# data[].attributes.body
Pour cette création, Solenn Denis est partie d’un constat :
« En 2023, en France, 94 femmes ont été tuées par leur conjoint ou leur ex. Ces hommes sont nos voisins, nos frères, nos collègues... Ce ne sont pas des monstres. »
Dans Bébé et Doudou, ce qui commence comme une reconstitution des moments intimes d’une relation amoureuse, dérape inexorablement. Est-ce de l’amour ou de l’emprise ? Il l’aime mais mal. C’est ainsi qu’on lui a appris à aimer. Tu m’appartiens. Tu m’obéis. Tu ne discutes pas.Le poison s’insinue sournoisement dans leur relation.
Ils racontent tout de leur rencontre, de leur passion jusqu’à l’innommable.
Tout le monde retient son souffle C’est d’une actualité brûlante et nécessaire.
Une catharsis collective afin de trouver ensemble une nouvelle façon d’aimer.

# data[].attributes.attachment_link.title
tnba - dossier pedagogique Avignon une ecole (glissés)

# data[].attributes.body
Comment revisiter 77 ans d’histoire, côté plateau et coulisses ? Comment ressusciter les fantômes

et faire face au mythe sans être écrasé par lui ? Quels sont les corps, les voix et les lieux qui

permettent la transmission d’une histoire commune ? Comment mettre au plateau une archive, sa

représentation, sa portée historique, son impact sentimental ? Comment construire sa mémoire

vivante ? Que tirer de cette histoire pour son jeu d’acteur au présent ?

Tel un festivalier se perdant dans le dédale des rues avignonnaises, parcourons ensemble cette

histoire.

# data[].attributes.attachment_link.title
tnba - dossier pedagogique Avignon une ecole

# data[].attributes.attachment_link.title
Avignon une école © Marc Domage 2 Avignon

# data[].attributes.body
"CAVERNE est née de la grande émotion

suscitée par les visites de Lascaux et Chauvet

et de la sensation de proximité éprouvée

malgré les dizaines de milliers d’années qui

nous séparent. La grotte ornée nous est

apparue comme un théâtre mystérieux, riche

en êtres et en mondes disparus, en rêves

lointains. Les représentations ne semblent

pas figées dans le temps. Les fresques, par

leurs mouvements, surgissent dans une

vivacité inouïe, créant un vertige.

Qu’est-ce qui a motivé des hommes et des

femmes qui nous ressemblent à descendre

sous la terre pour peindre des animaux sur les

murs ? Quel était le contenu de ces histoires ?

Quel est le sens de ces images pariétales ?

Pourquoi principalement des animaux ?"

# data[].attributes.body
J’aime décortiquer ce qui se passe dans la tête de celles et ceux qui sont les figures de proue de nos tragédies modernes – pas bien loin des tragédies antiques.
Alors je circonvolutionne, plus ou moins autour des mêmes thématiques, pour soudain réaliser que ce nouveau texte est une autre facette d’une violence faite aux femmes.
J’espère, avec cette pièce, donner des armes aux autres femmes et aux hommes, et des prises de conscience à chacun.e.
Solenn Denis

# data[].attributes.attachment_link.title
LETTRE AUX PARENTS DES ÉLÈVES INSCRITS EN OPTION OU SPÉCIALITÉ THÉÂTRE AU LYCÉE MONTESQUIEU 2025

# data[].attributes.body
avec photos du spectacle, note d'intention et teaser

# data[].attributes.attachment_link.description
Le prochain spectacle “Caverne” portera sur les représentations contemporaines de la préhistoire, les imaginaires mentaux et leurs conséquences aujourd’hui sur notre vision de l’histoire et sur l’avenir de l’humanité. La création est prévue pour l’automne 2024 à La Passerelle, scène nationale de Saint-Brieuc.

# data[].attributes.body
présentation du spectacle et interview de Fanny de Chaillé

# data[].attributes.attachment_link.description
Quinze jeunes comédiens et comédiennes traversent l’histoire du Festival d’Avignon pour raconter leur propre histoire. Un récit qui prend l’archive comme objet d’étude, ou comment faire d’Avignon une École. 

# data[].attributes.attachment_link.title
Le comédien Jean Vilar, 20 ans en Avignon - Culture Prime

# data[].attributes.headline
questionnaire sur le spectacle (en groupes)

# data[].attributes.subject
questionnaire sur le spectacle (en groupes)

# data[].attributes.body
https://fresques.ina.fr/sudorama/fiche-media/00000000106/50-ans-du-festival-d-avignon-gerard-philipe.html

https://www.youtube.com/watch?v=J2WHtsMUvok

# data[].attributes.attachment_link.title
TnBA dossier de production Une autre histoire du théâtre FANNY DE CHAILLÉ SEPT 2024

# data[].attributes.headline
site de Rosas, compagnie de Anne Teresa de Keersmaeker

# data[].attributes.subject
site de Rosas, compagnie de Anne Teresa de Keersmaeker

# data[].attributes.body
photos du spectacle, note d'intention, interview des deux chorégraphes

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Chorégraphie
Anne Teresa De Keersmaeker, Radouan Mriziga

Créé avec et dansé par
Boštjan Antončič, Nassim Baddag, Lav Crnčević, José Paulo dos Santos

Musique
Antonio Vivaldi, Le quattro stagioni
Amandine Beyer, Gli Incogniti
Alpha Classics/Outhere Music 2015

