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Sala de Arte Bancolombia / Octubre 27, 2023

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Sala de Arte Bancolombia / Octubre 27, 2023

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Museo de Arte Miguel Urrutia / Noviembre 10, 2023

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Museo de Arte Miguel Urrutia / Noviembre 10, 2023

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Iglesia Museo Santa Clara / Noviembre 3, 2023

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Iglesia Museo Santa Clara / Noviembre 3, 2023

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La belleza de los espacios crea una atmósfera única para la contemplación del arte.

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The Night Watch

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

1642

363 cm × 437 cm

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Rijksmuseum

Amsterdam (1800)

El Rijksmuseum es el Museo Nacional de Ámsterdam. Este museo alberga la colección más famosa de pinturas del Siglo de Oro neerlandés, así como también valiosas colecciones de arte asiático y egipcio.

El edificio del Rijksmuseum exhibe una arquitectura que combina elementos góticos y renacentistas. Esta fusión de estilos arquitectónicos demuestra el paso del tiempo en el edificio. Ademas, parece que la fachada del edificio esta construida con materiales característicos de la región. Esta escogencia de materiales ademas de los techo a dos aguas se mezclan con el contexto que lo rodea.

De esta manera, considero que el museo no solo es un contenedor de grandes obras de arte si no que él mismo hace parte de la historia de los Países Bajos.

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El cisne amenazado

Jan Asselijn (1650)

pintura al óleo

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Self-Portrait with Grey Felt Hat

Vincent van Gogh (September-October 1887)

oil on cotton, 44.5 cm x 37.2 cm

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Alias: los otros nombres

Camilo Restrepo (2020)

Instalacion de arte

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Alejandro Obregon

La melancolia

Pintura de las libelulas del poema de Jose Asuncion Silva.

Las libelulas estan en movimiento, genera una pintura abstacta con mucho dinamismo.

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Sin nombre

Guillermo Wiedemann (1964)

Oleo sobre tela

Hojas de papel de diferentes colores conforman la composicion del alma.

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La Nana

Ignacio Gomez Jaramillo (S.XX)

Oleo sobre madera

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Anunciata Verde

Alejandro Obregon (1970)

Acrilico sobre madera

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Los Desposorios de Maria y Jose

Baltasar de Vargas Figueroa (S.XVII)

Oleo sobre tela

Anunciata Verde

Alejandro Obregon (1970)

Acrilico sobre madera

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Marina

Alvaro Herran (1978)

Oleo sobre tela

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Los Girasoles

Fernando Botero (1963)

Oleo sobre tela

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Retrato hipotetico de Isabel en su tocador

David Manzur (S.XX)

Carboncillo sobre papel

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Dolor colectivo y lo ridiculo de la violencia tan cotidiana.

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El Arte Abstacto

Es aquello que representa algo de la imaginacion (un sabor, un sentimiento, el alma, lo etereo)

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“Y tu sombra
Fina y lánguida,
Y mi sombra
Por los rayos de la luna proyectada,
Sobre las arenas tristes
De la senda se juntaban,
Y eran una,
Y eran una,
Y eran una sola sombra larga
Y eran una sola sombra larga
Y eran una sola sombra larga….
[...]
¡Oh las sombras de los cuerpos que se juntan con las sombras de las almas!...
¡Oh las sombras que se buscan en las noches de tristezas y de lágrimas!...”

- José A. Silva, primera versión de Nocturno, 1892.

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Torres Atrio

Bogotá (2019)

Las Torres del Atrio en Bogotá son un diseño arquitectónico de Richard Rogers y Giancarlo Mazzanti. La arquitectura se reconoce por su estilo tecnológico y futurista. Estas torres están ubicadas cerca del centro histórico de la ciudad, sobre la calle 26, frente al Cementerio Central. Se caracterizan por tener un primer piso permeable y comercial, donde se encuentran numerosas galerías de arte y salas de exposición, incluyendo la Sala de Arte de Bancolombia.

Al entrar al espacio, inicialmente pensé que solo habría obras contemporáneas, ya que eso es lo que sugiere la arquitectura. Sin embargo, al visitar las Salas de Arte de Bancolombia, me di cuenta que el espacio exhibía obras del siglo XX, ya que en la entrada estaba un cuadro de Alejandro Obregón.

Me llamó mucho la atención la decisión de los curadores de tener una sala de exposición temporal y otra permanente, donde en una se presentan obras contemporáneas y en otra obras de artistas del siglo XX, como Obregón, Botero y Manzur, entre otros. Esta división de los espacios de exhibición permite un recorrido más completo por el arte colombiano.

