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On ne naît pas spectateur, on le devient peu à peu.

Joëlle Rouland, auteure et metteuse en scène.

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"Recto Verso" est une série de vidéos sur les coulisses de Scènes du Golfe. Ces capsules présentent l'envers du décor du théâtre : explication d'un terme technique, présentation d'un métier, visite en coulisses... le tout en 2 minutes !

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Recto Verso - Les vidéos - Scènes du Golfe

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Nous sommes ravis de vous présenter “Recto Verso” ! Mais... Kézako ?

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Films disponibles sur le pôle vert ou via l'espace ressources numériques lorsque le titre est suivi d'une * :

Cirque du Soleil : le voyage imaginaire*

Un voyage vertigineux dans lequel le spectateur suivra les aventures d’une jeune femme et d’un acrobate à travers les univers étonnants et fantastiques des 7 plus beaux show de Las vegas ( « O », KÀ, Mystère, Viva Elvis, CRISS ANGEL Believe, Zumanity et The Beatles LOVE).

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Esthétiques, formes et genres | BnF / CNAC

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La deuxième raison est que l’expression « nouveau cirque », qui s’est imposée en France à la fin des années 1980, est historiquement datée, elle aussi, et ne correspond plus, en France du moins, à la vision extrêmement ouverte que les artistes du « cirque contemporain » se font de leur art. Nouveau s’oppose à ancien : l’adjectif disait, dans les années 1980, qu’un « autre cirque » ou du « cirque autrement » était possible, et disqualifiait implicitement le cirque d’alors – réputé seul et unique – en en faisant une discipline dépassée, « fermée à l’autre, au présent ». La nouveauté, à l’époque, c’était la théâtralisation, ou plus généralement, la recherche d’un « sens » que la simple monstration d’un talent (savoir jongler, par exemple) n’était pas censée pouvoir véhiculer seule. À l’époque, seuls le théâtre ou la narration, même non verbale, semblaient détenir ce pouvoir. Le « nouveau cirque » français, si étrange aux yeux de beaucoup d’étrangers, a d’ailleurs été fréquemment rebaptisé « cirque-théâtre » ou « théâtre de cirque » – en particulier en Scandinavie – ou parfois acclimaté : au Japon, « nouveau cirque » n’est pas traduit et se prononce à la française. On a sans doute beaucoup exagéré l’importance de la « stratégie de reconnaissance » que les artistes français, pionniers du nouveau cirque, auraient poursuivie en empruntant au théâtre – art reconnu et légitime –, dans le but d’anoblir leur art, non verbal, réputé simplement divertissant et « muet » sur les questions du monde.

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De grands auteurs écrivent des rôles de clown ou de fool pour ces premières vedettes de l'art clownesque comme Tarlton ou Armin. Clown désigne alors une figure, un emploi et une spécialité d'acteur. Il hérite d'autres comiques aux origines et fonctions diverses tels les sot, bouffon, fou, jester, Vice, klönne, pagliaccio européens et a ses équivalents en Amérique, Afrique ou Asie.
On le retrouve au début du XVIII e dans le rôle de Clown aux côtés d'Harlequin et des autres personnages de la pantomime anglaise. Joe Grimaldi en est la vedette incontestée.
Les clowns intègrent les programmes du cirque moderne à la fin du XVIII e, d'abord amuseurs en contrepoint des exploits équestres, puis vedettes, experts en acrobatie, dressage, musique ou jonglage, tels au XIX e le Français Auriol, l'espagnol Medrano, les Anglais Price ou les frères russes Durov.
L'apparition de l'Auguste fin XIX e, transposition prolétaire du paysan élisabéthain, apporte au clown le partenaire idéal et recycle les duos maître-serviteur ou prince-fou. Foottit et Chocolat ou le trio Fratellini apportent ses lettres de noblesse à la comédie clownesque et son répertoire d'" entrées " encore en vigueur.
Les cirques des États-Unis d'Amérique adaptent leurs troupes de clowns aux chapiteaux géants et les as du comique migrent vers le cinéma, tandis que la figure de l'Auguste gagne en autonomie avec Grock, Emmett Kelly, Lou Jacobs, Achille Zavatta, ou encore Oleg Popov.
Après que les femmes clowns soient entrées en piste à la fin du XIX e, de nombreux clowns et clownes contemporains œuvrent aujourd'hui partout dans le monde sur scène, en piste, à l'écran, ainsi que sur les terrains de l'éducation ou du soin.
Entré dans l'imaginaire collectif et devenu un nom générique, le clown est à présent intégré à l'ensemble du corps social.