Analyse musicale
Amandine Beyer

Poèmes
Asmaa Jama, 'We, the salvage'
Antonio Vivaldi, 'Le quattro stagioni'

Scénographie et lumière
Anne Teresa De Keersmaeker, Radouan Mriziga

Costumes
Aouatif Boulaich

Direction des répétitions
Eleni Ellada Damianou

Coproduction
Berliner Festspiele, Charleroi danse - centre chorégraphique de Wallonie-Bruxelles, Concertgebouw Brugge (Bruges), De Munt/La Monnaie (Bruxelles), Festival d'Automne à Paris, Festival de Marseille, ImPulsTanz (Vienne), Sadler's Wells (Londres), Théâtre de la Ville - Paris

avec le soutien de Dance Reflections by Van Cleef & Arpels

Cette production est réalisée avec le soutien du Tax Shelter du Gouvernement fédéral belge, en collaboration avec Casa Kafka Pictures.
Rosas bénéficie du soutien de la Communauté flamande et de la Commission communautaire flamande (VGC).

# data[].attributes.attachment_link.title
Il Cimento dell'Armonia e dell'Inventione - Anne Teresa De Keersmaeker, Radouan Mriziga / Rosas, A7LA5 | Rosas

# data[].attributes.attachment_link.description
Il Cimento dell'Armonia e dell'Inventione - Anne Teresa De Keersmaeker, Radouan Mriziga / Rosas, A7LA5 | Rosas‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌ ‌

# data[].attributes.headline
sur le site d'Artcena, extraits d'autres spectacles et interviews

# data[].attributes.subject
sur le site d'Artcena, extraits d'autres spectacles et interviews

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Le corps comme outil pour la danse

Pour Anne Teresa de Keersmaeker, " le corps est une maison dans laquelle on se lève tous les jours, il est universel malgré ses spécificités d'âge, de genre... Le corps offre d'infinies possibilités, on ne sait pas de quoi il est capable. Chaque jour, on y voit les marques du passage du temps et ses limites. Mais le corps est notre premier outil pour la danse, c'est une chose dans laquelle on se reconnaît. "

" C'est important de lier le texte à l'image que l'on voit, qui est une image créée par le plasticien Michel François, où l'on aperçoit comme une vague, sous laquelle danse un jeune homme. C'est comme une visualisation d'une tempête entre l'eau, le feu, le vent... Cette image résonnait très bien avec ce texte de Walter Benjamin : un ange avec les yeux grands ouverts qui, quelque part, traduit la perception du monde entre le passé et le présent. "

" Il existe un tableau de Klee qui s'intitule Angelus Novus. (...)
L'ange voudrait bien réveiller les morts et rassembler les vaincus.
Mais du paradis souffle une tempête qui s'est prise dans ses ailes, si forte que l'ange ne peut plus les refermer.
Cette tempête le pousse incessamment vers l'avenir auquel il tourne le dos, cependant que jusqu'au ciel devant lui s'accumulent les ruines.
Cette tempête est ce que nous appelons le progrès. "
Extrait du texte sur l'Angelus Novus de Paul Klee par Walter Benjamin

Anne Teresa de Keersmaeker : " Je crois qu'on n'a plus d'autre choix que de remettre en question la notion du progrès sur ce qu'il a fait à la nature, à l'humanité, à la vie sur Terre. Je trouve que le texte de Walter Benjamin traduit ça d'une façon très claire. "

Le processus de création part de l'étonnement

" Le point de départ de tout processus de création, c'est l'étonnement (' what if', et si ? et ' what if not', et si... non ?) Quelque part, c'est un travail d'imagination que je considère comme un exercice politique : on se rappelle du passé, on essaie d'être dans le moment et on imagine un autre état du monde, un autre chemin, une autre solution. Je crois qu'exprimer le désir d'un autre état du monde est un acte d'anarchie, c'est ne pas accepter les choses comme elles sont**. J'ai hérité ça de mon père plus que de ma mère : c'est faire l'exercice d'imaginer un autre monde et je crois que le plus douloureux, le plus inacceptable pour moi, c'est que plus que jamais on pense que la violence est une bonne solution pour résoudre les problèmes. "
Morceaux diffusés pendant l'émission :

La Grande prière de Georges Ivanovotch Gurdjieff et Thomas de Harmann, interprété par Alain Kremski

Steve REICH - Fase four movements

Walking Song que l'on retrouve dans son spectacle Exit Above :

Pour afficher ce contenu Youtube, vous devez accepter les cookies Publicité.

Ces cookies permettent à nos partenaires de vous proposer des publicités et des contenus personnalisés en fonction de votre navigation, de votre profil et de vos centres d'intérêt.

