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El tema en el que voy a hacer mi enfoque de obras es el color. Considero que el color es la estructura principal de toda pieza de arte. Encuentro cierta fascinación en entender la teoría del color, siento que me permite ampliar mis habilidades de observación al analizar una obra. El uso que el artista le da a su paleta de colores es lo que define el impacto que va a tener su pieza. Me gusta entender el color como una ilusión óptica o una percepción que cambia dependiendo de la cantidad de luz que absorbe un objeto, ya que estos poseen la característica de absorber ciertas partes del espectro lumínico.  La luz que no es absorbida, rebota remite los estímulos de color llegando al ojo, produciendo la sensación de color. Estos aspectos son los que me llevan a elegir el tema del color. Éste tiene muchas variaciones y permite al artista jugar con las percepciones, con la luz y con los espacios.

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El Bisonte de Altamira es una pieza de arte rupestre creada alrededor de 25,000 años a. C. En el periodo conocido como magdaleniense.  La pieza está en Cantabria, España en las cuevas de Altamira, donde se encuentran miles de pinturas en los techos y paredes incluyendo el bisonte. Para pintarla, se usó la técnica de grabado y  pigmentación mineral mezclado con grasa animal. La cueva fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1985. Podemos ver los relieves de la piedra, dándole movimiento y textura a la pieza. En la pintura el bisonte tiene apariencia de bloque ya que es un animal corpulento, sin poner tanto detalle en sus rasgos faciales y concentrándose más en la figura corporal. Vemos que la cara del bisonte es pequeña y mira hacia abajo, dándole protagonismo a la joroba del animal. Por otro lado, las patas delgadas, casi esqueléticas, van en contra de la estructura de bloque del bisonte.  El artista las muestra en primer plano, un poco más adelante hacia el espectador.

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Gudea de Lagash es una escultura mesopotámica creada alrededor de 2130 a.C.

Gudea fue patesi de la ciudad-estado sumeria de Lagash. En Mesopotamia los gobernadores o alcaldes eran llamados patesi. El territorio liderado por Gudea incluía la antigua ciudad de Girsu, donde se encontró probablemente esta escultura. El patesi gobernó la ciudad-estado de Lagash durante el periodo sumerio a finales del III milenio a.C. Durante el Renacimiento sumerio en Mesopotamia, la cual se considera la civilización más antigua de la historia, extendiéndose en la zona de los ríos Tigris y Eúfrates. En la pieza, podemos ver a Gudea sentado en un trono con sus largas manos cruzadas sobre las rodillas. Tiene la mirada al frente y lleva puesta una túnica con unos signos cuneiformes grabados en ésta. Es una escultura que está tallada en un solo bloque de diorita, un material que era reservado para los líderes y personajes de alto rango por su cáracter duradero. La diorita es una piedra normalmente oscura y bastante dura, lo cual dificulta su talla. Actualmente podemos encontrar la escultura en el Museo del Louvre, localizado en París, Francia. Se puede observar que los ojos son almendrados y muy abiertos, dándoles protagonismo. Las cejas finas, y una estructura facial cuadrada. El color oscuro de la estatua tiene un papel muy importante en cómo se percibe la obra. El juego de luz de la estatua hace que ciertos aspectos de la obra sobresalgan o disminuyan. Las sombras y la luz crean textura y movimiento en la pieza.

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Análisis Comparativo: Dios del Cabo Artemisio-Eros y Psique

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Análisis Comparativo: Dios del Cabo Artemisio-Eros y Psique

