# data[].attributes.headline
Visita al Rijksmuseum el 25 de octubre de 2023

# data[].attributes.subject
Visita al Rijksmuseum el 25 de octubre de 2023

# data[].attributes.headline
Visita al Museo de Arte Miguel Urrutia el 10 de noviembre de 2023

# data[].attributes.subject
Visita al Museo de Arte Miguel Urrutia el 10 de noviembre de 2023

# data[].attributes.body
Esta es la fachada del mundialmente conocido Rijksmuseum de Ámsterdam, que alberga muchas de las obras de la colección del siglo de oro neerlandés, así como trabajos de algunos de los artistas europeos mas representativos del periodo que va entre el siglo XV y el XVII. A pesar de que fue fundado en el año 1800, no fue hasta 1885 que ocupó este conocido edificio, este palacio emblemático ubicado en el centro de La Plaza de Los Museos, diseñado con el propósito de ser el museo mas importante de los Países Bajos, por Pierre Cuypers, el famoso arquitecto holandés.

# data[].attributes.body
La fachada está llena de figuras talladas, de esculturas instaladas en sus muros, muy al estilo de La Sagrada Familia en Barcelona.

# data[].attributes.body
Todo el edificio está rodeado por hermosos jardines perfectamente cuidados, con pastos verdes y algunas esculturas.

# data[].attributes.body
Una de las particularidades más interesantes que vi durante mi visita al museo, es que este edificio gótico y renacentista conoce perfectamente las características de su ciudad; y es que Ámsterdam no se puede imaginar sin caminantes y ciclistas por todas partes. Es por esta razón que un túnel, un pasadizo, atraviesa la parte inferior de la estructura, y permite que las personas crucen atreves de él para llegar a la ciudad. Es bello pensar como indirectamente el Rijksmuseum se convierte de esta manera en las puertas de Ámsterdam y enmarca sus paisajes. Además, es por este lugar por donde está el ingreso de los visitantes, y fue por donde yo ingresé, aunque me comentaron que no fue siempre por ahí, sino hasta finalizar la restauración que hicieron entre 2002 y 2013 con la dirección de Antonio Cruz y Antonio Ortiz; dos arquitectos españoles.

# data[].attributes.body
Ya dentro del edificio confieso que tuve un golpe visual algo extraño. Todo es armónico y luminoso, con grandes tragaluces en el techo, pero es aquí cuando se ve que el cascarón no es congruente con el interior en cierta medida. La experiencia gótica no se termina, pues hay vitrales y ornamentos característicos del periodo, pero por dentro está repleto de paredes planas y blancas, concreto, muros lisos, cristal y metales grises refinados. No es un problema, pero si la imagen exterior me vendió un viaje en el tiempo al pasado, esperaba que no tuviera un interior tan permeado por el siglo XXI.

# data[].attributes.body
En esta cadena de fotografías se ejemplifica a grandes rasgos este juego entre siglos que me pareció algo confuso. Un vitral precioso junto a dos lamparas monumentales, que podría pensar que son de algún estudio de diseño europeo minimalista fundado después del 2000, no lo sé.

# data[].attributes.body
Este maravilloso edificio está dividido en dos alas centrales, lo que podría ser sencillo de entender hasta que uno está ahí dentro. El museo es monumental, antes de entrar no me alcanzaba a imaginar lo grande que era, y ya que aparenta ser tan simple creí que no necesitaría de mucha ayuda para recorrerlo, pero me equivoque.

Son dos alas, es verdad, con muchos otros espacios, pero dentro de estas alas hay una decena de cuartos, convirtiendo al recorrido en una experiencia laberíntica en la que tendrás que devolverte para poder salir de muchas de estas salas.

# data[].attributes.body
Son inmensos salones con paredes blancas, iluminación cenital con rieles de luces led que enfocan las paredes con las obras. No es muy distinto a lo que podemos ver en otro museos de Europa, pero hay un par de cosas que si se pueden resaltar, y es que este museo no es solo de bellas artes, tiene una colección de objetos maravillosa, que cuenta a detalle la historia de esta parte del mundo, su desarrollo militar, comercial y muchas de sus alianzas estratégicas con potencias como lo fue y lo sigue siendo Japón.

# data[].attributes.body
Y es que este museo se interesa por la historia de su territorio y sus tradiciones. Las pinturas que tienen son más que espectaculares y sería un delito no quedarse a ver muchas de estas por horas; como lo hicieron estos investigadores cuando escaneaban La ronda de la noche de Rembrandt, pero hay muchas otras curiosidades que me parecieron cautivadoras.

# data[].attributes.body
Curiosidad #1: Las lamparas de luz

Estas lamparas mágicas son el primer avance tecnológico que dio como resultado la proyección de fotogramas hasta llevarnos al cine que conocemos. Me parecieron preciosas esas cajas de luz con un lente de cristal pintado a mano, cada una con una imagen que contaba algo, que mostraba algo. Es una colección antigua que parece haber tenido una finalidad educativa para la gente en la época en la que se creó.