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De grands auteurs écrivent des rôles de clown ou de fool pour ces premières vedettes de l'art clownesque comme Tarlton ou Armin. Clown désigne alors une figure, un emploi et une spécialité d'acteur.

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Le théâtre, c'est pas pour moi !

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48K views · 188 reactions | Le Festival d'Avignon commence demain ! Savourez en avant-première un épisode de la mini-série de Thomas Jolly qui combat joyeusement (et passionnément) les idées reçues sur le théâtre. 🎭😍

À découvrir en juillet sur France 2, France 5 et Culturebox 
-->https://culturebox.francetvinfo.fr/theatre/theatre-contemporain/thomas-jolly-19-idees-recues-sur-le-theatre | franceinfo culture

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Le Festival d'Avignon commence demain ! Savourez en avant-première un épisode de la mini-série de Thomas Jolly qui combat joyeusement (et passionnément) les idées reçues sur le théâtre. 🎭😍

À...

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Quelque part, entourée de boîte à chaussures oubliées, une femme nous entraîne à travers les fragments du puzzle de son passé. Dans la poussière et la douceur, des souvenirs émergent : des éclats de rire, des pas d’enfant perchés sur ceux d’un père, des chaussures de clown…Au fil de ses découvertes, elle se laisse emporter, trébuche, virevolte et devient presque équilibriste. L’espace se transforme alors en piste de cirque, les boîtes en estrades, les ombres en numéros. Lorsqu’elle chausse enfin une paire rassemblée, elle n’est plus tout à fait la même.

Shoe & Shoes explore les souvenirs, la transmission et le lien père-fille à travers un théâtre d’objets et de cirque inattendu… où les chaussures prennent vie, devenant symbole de parcours de vie et de rêves d’enfance. Avec un univers sonore enrichi par la présence d’un musicien sur scène, Emma Lloyd part de ses souvenirs d’enfance pour nous partager un monde onirique avec la poésie tendre et décalée d’un clown. Tout ce qui a été perdu peut être retrouvé, réparé… et réenchanté.

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Du début du XXe siècle à l'après-guerre

Les grands spectacles comme les petits cirques forains itinérants sont concurrencés par le cinéma (le Cirque des Champs-Élysées sera détruit en 1898 à l'instar de la plupart des autres cirques stables). Les disciplines autonomes côtoient aussi le cinéma, le Music-hall ou le théâtre.

1897- 1902

Barnum & Bailey en Europe : le public découvre le chapiteau de cirque (créé par Josuah Purdy Brown en 1825 aux États-Unis).

1905-1925

Max Linder inaugure le genre burlesque au cinéma que Buster Keaton fera triompher dans la décennie 1920-1930.

1914

Le trio Fratellini est accueilli au Cirque Medrano. Durant dix ans, ils y créeront leurs entrées clownesques les plus célèbres.

Années 1920

De nombreux artistes se produisent aussi sur des scènes (comme le Théâtre de L'Empire ouvert en 1925 à Paris), tel Enrico Rastelli ou encore Grock.

1927

Création de L'École de l'art du cirque à Moscou

1928

Charlie Chaplin, (film)

1932

Tod Browning, Freaks, La Monstrueuse parade (film)

Les années 1930

Engagé par les Frères Bouglione au Cirque d'Hiver, Geo Sandry met en scène de grandes pantomimes nautiques sur des thématiques à l'exotisme colonial assumé. Le trio formé par les Frères Fratellini y brille, comme Achille Zavatta.