Gérer mes choix J'autorise
Dates de la tournée, EXIT ABOVE, d'après La Tempête :

25-31.10.2023 EXIT ABOVE - AFTER THE TEMPEST / D'APRÈS LA TEMPÊTE / NAAR DE STORM Théâtre de la Ville - Sarah Bernhardt, Festival d'Automne à Paris - Paris, France

07-08.11.2023 Tanzhaus nrw - Düsseldorf, Germany

10.11.2023 De Werf - Aalst, Belgium

24-26.11.2023 Opera Gent, VIERNULVIER - Ghent, Belgium

29.11-02.12.2023 De Singel - Antwerp, Belgium

06.03.2024 TR25 Schouwburg, Theater Rotterdam - Rotterdam, The Netherlands

15.03.2024 Le Cratère | Scène nationale d'Ales - Alès, France

19.03.2024 Grand Théâtre, Scène Nationale Albi-Tarn - Albi, France

22-23.03.2024 Le Parvis - Tarbes, France

26.03.2024 Scène nationale Grand Narbonne - Narbonne, France

27.03.2024 Cultuurcentrum Hasselt - Hasselt, Belgium

05-06.04.2024 Opéra de Lille - Lille, France

26-27.04.2024 Teatro Central - Sevilla, Spain

19.05.2024 Teatros del Canal - Madrid, Spain

Programmation musicale :

CHRISTINE AND THE QUEENS , Aimer, puis vivre

James BLAKE, Loading

# data[].attributes.attachment_link.title
Anne Teresa De Keersmaeker : "il faut faire un pari sur la beauté"

# data[].attributes.attachment_link.description
Figure majeure de la danse contemporaine, la chorégraphe et danseuse Anne Teresa De Keersmaeker signe " EXIT ABOVE - d'après la tempête " sur scène du 25 au 31 octobre au Théâtre de la Ville (Salle Sarah Bernhardt).

# data[].attributes.body
présentation du spectacle, chantsigne à apprendre avant le spectacle...

# data[].attributes.attachment_link.description
2068 : l’écologie, l’inclusion, et le féminisme ne sont plus des combats, mais des évidences. Pourtant, on partait de loin ! Souvenez-vous : le patriarcat, les dominations, le profit à tout prix… Mais tandis que l’ancien monde s’effondrait, des femmes et des hommes ont inventé un futur désirable.. À travers les histoires de celles […]

# data[].attributes.headline
interview de S. Braunschweig, metteur en scène et de la costumière du spectacle

# data[].attributes.subject
interview de S. Braunschweig, metteur en scène et de la costumière du spectacle

# data[].attributes.attachment_link.title
Iolanta - Tchaïkovski | Braunschweig - Du mercredi 12 novembre 2025 au mardi 18 novembre 2025 - Grand-Théâtre - 20251112 | Opéra National de Bordeaux

# data[].attributes.attachment_link.title
“Iolanta” de Tchaikovsky par Stephane Braunschweig et Pierre Dumoussaud

# data[].attributes.attachment_link.description
Anna Sigalevitch nous propose “Iolanta” de Tchaikovsky par Stephane Braunschweig et Pierre Dumoussaud avec l’orchestre national et le chœur de l’opéra de Bordeaux, du 12 au 18 novembre au Grand Théâtre de Bordeaux.

# data[].attributes.attachment_link.title
Sonya Yoncheva sings Iolanta's aria (Vienna 2025)

# data[].attributes.attachment_link.title
Tchaïkovski | Arioso de Iolanta par Hélène Carpentier et Marie-Dominique Loyer

# data[].attributes.attachment_link.description
L’Union, centre dramatique national (CDN) et École Supérieure de Théâtre (ESTU), se veut port d’attache, un lieu d’effervescence artistique, de création et de formation à Limoges.

# data[].attributes.body
photos et entretien

# data[].attributes.attachment_link.description
Christoph Marthaler met en scène six personnages en quête de hauteur pour une conférence au sommet : un spectacle à l’humour mordant qui mêle théâtre, musique et chant.

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
formes fluides · Aurélien Goulet & Frédéric Schaffar

# data[].attributes.attachment_link.title
Le Sommet - Christoph Marthaler ◂ Saison 2025-2026

# data[].attributes.attachment_link.description
Dans un chalet de très haute altitude, six interprètes de nationalités différentes sont convoqués pour une rencontre au sommet. Entre humour, musique et détournements, Christoph Marthaler explore un théâtre où les humains chantent, se perdent et trouvent parfois ce qu’ils ne cherchaient pas. Dans plusieurs langues européennes, un sommet peut être autant une réunion au plus haut niveau, la cime d’une montagne que le summum, ou la perfection atteinte. Pour cette production tri-nationale (Lausanne, Milan, Bobigny), les six interprètes se retrouvent donc dans un chalet – ou serait-ce un baraquement, ou un refuge ? – littéralement posé au sommet d’une montagne. Nul ne sait s’ils sont réfugiés, cachés, préparant à l’écart un événement d’importance, ou s’ils s’isolent simplement d’un monde en désordre. Ils parlent différentes langues – français, italien, allemand et anglais (d’Écosse) – et il n’est pas du tout certain qu’ils se comprennent. Une fois arrivés au sommet, où vont-ils ? Comme souvent dans les spectacles du metteur en scène suisse, les réponses à ces questions sont ambiguës, tressées de chants et d’un sens aigu de la comédie absurde. À l’image d’une Europe qui se cherche, et quelles que soient les circonstances, nul doute qu’un commun sera atteint, même si les chemins pour y parvenir s’annoncent quelque peu inattendus.

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
MC93 - Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis

# data[].attributes.attachment_link.title
Le Sommet de Christoph Marthaler [BANDE ANNONCE] #MC93

# data[].attributes.attachment_link.title
Le Living Theatre au festival d’Avignon - Sudorama, mémoires du Sud de 1940 à nos jours

# data[].attributes.attachment_link.description
En 1968, le spectacle Paradise Now de la troupe américaine Living Theatre fait scandale au festival d’Avignon. A demi improvisé chaque soir, le spectacle prend le public à partie, et est resté célèbre pour une scène où les acteurs énoncent une liste des tabous de la société occidentale contemporaine, tout en se dénudant.