# data[].attributes.body
Curiosidad #2: Las casas de muñecas

Me comentaron durante el recorrido que estas casas de muñecas no eran creadas por niñas, tampoco para que niñas jugaran con ellas. Estas casas de muñecas eran objetos de el más alto lujo dentro de la sociedad, se hacían a escala, con la mayor perfección y cuidado, con los mismos materiales de de cada uno de los objetos que tenían dentro, y eran adquiridas por importantes familias adineradas que querían tener una representación a escala de ellos y sus formas de vida.

# data[].attributes.body
Siguiendo la misma línea de los objetos a escala, tenemos lo navíos. Estas embarcaciones estaban perfectamente ensambladas, idénticas a los que surcaban los mares; y es que los artesanos se dedicaron a replicar cada detalle, por muy pequeño que este fuera.

# data[].attributes.body
Es una locura

# data[].attributes.body
Curiosidad #3: Las maquetas de asentamientos

No sé si se puedan llamar asentamientos, pero los habitantes de esta parte del mundo estaban tan encantados con las miniaturas que hicieron incluso maquetas de sus ciudadelas comerciales en Japón y otros países con los que tuvieran relaciones comerciales y puertos de comercio.

# data[].attributes.body
Curiosidad #4: La biblioteca

Amo los libros y sueño con tener algún día una biblioteca esplendida, pero la de el Rijksmuseum es incomparable, te deja sin voz cuando entras.

# data[].attributes.body
A continuación hablare de la pintura que me pareció más emblemática por su relación histórica con el Rijksmuseum, pues dar este recorrido me dejó como mensaje algo importante: el Rijksmuseum no es Rembrandt y Vermeer.

# data[].attributes.body
Napoleón Bonaparte se autoproclamó emperador al tomar poder absoluto de las fuerzas militares y políticas de Francia tras la revolución. Dentro de esta espiral expansionista nombró a sus tres hermanos reyes de distintos territorios del nuevo Imperio Napoleónico; a Louis lo proclama Rey de Holanda, y lo deja a cargo de esta noción.

Menciono que este cuadro tiene un valor histórico que se entrelaza con con la historia del museo, pues es el Rey Louise de Holanda quien ordena que la entonces conocida como Galería Nacional de Arte de el Palacio de Frederik Hendrik en Huis ten Bosch, sea trasladada a Ámsterdam para ocupar el Palacio Real y convertirse en el Rijksmuseum. Pero eso no es todo, dentro de las adquisiciones que se hicieron en los años en los que el Rey Louis Napoleón estuvo en el poder, está La ronda de noche de Rembrandt, la que hoy en día es la pintura más preciada de toda la colección; también la más explotada por el museo.

# data[].attributes.body
Este es un retrato del Rey de Holanda, Louise Napoleón. Un contraposto poco marcado, pero notorio por como adelanta su pie izquierdo y reposa todo el cuerpo en la pierna derecha. Él está en el primer plano, detrás no tiene nada que compita con su imagen; es un paisaje sereno, un atardecer rojizo con un par de montañas, praderas verdes y un cielo azulado que se está haciendo oscuro. La dirección del espectador se reparte tanto a la izquierda, que es la dirección hacia la que mira el personaje, como para la derecha, que es la dirección que señala con su mano; una mano sin guante, pues es esta la de la enunciación y no con la que desenvaina su espada, que si lleva guante.

El hombre es un militar condecorado. Lleva puesto su uniforme con dos distinciones sobre el pecho, del lado del corazón. Los colores de los uniformes en el ejercito napoleónico siempre tienen alguna connotación, y ya que este es parecido al de Napoleón pero con el frente de la chaqueta rojo y no azul, me imagino que tendrá que ver con su rango militar, evidentemente inferior al del emperador, pero por encima de los demás miembros del ejercito. El mango de su espada está ornamentado con oro, así como los botones de su chaqueta, sus hombreas y la correa de su sombrero, lo que podría indicar también su estatus social. Su figura está construida a partir de sfumato, sin mostrar lineas marcadas de dibujo, y claroscuro, construyendo volumetría a partir de contrastes de luz. Es por esto por lo que se ve tan real, tan natural. Las texturas de la ropa están espléndidamente pintadas, incluso podemos ver la musculatura de su gemelo izquierdo haciendo tensión con la tela del pantalón.