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Se puede observar en las dos obras que hay un elemento de enfoque hacia la juventud y la divinidad de ésta, así como cuerpos desnudos atléticos y musculosos. Las obras son muy expresivas corporalmente, lo cual invita al observador a cuestionarse acerca del significado y contexto de las piezas. El Dios del Cabo Artemisio es una escultura que hace parte del arte griego clásico y está hecha en bronze, a diferncia de la escultura de Eros y Psique que pertenece al arte griego helenístico y está hecha de mármol blanco. La pieza de Eros y Psique contiene un elemento más drámatico por la forma en que los cuerpos se relacionan físicamente en la obra y por los movimientos orgánicos y sensuales de éstos. Por ejemplo, se ve que Eros está a punto de darle un beso a Psique mientras la abraza con un brazo tapándole el busto y el otro sosteniéndole la cabeza. Psique tiene sus brazos alzados, tocándole la cabeza a Eros. No sobra mencionar que a pesar del dramatismo corporal de ésta obra, las expresiones faciales de Eros y Psique son neutras y poco detalladas, tratando de enfocarse en la belleza de unas caras jóvenes y bellas. Por otro lado, en la escultura del Dios del Cabo Artemisio, se puede observar cierta rigidez en la forma corporal, transmitiendo poder, estabilidad y autoridad, a diferencia de Eros y Psique que, al tener movimientos más orgánicos, transmite vulnerabilidad y afecto. Otro elemento que resalta en la obra del Dios del Cabo Artemisio, es que la cara no tiene ojos, se encuentran huecos en donde se supone que éstos van. Las dos obras se relacionan por ciertos elementos como la apreciación hacia la juventud y la inexpresión facial, a pesar de pertenecer a periodos diferentes del arte griego.

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Ésta obra que actualmente se encuentra en el Museo Palazzo dei Conservatori en Roma, fue realizada como una representación de imagen de poder del emperador Marco Aurelio, quien a pesar de estar vestido de militar por su manto de soldado sobre la túnica que lleva puesta y las botas de patricio, se puede ver que no lleva armas. Es una escultura originalmente de color ocre porque está hecha en bronce, sin embargo, ha desarrollado unas tonalidades verdes muy marcadas gracias al paso del tiempo y al deterioro. En cuanto a la composición de la pieza, se pueden observar carácterísticas como la posición del brazo del emperador, junto con la pata flexionada del caballo, la barba y el cabello rizados del soldado, las cuales crean un clarooscuro. Los pliegues y texturas de la túnica y el manto crean diferentes perspectivas lumínicas que cambian dependiendo del ángulo del cual se esté observando la obra y la cantidad de luz que ésta reciba. Es claro que el color de la escultura se ha aclarado drásticamente por el surgimiento del color verde del metal. Por ésta razón, la obra ha tenido un cambio de remición y transmitación de estímulos de color al ambiente general, lo cual significa que, en la actualidad, se pueden percibir nuevos detalles y carácterísticas y el observador puede desarrollar nuevas interpretaciones e imágenes al momento de contemplar la obra.

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Esta pieza de arte perteneciente al Imperio Bizantino, se encuentra en la iglesia se Santa Sofía en Turquía. El mosaico de la emperatriz es un fragmento de una obra mucho más grande, coenctada al resto de los mosaicos de la iglesia. Zoe fue la última reperesentante de la dinastía macedónica  entre los años 978 y 1050 d.C. Se puede observar que el color predominante en la obra es el dorado, el cual es asociado con poder y riqueza. Por otro lado, se ven los colores rojo y verde, que son complementarios y atrapan la mirada del observador por la alta vibración que se crea entre ellos, especialmente sobre la superficie dorada. Otro elemento que sobresalta en la pieza es la aureola que rodea la cabeza de la emperatriz. Hoy en día hacen referencia a los santos o mártires, sin embargo, en el Imperio Bizantino no solo se le ponían a los santos y mártires, sino también a los Papas y reyes, lo cual da a entender que la Emperatriz es un personaje importante. A pesar de la belleza de la obra, los artistas en el periodo Bizantino no tenían libertad y debían seguir los parámetros artísticos de la iglesia. Por último, se observa entre las figuras geométricas de la túnica y la corona de la emperatriz los colores plateado y el blanco, los cuales hacen que la obra sobresalte y  contrasta con los otros elementos cromáticos de ésta. Claramente el protagonista de la obra es el color, se puede ver cierta rigidez en la estructura corporal de la Emperatriz, sin embargo, simbólicamente es una pieza muy expresiva ya que los colores son los que le dan importancia y representación al mosaico.