# data[].attributes.body
article sur le spectacle

# data[].attributes.attachment_link.title
« Antoine et Cléopâtre » de Tiago Rodrigues | ARTCENA

# data[].attributes.attachment_link.description
Un grand mythe et deux noms inséparables, comme Roméo et Juliette, le politique en plus ; des images du film de Josef Mankiewicz avec Elizabeth Taylor et Richard Burton, en 1963 ; Shakespeare s’inspirant de Plutarque dans sa Vie de Marc Antoine, autant d’images de ce couple emblématique nous habitent. De nombreux compositeurs ont chanté cette reine d’Égypte, Haendel, Massenet, Berlioz, John Adams et tant d’autres, le mythe de l’Égypte ancienne reste au zénith.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tiago Rodrigues monte Antoine et Cléopâtre en pas de deux

# data[].attributes.attachment_link.title
Artes escénicas - "Antonio y Cleopatra", de Tiago Rodrigues (trailer)

# data[].attributes.attachment_link.description
À Paris, le Théâtre de la Bastille accueille, dix ans après sa création, « Antoine et Cléopâtre », pièce emblématique de Tiago Rodrigues, histoire d’un amour fou porté à son incandescence par le duo …

# data[].attributes.attachment_link.title
« Antonio e Cleopatra » de Tiago Rodrigues, un spectacle amoureux

# data[].attributes.attachment_link.description
Reprise. Quelle belle langue que le portugais pour dire l’amour entre Antoine et Cléopâtre et la tristesse des héros, pressentant que leur amour court à sa perte, pressentant aussi qu’un jour quelqu…

# data[].attributes.attachment_link.title
On your knees! Cleopatra cuts the Roman Empire into thirds.

# data[].attributes.attachment_link.description
À la veille d’une élection cruciale, la candidate qui caracole en tête de tous les sondages meurt empoisonnée. Il faut donc la remplacer, dans l’urgence et en secret : sosie, hologramme, fantôme ou sandwich au bacon, toutes les options sont envisagées… Cette comédie déjantée joue avec le pouvoir, l’illusion et le mensonge, entre effeuillage burlesque […]

# data[].attributes.attachment_link.title
Présentation Collectif Vivarium + Pitch Sosie²- Nouvelle Création 2026

# data[].attributes.attachment_link.description
**Une comédie haletante, des coulisses du théâtre aux coulisses du tribunal** Au fil d’une enquête riche en rebondissements, les masques tombent. Arcanes et faux-semblants du petit monde de la culture apparaissent au grand jour…

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Sous la houlette de Céline Fuhrer et Jean-Luc Vincent, Polar(e) propose un mix entre parodie de série policière et mise en abyme du théâtre. Une comédie un brin mélancolique et bourrée d'humour dont la mécanique doit encore se régler.

La mécanique comique est un outil de haute précision dont la première représentation n'offre pas souvent la version la plus aboutie. Tempo et clarté resteront à ajuster pour que Polar(e) trouve son rythme de croisière, d'autant que son propos est décousu, ponctué de ruptures, de mises en abyme et de dialogues où chaque réplique porte une charge comique. Aux commandes de cette nouvelle création : Céline Fuhrer et Jean-Luc Vincent, qu'on présentera encore comme des anciens des Chiens de Navarre, même si cela fait un bout de temps qu'ils ont quitté la meute. Dans leur précédent spectacle, La femme n'existe plus, ils avaient installé un style foutraque qui s'inscrivait dans une lignée absurde et référencée, qu'ils reconduisent ici.

Car ce Polar(e) se balade entre parodie de série télé, d'une part, comme il en défile des milliers sur les chaînes du petit écran, où se conduisent des enquêtes policières à coups d'interrogatoires et d'analyses scientifiques, et une mise en abyme du théâtre, d'autre part, le jeune homme qui a disparu étant un jeune comédien de 17 ans et le principal suspect, un metteur en scène. Tout commence d'ailleurs avec Jean-Luc Vincent et Céline Fuhrer, qui arrivent par le haut des gradins comme un vieux couple de spectateurs qui serait en retard pour la représentation, vieux couple d'artistes qui va ensuite rejoindre la scène. Comme il aime donc à le faire, le duo multiplie à l'occasion de ces mises en abyme des critiques pleines de dérision sur le milieu, ses lieux communs et surtout la toute-puissance des metteurs en scène et les abus qu'elle produit inévitablement.

La charge est soulignée, un peu à l'excès pour sa longueur, dans une scène de flashback où le metteur en scène suspect, Alexandre Steiger avec ses airs à la Vincent Macaigne, violente son équipe et abuse de sa position de pouvoir en arguant de sa douleur de créateur incompris. Toutefois, l'essentiel du propos de la pièce n'est pas là, mais plutôt dans un regard sur la question de la vérité, ô combien maltraitée par notre époque, et dans la théâtralité médiatisée d'enquêtes et de procès d'où plus aucune certitude ne parvient à surgir même quand la justice a tranché. L'ombre du procès du financement de la campagne de Nicolas Sarkozy par la Libye passe par endroits, dans les dénégations jusqu'au-boutistes des accusés et de leurs défenseurs. Ainsi, une tonalité un brin mélancolique se superpose avec bonheur à la richesse comique du spectacle, dont toutes les tentatives, malheureusement, ne font pas mouche.

