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Este dossier colaborativo es el resultado de un trabajo de lectura, análisis y comparación literaria a partir de Hamlet (William Shakespeare), El tema del traidor y del héroe (Jorge Luis Borges) y Esa mujer (Rodolfo Walsh).
La propuesta gira en torno a la idea de la máscara como símbolo de encubrimiento, doblez, secreto o artificio. En Borges, la historia oficial se sostiene en mitos disfrazados de heroísmo; en Shakespeare, la locura fingida reviste un mandato espectral; y en Walsh, la confesión del coronel demuestra la violencia del silencio del poder.

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En la escena donde aparece el fantasma del rey, se revela lo que estaba oculto tras las máscaras de la corte: la traición y el asesinato. La corte mantiene una fachada de celebración y orden, pero esa apariencia esconde una realidad oscura y violenta.

El fantasma representa esa verdad reprimida, la sombra que no puede permanecer oculta. Las máscaras sociales funcionan para disfrazar el dolor, la culpa y el miedo, pero al final, como en esta escena, la verdad siempre emerge y confronta a los personajes con su auténtico ser.

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Acto I - Escena XII HAMLET, LA SOMBRA DEL REY HAMLET

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"Ensor aux masques" (Autorretrato con máscaras) - James Ensor

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Ensor se retrata a sí mismo rodeado de máscaras, es posible entender que se convierte a sí mismo en un disfraz más.

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"La Máscara de la Muerte Roja" - Edgar Allan Poe

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"La Máscara de la Muerte Roja" - Edgar Allan Poe

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En este cuento de Poe nos encontramos con un príncipe que, con intención de huir de sus peores temores, termina por recluirse en su castillo. Luego de meses de reclusión, a modo de celebración, decide organizar una fiesta de disfraces para sus "miles" de amigos. Se presentará ante él un invitado con una peculiar máscara.

En este caso no se pretende ocultar la verdad entre las sombras, sino que se intenta huir de ella. La verdad, lo inevitable, confeccionará la mejor máscara para llegar a quienes más la quieran negar.

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Máscara teatral pintada en un fresco de la Casa del Brazalete de Oro (primera mitad del siglo I) del libro, El arte de Pompeya.

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Benedetti declara su desconfianza absoluta hacia las máscaras: las del poder, las del espectáculo y también las del alma. Reivindica a quienes “dan la cara”, quienes lloran, miran y besan sin esconderse. Como contracara de Hamlet, Ryan o el coronel, propone una ética de la sinceridad radical: solo desde el rostro verdadero puede nacer el amor, el coraje o el encuentro.

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Benedetti declara su desconfianza absoluta hacia las máscaras: las del poder, las del espectáculo y también las del alma. Reivindica a quienes “dan la cara”, quienes lloran, miran y besan sin esconderse. Como contracara de Hamlet, Ryan o el coronel, propone una ética de la sinceridad radical: solo desde el rostro verdadero puede nacer el amor, el coraje o el encuentro.

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‘Máscaras’ Mario Benedetti

No me gustan las máscaras exóticas
Ni siquiera me gustan las más caras
Ni las máscaras sueltas ni las desprevenidas
Ni las amordazadas ni las escandalosas.

No me gustan ni nunca me gustaron
Ni las del carnaval ni la de los tribunos.
Ni las de la verbena ni las del santoral.
Ni las de la apariencia ni las de la retórica.

Me gusta la indefensa gente que da la cara
Y le ofrece al contiguo su mueca más sincera
Y llora con su pobre cansancio imaginario
Y mira con sus ojos de coraje o de miedo.

Me gustan los que sueñan sin careta
Y no tienen pudor de sus tiernas arrugas
Y si en la noche miran/ miran con todo el cuerpo
Y cuando besan/besan con sus labios de siempre.

Las máscaras no sirven como segundo rostro
No sudan/no se azoran/jamás se ruborizan
Sus mejillas no ostentan lágrimas de entusiasmo
Y el mentón no les tiembla de soberbia o de olvido
¿quién puede enamorarse de una faz delegada?

No hay piel falsa que supla la piel de la lascivia
Las máscaras alegres no curan la tristeza
No me gustan las máscaras, he dicho.

Mario Benedetti. Escritor y poeta uruguayo, integrante de la Generación del 45
(14 de septiembre de 1920 – 17 de mayo de 2009)

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Frida se desdobla en dos versiones de sí misma: una con raíces europeas y otra mexicana. Con corazones expuestos, ambas sostienen una arteria que une el dolor íntimo con la herencia cultural. Esta obra no oculta, sino que revela el conflicto entre las identidades que habitan un mismo cuerpo. La máscara aquí no es disfraz, sino espejo.