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Análisis Comparativo: Iglesia de San Trófimo de Arles y Catedral de Colonia 

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Análisis Comparativo: Iglesia de San Trófimo de Arles y Catedral de Colonia 

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La Iglesia de San Trófino ubicada en la cuidad de Arlés al sureste de Francia se origina en el año 606 y se cree que puede estar dedicada a San Esteban. En la portada de la iglesia se puede encontrar una iconografía la cual hace referencia al Juicio Final de la Catedral de Tudelano en Navarra, un tema muy común en las portadas románicas. Por otro lado, la Catedral de Colonia, obra arquitectónica iniciada en 1248 y culminada en 1880 es testimonio de la perdurabilidad de la fe cristiana en Europa, tomando en consideración que su realizamiento duró siete siglos. En 1248 el arzobispo Konrad von Hochstaden mandó a iniciar las obras de la catedral con el propósito de honrar las reliquias de los tres Reyes Magos. El estilo gótico de la Catedral es sobresaliente, razón por la cual la construcción de ésta fue notoriamente compleja y se terminó en 632 años. En cuanto a las similitudes de las obras arquitectónicas se puede decir que las dos poseen un alto detalle y complejidad estructural y la decoración ornamental de ellas tienen un parecido notorio. Sin embargo, el color y significado de las obras son bastante diferentes ya que la Iglesia de San Trófimo hace referencia y se enfoca en la representación de la religión cristiana y podemos ver que todas las escenas de la portada son símbolos de ésta religion. Por otro lado, la Catedral de Colonia a pesar de ser también una estructura religiosa cristiana, no tiene como característica mostrar de manera arquitectónica escenas religiosas sino que se enfoca en un aspecto ornamental estético. Para complementar, la Catedral de Colonia es oscura y robusta, se puede decir que cuando entra en juego con la luz, hace un contraste mas pálido, mientras que por la luminosidad de la Iglesia de San Trófimo, la luz hace que se cree un patrón de colores vibrantes y brillantes.

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Análisis Comparativo: El nacimiento de Venus y La Virgen con el niño

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Análisis Comparativo: El nacimiento de Venus y La Virgen con el niño

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El nacimiento de Venus, pintado entre 1485 y 1486 por Sandro Botticelli fue el primer cuadro en tela pintado en Tuscania, Italia. En el Renacimiento, se desarrolló una nueva forma de representar los mitos de la Antigüedad Clásica y ésta pieza es la evidencia. En este cuadro se representa la historia del nacimiento de Venus, una diosa pagana y la fluidez tan orgánica de la pieza muestra delicadeza y fertilidad. Podemos ver el que el cuello de Venus es algo desproporcionado el cual sostiene la cabeza la cual está inclinada hacia la izquierda mientras que la cadera está dirigida hacia la derecha, creando una línea orgánica en la composición de su cuerpo. Por otro lado, la obra de La Virgen con El Niño creada por Jean Fouquet en Francia en 1458 es una representación cristiana de la Virgen y la pieza fue considerada excepcionalmente original en el contexto de la pintura francesa de la época. La pintura está hecha en óleo sobre tabla, cabe resaltar que Fouquet representa los tonos de piel tan blancos que hasta pueden parecer traslúcidos y el uso tan preciso de los colores hace que la obra tenga un protagonismo geométrico armónico. Las dos obras representan una figura femenina y en cuanto a la composición de color de éstas, se puede resaltar que el uso de colores complementarios y uso de contraste son sobresalientes. Los dos cuadros poseen una estructura armoniosa y delicada la cual es proporcionada principalmente por el matiz, el valor y el brillo de los colores. Sin embargo, en La Virgen con en el niño, se puede decir que los colores pertenecen al mismo espectro lumínico, razón por la cual El nacimiento de Venus es una obra más brillante en cuanto al color.

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La Primavera es una obra renacentista hecha por Sandro Boticelli en el año 1482. Está llena de simbolismo mitológico haciendo referencia a los dioses, diosas y ninfas. La composición de la pieza es armónica y la mezcla de los contrastes de color, el claroscuro y los colores brillantes, crea un equilibrio visual el cual permite que el espectador pueda enfocarse en el dramatismo de la puesta en escena que Boticelli creó. La obra es bastante simétrica y podemos ver que el uso de colores cálidos brillantes como el rojo de las prendas hace que la mirada se fije inmediatamente en los personajes que las llevan. Por otro lado, es sobresaliente el uso del blanco para crear transparencia en ciertas prendas, esto transmite delicadeza y crea un efecto de profundidad de realismo ya que el espectador puede apreciar la figura corporal debajo de las telas. Cabe resaltar que el claroscuro crea profundidad en la imagen y a través del uso de colores brillantes en las flores y frutas que la rodean, se puede entender la composición fácilmente.