De 1945 aux années 1970 : médiatisation et déclin

1945

Les cirques sont décimés alors que la radio et la télévision en présentent une image enjolivée. Quant au cinéma, il en propose une image nostalgique ou misérabiliste.

1950

La Piste aux étoiles (Émission de télévision). Pendant 25 ans, cette émission marquera l'imaginaire du cirque en France, particulièrement l'idée que le cirque est un spectacle foisonnant et familial conçu en direction des enfants.

1952

Cecil B. DeMille, Sous le plus grand chapiteau du monde (film)

1954

Frederico Fellini, (film)

1956

Les Français découvrent le cirque soviétique à travers une grande tournée occidentale.

Des années 1970 à 1986 : la préhistoire du nouveau cirque

Le corps expressif reprend une place importante et les disciplines de cirque sont utilisées, le plus souvent, de manière autodidacte aux côtés d'autres arts comme chez la Cie Foraine, le Cirque Nu, le Palais des Merveilles...

1971

Création du Cirque Bonjour par Victoria Chaplin et Jean-Baptise Thierrée.

1972

Ouverture du Studio à Moscou. Création d'" Aix, ouverte aux saltimbanques", certains artistes compteront parmi les pionniers du nouveau cirque.

1973

Fermeture du Cirque Amar.

1974

Création de L'École au Carré (Alexis Gruss-Silvia Monfort) et L'École Fratellini(Annie Fratellini-Pierre Étaix) : ouvertes aux non enfants de la balle, elles permettront une recomposition du cirque. C'est aussi la création du Festival International du Cirque de Monte-Carlo.

1977

Création du Festival Mondial du Cirque de Demain

1978

Le ministre de la Culture doit " sauver le cirque " selon les termes de La Présidence de La République.

1982

Le Cirque à L'Ancienne (Alexis Gruss) est labellisé Cirque National pour en faire un exemple de qualité

1984

Création du Cirque du Soleil au Québec et du Cirque Plume en France.

1985

Création du Centre National des Arts du Cirque. Création du Théâtre équestre Zingaro sous l'égide de Bartabas.

De 1986 à 1995 : Le nouveau cirque s'affirme, le cirque traditionnel nait

Inscrits dans une démarche éthique, portant des spectacles avec fils conducteurs et , sans animaux, ces artistes ont souvent travaillé " en rue ", s'y sont formés seuls ou sont passés par les écoles. Munis de chapiteaux, ils partent au plus près des habitants. Avènement du Nouveau cirque.

1986

Le Cirque Baroque et Archaos remplacent le Puits aux images (1973) et le Cirque Bidon (1975).

1988

Création de la Fédération Française des Écoles de Cirque et de CIRCA à Auch qui deviendra le principal espace-temps de rencontre des amateurs et professionnels en Europe.

1989

Naissance du Théâtre du Centaure

1990

Naissance des Nouveaux Nez et de La Volière Dromesko.

1991

L'école de Rosny devient École Nationale de Cirque de Rosny formant au Brevet Artistique des Techniques de Cirque.

1992

Création de la Cie Jérôme Thomas

1993

Naissance des Arts sauts.
Création d'HorsLesMurs, association pour la promotion et le développement des arts de la rue et des arts du cirque (depuis 1995) qui deviendra en 2016 ARTCENA.

1994

Naissance de la Compagnie Les Colporteurs.

1995-2011 : le cirque contemporain sous le signe de l'innovation et de la singularité

Le chapiteau disparaît, les spectacles tendent à être monodisciplinaires tout en se mélangeant aux autres formes artistiques et en proposant des esthétiques nouvelles. La notion d'auteur prend une dimension inédite auprès d'artistes majoritairement formés dans des écoles de cirque. Le nombre d'équipes artistiques est sans précédent.

1995

Joseph Nadj crée Le cri du caméléon, spectacle de la 7e promotion du CNAC. Le succès est total pour cette première promotion ayant suivi l'intégralité du cursus pluridisciplinaire imaginé par Bernard Turin, son directeur.
Création du Brevet d'Initiateur aux Arts du Cirque ( BIAC)

1997

Création du Syndicat des nouvelles formes des arts du cirque à l'initiative de plusieurs compagnies de nouveau cirque (devenu Syndicat du cirque de création).