La paleta de color que usa Hodges se limita a tonos fríos con baja saturación, con armonías no muy arriesgadas y una iluminación que parece venir del frente del Rey, haciendo que sobresalga su cuerpo del cuadro. Los colores más brillantes a la vista podrían ser el rojo de la chaqueta y el azul munsell de la cinta que lleva bajo el uniforme. La perspectiva no es muy notoria, no parece que existan líneas que marquen la naturaleza de las formas de los objetos, pero si hay un ejercicio de disminución de tamaña de las cosas que están mas lejos, y de escala, con el masivo encuadre que tiene el personaje en el primer plano. La pintura se compone de una forma sencilla, con el personaje al centro, ocupando la mayor parte del espacio, creando equilibrio con sus extremidades y la dirección de su mirado. Un dato interesante es que la mayoría de las linias naturales de su cuerpo, de su ropa, la dirección de su mano de enunciación, de su pierna y pie derechos, así como su sombrero y la cinta azul munsell van de arriba hacia abajo, de izquierda a derecha del cuadro, creando un flujo de líneas con dirección a la parte inferior derecha de la pintura. Así mismo, si dividimos el fondo en dos partes, la superior la ocupa el cielo, casi en el mismo porcentaje que las praderas verdes ocupan la parte inferior.

https://www.rijksmuseum.nl/en/search/objects?p=1&ps=12&f.hnrCode.section.sort=19th+Century&f.hnrCode.hall.sort=1.12%3a+1815%3a+Waterloo+and+king+Willem+I&ondisplay=True&st=Objects&ii=7#/SK-A-653,7

# data[].attributes.headline
Visita a la sala de Arte Bancolombia en el edificio Atrio el 27 de octubre de 2023

# data[].attributes.subject
Visita a la sala de Arte Bancolombia en el edificio Atrio el 27 de octubre de 2023

# data[].attributes.body
Este es el frente del edificio Atrio de Bancolombia. Me parece importante empezar mencionando que este es un complejo de oficinas administrativas y locales comerciales que no tuvo como propósito albergar dentro de sus instalaciones alguna sala especial con obras de arte con acceso público, pero me da mucho gusto que así sea. El 18 de enero del 2022, Bancolombia abrió las puertas a la nueva Sala de Arte Bancolombia, espacio en el que exhiben hasta el día de hoy, más de 350 piezas de arte colombiano, ocupando 1.400 metros cuadrados de espacio, pero eso no es todo. En colaboración con entidades como el MAMBO o la Cámara de Comercio de Bogotá, atreves de Artbo, han organizado un cronograma de exposiciones itinerantes que me parecieron en su momento, más que buenas.

Teniendo esto claro, creo que la fachada del edificio no se puede juzgar con los mismos lineamientos que a los museos, ya que este edificio no tiene este propósito, sin embargo me parece que no se aleja su estructura de algo que podríamos ver en algunos museos de arte moderno y contemporáneo a nivel mundial. Diseñado por Richard Rogers y Giancarlo Mazzanti, este edificio es más que nada vidrio y acero, replicando estéticas de grandes rascacielos, de urbes inmensas y capitales financieras, como podría ser Nueva York.

# data[].attributes.body
La entrada ya se asemeja a una galería, con su característica iluminación direccionada desde el techo, sus espacios blancos, su normalizada estructura de White cube tan conocida por la mayoría. Te recibe una puerta de cristal y una inmensa pintura de más de ocho metro, Sombra larga y música de alas de Alejandro Obregón, la cual está en el centro del recorrido. Para la izquierda, la colección de piezas de la sala, para la derecha, un luminoso espacio dispuesto para exposiciones itinerantes y propuestas curatoriales.

# data[].attributes.body
Confieso desde ahora que el espacio de exposiciones temporales fue el que más llamó mi atención, ya que me preocupa que las salas que exhiben grandes colecciones se estanquen y terminen sin ser muy propositivas por su carácter de "protectoras del patrimonio colombiano" dejando a un lado lo que se hace hoy y enfocando sus esfuerzos en lo que hicieron las grandes maestras y los grandes maestros del pasado. Todo está muy bien pensado, bien iluminado, es un cuadrado gigante que podría fácilmente ser habitado por todo tipo de propuestas.

# data[].attributes.body
Mi experiencia fue fantástica y estuvo llena de sorpresas que en verdad no esperaba. Lo que más puedo resaltar de la sala en la que se exhibe la colección permanente, es su propuesta curatorial. El equipo que trabajó en la curaduría del espacio fue más que propositivo, jugó contra la corriente normal de lo que se debe hacer en un espacio institucional de cultura y dividió la sala en siete espacios, dentro de los cuales están las obras interrelacionadas entre si por medio de temas e historias. No es un orden cronológico con fichas técnicas y ya está, es casi como una narrativa literaria e histórica que nos cuenta el desarrollo de las bellas artes en el siglo XX. Los nombres de cada una de las secciones también me encantaron:

Narrar el alma, con obras abstractas que no tienen una sola lectura y que representan simbología variada, representan cosas que no se pueden describir o identificar entre líneas, sino más bien entre preguntas.

Narrar el ser, con obras desde lo colonial hasta lo contemporáneo, en su mayoría retratos, que nos muestran la representación de la identidad con el paso del tiempo.

Narrar la tierra, compuesta por paisajes de distintos autores en distintos formatos, creando una conexión entre la identidad y el territorio, contando también historias desgarradoras de violencia y soledad.

