo e o diferente .

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Yayoi Kusama, uma renomada artista japonesa, é conhecida por sua abordagem única e inovadora da arte, com forte presença de padrões repetitivos, especialmente o uso de bolinhas (polka dots) e temas de infinidade e obsessão. Uma de suas obras mais impactantes nesse sentido é a "Obliteration Room", criada em 2009, que proporciona uma experiência interativa e envolvente para os visitantes.

A proposta da "Obliteration Room" é simples e poderosa: Kusama cria uma sala inteiramente branca, com móveis, paredes e objetos pintados de branco, e dá aos visitantes adesivos em formato de bolinhas coloridas. Eles são convidados a colar os adesivos livremente pelo espaço, cobrindo todos os elementos da sala. Com o passar do tempo e o acúmulo das bolinhas, a sala branca vai desaparecendo, sendo "obliterada" pela explosão de cores.

Essa obra é uma crítica social e cultural que reflete temas como a perda da individualidade em meio à massificação e a capacidade de expressão coletiva. Ao permitir que o público participe ativamente da criação, Kusama questiona os limites entre o artista e o espectador, entre o individual e o coletivo. Cada adesivo representa uma marca deixada por um indivíduo, mas que, ao se misturar a tantos outros, perde sua singularidade. Kusama, que enfrentou desafios pessoais com problemas de saúde mental, também usa a repetição obsessiva das bolinhas como uma forma de externalizar suas próprias experiências e transformar o espaço em uma manifestação visual de sua percepção do mundo.

Aluno: FELIPE MIGUEL JUSINSKAS SAVANO N:9

2ºB

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A costura de memórias, por Rosana Paulino

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A costura de memórias, por Rosana Paulino

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Musa Paradisíaca

Rosana Paulino é uma artista visual brasileira, educadora e curadora. É doutora em Artes Visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo e especialista em gravura pelo London Print Studio.

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, apresenta, de 8 de dezembro de 2018 até 4 de março de 2019, a exposição Rosana Paulino: a costura da memória, que ocupa três salas do 1º andar da Pina Luz. Com curadoria de Valéria Piccoli e Pedro Nery, curadores do museu, trata-se da maior exposição individual da artista em uma grande instituição no país. Reconhecida pelo enfrentamento de questões sociais que despontam da posição da mulher negra na sociedade contemporânea, a artista apresenta mais de 140 obras produzidas ao longo de vinte e cinco anos. A mostra encerra o ano dedicado às artistas mulheres na Pinacoteca.

Bom quando olhamos a obra pensamos ‘nossa algo para representar a raça negra’, foi o que eu pensei assim que vi a obra musa paradisíaca, porém não, não é algo tão “raso” e sim sobre como o Brasil é um país tropical, quem exportar muita banana, então em tese a mulher na obra não é o central e sim a banana, e acaba sendo uma crítica do tipo um país não pode viver somente de exportação de banana e soja, precisa de educação e tecnologia, isso é o engraçado das obras, sempre vermos só uma parte dela, e esquecemos de um detalhe, é aquele detalhe conta toda a história que a autora quis passar, na obra em questão e como nossa país tende a avançar porém sempre acaba retrocedendo, como a própria disse “ uma república bananeira “.

Aluna: Vivian Pinheiro. N: 38

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Felipe n°09

Laiane n 16

Kauany n°35

Julia n°37

Vivian n°38

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PESQUISA

FUNDAMENTAÇÃO