1999

Une tempête traverse la France et détruit de nombreux chapiteaux.

2001-2002

L'Année des arts du cirque est lancée par le ministère de la Culture. Une dizaine de structures deviennent des Pôles nationaux pour les arts du cirque. Création de la Charte " Droit de Cité pour le cirque ". La création et la réhabilitation de lieux en dur pour le cirque est décidée. Un administrateur cirque est nommé à la Société des Auteurs et Compositeurs Dramatiques (successivement Philippe Goudard, Guy Carrara et Jérôme Thomas) et un prix annuel est décerné par ladite institution (Cie Moglice - Von Verx, Antoine Rigot, Mathurin Bolze, Abdeliazide Senhadji)

2002

Ouverture de L' Académie Fratellini à Saint-Denis et création du dispositif Jeunes Talents Cirque.

2004

Naissance de L' Association Territoires de cirque regroupant les structures pérennes travaillant en direction du cirque de création

2010

Lancement des ressources de rueetcirque suivie de cnactv. Les avancées d'Attraction de Johann Le Guillerm (cirque Ici) sont présentées au Parc de la Villette qui œuvre alors depuis 20 ans à la vitalité du cirque de création.

2011

Création du Diplôme d'État de professeur de cirque.

2016

Création de ARTCENA, Centre national des arts du cirque, de la rue et du théâtre alliance du Centre national du Théâtre et de l'association HorsLesMurs

Julien Rosemberg, Responsable de la mission théâtre, arts de la rue et arts du cirque à l'Adiam Val d'Oise

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Découvrez les repères chronologiques pour les arts du cirque, rédigé par Julien Rosemberg. Une exploration des arts du cirque à travers artistes, œuvres et mouvements emblématiques. Une chronologie simple, accessible et riche d'exemples qui peuvent êtr...

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Le théâtre d'Angoulême a édité un dossier pédagogique autour de l'analyse de la lumière au théâtre, à destination des publics scolaires. A consommer sans modération !

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Cendrillon - spectacle interprété par Emma Lloyd

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Cendrillon - spectacle interprété par Emma Lloyd

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Teaser Cendrillon de Scopitone et Compagnie

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Le théâtre d’objets apparaît à la fin des années 1970 et atteint son apogée dans les années 1980. Les objets sont présents sur la scène théâtrale depuis des décennies, mais le théâtre d'objets fait évoluer leur rôle : ils incarnent des personnages, placent le décor et prennent part à l’action.

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Dans le théâtre d'objets, les objets véhiculent les idées et l'imagination de l'artiste.

Le théâtre d'objets apparaît à la fin des années 1970 et atteint son apogée dans les années 1980. Les objets sont présents sur la scène théâtrale depuis des décennies, mais le théâtre d'objets fait évoluer leur rôle : ils incarnent des personnages, placent le décor et prennent part à l'action. L'objet devient un terrain d'expérience pour les marionnettistes : il y a autant de théâtre d'objets que de metteurs en scène, d'ailleurs Christian Carrignon emploie lui-même le possessif " mon théâtre d'objet ".

Dossier d'accompagnement Classes Culturelles Numériques rédigé par Louisa Djenane, Professeur responsable du service éducatif du Pôle International de la Marionnette.

Kitch club, Bouffou Théâtre

Historique du théâtre d'objets

Pour comprendre le théâtre d'objets, il est impératif de se tourner vers ceux qui sont à l'origine de ce théâtre, du terme et de la pratique. Il s'agit de :

* Christian Carrignon, Katy Deville et la Cie " Théâtre de cuisine "
Christian Carrignon et Katy Deville, fondateurs du Théâtre de Cuisine, ne cachent pas qu'à l'origine leur théâtre n'a rien à voir avec le théâtre de marionnettes. Ils définissent le théâtre d'objets comme étant le résultat de la relation qui existe entre les yeux, les mains, les choses et l'énergie personnelle qu'on y met. Catalogue de voyage, raconte des expériences de la vie courante, mais aussi des aventures extraordinaires, illustrées par des objets usuels avec lesquels Carrignon s'amuse comme avec des jouets.