Narrar el agua, un conjunto de temáticas que se unifican por medio de elementos relacionados al mar, como los animales, los colores y las historias de cada una de las pinturas.

Narrar el aire, llena de simbología, remite a la idea de movimiento con pinturas figurativas con técnicas variadas, y esculturas abstractas poco convencionales.

Narrar el fuego, podría ser la más directa de todas las secciones, mostrando pinturas que tienen a este elemento como símbolo, y al color rojo como alegoría de pasión, violencia, guerra y cambio.

Narrar la gloria, es la última, una sala dentro de la sala, con un telón rojo que cubre todo su interior, imágenes de libertadores y de nuevo, una pintura gigante de Alejandro Obregón. Todo esto en conjunto nos incita a pensar en Colombia con un mensaje patriótico entre discursos y monumentos.

# data[].attributes.body
Yo diría que hay una sección más que permea todo el recorrido con una obra en video, una instalación audiovisual en casa una de estas paradas, que me pareció estimulante y nuevamente propositiva, abriendo las puertas a los nuevos medios, al arte electrónico, al video, lo audiovisual que incluso en un futuro podría ser una carta de invitación para el performance en este espacio que, a pesar de todo, sigue siendo muy clásico.

La obra proyectada se titula Geografía del detrimento (agua, aire, tierra, fuego) de la artista Bárbara Santos. Es una instalación audiovisual compuesta por cuatro videos en HD creada en 2021.

# data[].attributes.attachment_caption
El sombrero de rosas - Enrique Grau - 1963 - óleo sobre tela

# data[].attributes.attachment_caption
Ángel labrador - Gonzalo Ariza - 1941 - Témpera sobre papel 

# data[].attributes.attachment_caption
Tapete - Rodrigo González - 1994 - Serigrafía sobre papel 

# data[].attributes.body
A continuación hablaré de la obra que más llamó mi atención durante el recorrido de la Sala de Arte Bancolombia

# data[].attributes.attachment_caption
Bodegón con mandolinas - Fernando Botero - 1961 - Óleo sobre tela 

# data[].attributes.body
La historia de esta pintura siempre me pareció cautivadora. Se dice que Fernando Botero, tras ganar el primer puesto del XI Salón Nacional en 1958, se fue del país a conocer la que entonces era la pintura más famosa del mundo, la Guernica de Pablo Picasso. Influenciado por el estilo del pintor español, Botero trabajo arduamente, con rigor, para encontrar su tan característico estilo. Esta pintura podría ser la más importante de Fernando Botero, ya que fue aquí, que descubrió lo que lo haría tan famoso: la alteración de los volúmenes. Dicen que accidentalmente dispuso el orificio de la mandolina, la boca, muy arriba, casi tocando el mástil del instrumento, además, pintó tan pequeño el orificio que era irreal. Para sorpresa del pintor este pequeño gesto logró alterar toda la volumetría de la pintura, logrando que el instrumento se viera "obeso", más ancho, como inflado. Desde ese momento, Botero no dejó de jugar con la percepción del espectador, y logró desarrollar uno de los estilos más reconocibles en el presente, el conocido boterismo.

Botero en esta pintura toma el camino más gestual y expresivo, dando pinceladas largas, rápidas y algo bruscas. Construye las figuras de su pintura con bloques, con manchas notorias, sin difuminar nada. No hay mucho volumen, es una representación plana de una especie de bodegón pobre, con colores opacos. Es una pintura sucia, marrón en su mayoría, con algunos tonos de azul en el fondo, blanco en lo que parece ser una sabana, y rosado en lo que aparenta ser la espalda de una mujer. Esta es la época más pobre por la que pasó el artista, obligándolo a usar los pocos pigmentos que tenía, los más baratos que se conseguían, y representando escenas de su desamparada cotidianidad.

La composición es un cuadrado con un flujo de líneas de izquierda a derecha. Es una unidad marrón de elementos llevados a la exageración, desproporcionados, que enmarcan de una u otra forma a la mandolina. Considero que el flujo de elementos y el color hacen que la imagen pese más a la derecha, creando un desbalance visual que se armoniza con el bloque tan pesado que representan los dos pescados sobre la bandeja, en primer plano, con pocos valores de grises o cafés, siendo pinceladas robustas de negro y marrón en su mayoría. Se construye un balance asimétrico al final entre los elementos más pesados y la superposición de los otros, así como entre la parte izquierda, que es oscura y la derecha, que parece estar iluminada por una estela de luz.

No creo que se pueda hablar de perspectiva en esta pintura. Está construida en un espacio bidimensional ilusorio, en el que los elementos no siguen una lógica de proporciones y parecen ser vistos desde arriba y desde el frente al mismo tiempo. Adicionalmente, el juego de proporción de Botero le permite pintar una mesa en la que dos pescados son más grandes que una mandolina, y un par de manzanas más grandes que la cabeza de una mujer.

