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En Colombia, destacan figuras como David Consuegra, fundador de un grupo de diseño en la Universidad de Bogotá. En Perú, Claude Dieterich es considerado el pionero del diseño gráfico moderno. En Venezuela, Gerd Leufert y M.F. Nedo son relevantes en el desarrollo del diseño gráfico. En México, José Guadalupe Posada y otros artistas han dejado una importante huella en la historia del diseño gráfico. En Cuba, Francisco Murtra y Felix Beltrán son referentes en litografía y cartelismo. En Argentina, Arnaldi, Valerian Guillard, Castagnino, Sabat, Quino y otros han dejado una marca significativa en el diseño gráfico. En Brasil, Aloisio Sergio Magalhaes y Alexandre Wollner son considerados pioneros en el diseño gráfico del país.

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11. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP

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11. INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP

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El Arte Pop, originario de Estados Unidos y desarrollado también en Inglaterra en los años 50, busca reflejar la vida urbana y la cultura de masas. Se inspira en objetos cotidianos de la sociedad consumista, como botellas de Coca-Cola, latas de cerveza, autos, cómics y personajes famosos. Emplea técnicas dadaístas, hiperrealistas y cubistas, con colores brillantes y vivos. Destacados artistas del movimiento incluyen a Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.

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10. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO

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10. PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL DISEÑO

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A lo largo de la historia, diversos movimientos artísticos han sido representados por destacados diseñadores. Aubrey V. Beardsley, conocido como "el discípulo del diablo", se destacó por su arte decadentista con influencias orientales y el uso predominante de espacios en blanco. Walter Crane fue un acuarelista y pintor precursor del Modernismo y del Art and Craft, que ilustró libros de cuentos infantiles.

Charles R. Mackintosh fue un arquitecto británico precursor del racionalismo, conocido por sus construcciones geométricas y la estilización de formas rectangulares con suaves curvas. William Nicholson fue pintor, impresor y diseñador de teatro, famoso por su técnica del woodcutting y su colaboración con los Hermanos de Beggerstaff.

Peter Behrens, inicialmente entrenado como pintor, fue un precursor del diseño que trabajó como consejero artístico para AEG en Berlín, creando la primera imagen corporativa del mundo y desempeñando un papel importante en la evolución del Modernismo alemán. Estos diseñadores contribuyeron significativamente al desarrollo de diversas corrientes artísticas y estilísticas en sus respectivas épocas.

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Tras la derrota del imperio alemán, diseñadores de la Bauhaus impulsaron un nuevo enfoque sobre la visión y la función del entorno visual. Consideraban que el diseño no debía reflejar una sociedad jerárquica, sino seguir leyes universales de la razón, independientes de la cultura tradicional.

Herbert Bayer, estudiante de la Bauhaus, dirigió el taller de tipografía e imprenta. Su enfoque era la funcionalidad y la geometría, creando una tipografía con formas de letras esenciales y universales. El tipo Universal diseñado por Bayer en 1925 se adaptó a la industria y tecnología, siendo compatible con técnicas de reproducción en masa y métodos racionalizados.

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Tras la derrota en la Primera Guerra Mundial, Alemania se convirtió en una república con la capital en Weimar, pero tuvo que enfrentar desafíos internos y externos para negociar la paz. La nación se desarrolló rápidamente hasta convertirse en la más industrializada y militarizada de Europa. Durante este tiempo, las artes prosperaron en Alemania, atrayendo a artistas como Diaghilev.

En medio del caos, hubo esperanza de crear un nuevo orden a través de un arte nuevo. Walter Gropius expresó su deseo de dirigir la escuela de Artes y Oficios de Weimar, que se convirtió en la famosa Bauhaus. Sin embargo, la ausencia de una república sólida en Alemania llevó a momentos utópicos y finalmente a la devastación infligida por los nazis.

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La pedagogía del diseño moderno se basa en la disposición repetitiva de signos según ciertas reglas de combinación. La teoría moderna del diseño se enfoca en organizar elementos geométricos y tipográficos mediante oposiciones formales, como ortogonal/diagonal, estático/dinámico o figura/fondo.

En la década de 1950 y 1960, Suiza fue el centro ideológico de la teoría moderna del diseño, donde la intuición se combinaba con ecuaciones racionalistas para lograr obras creativas. En los años 70, algunos diseñadores buscaron alternativas para personalizar el lenguaje moderno y crear una comunicación universal libre de valores, lo que se conoció como el proyecto Neomoderno. Este enfoque priorizó el poder y la capacidad penetrante de los lenguajes utilizados en lugar de limitarlos con vocabularios formales constructivistas.

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La Bauhaus, a través de Itten, Klee y Kandinsky, buscó el origen del lenguaje visual en geometrías básicas, colores puros y abstracción. La escuela se caracterizó por separarse de la historia y anhelar encontrar un punto de origen. En la Bauhaus se unieron diversas corrientes vanguardistas en diseño gráfico, publicidad y arquitectura.

El uso de la retícula y la psicología de la Gestalt fueron fundamentales en la enseñanza básica del diseño. Los libros de Klee y Kandinsky introdujeron la gramática de la escritura visual. Kandinsky intentó probar una correlación universal entre el color y la geometría con su famosa serie, aunque su validez es discutida actualmente.