Il y a quelque chose des Nuls dans l'humour absurde de ce spectacle, et donc quelque chose de classique dans le décalé. Quelques procédés comiques un peu habituels - le personnage aphone, les répétitions du même morceau, l'usage de la musique, les scènes de répétition. Quelque chose des Chiens de Navarre canal historique, bien sûr, dans le goût de la transgression, l'humour un peu pipi caca et les attaques en règle contre le milieu théâtral. Et quelque chose d'unique aussi dans une prise de risques foutraque qui ne se refuse rien dans les ruptures et le décousu. Un vent de liberté créatrice et une inventivité comique sans cesse renouvelée qui s'affirment comme étant les plus grandes qualités du spectacle. Par moments, on demanderait du répit, la densité de blagues pouvant en lisser l'effet, mais l'on se dit aussi qu'avec un peu de temps, Polar(e) trouvera son tempo mettant en valeur tout son potentiel.

Eric Demey - www.sceneweb.fr

Polar(e)
Texte et mise en scène Céline Fuhrer, Jean-Luc Vincent
Avec Céline Fuhrer, Robert Hatisi, Nabila Mekkid, Cédric Moreau, Alexandre Steiger, Jean-Luc Vincent, les voix de Barbara Chanut, Servane Ducorps, Claire Dumas, et la participation de Matteo Perez
Création sonore et régie générale Isabelle Fuchs
Scénographie François Gauthier-Lafaye
Costumes Elisabeth Cerqueira
Création lumière Ludovic Bouaud
Régie plateau Jessica Maneveau
Musique originale Christophe Rodomisto

Production Compagnie Les Roches Blanches
Coproduction et résidence Théâtre GRRRANIT - Scène nationale de Belfort
Accueil en résidence Théâtre des 2 Rives, Charenton-le-Pont, Théâtre du Rond-Point
Avec le soutien du ministère de la Culture - Direction régionale des affaires culturelles d'Île-de-France, de la Région Île-de-France et de l'ADAMI
Durée : 1h45 Vu en octobre 2025 au Théâtre des 2 Rives, Charenton-le-Pont
Théâtre du Rond-Point, Paris
du 5 au 22 novembre

Théâtre Sorano, Toulouse
du 17 au 19 décembre

Théâtre national Bordeaux Aquitaine
du 3 au 6 février 2026

# data[].attributes.attachment_link.description
Sous la houlette de Céline Fuhrer et Jean-Luc Vincent, " Polar(e) " propose un mix entre parodie de série policière et mise en abyme du théâtre.

# data[].attributes.body
10 min d'interview de Tamara Al Saadi

# data[].attributes.attachment_link.authors[].name
Astrid de Villaines, Stéphanie Villeneuve, Sarah Masson

# data[].attributes.attachment_link.title
Tamara Al Saadi, metteuse en scène, présente “Taire” à Avignon

# data[].attributes.attachment_link.description
À l’occasion du Festival d’Avignon, Tamara Al Saadi présente “Taire”, une réécriture du mythe d’Antigone, du 21 au 23 juillet. Dans cette pièce, la metteuse en scène suit le parcours de deux personnages principaux, l’un antique, l’autre contemporain, qui se répondent à travers les âges.

# data[].attributes.attachment_link.title
Tamara Al Saadi trouve sa « Place » à Avignon - #CulturePrime

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Auteure, comédienne et metteuse en scène franco-irakienne, Tamara Al Saadi articule son travail entre la recherche en sciences sociales et la création théâtrale. Diplômée de l'école des arts politiques de Sciences Po Paris, elle fonde, en collaboration avec Mayya Sanbar, la compagnie "La Base" et mène des ateliers de théâtre qui questionnent le processus de construction identitaire dans l'immigration dans des collèges et lycées de Seine-Saint-Denis.

Sa dernier création "Place", est en tournée en France jusqu'en mai 2020.

Extraits de l'entretien

Dans mon spectacle j'utilise la radio car, au-delà du fait que je voulais traduire quelque chose de sensitif que je connaissais et qui appartenais à mon espace familial, le son a pour vertu d'être présent-absent. La question de la présence-absence est présente à différents niveaux de la pièce, que ce soit sans certains personnages, certaines thématiques, et je me disais que pour traduire cette présence-absence le son était le meilleur médium. On a également travaillé sur la question de perceptibilité. L'idée c'était que les gens ne soient pas sûrs de bien entendre.

Cette pièce décrit le mécanisme de l'assimilation, le fait de se sentir toujours encombrant, au mauvais endroit, et chercher constamment sa place, et finalement découvrir qu'une place c'est un processus, ce n'est jamais quelque chose de figé. On met du temps à comprendre ce qu'est se sentir à la bonne place, et aujourd'hui, je me dis que c'est simplement juste aimer. Quand on aime, on se sent à la bonne place.

Je pose beaucoup le terme d'intégration ainsi que celui d'assimilation. L'assimilation, c'est pour moi, un processus d'évincement, c'est une culture qui en interdit une autre, un conflit et une tension. Cette mise en tension crée cette dualité, ces renoncements. Tout d'un coup, on nous met face à un choix, comme si notre condition d'être dépendait de ce choix. En fait, c'est une fiction, une erreur. Au contraire, l'intégration pour moi, c'est une rencontre, une mutualisation des richesses. Moi j'ai expérimenté l'assimilation, pas l'intégration.