# data[].attributes.headline
Visita al Museo de Orsay el 01 de noviembre de 2023

# data[].attributes.subject
Visita al Museo de Orsay el 01 de noviembre de 2023

# data[].attributes.body
Paris es conocida por ser entre muchas cosas, una de las capitales más representativas de la historia, y por ser desde hace tiempo, uno de los centros artísticos más importantes, junto a Florencia, Nueva York y Helsinki. Pensado para ser la unión cronológica del Museo del Louvre y el Centro George Pompidou, el Museo de Orsay comprende la época que va de la Revolución Francesa hasta la Primera Guerra Mundial.

El edificio que hoy es el Musée d’Orsay, antiguamente fue la Estación de tren d’Orsay, diseñada por Victor Laloux y construida en la orilla izquierda del Sena. Se inauguró el 14 de julio de 1900 para recibir la Exposición Universal por quinta vez en la historia de París. Para armonizar la estructura con la ciudad, el arquitecto creó un cascaron de piedra caliza para ocultar la estructura metálica de la estación, además, por las características de los trenes eléctricos, Laloux pudo crear una vidriera totalmente cerrada en el techo, un tragaluz enorme que le dio el aspecto de palacio de bellas artes según Edouard Detaille. Desafortunadamente para la estación, los avances tecnológicos hicieron obsoleta su estructura, ya que no podía recibir los nuevos trenes modernos. Se cerró y tras un acalorado debate en el que se expusieron un gran número de posibilidades, se decidió registrar al edificio en el inventario de Monumentos Históricos, y se oficializó su estado de monumento en 1978.

Tres arquitectos ganaron el concurso de arquitectura para convertir la vieja estación de trenes en el nuevo Musée d’Orsay: Pierre Colboc, Renaud Bardon y Jean-Paul Philippon. De la organización interior se hizo cargo la diseñadora italiana Gae Aulenti. La adecuación fue todo un macroproyecto como ningún otro hasta entonces, y se inauguró ya como Musée d’Orsay el 01 de diciembre de 1986 con la coleccion del anterior Museo de Luxemburgo.

# data[].attributes.body
Comparado con su hermano mayor, el Museo del Louvre, este museo es más pequeño, y esto es un beneficio ya que no tiene una estructura muy laberíntica por la que te puedas perder, puedes ubicar fácilmente las piezas que quieres ver y dar el recorrido completo con calma en un par de horas sin problema. Me gustó estar inmerso en una estructura tan impresionante, entre pequeñas islas de concreto que albergaban las obras. Su pacillo principal es espectacular, y el reloj de la antigua estación es sin duda un atractivo que te lleva a viajar en el tiempo a lo que fue antes este edificio.

La disposición de los espacios es extraña por no decir poco orgánica. Los cubículos se asemejan a los que montan las galerías en las ferias de arte internacionales, donde tienen que mostrar sus obras sin alterar demasiado las estructuras de los edificios. Y entiendo por que es así, también comprendo el reto que significa poner a convivir paredes blancas con ornamentos brillantes y techos altos con enormes tragaluces, pero no deja de parecer un mercadillo del arte si se ve desde el segundo piso.

# data[].attributes.body
los pasillos de los costados están pintados de azul, y en su mayoría exponen la que el museo presume es la colección más grande de pintura impresionista del mundo. Me gustó el juego de pisos de madera, paredes azules, luces cálidas y tragaluces cubiertos, hace que el recorrido sea mucho más intimo y para la vista es descansado que no todo brille entre blancos. Es una estrategia de montaje inteligente, ya que como bien sabemos, las pinturas impresionistas ya están suficientemente cargadas de información.

# data[].attributes.body
A continuación hablaré de la pintura más cautivadora para mi de todo el recorrido.

# data[].attributes.attachment_caption
Nuit d'été - Winslow Homer - 1890 - 76.5 cm x 102 cm - óleo sobre lienzo 

# data[].attributes.body
Esta es una pintura en la que converge lo gestual con el realismo y el simbolismo adoptando una paleta impresionista. La imagen me dejó sin palabras. El brillo de las olas producido por una luna fuera de cuadro, los cinco individuos a contraluz en la parte derecha, en segundo plano, y las doncellas en primer plano con una luz cálida apuntando a sus cuerpos; toda la construcción del cuadro me parece de ensueño. Es la visión americana de la cotidianidad y la naturaleza. Los cuerpos de las mujeres bailando se construyen con volúmenes a partir de claroscuro y manchas de pinceladas en bloque, pero precisas.

A pesar de que existe una evidente línea de horizonte, que se marca entre el agua del mar y el color plano del cielo, la perspectiva en esta pintura se construye a partir de la proporción y el tamaño de los personajes y los elementos; lo que está cerca es más grande, lo que está más lejos es más pequeño. Su composición está equilibrada visualmente. Las doncellas iluminadas en primer plano son un solo elemento brillante, que se equilibra con las cinco figuras negras de contornos que crean un contrapeso oscuro a ese bloque del primer plano. La simetría podemos verla si dividimos la pintura verticalmente entres áreas: el cielo, el mar y la tierra. Cada una de estas tres áreas tienen el mismo espacio, y si vemos las franjas con las que cortan la pintura en el costado izquierdo, son idénticas las medidas entre ellas. Si de énfasis y subordinación se trata, esta pintura es un grandioso ejemplo, ya que el pintor decidió subordinar a los demás personajes, resaltando el detalle de las doncellas y poniendo a los demás como sombras del paisaje, enfatizando nuestra mirada en ellas y en una segunda instancia en el mar.