Catalogue de voyage, Théâtre de Cuisine. Photo Dominique Piollet.

* Jacques Templeraud et la Cie " Le théâtre Manarf "
Manarf bâtit sa renommée sur son spectacle Intime, intime qui n'est qu'une nouvelle interprétation du petit chaperon rouge. Le fondateur de la compagnie, Jacques Templeraud, joue le rôle du clown Giglo qui raconte cette histoire classique dans un capharnaüm. Le petit chaperon rouge est représenté par une pomme verte, le loup par une vraie tête de stockfish aux dents superbes et la mère par une pomme de terre à l'eau. Templeraud utilise des objets-personnages.

* Charlot Lemoine et Tania Castaing, " Le Vélo théâtre "
Charlot Lemoine et Tania Castaing, qui créent la Cie " Le Vélo théâtre ", formulent ainsi les raisons qui les ont poussés à choisir le théâtre d'objets : " Les objets montrés et manipulés, prennent une signification particulière et deviennent une sorte de langage. Aussi bien pour le spectateur que pour l'acteur, se cache ici le chemin qui mène à l'imagination des gens, comprise dans toute langue et dans toute culture. " Aux objets ordinaires qu'ils utilisent en fait rarement, ils préfèrent des jouets ou des miniatures de la réalité.

Ces trois compagnies ont inventé ensemble le théâtre d'objets pour ce qui est de l'esthétique, le 2 mars 1980 pour ce qui est de l'appellation. Pour de nombreux chercheurs et spécialistes qui ont travaillé sur l'objet au théâtre, cette naissance s'est faite dans et contre l'invasion des objets de la société de consommation. Elle a lieu pour Christian Carrignon dans le contexte d'une Europe envahie par les objets " made in China " " Le théâtre d'objets est de notre temps et de notre société. C'est un théâtre né à la fin du 20e siècle dans l'Europe envahie par les objets made in China ".

Il s'agissait alors d'enchanter le monde avec " rien " ou du moins " pas grand-chose " comme l'explique Christian Carrignon. En parallèle de l'excès, le théâtre d'objets combat l'obsolescence de plus en plus rapide des marchandises, très vite mises au rebut. L'acte fondateur du théâtre d'objets naît d'un geste politique. C'est se placer du côté de ceux qui ont témoigné d'une conscience critique de leur art et manifesté une prédilection pour les formes dites " mineures " perçues comme des moyens de ressourcer l'art au contact du populaire, du kitsch, du bricolage et contre l'académisme de l'art majeur. Ils y ont ajouté la conscience historique, l'attention aux traces, aux restes, aux formes oubliées parfois surannées (Brecht, déjà en 1936, conseillait d'aller récupérer les objets du théâtre sur " un chantier de démolition ").

Ainsi, quand l'objet envahit le monde des hommes, la nécessité s'impose pour l'artiste d'en servir quelques uns à autre chose. Breton suggérait par exemple pour desserrer l'emprise aliénante, des objets oniriques.
Le théâtre d'objets développe cette fonction poétique que Breton assignait dans les années trente à l'objet surréaliste : " perturber la loi " que la société impose aux objets notamment leur obsolescence.
Il entreprend de donner une seconde vie à ces objets manufacturés produits en masse et délaissés par les consommateurs. Il les fait sortir de leur logique utilitaire pour les faire entrer dans une logique poétique où leur pouvoir d'évocation se déploie.

Sleeping beauty, Colette Garrigan.
Photo Philippe Mangen.
Festival Mondial des Théâtres de Marionnettes, 2009.