Je parle de mon endroit de difficulté, et je crois que l'intime est l'espace du commun, malgré ce qu'on peut croire. Quand on croit qu'on est vraiment tout seul à vivre quelque chose, là où ça fait le plus de mal ou le plus de bien, à un endroit qui nous est très singulier, et qu'on arrive à nommer d'une façon ou d'une autre ce vécu-là, alors ça créer avec les gens une très belle complicité. Pour moi, l'intime fédère beaucoup, et le théâtre permet aussi de fédérer.

Archives

Annie Ernaux, émission "Répliques", France Culture, 2008

Emission "Nuits magnétiques : hauteur d'enfance", France Culture, 1990

Peter Brook, émission "Les mardis du théâtre", France Culture, 1986

George Steiner, émission "A voix nue", France Culture, 2003

Mahmoud Darwich, émission "Radio libre", France Culture, 2004

Références musicales

Mardo El-Noor, Ya Rakib Al Abatyya

Tindersticks, Travelling light

Dates de tournée

Mardi 10 mars à 20h30 au POC! d'Alfortville (94)

Jeudi 13 mars à Chateauvallon-Liberté, Scène Nationale, Toulon (83)

Jeudi 14 mai au Dôme de Gascogne du CIRC, CIRCA, Auch (32)

Prise de son

Florent Bujon
Vous pouvez écouter et/ou podcaster cet entretien en cliquant sur le lien ci-dessus

# data[].attributes.attachment_link.title
Tamara Al Saadi : "Quand on aime, on se sent à la bonne place"

# data[].attributes.attachment_link.description
Nous recevons l'autrice et metteuse en scène pour sa pièce "Place", présentée lors du Festival d'Avignon 2019, et lauréate du Prix du jury et Prix des lycéens au Festival Impatience 2018. Elle nous parle des thèmes qui lui sont chers tels que la présence-absence, l''assimilation et l'intégration.

# data[].attributes.body
liens sur le site de l'Odéon

# data[].attributes.attachment_link.title
L’Amante anglaise - Odéon - Théâtre de l’Europe

# data[].attributes.attachment_link.description
Un homme et une femme, Pierre et Claire Lannes, répondent tour à tour aux questions de L’Interrogateur. Dès le début, Claire Lannes reconnaît avoir assassin&eac

# data[].attributes.attachment_link.title
L'Amante anglaise par les comédien.ne.s Dominique Reymond, Nicolas Bouchaud et Laurent Poitrenaux

# data[].attributes.headline
sur France Culture, relire l'amante anglaise

# data[].attributes.subject
sur France Culture, relire l'amante anglaise

# data[].attributes.attachment_link.title
Relire “L’Amante anglaise” de Marguerite Duras, avec Dominique Reymond

# data[].attributes.attachment_link.description
“L’Amante anglaise” est un roman de Marguerite Duras publié en 1967, suivi d’une pièce de théâtre en 1968. Inspirée d’un fait divers, l’œuvre examine les raisons profondes qui peuvent mener au crime. On en discute avec Joëlle Pagès-Pindon, spécialiste de Duras et la comédienne Dominique Reymond.

# data[].attributes.attachment_link.title
Duras et la folie d’Amélie Rabilloud : épisode 2/2 du podcast Astres noirs

# data[].attributes.attachment_link.description
AUDIO • Astres noirs, épisode 2/2 : Duras et la folie d’Amélie Rabilloud. Une série inédite proposée par France Culture. Écoutez Une histoire particulière, un récit documentaire en deux parties, et découvrez nos podcasts en ligne.

# data[].attributes.body
interview de Marguerite Duras et Emilie charriot, très riches.

# data[].attributes.body
Doudou aime Bébé. Sa sincérité est indiscutable. Mais il ne sait aimer sans posséder et soumettre l’autre à ses volontés. C’est son petit script d’homme et il le suit, banalement, comme des milliers de milliers d’hommes. Bébé est folle de Doudou et trouve tout ça normal. C’est son petit script à elle, la docilité et la compréhension toute féminine. Les situations ici sont tellement éculées qu’on ne se méfie de rien. Mais, peu à peu, naviguant de l’amour à la sidération, en passant par le syndrome d’accommodation à la douleur, par les larmes et la peur qui deviennent routine, Bébé finit par réaliser l’emprise.  Finira-t-elle par se défaire du fardeau mortifère d’être une femme soumise aux désirs et à la jalousie d’un homme – que l’on confondu si souvent avec l’amour ? Et si Bébé quittait Doudou, pourra-t-il l’accepter ? Si Doudou ne peut pas vivre sans Bébé, la laissera-t-il vivre sans lui ? La laissera-t-il vivre ? La laissera-t-il seulement en vie ?