La forma estructural dominante en la Bauhaus fue la retícula, que articula el espacio mediante oposiciones. La psicología de la Gestalt promovió la visión como una facultad autónoma y racional, mostrando cómo las figuras emergen sobre un fondo neutro.

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5. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX

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5. LA INDUSTRIALIZACIÓN DE LAS ARTES GRÁFICAS. SIGLO XX

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El siglo XIX vio el desarrollo de nuevas tecnologías de impresión y composición, lo que llevó a la automatización y especialización en las artes gráficas. Surgieron especialistas en diferentes fases del proceso de impresión.

La tecnología pasó de lo manual a lo mecánico y automático, abriendo un mercado masivo para el material impreso. La demanda creció, impulsada por la publicidad y el uso del cartel publicitario se recuperó.

En el siglo XX, el Art Nouveau o Modernismo rechazó los estilos históricos y se convirtió en el arte dominante, influyendo en el diseño gráfico. La tecnología proporcionó nuevos medios para ilustradores y diseñadores.

Las influencias del Modernismo en el diseño gráfico llevaron a desechar los estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a un estilo alternativo y moderno con nuevas tipografías mecánicas.

La revolución industrial inspiró principios arquitectónicos aplicados a las artes gráficas, lo que llevó a estilos asimétricos y no tradicionales en el diseño modernista.

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4. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX

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4. LONDRES Y PARÍS, CAPITALES DEL DISEÑO GRÁFICO COMERCIAL DEL SIGLO XIX

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En 1814, se inaugura la era de la mecanización de la industria de impresión con la máquina semiautomática de Friedrich Köenig, seguida por la linotipia. Esto permitió ampliar los formatos de papel y letras.

En el siglo XIX, se crean diferentes tipologías de letras, como las Finas, Negras, Supernegras, Estrechas y Anchas, además de familias como las Egipcias, Antiguas y la escritura Inglesa.

La Revolución Industrial impulsó el comercio y el diseño gráfico. Se crearon los sellos de correos y se adoptó el grabado calcográfico como estilo propio. El uso del papel moneda también surgió. La publicidad directa comenzó a ser una estrategia propagadora, y se utilizó la figura femenina como un símbolo atractivo.

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En el siglo XVIII, la lectura se convierte en una necesidad para las clases superiores, lo que impulsa la venta de libros. Los periódicos se convierten en una gran invención y se difunden desde principios del siglo. En 1730, aparece en Londres el primer diario comercial con anuncios de ofertas y demandas.

El uso de la publicidad repetitiva se manifiesta en los impresos que reproducen rótulos de establecimientos con una argumentación publicitaria completa. Además, se introducen carteles murales pequeños con xilografías ilustradas.

En este siglo, se crean escuelas técnicas y de artes aplicadas para formar especialistas en diseño textil y artes gráficas. La imagen se utiliza como complemento del texto en la Enciclopedia.

En el aspecto tipográfico, se crean diversos tipos de letras, destacándose el Bodoni y el alfabeto arquitectónico de Steingrüber.

La Revolución Francesa de 1789 establece una sociedad igualitaria y la libertad de prensa, convirtiendo a los diarios en productos de consumo masivo.

La propaganda política introduce la caricatura y la sátira como elementos gráficos para luchar contra las formas despóticas de poder, ridiculizándolas sin perder su contenido original político, social o religioso.

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En este siglo, se dio un estilo homogéneo a todas las manifestaciones artísticas y se utilizó una nomenclatura metafórica que relegó la arquitectura a favor de la tipografía. El arquitecto Peter Behrens destacó que el tipo (la letra) era un medio elocuente de expresión y un testimonio del nivel intelectual de una nación, próximo a la arquitectura.

La caligrafía sufrió un declive y se convirtió en un estilo ornamental, pero su desviación aportó un conjunto visual que la publicidad futura incorporó en su repertorio lingüístico.

En la evolución de las etiquetas de productos comerciales, el texto, el ornamento y la ilustración se fueron incorporando sucesivamente, y la imagen comenzó a valorarse como complemento del texto. Aunque el mensaje publicitario aún estaba dirigido a sectores privilegiados, se agregó un nuevo valor: la imagen de identidad.

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1.ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI

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1.ASPECTOS IMPORTANTES ACONTECIDOS EN EL SIGLO XVI

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En la historia, dos factores importantes fueron la censura de imprenta en 1543 y el renacimiento de la caligrafía. La imprenta perdió su creatividad y se volvió conservadora, mientras que la caligrafía italiana se difundió por Europa.

Claude Garamond y Jhon Baskerville fueron destacados diseñadores de tipos. Garamond se destacó por la calidad y armonía de sus diseños, mientras que Baskerville innovó en la tipografía inglesa con papel satinado y espaciado entre líneas.

La gran producción de libros en el siglo XVI llevó a la decadencia del grabado xilográfico y al uso del grabado calcográfico sobre plancha de metal. Esto tuvo un impacto en la producción de libros y grabados de la época.