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Cindy Sherman, nacida en 1954, es una fotógrafa y directora de cine estadounidense, conocida por sus autorretratos que desafían la representación femenina y los estereotipos de género. Utiliza el disfraz y el maquillaje para crear personajes, a menudo inspirados en el cine y los medios, explorando la artificialidad de la identidad y la construcción de la imagen. 

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Cindy Sherman, nacida en 1954, es una fotógrafa y directora de cine estadounidense, conocida por sus autorretratos que desafían la representación femenina y los estereotipos de género. Utiliza el disfraz y el maquillaje para crear personajes, a menudo inspirados en el cine y los medios, explorando la artificialidad de la identidad y la construcción de la imagen. 

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Sherman interpreta a cuatro mujeres distintas, todas con su rostro, pelucas y vestuario teatral. Al encarnar estereotipos femeninos, revela que la identidad puede ser una puesta en escena. La máscara aquí no oculta la verdad: la cuestiona. ¿Quién es la verdadera entre todas estas versiones?

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“Nadie puede y nadie debe vivir, vivir sin amor...” canta Fito Páez en esta emblemática canción que puede leerse como el momento en que cae una máscara emocional. El “amor después del amor” es lo que queda después del dolor, del autoengaño, del mito del amor ideal. Como en Hamlet o en Esa mujer, hay una verdad que se revela: lo que parecía definitivo se derrumba, pero en ese derrumbe nace una nueva forma de sentir. La canción simboliza la posibilidad de renacer después de haberse despojado de una falsa identidad.

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Fito Paez - El Amor Después Del Amor (En Vivo)

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Carl Gustav Jung, en su obra Los arquetipos y lo inconsciente colectivo (1954), desarrolla una teoría sobre las estructuras fundamentales de la psique, en la que se destacan cuatro conceptos clave: la persona, el ego, la sombra y el Self.

La persona es la máscara que cada individuo construye para interactuar con la sociedad. Representa la imagen que mostramos al mundo, la identidad “oficial” que usamos para cumplir funciones sociales y ser aceptados. Sin embargo, Jung advierte que si nos identificamos completamente con esta máscara, corremos el riesgo de perder contacto con nuestro verdadero yo: “la persona es un sistema de adaptación, pero no debe confundirse con la totalidad del individuo” (Jung, 1954, p. 159).

El ego es el núcleo del yo consciente. Es quien decide, organiza y responde ante el mundo externo. Para Jung, el ego representa la conciencia, pero no abarca toda la psique, ya que hay aspectos reprimidos o desconocidos que habitan en el inconsciente.

Entre ellos, aparece la sombra: todo aquello que el sujeto rechaza o reprime deseos, miedos, errores, impulsos porque no encaja en su imagen ideal. Estos contenidos suelen proyectarse en otras personas, generando juicios desproporcionados. La sombra es incómoda, pero conocerla es esencial para el desarrollo personal.

Finalmente, el Self es el arquetipo de la totalidad, la integración de todas las partes conscientes e inconscientes del individuo. El Self no es el yo que mostramos, sino el centro profundo del ser, que sólo se alcanza cuando el ego se reconcilia con la sombra y reconoce que la persona es solo una de sus muchas máscaras.

Este proceso de integración es lo que Jung denomina individuación: el camino hacia una identidad auténtica. No se trata de eliminar la máscara, sino de reconocer que no somos solo ella. Al integrar la sombra y relativizar la persona, el sujeto se acerca a su Self: su verdad más profunda.

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En la canción “Camuflaje”, Gustavo Cerati nos habla del disfraz que usamos para proteger lo más profundo de nuestro ser:

“Desespero por mostrarte más / Todo lo profundo ama el disfraz”.

Esta idea de ocultar nuestra verdad detrás de una máscara o camuflaje. En Hamlet, la locura fingida es una máscara que oculta un mandato oscuro; en Borges, la historia oficial se construye sobre mitos disfrazados de heroísmo; y en Walsh, el silencio y la confesión revelan la violencia oculta del poder.

Cerati también señala el riesgo y la torpeza que implica quitarse ese camuflaje:

“Sin mi camuflaje, me entregué a vos / Como yo”.

Quitarse la máscara implica mostrarse vulnerable, enfrentar la verdad y, a veces, sufrir las consecuencias. Es un acto de valentía que confronta el artificio social y el secreto que nos rodean.

Así, el camuflaje no solo es un modo de esconderse, sino también una forma de sobrevivir en un mundo donde la verdad puede ser peligrosa. Entre la máscara y el ser, queda el espacio complejo de lo humano, entre la apariencia y la realidad, entre lo que mostramos y lo que callamos.

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Gustavo Cerati - Camuflaje (Official Audio)