En el área dedicada a las obras del siglo XX, me pareció interesante que las piezas no estuvieran organizadas cronológicamente, sino por temáticas, como el alma, los sentimientos, etc..

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Propuesta concurso de arquitectura

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Museo d'Orsay

Paris (1986)

El Museo d'Orsay fue originalmente una estación de trenes y un hotel construidos en 1900. Los trenes de la estación eran eléctricos, lo que permitió que el arquitecto cerrara por completo la estación. La arquitectura y sus interiores se conservaron. Sin embargo, la estación dejó de funcionar en 1930 debido a la necesidad de rieles más grandes para los nuevos trenes. En la década de 1970, se comenzó a considerar este lugar como un potencial museo. Se llevó a cabo un concurso de arquitectura en el cual la firma ACT ganó y fue encargada de la renovación de esta estación. El museo se inauguró en 1986 como el primer edificio industrial restaurado convertido en museo.

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Dance at Le Moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir (1876)

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Olympia

Édouard Manet (1863)

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The Ballet Class

Edgar Degas (1871 - 1874)

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Poppy Field

Claude Monet (1873)

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Gleaners

Jean-François Millet (1857)

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Van Gogh's Bedroom in Arles

Vincent van Gogh (1889)

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The Bellelli Family

Edgar Degas (1858 - 1869)

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Breton Women with Umbrellas

Émile Bernard (1892)

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The Magpie

Claude Monet (1868 - 1869)

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The siesta (after Millet)

Vincent van Gogh (1890)

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La Celosia

Desde donde las monjas rezaban. El coro superior e inferior sepan a las monjas (las monjas de abito negro o blanco).

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El retablo rojo que se puede ver a traves de todo el museo no es el original. En esta foto se puede ver un mural original el cual fue recubierto para asemejar lo que la gente piensa que era la arquitectura colonial.

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Vision Mistica de Santa Teresa

Comparacion con el Extasis de Santa Teresa

Estaba ingiriendo plomo por lo tanto tenian muchas visiones

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San Guillermo Aquitaneo

Desconocido (S.X)

Rey, soldado, militar

Patron de los herreros

Unico cuadro en Latino America de este santo

San Guillermo Aquiteneo se ve vestido con su abito lo cual lo identifica como un santo. Sin embargo, esta juxtapuesto con la armadura en la parte superior de su cuerpo.

Al lado izquierdo del cuadro se puede ver un duablo con 3 mujeres de estan arrastando a una figura (San Guillermo).

En el lado derecho se puede ver una cueva donde San Guillermo se encontro con Cristo (milagro).

Este cuadro, como muchos de esta epoca cuenta el relato completo del santo al cual se esta retratando. Esto me parece algo curioso ya que sintetiza todos la vida de una persona para que la gente pudiera entender a quien le estaba rezando.

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Santa Rosa de Lima

Uno de los cuadros en la parte superior es el de Santa Rosa de Lima. Sin embargo, cuando fue restaurada se dieron cuenta que parecia no concordar con esta santa ya que la nina que se ve en el cuadro tiene varias joyas y ademas era demasiado joven. De esta manera, se dieron cuenta que se podia tratar de Antonia Pastrana Cabrera (nina de 15 anos) pero la habian repintado para que fuer Santa Rosa de Lima.

Esto por lo tanto me parecio una cosa muy curiosa. Como en la epoca Colonial debido a la escases de los recursos reutilizaban muchos cuadro (o esculturas) para lo que se necesitaba en el momento.

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Pulpito

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Civil War Poster, 39

Unknown (1937 - 1938)

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The Musician's Table

Juan Gris (1926)

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It is Dawn in Spain / Civil War Poster, 124

Unknown (1935)

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Franco's Spain has Arrived / Civil War Poster, 58

Unknown (1939)

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The Open Window

Juan Gris (1921)

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Women Soldiers

Unknown (1936)

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Forces of the Spanish Government Crossing the Ebro

Unknown (1938)

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Museo Reina Sofia

Madrid (1992)

El Museo Reina Sofia era un antiguo hospital, el cual se adecuo para ser el museo a partir de unas adiciones de torres de vidrio que contienen los ascensores y otras amenidades. Adicionalmente, el museo tenia como proposito recoger gran parte de obras espanolas. Por lo tanto las obras estan organizadas a partir del nacimiento de Picasso. Un dato curioso de este museo es que el museo no organiza cronologicamente las obras de arte, si no que organiza la coleccion a partir de criterios tematicos.