# data[].attributes.attachment_link.description
Né en 2010 de la rencontre du comédien et metteur en scène Erwan Daouphars avec l’autrice et comédienne Solenn Denis

# data[].attributes.attachment_link.title
Dans les coulisses avec Philippe Quesne | Spectacles vivants | Centre Pompidou

# data[].attributes.attachment_link.title
« Le Jardin des délices » / Philippe Quesne

# data[].attributes.body
Philippe Quesne est né en 1970. Scénographe et metteur en scène. Après des études d'arts plastiques à l'École Estienne et aux Arts Décoratifs de Paris, il développe une esthétique où le visuel est dominant ce qui l'amène à réaliser des expositions d'art contemporain à créer des performances dans des galeries d'art ou dans des sites naturels. Il intervient aussi dans différents domaines : projections d'images pour des spectacles ou des concerts, créations de bande-sons, graphisme, réalisation de films vidéo, etc. Il réalise à partir de 1992, de nombreuses scénographies pour des spectacles de théâtre, notamment avec Robert Cantarella, et des opéras. En 2003, il fonde la compagnie Vivarium Studio pour concevoir et mettre en scène son premier spectacle La démangeaison des ailes,

# data[].attributes.attachment_link.title
Faire feu de tout bois, avec Philippe Quesne, Émilie Monnet et Pauline Bayle

# data[].attributes.attachment_link.description
Entretien avec Philippe Quesne qui présente cette année en Avignon, son “Jardin des délices” d’après l’œuvre du peintre Jérôme Bosch, suivi d’une discussion avec Émilie Monnet qui met en scène “Marguerite : le feu”, puis avec Pauline Bayle pour ”Écrire sa vie”, d’après l’œuvre de Virginia Woolf.

# data[].attributes.attachment_link.title
AEF2023 | ΘΕΑΤΡΟ • Philippe Quesne – Ο Κήπος των Ηδονών | Trailer

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Armé d'une nouvelle traduction à l'os éclatante de modernité et d'une distribution de haute volée riche de son éclectisme, le metteur en scène Thibaud Croisy livre une version rénovée, et brillante, de l'ultime chef-d'oeuvre de Federico García Lorca.

Et soudain, un éclat de rire enraya le glas. Long, franc, massif, de ceux, difficilement contrôlables, qui traduisent bien davantage qu'une simple réaction amusée, il provient de la servante assise là, au pied d'une chaise, claquemurée dans la maison de Bernarda Alba. Alors que la maîtresse des lieux enterre son second mari, avec ses cinq filles à sa suite, l'une de ses domestiques se marre, sans autre forme de culpabilité, comme si elle voulait braver ces cloches qui lui " cassent la tête " et contrecarrer, à travers elles, la religiosité et le malheur qu'elles charrient. Ainsi s'ouvre la mise en scène que Thibaud Croisy propose du chef-d'oeuvre de Federico García Lorca, par la matérialisation d'un écart qui, en plus d'être lui-même polymorphe, n'est que le premier d'une très longue série. Car, comme il avait déjà su le faire au long de sa formidable adaptation de L'Homosexuel ou la difficulté de s'exprimer de Copi, l'artiste va s'employer à dénicher et exploiter brillamment les nombreuses failles et autres interstices de l'ultime pièce du dramaturge espagnol, avec la belle et ferme intuition que, dans La Maison de Bernard Alba, les micro-ouvertures, invisibles aux yeux de la marâtre, sont tout aussi, voire plus importantes que les hauts murs qui retiennent ces femmes prisonnières - plus ou moins volontaires, à l'image des deux bonnes qui pourraient prendre la poudre d'escampette -, que les barreaux de la cage sont aussi structurants que l'air qu'ils laissent passer, que sous l'entreprise de glaciation imposée par la mère-tyran couve un feu ardent, vital, impossible à éteindre, et bientôt à contenir.

À l'instar de nombre de geôliers, aveuglés par leur autoritarisme et ivres de leur pouvoir de disposer de la liberté des autres comme bon leur semble, Bernarda ne voit rien venir. Armée de sa canne qui la retient autant qu'elle lui sert d'instrument pour exprimer son courroux, la marâtre est convaincue que la terreur qu'elle fait régner sous son toit suffira à préserver son honneur, qui passe par celui de ses filles. Toutes les cinq célibataires alors que, dans cette Espagne à l'aube du franquisme, elles ont plus que passer l'âge de convoler en justes noces, elles sont retenues contre leur gré entre ces quatre murs, condamnées à broder, dormir et dîner pour l'éternité. Du dehors, elles ne reçoivent a priori que des bribes, des sons - à l'image du chant des moissonneurs - et des images, qu'elles captent en regardant par la fenêtre ou à travers les trous du portail. Autant d'éléments qui, aussi chiches soient-ils, alimentent la machine à fantasmes et nourrissent le réacteur du désir, qui n'aime rien tant que les projections qui permettent d'enjoliver le réel, et les hommes qui le composent. Car, dans cette maison de femmes, il n'est, en définitive, (presque) question que d'hommes, de pulsions, et même parfois d'enfants - comme lors de la divagation versifiée de la grand-mère María Josefa qui déboule en pleine nuit avec une brebis dans les bras. D'hommes et surtout d'un homme, Pepe le Romano, l'un des plus beaux de la région, que l'aînée et la plus laide des cinq soeurs, Angustias, pourrait épouser grâce à l'héritage que lui a laissé son père. À ceci près que, loin de se réjouir dans un potentiel élan sororal, les autres membres de cette fratrie féminine, chacune à leur endroit et avec leurs raisons propres, persiflent sur son compte et tentent de lui mettre des bâtons dans les roues, jusqu'à transformer la maisonnée en nid de vipères aussi venimeux que mortifère.