Ainsi, un capuchon de stylo rouge récupéré put devenir un Petit Chaperon Rouge : c'est autant la couleur que la proximité consonantique et sémantique entre capuchon et chaperon qui déploient ici tout un champ d'évocation. Il ne s'agit pas de transcender mais de détourner l'objet. De fait, le rapprochement avec les surréalistes est inévitable : à savoir donner aux objets de nouvelles significations et des fonctions symboliques. Cependant, il est important de nuancer, car lorsqu' André Breton et Philippe Soupault mirent en scène en scène parapluie, robe de chambre et machine à coudre dans un sketch de 1920 intitulé Vous m'oublierez, tous les personnages étaient joués par des comédiens. Ce n'était donc pas un vrai théâtre d'objets mais une provocation pour choquer le public. Ceci dit, ils autorisent par ces détournements une ouverture du champ de l'imagination et une réflexion sur de nouveaux moyens d'expression. Nous pouvons évoquer les ready-made de Marcel Duchamp, qui par un déplacement de sens, font entrer l'objet dans le domaine de l'art.
Sur la trace des surréalistes, les marionnettistes et les artistes ont donc donné aux objets de nouvelles significations. En expérimentant avec les objets de la société de consommation, les objets du quotidien, ils les ont transformés en personnage car ils renferment des possibilités illimitées (la marionnette a d'ailleurs les mêmes qualités).
Une nouvelle place de l'objet dans le théâtre : le marionnettiste qui utilise l'objet dans des buts dramatiques et spectaculaires doit oublier leur fonction utilitaire, sans pour autant trop s'en éloigner car c'est le pouvoir d'évocation de l'objet qui fait que le théâtre d'objets fonctionne. Sur la scène, un sèche-cheveux au lieu de sécher une chevelure se mue en dragon, en gobeur de mouches.

C'est quoi un objet pour le théâtre d'objets ?

Même s'il est central, qui dit objets ne signifie pas nécessairement théâtre d'objets. On peut aujourd'hui, faire du théâtre d'objets sans objets, par exemple en manipulant la matière.
L'objet se définit comme vu par son lien avec une époque où la société comme elle continue de le faire morcelle le désir de chaque individu. Il se caractérise aussi par sa petitesse, peut-être en réaction à la grandeur du théâtre classique. C'est un théâtre fondé sur un matériau informe qui prend forme au cours du spectacle. Le comédien-manipulateur transpose son rôle sur un objet matériel et prend ses distances par rapport à ce rôle. Tout comme l'objet, ces éléments de la réalité (de l'aluminium ou de la cire) peuvent servir d'intermédiaire signifiants ou non pour décrire, appréhender et refléter le monde.
Et puis voilà ce qu'en dit Christian Carrignon:
" L'objet dans le théâtre d'objets est immédiatement identifiable. Il est fait pour une main, comme un outil. Il vient la plupart du temps de la maison (le rêve se développe la plupart du temps dans l'intérieur des maisons). [...] La boîte de Cachou Lajaunie, le baromètre en forme d'ancre dans l'entrée, le tire-bouchon De Gaulle, lire Je me souviens de Georges Perec et se souvenir de lui... " .

Il insiste très souvent sur un aspect essentiel de ce qu'est l'objet au théâtre d'objets : il n'est pas transformé, sans quoi il perdrait sa charge onirique. C'est donc souvent l'objet d'une culture cachée dans le temps et dans l'espace. Il parle de nos vies en allant puiser dans nos origines, dans nos enfances.

Ulysse et moi : atelier-spectacle dirigé par Christian Carrignon
avec la 6e promotion de l'ESNAM. Photo Christophe Loiseau, 2004.

Depuis l'aube de l'humanité, l'objet possède le statut de sujet. Les objets ont été de tout temps utilisés dans la littérature allégorique où ils symbolisaient, à la manière des animaux, les défauts et les passions humaines. Ils ont par la suite envahi le conte, comme en témoignent les contes d'Andersen.

Pistes pédagogiques

Atelier 1 : Pour voir autrement un objet

Oublier ce qu'on sait, à quoi il sert, puis se laisser guider par ses émotions :
- Toucher " yeux fermés ", sentir les formes, les dimensions, les textures, les matières, les consistances...
- Sentir les odeurs agréables ou non...
- Entendre les sonorités... les bruissements, les cliquetis...
- Regarder les couleurs, les rythmes, les nuances, les signes, les motifs...