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Guernica

Pablo Picasso (1937)

Oleo sobre lienzo 349x776cm

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Sueno y mentiras de Franco

Pablo Picasso (1937)

Grabado y aguafuerte (NYC)

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Bombardeo a la poblacion vasca Guernica por parte de las fuerzas areas alemanas e italianas el 26 de abril de 1937

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Mujer llorando

Pablo Picasso (1937)

Oleo sobre lienzo

60x49cm

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Bombardeo y tanque

Jose Clemente Orozco (1940)

Pintura al fresco

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En este clautro se puede ver mas la arquitectura del hospital.

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La Guerra Civil Espanola

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Autorretrato

Rembrandt (1628-1629)

Oleo sobre panel

18x22cm

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The love letter

Johannes Vermeer (1969)

Oleo en lienzo

44x38.5 cm

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La Pequena Calle

Johannes Vermeer (1658)

Oleo sobre lienzo

44x54cm

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Forma y figura

La única figura en el cuadro es la cara de un hombre (Rembrandt), fácilmente distinguible debido a que este cuadro busca asemejarse a la realidad. De este modo, las formas presentes en la obra son todas orgánicas para aumentar el realismo.

Rembrandt utiliza sfumato para crear la ilusión de volumen. Esta técnica, crea contornos poco definidos a partir del uso de múltiples capas delgadas de pintura.

Adicionalmente, se puede ver el uso de claroscuro al tener un contraste entre luz y sombra en la cara del sujeto.

Color

La paleta de colores se compone principalmente de tonos cálidos y cafés, con una saturación baja para reflejar la realidad.El lado izquierdo de la cara está iluminado, en este segmento los colores son más saturados y claros (el rojo de los cachetes). El resto de la cara se mantiene en la penumbra y por lo tanto los colores son de tonalidades más oscuras pero aún cálidas (cafés). Los colores que se encuentran son complementarios, no se utiliza el color para crear contraste sino para representar la realidad.

Enfasis

El énfasis de la obra es la cara del hombre, determinado por el encuadre y la luz. La cara ocupa la mayoría del espacio del lienzo, destacándose contra un fondo plano de un solo color que no compite por la atención del espectador. La composición es asimétrica, con un mayor peso visual en el lado izquierdo. Así mismo,  se entiende que el rostro es de gran importancia debido a la luz que está apuntando hacia él.

Balance, Simetría, y Énfasis

El cuadro se trata de una autorretrato de Rembrandt, por lo tanto el énfasis de la obra es la cara del artista. El encuadre que el artista escoge para su autorretrato es de ‘busto’ con su cara en un primer plano y sus hombros inclinados hacia adelante. Adicionalmente, el artista crea un fondo de un solo color lo cual no interfiere con la lectura del rostro y nuevamente resalta su importancia al ser la única figura en el lienzo.

La obra tiene un balance asimétrico, con mayor parte del peso en el lado izquierdo. La cara está ubicada en el centro de la obra con los hombros en el recuerdo izquierdo inferior.

La iluminación crea un énfasis en la cara, iluminando el lado izquierdo del rostro mientras que deja el resto en la penumbra. Sin embargo, el lado derecho que se mantiene en la penumbra permite ver ciertos rasgos como la nariz y los ojos.

Reflexion

Considero que la importancia de esta obra va más allá de la técnica y maestría de Rembrandt sino de su habilidad para transmitir emociones. La cara de Rembrandt transmite una profunda introspección y seriedad lo cual revela la manera como el artista se quería presentar al mundo pero también como él se veía.

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Lineas

La obra está compuesta por líneas orgánicas que dan forma a las figuras representadas. El artista utiliza líneas de contorno para separar las figuras humanas del fondo. Los brochazos expresivos se transforman en líneas en la obra. Por ejemplo, el vestido de la mujer a la derecha está representado por líneas de diferentes colores, que crean la sensación de una tela doblada.

Color

La paleta de colores de la obra es cálida, con la mayoría de los tonos derivados del café. Los únicos dos colores que no siguen la tonalidad café son la vestimenta de los personajes, el azul y el rosado. La vestimenta de la "nana" y del niño se destaca con tonos más brillantes, como el azul y el rosado, lo que crea un contraste visual y enfatiza la importancia de estas figuras en la escena. Estos colores seguramente fueron elegidos por su connotación de género (azul para niños y rosado para niñas). A pesar de ello, estos colores no están saturados y mantienen la armonía en el cuadro.

Balance, Simetría, y Énfasis

La obra tiene una distribución equilibrada por lo que se puede dividir la obra en dos. Al dividir la obra se puede notar un mayor peso en el lado derecho debido a la diferencia de tamaño entre las dos personas, siendo la mujer a la derecha el doble de grande que el niño a su izquierda. Sin embargo, la mirada se siente atraída hacia el recuadro izquierdo inferior, donde el niño está en una diagonal jalando a la nana. Se siente el peso de la gravedad actuando sobre el niño, quien además está en un plano más adelante que la nana.