En s'emparant de la pièce de Lorca, Thibaud Croisy n'en livre pas une vulgaire version de plus, fondée sur une cohorte féminine où, comme à l'habitude, et selon les désirs de son auteur, le noir le dispute au blanc, et inversement, mais en propose ni plus ni moins qu'une vision nouvelle. Bien conscient que tout dans ce chef-d'oeuvre passe, comme chez Tchekhov, par la langue, et par sa très haute capacité de subversion, le metteur en scène s'est d'abord employé, avec l'aide de son fidèle complice Laurey Braguier, à lui offrir une nouvelle traduction. En ressort un texte éclatant de modernité, où le prosaïque contamine constamment le poétique, où la crudité, et parfois la vulgarité, des mots traduisent l'ardeur des maux et la brutalité des actes. Surtout, Thibaud Croisy, qui a nécessairement décortiqué le texte à la virgule près, ressort de cette expérience de traduction en expert, capable de faire reluire chaque détour du substrat dont il s'empare, d'en détecter la moindre variation, de capter le moindre sous-entendu, et surtout de nous les faire parvenir. Comme rarement. Habituellement traitée comme une pure tragédie, La Maison de Bernarda Alba se transforme alors, sous sa houlette, en un drame véritable, où si l'implacable et terrible fin influence nécessairement toute la trajectoire dramaturgique, l'humour sait aussi se faire une place, y compris, et surtout, dans ses acceptions les plus noires. En ressort un spectacle doté de soupapes, mais tendu comme une arbalète, qui, ne se satisfaisant ni du noir ni du blanc, s'installe dans une zone de gris éminemment féconde, où le réalisme et le mythe se poussent étonnamment du col pour accoucher d'un ensemble à la théâtralité assumée et à l'étrangeté captivante.

Cette réussite, Thibaud Croisy la doit évidemment à sa lecture, mais aussi à son geste et à ses partis-pris aussi audacieux que caractérisés de mise en scène. Tandis que le dépouillement de l'élégante scénographie de Sallahdyn Khatir, où les colonnes creuses qui entourent le plateau, et paraissent soutenir la maison, peuvent aussi avoir l'allure de barreaux, permet aux subtiles lumières de Caty Olive de produire leurs pleins effets et au texte de Lorca de se déployer dans sa plénitude, la distribution de haute volée que l'artiste a réunie pour l'occasion brille par son talent autant que par son éclectisme. Là où, habituellement, les metteuses et metteurs en scène qui s'emparent de La Maison de Bernarda Alba cherchent de jeunes actrices aux traits gémellaires pour incarner les membres du quintette féminin, Thibaud Croisy fait le choix inverse et opte pour des comédiennes ( Elsa Bouchain, Charlotte Clamens, Céline Fuhrer, Michèle Gurtner, Emmanuelle Lafon, Helena de Laurens, Lucie Rouxel, Laurence Roy et Hélène Schwaller), et un comédien, Frédéric Leidgens, qui met toute la puissance atypique de son jeu au service de la duale et retorse Poncia, dotée d'une réelle hauteur de vue, de générations différentes et aux physiques bien distincts. Plutôt que les décalques les unes des autres, les femmes apparaissent alors dans toute leur singularité - redoublée par les beaux costumes symboliquement hauts en couleur d' Angèle Micaux -, conforme à celle que Lorca leur a, à chacune, accordée, et échappent à toute vision stéréotypée - d'autant que leur âge moyen globalement plus mûr que celui de leurs personnages renforce encore la cruauté de la situation. Ensemble, et sous la direction particulièrement précise de leur metteur en scène, ces interprètes de caractère font de La Maison de Bernarda Alba un lieu littéraire où, si la folie, parfois vectrice de véracité, menace de tout emporter, le rêve et le désir deviennent des forces aussi indomptables qu'ambivalentes, en mesure, tout à la fois, et dans un même mouvement, de percer les murs et de creuser des tombeaux, d'effleurer l'amour et de précipiter la mort.

Vincent Bouquet - www.sceneweb.fr

La Maison de Bernarda Alba
Texte Federico García Lorca
Traduction Thibaud Croisy, Laurey Braguier (L'Arche éditeur)
Mise en scène Thibaud Croisy
Avec Elsa Bouchain, Charlotte Clamens, Céline Fuhrer, Michèle Gurtner, Emmanuelle Lafon, Helena de Laurens, Frédéric Leidgens, Lucie Rouxel, Laurence Roy, Hélène Schwaller
Scénographie Sallahdyn Khatir
Lumière Caty Olive
Costumes Angèle Micaux
Son Manuel Coursin
Collaboration artistique Élise Simonet
Régie générale Thomas Cany
Régie son Romain Vuillet
Régie plateau Maureen Cléret

Production Association TC
Coproduction T2G - Théâtre de Gennevilliers, Centre dramatique national ; La Filature, Scène nationale de Mulhouse ; tnba - Théâtre national Bordeaux Aquitaine ; Le Quai, Centre dramatique national d'Angers ; Les Bords de Scènes - Grand-Orly Seine Bièvre
Avec le soutien de la Fondation d'entreprise Hermès
Action financée par la Région Île-de-France
Avec la participation artistique du Jeune Théâtre National
Durée : 1h50 Vu en mars 2026 à La Filature, Scène nationale de Mulhouse

# data[].attributes.attachment_link.title
Avec " La Maison de Bernarda Alba ", Thibaud Croisy fait jaillir le feu sous la glace

# data[].attributes.attachment_link.description
Armé d'une nouvelle traduction à l'os éclatante de modernité, Thibaud Croisy livre une version rénovée, et brillante, du chef-d'oeuvre de Federico García Lorca.