Es importante mencionar que la pintura está llena de movimiento, con el oleaje y la danza de las dos mujeres, que se transmite en lo ondulado de sus faldas. Las líneas de contorno están bien demarcadas y la dirección de la mayoría de estas van de la parte superior izquierda a la inferior derecha: Las olas, el corte del suelo en segundo plano, los brazos de las damas, la sombra de sus cuerpos, la forma triangular de la masa de sombras del segundo plano. Es una pintura llena de poesía y preguntas para el espectador que la encuentre en el Musée d’Orsay.

# data[].attributes.body
Una de las cosas que me sorprendieron más de este recorrido, fue encontrar a La libertad iluminando el mundo de Frédéric-Auguste Bartholdi, el obsequio más famoso que le ha dado el pueblo francés al pueblo americano; claro está que esta era una versión mil veces más pequeña y n o como la que está en Nueva York.

# data[].attributes.headline
Visita la Iglesia Museo Santa Clara el 03 de noviembre de 2023

# data[].attributes.subject
Visita la Iglesia Museo Santa Clara el 03 de noviembre de 2023

# data[].attributes.body
Este museo es uno más dentro de la larga lista de edificio construidos con un propósito y adecuados para ser centros de carácter público con fines culturales y artísticos en Colombia; así como el Museo Nacional. Construido en 1647, fue hasta 1983 que la iglesia convento de las monjas clarisas fue entregada al Estado colombiano para convertirse en el Museo Santa Clara.

Se conservaron la mayoría de las características barrocas del edificio original, y lo que se hizo en líneas generales fue organizar sus paredes con más de 140 piezas, entre pinturas y figuras de madera. Los retablos, los murales y el embovedado son verdaderamente impresionantes, y en conjunto hacen que sea una de los edificios coloniales mas valiosos de Colombia.

# data[].attributes.body
El museo no es muy grande, la parte del edificio que está abierta al público se limita al corredor central donde están montadas la mayoría de las pinturas, así que el recorrido se limita a pasear por este espacio viendo todas las piezas con atención.

# data[].attributes.body
Una de las curiosidades más interesantes, es que en el segundo piso, detrás de esa reja de madera translucida, estaba el espacio de oración de las monjas de velo negro, las cuales se dedicaban únicamente a estudiar, leer, escribir, orar, y administrar el dinero. Por otro lado, las monjas de velo blanco, además de orar, debían cumplir con los demás oficios, como lo eran cocinar, limpiar, atender a las demás monjas y asistirlas en sus tareas.

Ximena mencionó un hecho importante aquí, y es que las monjas que entraban a este edificio, después de su juramento, no saldrían ni después de muertas, ya que sus cuerpos serían enterrados bajo la estructura.

# data[].attributes.body
Puede que las imágenes religiosas de la colonia no sean del gusto de todos, pero es impresionante como las personas analfabetas de esa época podían consumirá tantas imágenes y leer las historias que se representaban con símbolos y alegorías. El propósito de estas pinturas no era únicamente contemplativo, tampoco decorativo, era una forma de educar al vulgo de las colonias con la fe católica del imperio español y eso me parece una estrategia inteligente y muy efectiva.

Es por esta razón que la gran mayoría de los trabajos que se exhiben hoy en día de la época colonial no llevan firma de sus autores, ya que la concepción de artista el la época era concebida como la de artesano, y el concepto de autoría no era algo discutido: los artistas trabajaban los encargos y les cobraban a sus clientes como cualquier otra persona. Es por esto que muchas de estas pinturas tienen registros de haber costado verdaderamente poco, incluso siendo mucho más costoso el marco de la pintura que la propia obra.

# data[].attributes.body
Así como cada pintura cuenta una historia, una leyenda, la ausencia de las piezas y los huecos que dejan también cuentan un pasado de estos espacios. Aquí, en el pulpito central del espacio, falta una de las imágenes, y es que al momento de la adecuación parece que alguien la robó y nunca fue recuperada o reemplazada.

# data[].attributes.body
El recorrido es corto pero muy atractivo. Si te quedas intentado descifrar cada posición de manos y lo que significa es un ejercicio largo, ya que cada muro está lleno a todo lo que da, y el atractivo de este espacio es infinito, con la mezcla entre arquitectura, ornamentación y pintura. Sin embargo, recomiendo que se solicite el acompañamiento de un guía del museo, ya que hay tan poca información en el espacio, que podríamos perdernos de lo más interesante de cada obra si nadie nos dijera lo que representaba en la colonia. Con esto quiero resaltar que Ximena es por mucho la mejor acompañante que he tenido en cualquier museo de Colombia, fue una clase magistral de pintura colonial mas que un recorrido.