Luz

La luz de la obra proviene de una fuente externa al recuadro del lienzo iluminando el lado izquierdo de las figuras. En especial se ilumina la cara de la “nana” resaltando su expresión y nuevamente enfatizando su importancia. La luz también se está utilizando para generar volumen en las formas.

Reflexion

La obra llamó mi atención porque no solo tiene un gran manejo de las técnicas formales, sino que también muestra una escena muy cotidiana. En este aspecto, me pareció muy interesante que el artista retratara esta escena de una manera tan humana. Los dos personajes se ven muy tranquilos y cómodos en esta escena. El artista nos invita a reflexionar sobre el valor de estas cuidadoras (nanas), una figura muy importante y  recurrente en el mundo Latino Americano que cuida de los niños pequeños.

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Linea

La obra está compuesta por líneas orgánicas que crean una atmósfera natural y armoniosa del paisaje Bretón y de las mujeres. La obra no tiene líneas de contorno que fragmentan el espacio. En cambio, la obra tiene lineas implícitas como la mirada de las mujeres al lado derecho que dirige la mirada hacia el centro (las dos mujeres sentadas). Así mismo la líneas de los paraguas y de la montaña crean un recorrido visual para el espectador y terminan redirigiendo la mira hacia las dos mujeres en el centro.

Forma y figura

Las formas en la obra son todas orgánicas lo cual está en armonía con el sujeto de la obra. Las formas orgánicas y sinuosas crean una atmósfera de tranquilidad

Balance, Simetría, y Énfasis

Al dividir la pintura en los cuatro diferentes recuadros se puede notar que la pintura tiene un balance asimétrico con las dos figuras centrales en el centro y un mayor peso en el lado derecho. No obstante, la pintura se siente balanceada debido a elementos en el fondo de la composición como también los paraguas.

Color

Émilie Bernard utiliza una paleta de colores con poca saturación y con una tonalidad baja lo cual nuevamente marca una atmósfera calmada en el cuadro. Los colores que predominan al hombre son el verde, café y gris. El paisaje tiene una combinación de colores fríos y cálidos. Solo hay un elemento de color rojo por lo cual el paraguas en el centro de la obra llama la atencion y nuevamente dirige la murada a las dos mujeres en primer plano.

Luz

La luz de la obra proviene de una fuente fuera del lienzo a mano izquierda iluminando claramente la cara de la mujer sentada. Así mismo, se puede entender esta fuente de luz debido a las sobras en el piso generadas por las mujeres. De esta manera la luz se utiliza para enfatizar la importancia de las mujeres al igual que agregar a una atmósfera cálida y de un día en el campo. Los contrastes entre la luz y la sombra también ayudan a entender el espacio.

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Linea

El cuadro de las "Visiones Místicas de Santa Teresa" está compuesto a partir de líneas orgánicas para representar las figuras humanas y las nubes, y líneas inorgánicas para la arquitectura. De esta manera, el artista no utiliza una sola línea como elemento definitorio de las figuras. En lugar de eso, hay varias líneas implícitas que guían la mirada del espectador hacia Santa Teresa, específicamente hacia su corazón.

La historia de Santa Teresa gira en torno a una serie de visiones en las que veía a Cristo. En una de estas visiones, sintió un gran dolor en el corazón, que teóricamente estaba conectado con el de Cristo. Esta escena ha sido representada varias veces en cuadros y esculturas, un ejemplo de ello es "El Éxtasis de Santa Teresa" de Bernini. Así, el artista utiliza líneas implícitas hacia el corazón de Santa Teresa, que será perforado por una flecha, siendo esta la única línea inorgánica que claramente guía la mirada. Ejemplos de las líneas implícitas en el cuadro incluyen el brazo del ángel en el cuadrante derecho inferior, la mirada de todos los ángeles en la parte superior e izquierda del cuadro, las diagonales generadas por las nubes que enmarcan a Cristo y guían la mirada hacia Santa Teresa, y finalmente, la mirada de Cristo y la conexión entre Cristo, la paloma y Santa Teresa.

Forma y figura

Las formas que se pueden encontrar en el cuadro son orgánicas. El artista utiliza la técnica del sfumato para generar volumen en las caras y en los cuerpos.