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Esta obra de barroco pintada por Peter Paul Rubens en el año 1618 en Flandes posee un dramatismo excepcional y el dinamismo de la escena hace que sea orgánico visualmente. La composición de la pieza hace que sea fácil para el espectador identificar lo que está pasando en la puesta en escena y junto con las expresiones corporales y faciales se logra una fluidez muy armónica a pesar del dramatismo de la imagen. Por otro lado, la mezcla de colores es sobresaliente y se crea un juego le luz y profundidad. Los grises, amarillos, verdes y rojos se roban el espectáculo pictórico y se incorporan en la escena de tal manera que permiten que se cree un nivel de detalle impresionante para que aspectos físicos como la piel, el cabello, la ropa y los rasgos bruscos de los caballos se vean lo más realistas posible.

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Esta obra hecha en 1873 por William-Adolphe Bouguereau en Francia es una puesta en escena juguetona y coqueta, con las ninfas rodeando al sátiro de manera muy traviesa. De esta imagen podemos percibir lo que es casi como un baile gracias a los movimientos tan orgánicos de las ninfas y se puede ver fácilmente el dramatismo que transmite el sátiro. Por otro lado, los colores de la obra juegan un papel muy importante en la iconografía y ambiente de la imagen. En primer lugar, el uso de luz hace que la escena se vea muy angelical y pura, los contrastes de marrón en la parte inferior de la obra crea profundidad y contraste  y los azules, verdes y amarillos se mezclan de manera sobresaliente para crear detalle en el fondo de la imagen como lo que es la naturaleza sin quitarle protagonismo a los personajes pero contribuyendo a crear una atmósfera íntima en la pieza. Por último podemos ver que los amarillos y blancos son predominantes en las ninfas y crean una textura más delicada en las pieles, a diferencia del sátiro, que tiene el marrón como factor predominante y lo hace más robusto.

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Esta obra hecha por el pintor Claude Monet en el año 1881 es un magnífico ejemplo del impresionismo en todo su fervor; el uso de la teoría del color tiene el protagonismo y hace que la obra tenga una composicón y un manejo de luz excepcional. La mezcla de los colores brillantes como el blanco y el amarillo generan la una ilusión impecable de luz solar y a través del uso de grises y azules se crea la ilusión de sombra. Es impresionante como a través del color esta obra logra transmitir sensaciones y sentimientos como frescura, tranquilidad y calor. Por otro lado, el tono de piel del pequeño niño coincide perfectamente con la dirección lumínica y vemos que al estar parado al lado de un arbusto en un día soleado, los colores anaranjados y rosados de su piel logran crear una coherencia en el sentido de la composicón de luz del sol y sombra del arbusto. Para complementar, es admirable la profundidad creada en la obra, hecha a partir de la mancha y de brochazos. Por último, los tonos verdes de las flores y naturaleza junto con los azules sutiles se complementan para crear un juego de brillo y vibración y dar la ilusión de detalle solo con el uso de brochazos orgánicos.

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Análisis Armonía en rojo, Henri Matisse

Esta obra realizada por Henri Matisse en el año 1908 es un ejemplo de la revolución artística que se llevó a cabo en el siglo XX. En primer lugar podemos notar que la perspectiva de la pieza no es tradicional en cuanto a la verosimilitud del ángulo de ciertos objetos como las sillas y la mesa junto con el fondo. Para la época, salirse del perfecciono de técnicas artísticas tradicionales era una rebeldía y era considerado un irrespeto hacia el arte, por ende, artistas como Matisse no fueron tomados en serio con el arte que producían ya que se creía que les faltaba talento y conocimiento, sin embargo, Matisse y muchos más artistas de vanguardia eran completamente capaces de crear arte tradicional pero decídian no hacerlo. En cuanto al color de la obra, cabe destacar que los diferentes tono de rojo crean inconformidad ya que es un color que se relaciona con la sangre y la guerra. Por otro lado, podemos notar que los colores otros colores principales de la obra son azul y amarillo, es importante destacar éstas observaciones ya que al usar colores primarios planos en la pieza, Matisse logra crear un juego de brillantes y complementarios y de esa manera poder resaltar vibrantemente el verde del paisaje en la esquina superior izquierda. Con toda esta información en mente podemos entender por qué ésta es una obra que a pesar de carecer de perspectiva, es una prueba de la sabiduría y conocimiento de Matisse.