# data[].attributes.attachment_caption
El sueño del bachiller Cotrina - Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos (firmado) - 1668 (fechado) - 63 cm x 42 cm - óleo sobre tela 

# data[].attributes.body
Más que por la imagen, escogía esta pintura por su rareza, y es que podría ser de las únicas pinturas de este periodo que está fechada y firmada por el pintor que la realizó. Como mencioné arriba, esto era un comportamiento extremadamente raro en la colonia, y que esta lo tenga resulta fantástico, ya que resalta a un autor por sobre el centenar de "anónimos" que ocupan las colecciones de esta época.

El hombre de la parte inferior derecha es Juan Cotrina, que arrodillado en posición orante con las palmas juntas, mira la mano de la Virgen María, quien está sentada en un trono con dos ángeles a sus espaldas escotándola, vigilando al mortal. Es impresionante la figura de la Virgen María. Su vestido está ornamentado con todo tipo de patrones de colores rojo y dorado (los hilos de oro eran comunes en los ropajes reales de la época) el interior verde de su capa, su velo translucido fantásticamente pintado, y su corona de oro con piedras preciosas. Uno de los detalles más interesantes, y a mi forma de ver también escalofriantes, son las tres cabezas de los querubines en el ruedo de su falda, en la parte inferior.

La composición de la pintura tiene triángulos por todas partes, y el número tres se repite varias veces de distintas formas, simbolizando a la santísima trinidad. El cuerpo de la Virgen y el de Cotrina, juntos en bloque crean un triangulo evidente, así como el de la Virgen con sus dos ángeles a la espalda. Los querubines del vestido también son tres.

La simetría de la imagen también es evidente, la pintura es equilibrada tanto a la izquierda como a la derecha, el vestido de la Virgen es idéntico de ambos lados, sus dos ángeles son gemelos y ambos tienen la misma iluminación en segundo plano, el único elemento que rompe un poco con esto es Cotrina, pero no daña la composición ya que está subordinado a los pies de la Virgen, bajo la luz de ella, a sus pies, con un hábito negro que no compite en el campo visual del espectador.

Las líneas de perspectiva se muestran en el descansa brazos del trono de la Virgen, también cambiando la proporción y el tamaño de los ángeles para que se identifiquen como elementos que están detrás, más lejos, oscureciéndolos y dejándolos en penumbra. Los volúmenes se construyeron con sfumato y claroscuro, contrastando luces y sombras y difuminando las líneas de contarnos de todos los personajes y elementos de la pintura.

Según Ximena, nuestra guía, aquí no hay mucha libertad de interpretación debido a la función de las imágenes en la época colonial, y tiene toda la razón. Esta pintura fue un pedido de de Juan Cotrina al llegar a Santafé al pintor Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos, quien siguió al pie de la letra cada una de las descripciones del sueño a que había tenido este hombre.

# data[].attributes.headline
Visita al Museo Reina Sofía el 08 de noviembre de 2023

# data[].attributes.subject
Visita al Museo Reina Sofía el 08 de noviembre de 2023

# data[].attributes.body
Al igual que el Museo de Orsay en París, El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía está en un edificio que no se creo inicialmente para albergar un museo. Anteriormente, este edificio era el Hospital General de Madrid, una estructura neoclásica del siglo XVIII ubicada en el sector de Antocha, que se transformó en museo en 1992.

En contraposición con otros espacios adecuados para ser centros culturales y artísticos, este edificio con paredes limpias parece ser una decisión más que bien pensada para convertirse en museo de arte moderno y contemporáneo, ya que de por si, su estructura es la misma del conocido white cube de las galerías más tradicionales con esta línea curatorial.

La cronología de la colección exhibida en el Reina Sofía retoma el hilo del Museo del Prado, marcando, de forma curiosa, el año de nacimiento de Pablo Picasso (1881) cómo inicio. Es un museo monumental, inmenso, con más de 18.000 obras en su inventario (no exhibidas) y un constante cronograma de exposiciones itinerantes de nuevos artistas.

# data[].attributes.body
Son cuatro pisos de recorrido muy fáciles de seguir y encontrar, no me perdí en ninguna parte del museo y disfruté cada una de las salas.

# data[].attributes.body
Una de las particularidades de este museo es que la curaduría está pensada de forma distinta a lo tradicional, agrupando las obras en ocho secciones, salas, o como lo llaman ellos, "episodios":

Episodio 1: Territorios de vanguardia: la ciudad, arquitectura y revistas

Episodio 2: El pensamiento perdido

Episodio 3: Campo cerrado

Episodio4: Doble exposición: el arte y la Guerra Fría

Episodio 5: Los enemigos de la poesía: resistencias en América Latina

Episodio 6: Un barco ebrio: eclecticismo, institucionalidad y desobediencia en los ochenta

Episodio 7: Dispositivo 92. ¿Puede la Historia ser rebobinada?