Balance, Simetría, y Énfasis

La obra es bisimétrica, con un peso similar en los lados izquierdo y derecho (exceptuando el ángel que sostiene la flecha). Los personajes más importantes de la obra están en el centro (Santa Teresa y Cristo), mientras que los ángeles rodean estas figuras por  la parte superior del cuadro. La parte inferior del cuadro es la menos pesada, ya que solo contiene elementos arquitectónicos que ayudan a crear una sensación de espacio.

Color

La obra tiene una paleta de colores oscura, con tonalidades cafés y negras. El contraste entre los valores más claros y oscuros se encuentra en la parte superior del cuadro, con el cielo siendo la zona más clara, aludiendo a algo espiritual y trascendental. El color amarillo claro que se presenta en la parte superior también se puede ver alrededor de la cabeza de Santa Teresa, indicando al espectador su santidad. Además, los colores en la obra son poco saturados, generando una atmósfera sombría y realista.

Proporción y escala

Santa Teresa es la figura más grande del cuadro, jerarquizándola como la más importante. A continuación, los ángeles a los lados de Santa Teresa son los segundos más grandes, pero el artista tomó esta decisión para generar la sensación de profundidad con Cristo en el fondo.

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La costurera

José Solana (1943)

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Sin titulo

Manuel Ángeles Ortiz (1943-1963)

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El gato y el canario

Óscar Domínguez (1947)

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La secret du cortège

René Magritte (1927)

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Tiovivo en la feria

Olga Sacharoff (1923)

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Linea

La obra está compuesta por una serie de líneas orgánicas e inorgánicas. Las líneas orgánicas se encuentran en el centro de la composición, mientras que las líneas inorgánicas que forman las ventanas y la mesa están en los costados, creando un encuadre. La ventana izquierda está inclinada hacia la izquierda, generando una diagonal que lleva la mirada hacia el centro de la mesa. Luego, la mirada recorre la diagonal creada por el mango de la guitarra hasta la ventana derecha. Esta ventana conecta la mirada de manera vertical y luego el dintel de la ventana dirige la mirada hacia la izquierda. Las formas en esta obra tienen contornos muy marcados, lo que define los límites de los objetos.

Balance, Simetría y Énfasis:

La obra es más pesada en la parte inferior debido a la distribución de objetos y líneas, creando una sensación de equilibrio visual. La guitarra en el centro de la obra se convierte en el punto de enfoque principal, destacándose por el uso del color rojo, que solo está presente una vez en toda la obra.

Color:

La obra utiliza colores con muy poca saturación, creando una atmósfera calmada y tranquila. Además, se emplean colores cálidos (marrón y rojo) y colores fríos (azul y gris) que se complementan en la composición. Los objetos con tonos cálidos están ubicados en la parte inferior del cuadro y parecen estar más cerca, mientras que los colores fríos están en el fondo o en un segundo plano. Esto sugiere una iluminación artificial (bombilla) en la habitación y la luz del sol que es más blanca y, por lo tanto, proporciona tonos más fríos. La guitarra en el centro del cuadro es el objeto más destacado debido al uso del color rojo, el cual solo aparece una vez en toda la obra.

Espacio:

El artista utiliza la superposición de elementos y su escala para crear la sensación de profundidad en la obra. Los elementos en la parte inferior de la pintura parecen estar más cerca, mientras que los objetos en la parte superior están más lejos. Además, el uso de las ventanas como marcos divide la pintura en dos planos (interior y exterior), lo que contribuye a la percepción del espacio. Por último, los objetos más grandes se encuentran en los recuadros inferiores de la obra, mientras que los objetos más pequeños están en la parte superior, como las montañas y las nubes.

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Museo de Arte Miguel Urrutia

Bogotá (2004)

El Museo de Arte Miguel Urrutia fue construido en 2004 para exhibir exposiciones de artes plásticas en Bogotá. Este museo no cuenta con una colección permanente propia pero reúne obras de la Colección de Arte del Banco de la República. El diseño del edificio fue de Enrique Triana Uribe quien recibió el Premio Nacional de Arquitectura por este diseño.

El edificio siempre me ha parecido muy interesante cuando yuxtapuesto por las casas en su entorno y la biblioteca Luis Angel Arango en su frente. El edificio es muy poco pretensioso con muy pocos elementos arquitectónicos que lo hacen sobresalir (desde el diseño a la materialidad). Sin embargo, esta es de mis cosas favoritas. El edificio no busca imponerse en el espacio sino ofrecerse para el público. La plaza en la entrada hace esto de una manera muy eficaz, siendo totalmente pública pero parte del museo. Así mismo, uno debe descender para entrar al edificio lo cual es un acto de humildad en sí mismo como también una estrategia para conservar una baja altura.