Chaque objet devient une " palette " tactile, olfactive, sonore, visuelle...
Consignes : Mettre " en mots " ce que l'on a éprouvé en découvrant la matière, la texture, le forme, l'odeur, le poids, la couleur, les matériaux ou la taille d'un objet. Etablir la " carte d'identité " sensorielle de l'objet.

Atelier 2 : Mettre en scène

- Rechercher des éléments plastiques qui vont compléter, mettre en valeur ou donner une autre signification aux premières réalisations.
- Prendre en compte l'environnement même de la production :
* choix de l'espace de présentation : boîte, socle, supports de différentes couleurs. Installation sur un mur, au sol, au plafond...
* choix de l'effet produit par l'utilisation de jeu de lumière ou d'accessoires comme des tissus, des cadres...

L'objet ainsi théâtralisé sollicite l'imagination, la mémoire, l'affectivité... " musée personnel " par lequel l'enfant peut révéler sa sensibilité, se dévoiler...

Atelier 3 : Transformer

Tous ces objets invitent aux jeux de l'analogie, proposent de multiples formes évocatrices, leurs ombres, leurs empreintes sont des prétextes à des jeux graphiques...

Pour transformer un objet :
- Se libérer des stéréotypes
- Ressentir le plaisir de la découverte et de l'expérimentation
- Faire un inventaire des actions possibles à expérimenter avec ou sans outils
- Nourrir l'expression personnelle

Partage d'expériences

Aborder le théâtre de marionnette par celui de l'objet est une voie peu orthodoxe mais au combien déroutante pour l'élève qui a bien trop souvent une vision limitée et poussiéreuse de la marionnette. Très vite l'élève saisit l'enjeu et les possibilités formidables contenus dans l'objet.
L'objet ne nécessite aucune phase de création ou du moins de transformation (pas d'yeux sur une cafetière ! tout anthropomorphisme annulerait toute démarche de jeu avec l'objet) et autorise à l'inverse une mise en jeu et en scène immédiate de l'objet et de l'élève. Du point de vue de l'enseignant, l'absence de technicité (apparente) de ce théâtre facilite d'autant plus l'engagement dans un projet marionnettes : l'objet étant un medium/ une matière inépuisable d'exploitation littéraire mais également philosophique. On pense plus spécifiquement aux questions d'identité, de mémoire et de l'expression de soi. En effet, en accompagnant l'élève dans sa " dématérialisation " de l'objet, il doit par lui-même lui faire perdre sa nature utilitaire pour saisir sa dimension poétique.
C'est en effet une autre manière que d'aborder les histoires et l'Histoire, voici que des objets familiers se chargent de sens nouveaux, d'émotions inattendues ; transformés, décontextualisés, ils deviennent prétextes à expression. Le quotidien nous raconte une autre histoire... De décalage en décalage, le regard réapprend à voir, la connaissance chemine au grès des métamorphoses.
- Que peut nous raconter quand on sait l'écouter un objet ?
- Comment rendre possible ce dialogue entre l'élève et l'objet ?
- L'amener par le biais d'ateliers pratiques (voir annexe) à comprendre la charge émotionnelle et poétique de l'objet.

Il serait intéressant dans un premier temps d'exploiter des objets usuels, apportés par l'enseignant pour amener la classe à appréhender et saisir cette dimension onirique et théâtrale de l'objet. Par la suite, l'élève sera prêt pour la quête d'un objet " personnel ", un objet qui proviendrait de " l'intérieur de la maison ".

S'approprier les ateliers et les alimenter...

Favoriser l'ouverture culturelle par l'apport de références artistiques en " écho " aux expériences de la classe : montrer une diversité d'œuvres sur le thème de l'objet (différentes époques, différentes cultures... art moderne et contemporain...)

Voir comment l'objet a été représenté, détourné, montré, transformé... pour inviter à réagir et agir...