Episodio 8: Éxodo y vida en común

# data[].attributes.body
Me encantó la exhibición de carteles publicitarios de la época

# data[].attributes.attachment_caption
Antropofagia - Miguel Ángel Rojas - 1979 - Gelatinobromuro de plata sobre papel (copia de la época) - Fotografía - Serie Faenza - 21 cm x 208 cm 

# data[].attributes.body
Encontrar una obra de uno de mis artistas colombianos favoritos en la colección del Reina Sofía, fue una verdadera alegría. Esta podría ser la obra más emblemática del artista en su paso por la fotografía. Es una serie tomada en el Teatro Faenza de la ciudad de Bogotá, que era conocido como el sitio de encuentro de la comunidad gay en a finales de los 70s y 80s.

Este es un ejemplo de fotografía como referencia de una imagen real, es fotografía documental, una serie expuesta en orden creando una narración fragmentada, con un orden claramente secuencial. Esta obra es testimonio y memoria, la dialéctica de contrarios entre la luz y la oscuridad, lo público y lo privado, con un carácter personal y autobiográfico del artista, donde importa más la oportunidad de disparo y la autenticidad que la construcción de escenarios editados y artificiales bien enfocados y encuadrados.

En Antropofagia se exhibe el instante en que dos personas del mismo sexo tienen un encuentro secreto y clandestino dentro del teatro. Lo curioso es que no hay solo dos personajes, un tercero se da cuenta de la presencia de Rojas y lo ahuyenta. Dentro de dos de las fotografías hay frases incluidas por el artista: "Antropofagia en las ciudades" y "minerales, productos vegetales y animales", lo que nos resalta el carácter conceptual que también carga la serie.

A pesar de ser tomas precipitadas, Rojas compone y encuadra a los personajes, divide la composición con una columna, que es el elemento más pesado visualmente, y destina toda su atención en documentar la interacción de los personajes.

Llega a ser poético justo como en un espacio público y accesible y regido sobre estas estructuras pesadas y rígidas, se anida y construye otra escena que se presenta como otra pantalla. El espectador de esta obra ve espectadores inmortalizados en el tiempo, a la espera de un encuentro que de alguna u otra manera les da vida entro de la multitud y la rutina. Al mismo tiempo, la visión subjetiva de las imágenes como encuadre fotográfico llena de emoción la escena y la hace repetirse una y otra vez. La exposición deja ver los movimientos, tanto del que es retratado como del que retrata.

https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/antropofagia-7

# data[].attributes.body
En el centro de Bogotá, en las cuadras que abraza la Biblioteca Luis Ángel Arango y la sociedad colombina de ingenieros, el MAMU o Museo de Arte Miguel Urrutia se alza desde el 2004.

El Museo de tres pisos, que evoca literalmente al "cubo blanco", cuenta con una exposición permanente ligada al Museo Botero, con el cual se conecta estructuralmente, con un espacio expositivo por convocatoria pública "el Parqueadero" y dos pisos destinados a exposiciones temporales. En un principio en el segundo piso se albergaba la exposición permanente, sin embargo, y debido a el crecimiento acelerado de la esfera artística en la capital desde el 2010, se destinaron ambos pisos para exposiciones de Arte Contemporáneo.

La exposición permanente del museo, hay que aclarar, no es propia de este, pues las obras de arte europeo y latinoamericano del siglo XX que la componen, pertenecen al Banco de la República.

El arquitecto, quien ganó el proyecto por convocatoria pública, Enrique Triana Uribe recibió en el 2006 el Premio Nacional de Arquitectura por este sobrio cubo blanco.

# data[].attributes.body
La exposición "Sembrar la duda: indicios sobre las representaciones indígenas en Colombia" es verdaderamente espectacular. Lo que primero llamó mi atención fue que alteraron la sala por completo, incluso las escaleras de ingreso al espacio de exposición fueron cubiertas por una estructura inmensa de bambú en forma de túnel. Las paredes blancas ahora eran verdes y se crearon espacios independientes con muros de barro para colgar más y más piezas que siguieran esta narrativa.

Amé los espacios interactivos y educativos, como el que estaba en la parte de afuera de la sala superior, donde podías dibujar con pigmentos naturales como lo suelen hacer estas comunidades en sus que haceres tradicionales. Todo era inmersivo, fue como entrar a una exposición y adentrarse en la historia olvidada de Colombia, saliendo del MAMU de alguna manera.

# data[].attributes.body
No podría haber imaginado una mejor manera de construir una macro muestra que no tiene como foco a los artistas, aquí lo importante no es la autoría de cada pieza, sino la construcción de una imagen general de lo indígena en nuestro país a lo largo de la historia reciente. Es por esto que las pinturas y las piezas que estaban exhibidas no tenías fichas técnicas, solo eran acompañadas las secciones con carteles complementarios, casi como notas a pie de página.