Multiplier les mises en relation avec d'autres domaines dans une perspective transversale : l'objet du point de vue littéraire, théâtral, technologique, scientifique... l'objet comme symbole.

Susciter la curiosité, la recherche, l'échange d'un élève à l'autre, d'une classe à l'autre...

Garantir l'authenticité des réalisations par l'accueil " bienveillant " des productions de chacun.

Prévoir des relances, de nouvelles mises en situation pour définir ensemble de nouvelles pistes de travail : jouer sur la surprise, l'étonnement.

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Institut International de la Marionnette (IIM)

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Portail - Dossier | Portail des Arts de la Marionnette

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Centre de documentation spécialisé dans le domaine des arts de la marionnette.

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Votre expérience sur le site radiofrance.fr risque d'être dégradée.

À propos de la série

Quatre émissions pour explorer cette forme de spectacle qui a tant changé depuis l'Antiquité.

Provenant de l'émission

La Fabrique de l'Histoire, du lundi au vendredi de 9h00 à 10h00 sur France Culture

Mieux comprendre le lien qui nous unit au passé, telle est l'ambition de cette émission quotidienne déclinée en documentaire, archives commentées, débat.

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Une histoire du cirque : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Quatre émissions pour explorer cette forme de spectacle qui a tant changé depuis l'Antiquité.

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Artiste, ensiegnants.es, chercheurs.es, curieux.ses... Cette rubrique propose de guider vos recherches dans le secteur du cirque contemporai …

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Programme d'exercices

On pousse un peu les meubles, on se met en tenue et on s'échauffe. Pour vous aider à patienter chez vous, l'équipe a concocté quelques exercices simples à découvrir en vidéos et à réaliser à domicile.

Voici un programme d'exercices à pratiquer à votre rythme et selon vos envies.
Objectif : se faire plaisir.

A vous de jouer !

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On pousse un peu les meubles, on se met en tenue et on s'échauffe. Pour vous aider à patienter chez vous, l'équipe a concocté quelques exercices simples à découvrir en vidéos et à réaliser à domicile. Voici un programme d'exercices à pratiquer à votre rythme et selon vos envies.Objectif : se faire plaisir.

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Dans le cadre du festival jeune public Prom'nons nous (30/01-19/02) :

Jeudi 19 février 10h et 15h, à la maison des habitants du Poulfanc

Informations sur le spectacle

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Petit Cirque + Les Petits Toros
Compagnie Voix-Off

Clown et objets

Dans le cadre du Festival Prom'nons Nous

Damien Bouvet est un génie ! Homme-orchestre s'armant d'ustensiles de cuisine et d'objets du quotidien, il construit un monde en un tour de main. Debout, toujours debout, il porte sur lui le chapiteau, la ménagerie et la piste dorée ; il a sous la main la cage aux fauves, la ronde des chevaux et l'écuyère.

Debout, encore debout, il tient du bout des doigts le tigre, le dompteur et le cercle de feu. Mais il sait être aussi une corrida à lui tout seul : le matador dans son habit de lumière, le " toro ", les aficionados et la musique. S'il refait le monde avec ses pieds et ses mains en toute simplicité, ses talents de magicien du geste transforment son bestiaire d'objets anodins en un véritable trésor.

" Deux petites merveilles de tendresse, d'humour et de poésie. Entre mime et théâtre, Damien Bouvet fabrique du sens et du rêve avec des objets de l'ordinaire. " Ladépêche.fr
Création, jeu et mise en scène : Damien Bouvet ; Régie générale : Guillaume Druel ; Production : Nadine Lapuyade ; Photo : Philippe Cibille. Ce spectacle se déroule à la Maison des Habitants (au Poulfanc) Une action culturelle sera proposée dans le cadre du festival autour de la dernière création de Damien Bouvet : Je ne veux pas dessiner un mouton.

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Petit Cirque + Les Petits Toros - Grain de Sel

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Jeudi 19 février 10h et 15h Petit Cirque + Les Petits Toros Compagnie Voix-Off Clown ...

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Fabriquer ses balles de jonglage avec des ballons de baudruche !